Historia de la música
Definición
La música se encuentra en todas las culturas conocidas, pasadas y presentes, que varían ampliamente entre los tiempos y los lugares. Dado que todas las personas del mundo, incluidos los grupos tribales más aislados, tienen una forma de música, se puede concluir que es probable que la música haya estado presente en la población ancestral antes de la dispersión de los seres humanos en todo el mundo. En consecuencia, la música puede haber existido durante al menos 55,000 años y la primera música pudo haberse inventado en África y luego evolucionó para convertirse en un componente fundamental de la vida humana.
La música de una cultura está influenciada por todos los demás aspectos de esa cultura, incluida la organización y la experiencia social y económica, el clima y el acceso a la tecnología. Las emociones y las ideas que expresa la música, las situaciones en las que se reproduce y se escucha la música, y las actitudes hacia los músicos y compositores varían según las regiones y los períodos. La "historia de la música" es el subcampo distinto de la musicología y la historia que estudia la música (particularmente la música de arte occidental) desde una perspectiva cronológica.
Eras de música
Música prehistórica
La música prehistórica, una vez más comúnmente llamada música primitiva, es el nombre dado a toda la música producida en las culturas preliterarias (prehistoria), comenzando en algún lugar de la historia geológica tardía. La música prehistórica es seguida por la música antigua en la mayor parte de Europa (1500 aC) y más tarde por la música en las áreas posteriores influenciadas por Europa, pero todavía existe en áreas aisladas.
Por lo tanto, la música prehistórica incluye técnicamente toda la música del mundo que existía antes del advenimiento de las fuentes históricas actualmente existentes relacionadas con esa música, por ejemplo, la música nativa americana tradicional de las tribus preliterarias y la música aborigen australiana. Sin embargo, es más común referirse a la música "prehistórica" de los continentes no europeos, especialmente la que aún sobrevive, como la música tradicional, indígena o tradicional. El origen de la música es desconocido ya que ocurrió antes de la historia grabada. Algunos sugieren que el origen de la música probablemente proviene de sonidos y ritmos naturales. La música humana puede hacer eco de estos fenómenos usando patrones, repetición y tonalidad. Incluso hoy en día, algunas culturas tienen ciertos ejemplos de su música con la intención de imitar sonidos naturales. En ciertas ocasiones, esta característica está relacionada con creencias o prácticas chamánicas. También puede servir para funciones de entretenimiento (juegos) o prácticas (atraer a los animales en la caza).
Es probable que el primer instrumento musical fuera la voz humana en sí misma, que puede hacer una gran variedad de sonidos, desde cantar, tararear y silbar hasta hacer clic, toser y bostezar. En cuanto a otros instrumentos musicales, en 2008 los arqueólogos descubrieron una flauta de hueso en la cueva Hohle Fels cerca de Ulm, Alemania. Considerada de unos 35,000 años de antigüedad, la flauta de cinco orificios tiene una boquilla en forma de V y está hecha de un hueso de ala de buitre. Las pipas de madera conocidas más antiguas fueron descubiertas cerca de Greystones, Irlanda, en 2004. Un pozo revestido de madera contenía un grupo de seis flautas hechas de madera de tejo, de entre 30 y 50 cm de largo, afiladas en un extremo, pero sin orificios para los dedos. Es posible que una vez se hayan atado juntos.
Se ha sugerido que la "Divje Babe Flute", un fémur de oso cavernario que data de aproximadamente 43.500 años de antigüedad, es el instrumento musical más antiguo del mundo y fue producido por neandertales. Sin embargo, las afirmaciones de que el fémur es de hecho un instrumento musical son impugnadas por teorías alternativas, incluida la sugerencia de que el fémur pudo haber sido roído por los carnívoros para producir agujeros.
Música antigua
Se considera que la edad prehistórica terminó con el desarrollo de la escritura, y con ella, por definición, la música prehistórica. "Música antigua" es el nombre dado a la música que siguió. La "canción más antigua conocida" fue escrita en cuneiforme, que data de hace 3400 años de Ugarit. Fue descifrado por Anne Draffkorn Kilmer, y se demostró que estaba compuesto en armonías de tercios, como el gymel antiguo , y también se escribió usando una afinación pitagórica de la escala diatónica. El ejemplo más antiguo que queda de una composición musical completa, incluida la notación musical, de cualquier parte del mundo, es el epitafio de Seikilos.
Tubos dobles, como los utilizados por los antiguos griegos, y gaitas antiguas, así como una revisión de dibujos antiguos en jarrones y paredes, etc., y escrituras antiguas (como en Aristóteles, Problemas, Libro XIX.12) que describen las técnicas musicales de la época, indican polifonía. Una tubería en los pares aulos (flautas dobles) probablemente sirvió como un zumbido o "nota clave", mientras que el otro jugó pasajes melódicos. Instrumentos, como la flauta de siete agujeros y varios tipos de instrumentos de cuerda, han sido recuperados de los sitios arqueológicos de la civilización del valle del Indo.
La música clásica india ( marga ) se puede encontrar en las escrituras de la tradición hindú, los Vedas. Samaveda, uno de los cuatro vedas, describe la música en detalle.
Ravanahatha (ravanhatta, rawanhattha, ravanastron o ravana hasta veena) es un violín arqueado popular en el oeste de la India. Se cree que se originó entre la civilización Hela de Sri Lanka en la época del Rey Ravana. Este instrumento de cuerda ha sido reconocido como uno de los instrumentos de cuerda más antiguos de la historia mundial.
La historia del desarrollo musical en Irán (música persa) se remonta a la época prehistórica. Al gran rey legendario, Jamshid, se le atribuye la invención de la música. La música en Irán se remonta a los días del imperio elamita (2500-644 aC). Documentos fragmentarios de varios períodos de la historia del país establecen que los antiguos persas poseían una elaborada cultura musical. El período de Sassanid (AD 226-651), en particular, nos ha dejado amplia evidencia que apunta a la existencia de una vida musical animada en Persia. Los nombres de algunos músicos importantes como Barbod, Nakissa y Ramtin, y los títulos de algunas de sus obras han sobrevivido.
La era de la música antigua también puede incluir música contemporánea pero tradicional o folklórica, incluyendo música asiática, persa, india, judía, griega, romana, de Mesopotamia, egipcia y musulmana.
Grecia
La historia escrita griega se remonta a la Grecia antigua y fue una parte importante del teatro griego antiguo. En la antigua Grecia, coros mixtos se realizaban por entretenimiento, celebración y motivos espirituales. Los instrumentos incluían los aulos de doble lengüeta y el instrumento de cuerda pulsada, la lira, especialmente el tipo especial llamado kithara. La música era una parte importante de la educación en la antigua Grecia, y a los niños se les enseñaba música a partir de los seis años.
Período bíblico
Según el Diccionario de la Biblia de Easton, Jubal fue nombrado por la Biblia como el inventor de los instrumentos musicales (Génesis 4:21). Los hebreos fueron muy dados al cultivo de la música. Toda su historia y literatura ofrecen abundantes pruebas de esto. Después del Diluvio, la primera mención de la música está en el relato de la entrevista de Labán con Jacob (Génesis 31:27). Después de su paso triunfal del Mar Rojo, Moisés y los hijos de Israel cantaron su canción de liberación (Éxodo 15). Pero el período de Samuel, David y Salomón fue la edad de oro de la música hebrea, como lo fue de la poesía hebrea. La música se cultivó sistemáticamente por primera vez. Fue una parte esencial del entrenamiento en las escuelas de los profetas (1 Samuel 10: 5). Ahora surgió también una clase de cantantes profesionales (2 Samuel 19:35, Eclesiastés 2: 8). El Templo de Salomón, sin embargo, fue la gran escuela de música En la conducción de sus servicios se emplearon constantemente grandes bandas de cantantes entrenados y jugadores en instrumentos (2 Samuel 6: 5; 1 Cr. 15:16; 23; 5; 25: 1-6). En la vida privada, también la música parece haber ocupado un lugar importante entre los hebreos (Eclesiastés 2: 8; Amós 6: 4-6; Is. 5:11, 12; 24: 8, 9; Ps. 137; Jer. 48). : 33, Lucas 15:25).
Los estudiosos de la música y del teatro que estudian la historia y la antropología de la cultura semita y judeocristiana temprana, también descubrieron vínculos comunes entre la actividad teatral y musical en las culturas clásicas de los hebreos y las de las culturas posteriores de griegos y romanos. El área común de actuación se encuentra en un "fenómeno social llamado letanía", una forma de oración que consiste en una serie de invocaciones o súplicas. El Journal of Religion and Theatre señala que, entre las primeras formas de letanía, "la letanía hebrea estuvo acompañada por una rica tradición musical".
- Mientras que Génesis 4.21 identifica a Jubal como el "padre de todos como manejar el arpa y la pipa", el Pentateuco guarda casi silencio acerca de la práctica y la instrucción de la música en los comienzos de la vida de Israel. Luego, en I Samuel 10 y los textos que siguen, sucede algo curioso. "Uno encuentra en el texto bíblico", escribe Alfred Sendrey, "un surgimiento repentino e inexplicable de grandes coros y orquestas, que consiste en grupos musicales completamente organizados y entrenados, lo que sería prácticamente inconcebible sin una larga y metódica preparación". Esto ha llevado a algunos estudiosos a creer que el profeta Samuel fue el patriarca de una escuela que no solo enseñó profetas y hombres santos, sino también músicos de rito sagrado. Esta escuela de música pública, tal vez la más antigua de la historia registrada,
Música antigua
La música antigua es música de la tradición clásica europea desde la caída del Imperio Romano, en el 476 dC, hasta el final de la época del Barroco a mediados del siglo XVIII. La música dentro de este enorme lapso de tiempo fue extremadamente diversa, abarcando múltiples tradiciones culturales dentro de una amplia área geográfica; muchos de los grupos culturales a partir de los cuales se desarrolló la Europa medieval ya tenían tradiciones musicales, de las cuales se sabe poco. Lo que unificó estas culturas en la Edad Media fue la Iglesia Católica Romana, y su música sirvió como punto focal para el desarrollo musical durante los primeros mil años de este período.
Música de arte occidental
Música medieval
Si bien la vida musical fue indudablemente rica en la época medieval, como lo atestiguan las representaciones artísticas de instrumentos, escritos sobre música y otros discos, el único repertorio de música que ha sobrevivido desde antes de 800 hasta la actualidad es la música litúrgica de canto llano del La Iglesia Católica Romana, la mayor parte de la cual se llama canto gregoriano. Papa Gregory I, que dio su nombre al repertorio musical y puede haber sido un compositor, se afirma generalmente para ser el autor de la parte musical de la liturgia en su forma actual, aunque las fuentes que dan detalles sobre su contribución datan de más de cien años después de su muerte. Muchos estudiosos creen que su reputación ha sido exagerada por la leyenda. La mayor parte del repertorio de canto fue compuesto anónimamente en los siglos transcurridos entre la época de Gregorio y Carlomagno.
Durante el siglo IX se produjeron varios desarrollos importantes. En primer lugar, hubo un gran esfuerzo por parte de la Iglesia para unificar las muchas tradiciones de canto y suprimir a muchos de ellos a favor de la liturgia gregoriana. En segundo lugar, se cantó la música polifónica más antigua, una forma de canto paralelo conocido como organum. En tercer lugar, y de mayor importancia para la historia de la música, la notación se reinventó después de un lapso de unos quinientos años, aunque pasarían varios siglos antes de que un sistema de notación de tono y ritmo evolucionara teniendo la precisión y flexibilidad que los músicos modernos dan por hecho.
Varias escuelas de polifonía florecieron en el período posterior a 1100: la escuela de San Martum de organum, cuya música a menudo se caracterizaba por una parte que se movía rápidamente sobre una sola línea sostenida; la escuela de polifonía Notre Dame, que incluía a los compositores Léonin y Pérotin, y que produjo la primera música para más de dos partes alrededor de 1200; el crisol musical de Santiago de Compostela en Galicia, un destino de peregrinación y sitio donde músicos de muchas tradiciones se reunieron a finales de la Edad Media, cuya música sobrevive en el Codex Calixtinus; y la escuela de inglés, cuya música sobrevive en los Fragmentos de Worcester y en el Manuscrito de Old Hall. Junto a estas escuelas de música sacra se desarrolló una vibrante tradición de canción secular, como se ejemplifica en la música de los trovadores, trouvères y Minnesänger.
Las formas de música sacra que se desarrollaron a fines del siglo XIII incluyeron el motete, conductus, discant y clausulae. Un desarrollo inusual fue el Geisslerlieder , la música de bandas errantes de flagelantes durante dos períodos: a mediados del siglo 13 (hasta que fueron reprimidos por la Iglesia); y el período durante e inmediatamente después de la Peste Negra, alrededor de 1350, cuando sus actividades fueron grabadas vívidamente y bien documentadas con música notada. Su música mezcló estilos de canciones populares con textos penitenciales o apocalípticos. El siglo XIV en la historia de la música europea está dominado por el estilo de la ars nova, que por convención se agrupa con la época medieval en la música, a pesar de que tenía mucho en común con los primeros ideales y estéticas del Renacimiento. Gran parte de la música sobreviviente de la época es secular, y tiende a utilizar las soluciones de las formas: la balada, el virelai, el lai, el rondeau, que corresponden a las formas poéticas de los mismos nombres. La mayoría de las piezas en estas formas son para una a tres voces, probablemente con acompañamiento instrumental: los compositores famosos incluyen a Guillaume de Machaut y Francesco Landini.
Música renacentista
El comienzo del Renacimiento en la música no está tan claramente marcado como el comienzo del Renacimiento en las otras artes, y a diferencia de otras artes, no comenzó en Italia, sino en el norte de Europa, específicamente en el área que actualmente comprende el el norte de Francia, los Países Bajos y Bélgica. El estilo de los compositores borgoñones, como se conoce a la primera generación de la escuela franco-flamenca, fue al principio una reacción contra la complejidad excesiva y el estilo amanerado de finales del siglo XIV ars subtilior , y contenía melodía clara y cantable y polifonía equilibrada en todas las voces Los compositores más famosos de la escuela borgoñona de mediados del siglo XV son Guillaume Dufay, Gilles Binchois y Antoine Busnois.
A mediados del siglo XV, los compositores y cantantes de los Países Bajos y las áreas adyacentes comenzaron a extenderse por Europa, especialmente en Italia, donde fueron empleados por la capilla papal y los patrones aristocráticos de las artes (como los Medici, los Este y las familias Sforza). Llevaban su estilo con ellos: polifonía suave que podría adaptarse para uso sagrado o secular según corresponda. Las principales formas de composición musical sagrada en ese momento eran la masa, el motete y el laude; las formas seculares incluían la chanson, la frottola y más tarde el madrigal.
La invención de la imprenta tuvo una influencia inmensa en la difusión de los estilos musicales y, junto con el movimiento de los músicos franco-flamencos, contribuyó al establecimiento del primer estilo verdaderamente internacional en la música europea desde la unificación del canto gregoriano bajo Carlomagno. Los compositores de la generación media de la escuela franco-flamenca incluyeron a Johannes Ockeghem, que escribió música en un estilo contrapuntístico complejo, con una textura variada y un uso elaborado de dispositivos canónicos; Jacob Obrecht, uno de los compositores de masas más famosos de las últimas décadas del siglo XV; y Josquin des Prez, probablemente el compositor más famoso de Europa antes de Palestrina, y que durante el siglo XVI fue reconocido como uno de los mejores artistas en cualquier forma. La música en la generación posterior a Josquin exploró la creciente complejidad del contrapunto; posiblemente la expresión más extrema se encuentre en la música de Nicolas Gombert, cuyas complejidades contrapuntísticas influyeron en la música instrumental temprana, como la canzona y el ricercar, que finalmente culminó en formas fugal barrocas.
A mediados del siglo XVI, el estilo internacional comenzó a derrumbarse, y varias tendencias estilísticas muy diversas se hicieron evidentes: una tendencia hacia la simplicidad en la música sacra, según lo dirigido por el Concilio de la Contrarreforma de Trento, ejemplificado en la música de Giovanni Pierluigi da Palestrina; una tendencia hacia la complejidad y el cromatismo en el madrigal, que alcanzó su expresión extrema en el estilo vanguardista de la Escuela Ferrara de Luzzaschi y el madrigalista de finales de siglo Carlo Gesualdo; y la música grandiosa y sonora de la escuela veneciana, que utilizó la arquitectura de la Basílica de San Marcos de Venecia para crear contrastes antifonales. La música de la escuela veneciana incluyó el desarrollo de la orquestación, partes instrumentales ornamentadas y partes de bajo continuo,
La mayoría de las partes de Europa tenían tradiciones musicales bien diferenciadas y activas a finales de siglo. En Inglaterra, compositores como Thomas Tallis y William Byrd escribieron música sacra en un estilo similar al escrito en el continente, mientras que un grupo activo de madrigalistas locales adaptaron la forma italiana para los gustos ingleses: famosos compositores como Thomas Morley y John Wilbye. y Thomas Weelkes. España desarrolló sus propios estilos instrumentales y vocales, con Tomás Luis de Victoria escribiendo música refinada similar a la de Palestrina, y muchos otros compositores escribiendo para la nueva guitarra. Alemania cultivó formas polifónicas basadas en las corales protestantes, que reemplazaron el canto gregoriano católico como base de la música sacra e importaron el estilo de la escuela veneciana (cuya aparición definió el inicio de la era barroca allí). Además, los compositores alemanes escribieron enormes cantidades de música de órgano, sentando las bases para el posterior estilo de órgano barroco que culminó con el trabajo de JS Bach. Francia desarrolló un estilo único de dicción musical conocido como musique mesurée, utilizado en las canciones seculares, con compositores como Guillaume Costeley y Claude Le Jeune destacados en el movimiento.
Uno de los movimientos más revolucionarios de la época tuvo lugar en Florencia en los años 1570 y 1580, con el trabajo de la Camerata florentina, que irónicamente tenía un propósito reaccionario: insatisfechos con lo que veían como depravaciones musicales contemporáneas, su objetivo era restaurar el música de los antiguos griegos. El principal de ellos era Vincenzo Galilei, el padre del astrónomo, y Giulio Caccini. Los frutos de sus trabajos fueron un estilo de canto melódico declamatorio conocido como monodia y una forma dramática escenificada correspondiente: una forma conocida hoy como la ópera. Las primeras óperas, escritas alrededor de 1600, también definen el final del Renacimiento y el comienzo de las épocas del Barroco.
La música anterior a 1600 era modal en lugar de tonal. Varios desarrollos teóricos a finales del siglo XVI, como las escrituras en escalas sobre modos de Gioseffo Zarlino y Franchinus Gaffurius, condujeron directamente al desarrollo de la tonalidad de la práctica común. Las escalas mayores y menores comenzaron a predominar sobre los viejos modos de iglesia, una característica que al principio era más obvia en los puntos cadenciales en las composiciones, pero gradualmente se generalizó. La música después de 1600, que comienza con la música tonal de la época del Barroco, a menudo se conoce como perteneciente al período de práctica común.
Música barroca
| JS Bach Toccata y Fuga |
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La época del Barroco tuvo lugar de 1600 a 1750, cuando el estilo artístico barroco floreció en toda Europa y, durante este tiempo, la música se expandió en su rango y complejidad. La música barroca comenzó cuando se escribieron las primeras óperas (música vocal solista dramática acompañada de orquesta). Durante la época del Barroco, la música contrapuntística polifónica, en la que se utilizaron múltiples líneas de melodía independientes simultáneas, siguió siendo importante (el contrapunto fue importante en la música vocal de la época medieval). Compositores barrocos alemanes, italianos, franceses, holandeses, polacos, españoles, portugueses e ingleses escribieron para conjuntos pequeños, incluyendo cuerdas, metales y instrumentos de viento, así como para coros e instrumentos de teclado, como órgano de tubos, clavicordio y clavicordio. Durante este período se definieron varias formas musicales importantes que duraron en períodos posteriores cuando se expandieron y evolucionaron aún más, incluyendo la fuga, la invención, la sonata y el concierto. El estilo barroco tardío era polifónicamente complejo y ricamente ornamentado. Entre los compositores importantes de la época del Barroco se encuentran Johann Sebastian Bach, Arcangelo Corelli, François Couperin, Girolamo Frescobaldi, George Frideric Handel, Jean-Baptiste Lully, Claudio Monteverdi, Georg Philipp Telemann y Antonio Vivaldi.
Era de la música clásica
La música del período clásico se caracteriza por una textura homofónica o una melodía obvia con acompañamiento. Estas nuevas melodías tendían a ser casi como de voz y cantables, permitiendo a los compositores reemplazar a los cantantes como el foco de la música. Por lo tanto, la música instrumental reemplazó rápidamente la ópera y otras formas cantadas (como el oratorio) como el favorito de la audiencia musical y el epítome de la gran composición. Sin embargo, la ópera no desapareció: durante el período clásico, varios compositores comenzaron a producir óperas para el público en general en sus idiomas nativos (las óperas anteriores generalmente estaban en italiano).
Junto con el desplazamiento gradual de la voz en favor de melodías más fuertes y claras, el contrapunto también se convierte típicamente en un florecimiento decorativo, a menudo utilizado cerca del final de una obra o para un solo movimiento. En su lugar, se usaron patrones simples, como arpegios y, en la música de piano, el bajo Alberti (un acompañamiento con un patrón repetido típicamente en la mano izquierda) para animar el movimiento de la pieza sin crear una voz adicional confusa. La música instrumental ahora popular estaba dominada por varias formas bien definidas: la sonata, la sinfonía y el concierto, aunque ninguno de estos se definió específicamente o se enseñó en el momento, ya que están ahora en la teoría de la música. Los tres se derivan de la forma sonata, que es a la vez la forma suprayacente de un trabajo completo y la estructura de un solo movimiento.
El período clásico temprano fue introducido por la Escuela de Mannheim, que incluía compositores como Johann Stamitz, Franz Xaver Richter, Carl Stamitz y Christian Cannabich. Ejerció una profunda influencia en Joseph Haydn y, a través de él, en toda la música europea posterior. Wolfgang Amadeus Mozart fue la figura central del período clásico, y su producción fenomenal y variada en todos los géneros define nuestra percepción del período. Ludwig van Beethoven y Franz Schubert fueron compositores de transición, que condujeron al período romántico, con su expansión de géneros, formas e incluso funciones de música existentes.
Musica romantica
En el período romántico, la música se volvió más expresiva y emocional, expandiéndose para abarcar la literatura, el arte y la filosofía. Famosos compositores románticos tempranos incluyen a Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini y Berlioz. A finales del siglo XIX se produjo una expansión dramática en el tamaño de la orquesta y en el papel de los conciertos como parte de la sociedad urbana. Los compositores famosos de la segunda mitad del siglo incluyen a Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Tchaikovsky, Verdi y Wagner. Entre 1890 y 1910, una tercera ola de compositores como Dvořák, Mahler, Richard Strauss, Puccini y Sibelius construyó sobre el trabajo de compositores románticos medios para crear obras musicales aún más complejas, ya menudo mucho más largas. Una marca destacada de la música de finales del siglo XIX es su fervor nacionalista, ejemplificado por figuras como Dvořák, Sibelius y Grieg.
Música de los siglos XX y XXI
El siglo XX vio una revolución en la escucha de música a medida que la radio ganó popularidad en todo el mundo y se desarrollaron nuevos medios y tecnologías para grabar, capturar, reproducir y distribuir música. Las actuaciones musicales se volvieron cada vez más visuales con la emisión y grabación de videos musicales y conciertos. La música de todo tipo también se volvió cada vez más portátil. Los auriculares permiten a las personas sentadas una al lado de la otra para escuchar actuaciones completamente diferentes o compartir el mismo rendimiento.
La música del siglo XX trajo una nueva libertad y amplia experimentación con nuevos estilos musicales y formas que desafiaron las reglas aceptadas de la música de periodos anteriores. La invención de la amplificación musical y los instrumentos electrónicos, especialmente el sintetizador, a mediados del siglo XX revolucionó la música popular y aceleró el desarrollo de nuevas formas de música.
En cuanto a la música clásica, dos escuelas fundamentales determinaron el curso del siglo: la de Arnold Schoenberg y la de Igor Stravinsky.
Música clásica fuera de Europa
La música clásica es una categoría amplia e imprecisa, que incluye música producida o arraigada en las tradiciones del arte, la música eclesiástica y la música de concierto. Una música es clásica si incluye algunas de las siguientes características: una tradición aprendida, el apoyo de la iglesia o el gobierno, o un mayor capital cultural. La música clásica también se describe como compleja, duradera, trascendente y abstracta. En muchas culturas, una tradición clásica coexistía con la música tradicional o popular, ocasionalmente durante miles de años, y con diferentes niveles de préstamos mutuos con la tradición paralela.
La música de África subsahariana tiene un fuerte interés rítmico que exhibe características comunes en todas las regiones de este vasto territorio, por lo que Arthur Morris Jones (1889-1980) ha descrito los muchos enfoques locales como los que constituyen un sistema principal. CK también afirma la profunda homogeneidad de enfoque. Las técnicas rítmicas de África Occidental transportadas por el Atlántico fueron ingredientes fundamentales en varios estilos musicales de América: samba, forró, maracatu y coco en Brasil, música afrocubana y géneros musicales afroamericanos como el blues, jazz, rhythm & blues, funk , el soul, el reggae, el hip hop y el rock and roll tenían, por lo tanto, una inmensa importancia en la música popular del siglo XX.
Bizancio
La música bizantina (en griego: Βυζαντινή Μουσική) es la música del Imperio Bizantino compuesta a los textos griegos como música ceremonial, festiva o de iglesia. Los historiadores griegos y extranjeros coinciden en que los tonos eclesiásticos y, en general, todo el sistema de la música bizantina están estrechamente relacionados con el antiguo sistema griego. Sigue siendo el género más antiguo de la música existente, cuya forma de ejecución y (con mayor precisión desde el siglo V en adelante) se conocen los nombres de los compositores y, a veces, los pormenores de las circunstancias de cada obra musical.
Asia
La música asiática cubre las culturas musicales de Arabia, Asia Central, Asia Oriental, Asia Meridional y el Sudeste Asiático.
India
La música india es una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo. La civilización del valle del Indo dejó esculturas que muestran instrumentos musicales y de baile (algunos ya no se usan), como la flauta de siete agujeros. Varios tipos de instrumentos de cuerda y tambores han sido recuperados de Harrappa y Mohenjo Daro por excavaciones llevadas a cabo por Sir Mortimer Wheeler. El Rigveda tiene elementos de la música india actual, con una notación musical para indicar el metro y el modo de cantar. La tradición musical india temprana también habla de tres acentos y música vocal conocida como "Samagan" (Sama significa melodía y Gan significa cantar). La música clásica de la India incluye dos tradiciones principales: la música del sur de Carnatic y la música clásica del norte de Hindustani. India'
La música clásica india (marga) es monofónica, y se basa en una sola línea de melodía o raga organizada rítmicamente a través de talas. La música de Carnatic es en gran parte devocional; la mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades hindúes. Hay muchas canciones que enfatizan el amor y otras cuestiones sociales. En contraste con la música de Carnatic, la música de Hindustani no sólo fue influenciada por las antiguas tradiciones musicales hindúes, la filosofía védica y los sonidos indios nativos, sino también por las prácticas persas de los Mughals afganos. Los orígenes de la música clásica india se pueden encontrar en la más antigua de las escrituras, parte de la tradición hindú, los Vedas. Samaveda, uno de los cuatro vedas describe la música en detalle.
China
La música clásica china es el arte tradicional o la música de corte de China. Tiene una larga historia que se extiende por más de tres mil años. Tiene sus propios sistemas únicos de notación musical, así como afinación musical y tono, instrumentos musicales y estilos o géneros musicales. La música china es pentatónica-diatónica, tiene una escala de doce notas a una octava (5 + 7 = 12) al igual que la música de influencia europea.
medio este
Persia
La música persa es la música de los países del idioma persa y persa: musiqi , la ciencia y el arte de la música, y muzik , el sonido y la interpretación de la música (Sakata 1983). Ver: Música de Irán, Música de Afganistán, Música de Tayikistán, Música de Uzbekistán.
Muestras
A la derecha hay algunas muestras de música
Obtenido de: https://en.wikipedia.org/wiki/History_of_music