Historia del arte - Arte asiático
Arte asiático
La civilización oriental incluye ampliamente Asia, y también incluye una compleja tradición de creación artística. Un enfoque de la historia del arte oriental divide el campo por nación, con focos en el arte indio, el arte chino y el arte japonés. Debido al tamaño del continente, la distinción entre Asia oriental y el sur de Asia en el contexto de las artes se puede ver claramente. En la mayor parte de Asia, la alfarería era una forma predominante de arte. La cerámica a menudo está decorada con patrones geométricos o representaciones abstractas de animales, personas o plantas. Otra forma muy extendida de arte fue, y es, la escultura.
indio
La civilización del valle del Indo hizo figuras antropomórficas. Los más famosos son la Dancing Girl y el Priest-King. Esta civilización hizo también muchas vasijas de barro, la mayoría de ellas decoradas con motivos geométricos. Hicieron sellos decorados con animales, figuras antropomórficas y su guión. El guión de Indus (también conocido como guión de Harappan) es un corpus de símbolos producido por la Civilización del Valle del Indo durante los períodos Kot Diji y Mature Harappan entre 3500 y 1900 a. La mayoría de las inscripciones que contienen estos símbolos son extremadamente cortas, por lo que es difícil juzgar si estos símbolos constituyen o no una secuencia de comandos utilizada para grabar un idioma, o incluso simbolizar un sistema de escritura. A pesar de muchos intentos, el "guión" aún no ha sido descifrado, pero los esfuerzos están en curso. No se conoce ninguna inscripción bilingüe que ayude a descifrar el guión, ni el guión muestra ningún cambio significativo a lo largo del tiempo. Sin embargo,
Los primeros budistas en India desarrollaron símbolos relacionados con Buda. Bhutanese pintó "thangkas" que muestra la iconografía budista. Las principales supervivencias del arte budista comienzan en el período posterior a los mauryanos, del que sobreviven buenas cantidades de esculturas de algunos sitios clave como Sanchi, Bharhut y Amaravati, algunos de los cuales permanecen in situ., con otros en museos en India o alrededor del mundo. Estupas estaban rodeadas por vallas ceremoniales con cuatro toranas profusamente talladas o puertas ornamentales frente a los puntos cardinales. Estos son en piedra, aunque adoptando claramente formas desarrolladas en madera. Ellos y las paredes de la estupa en sí pueden estar profusamente decoradas con relieves, que en su mayoría ilustran la vida del Buda. Poco a poco se esculpieron figuras de tamaño natural, inicialmente en relieve profundo, pero luego se mantuvieron independientes. Mathura era el centro más importante en este desarrollo, que se aplicaba tanto al arte hindú y jainista como al budista. Las fachadas y los interiores de los salones de oración chaitya y viñedos monásticos han sobrevivido mejor que las estructuras independientes similares en otros lugares, que fueron durante mucho tiempo en su mayoría en madera. Las cuevas de Ajanta, Karle, Bhaja y otros lugares contienen esculturas tempranas, a menudo superadas en número por obras posteriores, como las figuras icónicas del Buda y los bodhisattvas, que no se encuentran antes de 100 CE por lo menos.
Sacerdote-Rey , c. 2500 aC, en el Museo Nacional de Pakistán (Karachi, Sindh, Pakistán)
Sacerdote-Rey del perfil
Dancing Girl , en el Museo Nacional, Nueva Delhi (India)
Sellos de Harappan, Museo Británico, Londres
Cuenco de Harappan decorado con un patrón geométrico, ca. principios a mediados del 3er milenio antes de Cristo, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
Par de aretes de oro, del siglo I aC, de Andhra Pradesh
Fresco de las cuevas de Ajanta, c. 450-500
Single Lion capital en Vaishali
Buda Meditando, era Gupta, siglo V EC
Templo de Vishvanatha, parte del grupo de monumentos Khajuraho
Abu'l-Fazl presentando Akbarnamato Akbar (miniatura de Mughal)
El Taj Mahal , un edificio icónico para el arte indio y la India
Bhutaneses
El arte de Bhután es similar al arte de Tíbet. Ambos se basan en el Budismo Vajrayana, con su panteón de seres divinos.
Las principales órdenes del budismo en Bhután son Drukpa Kagyu y Nyingma. La primera es una rama de la Escuela Kagyu y es conocida por pinturas que documentan el linaje de maestros budistas y los 70 Je Khenpo (líderes del establecimiento monástico bhutanes). La orden Nyingma es conocida por las imágenes de Padmasambhava, a quien se le atribuye la introducción del budismo en Bhután en el siglo VII. Según la leyenda, Padmasambhava escondió tesoros sagrados para futuros maestros budistas, especialmente Pema Lingpa, para encontrarlos. Los buscadores de tesoros ( tertön ) también son sujetos frecuentes del arte Nyingma.
Padmasambhava o "Guru Rinpoche", siglo VIII, en el Museo del Condado de Los Ángeles
Bhutanese pintado thangka de los Cuentos Jataka, siglo XVIII-XIX, Phajoding Gonpa, Timbu, Bután
Bhutanese thangka del monte. Meruand el universo budista, siglo XIX, Trongsa Dzong, Trongsa, Bhután
Mandala pintada de Bhutanese Medicine Buddha con la diosa Prajnaparamita en el centro, siglo XIX, Rubin Museum of Art
Bhutanese Drukpa appliqué linaje budista thangka con Gautama Buddha en el centro, siglo XIX, Rubin Museum of Art
Mandala completo de Bhután pintado, siglo XIX, Seula Gonpa, Punakha, Bhután
Bhutanese pintó thangka de Padmasambhava, finales del siglo XIX, Do Khachu Gonpa, Chukha, Bhután
Una calavera sonriente ha sido tallada y pintada en esta máscara de madera. De 1850-1920
Tibetano y nepalí
Durante más de mil años, los artistas tibetanos han desempeñado un papel clave en la vida cultural del Tíbet. Desde diseños para muebles pintados hasta murales elaborados en edificios religiosos, sus esfuerzos han penetrado virtualmente todas las facetas de la vida en la meseta tibetana. La gran mayoría de las obras supervivientes creadas antes de mediados del siglo XX están dedicadas a la representación de temas religiosos, con las formas principales de thangka, pinturas sobre moquillo en tela, pinturas murales budistas tibetanas y pequeñas estatuas en bronce o grandes en arcilla. , estuco o madera. Fueron encargados por establecimientos religiosos o por personas piadosas para su uso en la práctica del budismo tibetano y fueron fabricados en grandes talleres por monjes y artistas laicos, que en su mayoría son desconocidos.
El arte del Tíbet se puede estudiar en términos de las influencias que han contribuido a lo largo de los siglos, desde otros estilos chinos, nepaleses, indios y sagrados.
Muchos bronces en el Tíbet que sugieren la influencia de Pala, se cree que fueron creados por escultores indios o traídos de la India.
Portada manuscrita tallada de los siglos XV y XVI. Un excelente ejemplo del arte de los talladores tibetanos con diseños simples que contienen elementos sagrados. Esculpida y lacada, esta portada manuscrita tiene estupas y doseles dentro de diseños geométricos
Shakyamuni thangka del este del Tíbet, siglo XIX, tinta, color y oro sobre algodón, en el Museo de Arte de Honolulu (Hawai, Estados Unidos)
Cakrasamvara y Vajravarahi, del siglo XVIII dC, bronce pintado y dorado, en el Museo Etnológico de Berlín
Las superficies de esta caja plateada y dorada están ricamente adornadas con símbolos y mantras asociados con la destrucción de espíritus malévolos. En el frente hay una representación simbólica de la deidad femenina protectora Lhamo. Del siglo XVIII, hecho de plata con dorado y turquesa, en el Museo de Arte de Walters
Thangka con tres maestros budistas , del siglo XVIII, pintura mineral y tinta sobre lienzo montados en cartón; terciopelo y seda, Museo Nacional de Varsovia
Quemador de incienso del este del Tíbet, hecho de plata, alrededor del siglo XIX, Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
Altar nepalés, circa 1700-1899 dC, Museo Británico
Corona ceremonial del tipo usado por los príncipes reales en Nepal, alrededor de 1850-1890 dC, plata, oro y piedras, altura: 25,4 cm (10 pulgadas), Museo Británico
chino
En Asia oriental, la pintura se derivó de la práctica de la caligrafía y se pintaron retratos y paisajes en tela de seda. La mayoría de las pinturas representan paisajes o retratos. Las esculturas más espectaculares son los bronces rituales y las esculturas de bronce de Sanxingdui. Un ejemplo muy conocido de arte chino es el Ejército de terracota , que representa a los ejércitos de Qin Shi Huang, el primer emperador de China. Es una forma de arte funerario enterrado con el emperador en 210-209 aC cuyo propósito era proteger al emperador en su vida futura.
El arte chino es una de las artes tradicionales continuas más antiguas del mundo, y está marcado por un inusual grado de continuidad y conciencia de esa tradición, que carece de un equivalente al colapso occidental y la recuperación gradual de los estilos clásicos. Los medios que generalmente se han clasificado en Occidente desde el Renacimiento como las artes decorativas son extremadamente importantes en el arte chino, y gran parte del mejor trabajo fue producido en grandes talleres o fábricas por artistas esencialmente desconocidos, especialmente en la cerámica china.
Bronce ritual chino del Seattle Asian Art Museum
Houmuwu ding , un ding debronce rectangular (recipiente de sacrificio, uno de los mejores bronces rituales chinos conocidos) de la antigua dinastía Shang china
Servidor de vino ritual (guang), Museo de Arte de Indianápolis, c. 1100 BCE dinastía Shang
Dos cabezas de bronce Sanxingdui con máscaras de láminas de oro
Pequeña máscara de bronce zoomorfa de Sanxingdui
Caballo volador de Gansu
Ejército de terracota
Lámpara del palacio de Changxin, hecha de bronce y oro en la dinastía Han del Oeste, fechada en el 172 aC, Museo Hebei. Esta linterna de palacio está completamente dorada, con la forma de una sirvienta de palacio arrodillada sosteniendo una lámpara. Los caracteres "changxin shangyu" están inscritos en la parte inferior de la pieza, de ahí el nombre Changxin Palace Lantern. La doncella del palacio lleva el pelo recogido en un moño con un pañuelo en la cabeza, y está vestida con una prenda de cuerpo entero, con mangas espaciosas
Buda sentado, dinastía Tang ca. 650.
Jarrón porcelánico blanco y negro del período Song del Norte (960-1126), en el Asian Art Museum (San Francisco)
The David Vases (dinastía Yuan, 1351 dC) en la habitación 95 del Museo Británico. Estos jarrones se encuentran entre los ejemplos más importantes de porcelana azul y blanca que existen porque son dos de los ejemplos más antiguos de esta importante innovación china.
Detalle de una pintura de jugadas manuales con tinta y colores sobre seda llamada Admonitions of the Instructress to the Court Ladies (女 史 箴,), tradicionalmente atribuida a Gu Kaizhi (顧 愷 circa, circa 344-406 dC), British Museum
Wang Xizhi Watching Geese , 1250-1300, por Qian Xuan (1235-1305), Museo Metropolitano de Arte
Azulejos de dragón esmaltados, circa 1480-1580 (dinastía Ming), altura 39 cm, ancho 244 cm, Museo Británico. Estas grandes baldosas cerámicas de alto relieve se hicieron en conjuntos para formar una serie de frisos que muestran dragones azules y amarillos entre los lotos. Por muchos años, fueron parte de una pantalla de jardín, pero originalmente corrieron a lo largo de la cresta de un edificio en la provincia de Shanxi, supuestamente protegiéndolo del fuego, ya que el dragón está asociado con el control del suministro de agua
Pintura del artista de la Dinastía Ming china Chen Hongshou (1599-1652), hoja de un álbum de pinturas variadas
Jade vassel decorado con dragones, del período Qianlong (1736-95) de la dinastía Qing, en el Museo Metropolitano de Arte
japonés
El arte japonés cubre una amplia gama de estilos de arte y medios, incluyendo alfarería antigua, escultura, pintura en tinta y caligrafía en seda y papel, pinturas ukiyo-e y grabados en madera, cerámica, origami y, más recientemente, cómics y cómics japoneses manga-modernos. junto con una miríada de otros tipos. Tiene una larga historia, desde los comienzos de la habitación humana en Japón, en algún momento del siglo X aC hasta el presente.
Los primeros pobladores de Japón, el pueblo Jōmon (hacia 11000 - c. 300 aC). Fabricaronrecipientes de cerámica lujosamente decorados, figurillas de arcilla llamadas dogū. Japón ha estado sujeto a invasiones repentinas de nuevas ideas seguidas por largos períodos de contacto mínimo con el mundo exterior. Con el tiempo, los japoneses desarrollaron la capacidad de absorber, imitar y finalmente asimilar aquellos elementos de la cultura extranjera que complementaban sus preferencias estéticas. El primer arte complejo en Japón se produjo en los siglos VII y VIII en relación con el budismo. En el siglo IX, cuando los japoneses comenzaron a alejarse de China y desarrollar formas indígenas de expresión, las artes seculares se volvieron cada vez más importantes; hasta finales del siglo XV florecieron tanto las artes religiosas como las profanas. Después de la Guerra de Ōnin (1467-1477), Japón entró en un período de perturbación política, social y económica que duró más de un siglo. En el estado que surgió bajo el liderazgo del shogunato Tokugawa,
Pagoda de madera de cinco pisos de Hōryū-ji en Japón, construida en el siglo VII, uno de los edificios de madera más antiguos del mundo
Kinkaku-ji es un templo budista Zen en Kyoto (Japón). Es uno de los edificios más populares en Japón, que atrae a un gran número de visitantes anualmente.
Itsukushima Shrine , un santuario sintoísta en la isla de Itsukushima (popularmente conocido como Miyajima), mejor conocido por su puerta torii "flotante" .
Bodhisattva Seishi (勢 至 figure) figura del período Muromachi, medio aplastado, medio arrodillado, sus manos en la posición de kongo gassho, hecho entre 1400 y 1600, madera y laca, en Rijksmuseum (Amsterdam, Países Bajos)
Dos mujeres, una cortesana y su criada, y un perro , 1661 - 1672, pintado sobre papel, en el Rijksmuseum
Daibutsu no bansho , Impresión policromada en madera, tinta y color sobre papel, c. 1778 , Museo Metropolitano de Arte
Ogata Korin, ciruelos rojos y blancos , tinta y colores en plata y oro sobre papel, 156.5 cm. 172.5 cm cada uno
Impresión, realizada entre 1780 y 1795, impresión en madera macrométrica, tinta y color sobre papel, Museo Metropolitano de Arte
Tres bellezas del presente día , por Utamaro, c. 1793
La impresión Red Fuji de la serie de Hokusai Treinta y seis vistas del Monte Fuji
Kuniyoshi Utagawa, mujer con ventilador
Máscara de Nō del siglo XVIII, Museo Metropolitano de Arte. Las máscaras Nō deben ser livianas, ya que se usan a lo largo de todo un espectáculo. Traditioally, cada máscara está tallada si una sola pieza de madera de ciprés
Peine japonés del Museo Nacional de Tokio (Japón)
Kitagawa Utamaro, Moonlight Revelry en Dozo Sagami , siglo XVIII o siglo XIX, tinta y color sobre papel, en Freer Gallery of Art
Gintai Shippō (銀 胎 七宝) jarrón con diseño de plumas de pavo real de Kawade Shibatarō, en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
Kimono de mujer, de finales del siglo XIX - principios del siglo XX, en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
coreano
Las artes coreanas incluyen tradiciones en caligrafía, música, pintura y cerámica, a menudo marcadas por el uso de formas naturales, decoración de superficies y colores o sonidos audaces.
Los primeros ejemplos de arte coreano consisten en obras de la edad de piedra que datan de 3000 aC Estos consisten principalmente en esculturas votivas y, más recientemente, petroglifos, que fueron redescubiertos.
Este período temprano fue seguido por los estilos de arte de varios reinos y dinastías coreanos. Los artistas coreanos a veces modificaron las tradiciones chinas con una preferencia nativa por la elegancia simple, la espontaneidad y la apreciación de la pureza de la naturaleza.
La dinastía Goryeo (918-1392) fue uno de los períodos más prolíficos para una amplia gama de disciplinas, especialmente la alfarería.
El mercado de arte coreano se concentra en el distrito Insadong de Seúl, donde se exhiben más de 50 pequeñas galerías y ocasionales subastas de bellas artes. Las galerías se ejecutan cooperativamente, son pequeñas y, a menudo, tienen exposiciones curadas y finamente diseñadas. En cada ciudad hay galerías regionales más pequeñas, con artistas locales que se muestran en medios tradicionales y contemporáneos. Las galerías de arte generalmente tienen una mezcla de medios. Los intentos de llevar el arte conceptual occidental al primer plano han tenido su mayor éxito fuera de Corea en Nueva York, San Francisco, Londres y París.
La Pagoda Dabotap
Celadon Ewer en forma de dragón
Buda de la tríada tallada en roca en Seosan, en la provincia de Chungcheong del Sur
Vista general del monte. Geumgang por Jeong Seon
Rafter finial en forma de cabeza de dragón y carillón de viento del siglo 10, en el Museo Metropolitano de Arte
Maitreya de bronce dorado en meditación (Tesoro nacional No. 83), fecha desconocida, en el Museo Nacional de Corea (Seúl)
vietnamita
El arte vietnamita tiene una larga y rica historia, cuyos primeros ejemplos datan de la Edad de Piedra alrededor de 8,000 a.
Con el milenio de la dominación china que comenzó en el siglo II a. C., el arte vietnamita sin duda absorbió muchas influencias chinas, que continuarían incluso después de la independencia de China en el siglo X DC. Sin embargo, el arte vietnamita siempre ha conservado muchas características distintivamente vietnamitas.
En el siglo XIX, la influencia del arte francés se afianzó en Vietnam, teniendo una gran influencia en el nacimiento del arte vietnamita moderno.
Piezas de terracota neolíticas utilizadas para imprimir patrones de decoración en tela
One Pavilion Pagoda (de Hanoi) es un icono de la cultura vietnamita; fue construido en 1049, destruido y reconstruido en 1954
Escultura de Vietnam Central, c. Siglo X, en el Museo Metropolitano de Arte
Pagoda de la Dama Celestial (vietnamita: Chùa Thiên Mụ , también llamada Pagoda Linh Mụ ) en Huế, construida en 1601
Estatua del Bodhisattva Avalokiteśvara (Quán Thế Âm) de la dinastía Lê o Nguyễn, Museo Guimet, París
Thiếu nữ bên hoa huệ (Mujer joven con lirio), aceite, 1943, por Tô Ngọc Vân
tailandés
El arte tailandés tradicional se compone principalmente de arte budista y escenas de las epopeyas indias. La escultura tailandesa tradicional representa casi exclusivamente imágenes de Buda. Las pinturas tailandesas tradicionales suelen consistir en ilustraciones de libros y ornamentos pintados de edificios como palacios y templos.
Cabeza de Buda de la segunda mitad del siglo XIV (Sukhothai), bronce con plomo, rastros de dorado, 43.3 cm (17 pulgadas), en el Walters Art Museum (Baltimore, Estados Unidos)
Garudas en Wat Phra Kaew (Bangkok)
Escultura tailandesa hecha de bronce, desde c. Siglo 15, H. 12 3/8 pulg. (31,4 cm); W. 7 1/4 pulg. (18,4 cm); D. 5 pulg. (12.7 cm), Museo Metropolitano de Arte
Buda sentado en "Maravijaya" desde 1554 (?) (Lan Na), hecho de bronce fundido hueco, en el Museo de Arte Walters. Las imágenes de Lan Na Buddha se pueden ver de dos maneras: en términos de tipos (Sihing o no Sihing) o modos y en términos de cualidades estilísticas. Pero, de hecho, estos dos enfoques se superponen en cierto grado
Elemento arquitectónico que consiste en gres esmaltado con decoración pintada de color marrón oscuro, del siglo XVI, de Sawankhalok, Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
Phra Maha Chedi Si Ratchakan en Wat Pho (Bangkok)
Una página del manuscrito de Phra Malai, circa 1860-1880, Acuarela opaca y tinta sobre papel; Cubiertas: papel dorado y lacado, en el Museo de Arte del Condado de Los Angeles
Hanuman en su carro, una escena del Ramakien en Wat Phra Kaew (Bangkok), del período de Bangkok
camboyano
La historia del arte camboyano se remonta a siglos pasados, pero el período más famoso es sin duda el arte Khmer del Imperio Khmer (802-1431), especialmente en la zona de Angkor y el complejo de templos mayormente del siglo XII de Angkor Wat , inicialmente hindú y posteriormente budista. Después del colapso del imperio, estos y otros sitios fueron abandonados y cubiertos de vegetación, lo que permitió que gran parte de la talla de piedra de la época y la arquitectura sobrevivieran hasta nuestros días. Las artes y artesanías camboyanas tradicionales incluyen textiles, tejidos no textiles, orfebrería, talla de piedra, lacados, cerámica, murales en wat y fabricación de cometas.
A partir de mediados del siglo XX, comenzó una tradición del arte moderno en Camboya, aunque a fines del siglo XX las artes tradicionales y modernas declinaron por varias razones, incluida la muerte de artistas por parte de los jemeres rojos. El país ha experimentado un renacimiento artístico reciente debido al mayor apoyo de los gobiernos, las ONG y los turistas extranjeros.
En la Camboya precolonial, el arte y la artesanía en general eran producidos por no especialistas rurales para uso práctico o por artistas hábiles que producían obras para el Palacio Real. En la Camboya moderna, muchas tradiciones artísticas entraron en un período de decadencia o incluso dejaron de practicarse, pero el país experimentó un renacimiento artístico reciente a medida que el mercado turístico aumentó y los gobiernos y las ONG contribuyeron a la preservación de la cultura camboyana.
Dintel realizado en el estilo Preah Ko, expuesto en Musée Guimet (París)
Dintel del período de Angkor (circa 900 CE), hecho de piedra arenisca, Museo Nacional de Tokio
Relieve realizado en estilo pre rup, corca 950-975
Talla de piedra en Banteay Srei, un templo de Angkorian consagrado en 967 CE
Angkor Wat , un ícono de Camboya
Cabeza de Avalokiteshvara, a mediados del siglo XII o posterior, hecha de piedra arenisca, Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
Singha (león) del período de Angkor (circa 1100-1200 CE), hecho de piedra arenisca, exhibido en el Museo Nacional de Tokio (Japón)
Estupa votiva hecha de aleación de cobre, siglos XII-XIII, Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
Bajorrelieve de piedra en el templo de Bayon que representa el ejército jemer en guerra con el Cham, tallado c. 1200 CE
Juego de sombras desde Camboya
indonesio
Es bastante difícil definir el arte indonesio, ya que el país es inmensamente diverso. La nación del archipiélago en expansión se compone de 13.466 islas. Alrededor de 922 de aquellos habitados permanentemente, por más de 300 grupos étnicos, que hablan más de 700 lenguas vivas.
Indonesia también ha experimentado una larga historia, con cada período deja un arte distintivo. Desde pinturas rupestres prehistóricas y estatuas ancestrales megalíticas de Sulawesi Central, tradiciones tribales de talla en madera de Toraja y Asmat, elegante arte hindú-budista de la civilización javanesa clásica que produjo Borobudur y Prambanan, vívidas pinturas y artes escénicas balinesas, artes islámicas de Aceh, hasta arte contemporáneo de artistas indonesios modernos. Tanto la diversidad como la historia de Indonesia se suman a la complejidad en la definición e identificación de lo que es el arte de Indonesia.
Templo de Prambanan, región especial de Yogyakarta
Estatua de Prajñāpāramitā de Java Oriental
Alivio de Borobodur que representa al príncipe Siddhartha Gautama se convirtió en un ermitaño ascético
Panel de alivio de un barco en Borobudur
Metalistería de Java, primera mitad del siglo X, hecha de bronce, en el Museo Metropolitano de Arte
Gran salida de Lalitavistara
Arjuna en el espectáculo wayang de Java
Marioneta de sombra javanesa (wayang kulit) del personaje Gathutkaca
África
El arte africano incluye tanto la escultura, tipificada por las fundiciones de bronce de la gente de Benin, como el arte popular. Al mismo tiempo que la Edad Media europea, en el siglo XI se fundó en el Gran Zimbabwe una nación que hizo grandes arquitecturas, esculturas de oro y complicadas joyas. Impresionante escultura fue emitida simultáneamente por el pueblo yoruba de lo que ahora es Nigeria. Tal cultura creció y finalmente se transformó para convertirse en el Reino de Benin, donde se crearon elegantes colmillos de altar, cabezas de bronce, placas de bronce y arquitectura palaciega. El Reino de Benin fue terminado por los británicos en 1897, y poco del arte de la cultura ahora permanece en Nigeria. Hoy en día, el lugar de arte más importante de África es la Bienal de Johannesburgo.
El África subsahariana se caracteriza por una alta densidad de culturas. Notables son las personas Nok, Edo, Yoruba e Igbo de Nigeria; Kuba personas de África Central; Djenné personas de Mali; Gente Ashanti de Ghana; Zulúes del sur de África; y gente de Fang de Guinea Ecuatorial (85%), Camerún y Gabón.
Máscara de casco para Sande Society Brooklyn Museum
Escultura de Guinea-Bissau
Una de las muchas cabezas de bronce Yoruba de Ife
Terracota figura sentada de Mali, del siglo 13, de barro, de 29,9 cm (11 / 4 pulgadas) de alto, Museo Metropolitano de Arte. Las marcas en relieve y las hendiduras en la parte posterior de esta figura encorvada de Djenné pueden representar una enfermedad o, más probablemente, patrones de sacrificación. La expresión facial y la pose pueden representar a un individuo en duelo o dolor
Dos Bambara Chiwara c. finales del siglo XIX principios del siglo XX, el Instituto de Arte de Chicago. Estilos verticales femeninos (izquierda) y masculinos
Figura de madera de Mambila (Nigeria), Musée du quai Branly (París)
El rinoceronte dorado de Mapungubwe , Colección Mapungubwe, Museos de la Universidad de Pretoria
Yombe-escultura, siglo XIX
Escultura de una "Reina Madre" del Reino de Benin, siglo XVI
Figura sentada Nok, siglo V a. C. - siglo V d. C., terracota, 38 cm (1 ft 3 in), museo del quai Branly (París). En este trabajo Nok, la cabeza es dramáticamente más grande que el cuerpo que lo forma, pero la figura posee detalles elegantes y un enfoque poderoso. La protuberancia ordenada del mentón representa una barba. Collares de un cono alrededor del cuello y mantener el foco en la cara
Ilustraciones Nok, siglo V a. C. - siglo V dC, longitud: 50 cm (19.6 in); altura: 54 cm (21.2 in); ancho: 50 cm (19.6 in), terracota, Musée du quai Branly
Una placa de Benin Bronze con guerreros
Ndop son retratos conmemorativos reales cavernosos por el pueblo kuba de África Central. No son representaciones naturalistas, sino que están pensadas como representaciones del espíritu del rey y como un encapsulamiento del principio de la monarquía. Representa al rey Mishe miShyaang maMbul
Máscara Wabele, 35 x 9 x 14 pulgadas (88,9 x 22,9 x 35,6 cm), hecha por la gente de Senufo a principios del siglo XX, Museo de Brooklyn
Esta cabeza de trofeo, hecha de oro puro, representa un jefe enemigo muerto en la batalla. Con un peso de 1,5 kg (3,3 lb), se adjuntó a la espada de estado del rey Asante. Parte de la Colección Wallace (Londres). Hacia 1870
Retrato de marfil del siglo XVI de la Reina Madre Idia, Museo Metropolitano de Arte. Una de las cuatro máscaras colgantes de marfil entre las galas preciadas de la Oba de Benintaken por los británicos durante la Expedición de Benín de 1897
Oceanía
El Arte de Oceanía incluye las áreas geográficas de Micronesia, Polinesia, Australia, Nueva Zelanda y Melanesia. Un enfoque trata temáticamente el área, con focos de ascendencia, guerra, cuerpo, género, comercio, religión y turismo. Desafortunadamente, el pequeño arte antiguo sobrevive en Oceanía. Los eruditos creen que esto es probable porque los artistas usaron materiales perecederos, como madera y plumas, que no sobrevivieron en el clima tropical, y no hay registros históricos para referirse a la mayor parte de este material. La comprensión de las culturas artísticas de Oceanía comienza así con la documentación de la misma por parte de los occidentales, como el capitán James Cook en el siglo XVIII. A finales del siglo XX, el artista francés Paul Gauguin pasó una cantidad considerable de tiempo en Tahití, vivir con la gente local y hacer arte moderno, un hecho que se ha entrelazado con la cultura visual tahitiana hasta la actualidad. El arte indígena de Australia a menudo se parece al arte moderno abstracto, pero tiene profundas raíces en la cultura local.
El arte de Oceanía es la última gran tradición de arte que aprecia el mundo en general. A pesar de ser una de las tradiciones de arte más largas y continuas en el mundo, que se remonta a leasf cincuenta milenios, permaneció relativamente desconocida hasta la segunda mitad del siglo XX.
Los materiales a menudo efímeros del arte de Oceanic dificultan determinar la antigüedad de la mayoría de las formas de arte practicadas hoy. Las formas más duraderas son las multitudes de grabados rupestres y pinturas rupestres que se encuentran en todo el continente. En la escarpa de Arnhem Land, la evidencia sugiere que las pinturas se hicieron hace cincuenta mil años, antes de las pinturas rupestres paleolíticas de Altamira y Lascaux en Europa.
Moai en Rano Raraku, Isla de Pascua
Detalle de un tāhūhū māorian de c. 1840
Un hei-tiki hecho de pounamu (un tipo de nefrita más dura) y conchas de mar
Escultura de madera polinesia
La estatua de A'a de Rurutu . Esta estatua representa al dios A'a y fue hecha en la isla de Rurutuin en el Océano Pacífico. Fue una de una serie de figuras presentadas en una estación misionera por los Rurutuanos en 1821 como un símbolo de su aceptación del cristianismo.
Una figura de Uli de Nueva Irlanda, alrededor de 1890, pintó madera, 155 cm (61 in) de altura, en Musée du quai Branly. Las figurashermafroditas de Uli probablemente simbolizaron la conexión entre la energía vital paterna y materna en las ceremonias de iniciación
Esta talla monumental de la cabeza y el torso de un hombre, del Museo Británico, se conoce como Hoa Hakananai'a (amigo robado u oculto). La Isla de Pascua es famosa por las estatuas monolíticas de basalto ( moai ) como esta. Probablemente fueron tallados para conmemorar ancestros importantes
Dinonga Eidu (idol), de las islas Caroline, alrededor del año 1800, hecho de madera, de 35 cm (13 / 4 pulgadas) de alto, en Musée du quai Branly (París). Los iniciados pueden distinguir entre las figuras magistralmente estilizadas de espíritus y deidades masculinas y femeninas
Pinturas rupestres de Bradshaw, región Noroeste de Kimberley de Australia Occidental
Arte rupestre aborigen, Anbangbang Rock Shelter, Parque Nacional de Kakadu (Australia)
Obra del norte de Australia, Musée du quai Branly (París)
Un primer plano de una tableta rongorongo
Moderno y contemporáneo
Orígenes
Los historiadores del arte no están de acuerdo cuando comenzó el arte moderno, algunos remontan a Francisco Goya en el período napoleónico, a mediados del siglo XIX con la revolución industrial oa fines del siglo XIX con el advenimiento del impresionismo. La Revolución Francesa de 1789 dio lugar a nuevas revoluciones en el pensamiento. En las artes, estos incluyeron una nueva autoconciencia sobre los estilos artísticos y la individualidad. El historiador de arte H. Harvard Arnason dice que "una metamorfosis gradual tuvo lugar en el curso de cien años", marcada por eventos significativos como la finalización en 1784 de la obra de Jacques-Louis David El juramento de los Horacios ; la exposición de la pintura de Gustave Courbet The Artist's Studio en 1855; y la exposición de la pintura de Édouard Manet Le déjeuner sur l ' en el Salon des Refusés en París en 1863.
Siglo 19
Durante el siglo XIX, la tendencia romántica de los primeros artistas modernos como Turner y Delacroix fue reemplazada por movimientos artísticos más nuevos: el realismo, el impresionismo, el postimpresionismo, el simbolismo y otros movimientos. Los artistas occidentales fueron influenciados por las artes decorativas orientales, especialmente las impresiones japonesas.
Los impresionistas buscaban transmitir el movimiento, la espontaneidad y los efectos transitorios de la luz en su trabajo. Su estilo fue adoptado por artistas en muchos países, junto con movimientos nacionales como el Hudson River School y el Ashcan School en los Estados Unidos.
Francisco de Goya, el 3 de mayo de 1808 , 1814
Gustave Courbet, El estudio del artista (L'Atelier du peintre): una verdadera alegoría de una fase de siete años en mi vida artística y moral , 1855, Musée d'Orsay, París
Édouard Manet, Le Déjeuner sur l'herbe , 1863, Musée d'Orsay, París
Claude Monet, Impression, Sunrise (Impresión, soleil levant) , 1872; la pintura que dio su nombre al estilo y movimiento artístico, Musée Marmottan Monet (París)
Georges Seurat, A Sunday Afternoon en la isla de La Grande Jatte , 1884-86, óleo sobre lienzo, 207.5 × 308.1 cm, Art Institute of Chicago
Vincent van Gogh, camino rural en Provenza de noche, 1889, mayo de 1890, Museo Kröller-Müller
Henri Rousseau, Tigre en una tormenta tropical (¡Sorprendido!) , 1891
Henri de Toulouse-Lautrec, En el Moulin Rouge: Dos mujeres Waltzing , 1892
Paul Cézanne, The Large Bathers , 1898-1905
Paul Gauguin, Espíritu de los muertos que mira 1892, galería de arte de Albright-Knox
Edvard Munch, El grito , 1893
Alphonse Mucha, F. Champenois Imprimeur-Éditeur , 1897, litografía
Principios del siglo 20
La historia del arte del siglo XX es una narración de infinitas posibilidades y la búsqueda de nuevos estándares, cada uno de ellos derribado en sucesión por el siguiente. Los movimientos artísticos del fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el arte abstracto, el dadaísmo y el surrealismo condujeron a nuevas exploraciones de nuevos estilos creativos y formas de expresión. El aumento de la interacción global durante este tiempo vio una influencia equivalente de otras culturas en el arte occidental, como Pablo Picasso se vio influenciado por la escultura ibérica, la escultura africana y el primitivismo. El japonismo y las xilografías japonesas (que habían sido influenciadas por el arte del Renacimiento occidental) tuvieron una inmensa influencia en el impresionismo y en los posteriores desarrollos artísticos. El influyente ejemplo establecido por Paul Gauguin ' el interés en el arte de Oceanic y la popularidad repentina entre los entendidos en el París de principios de siglo 20 de esculturas fetiche africanas recién descubiertas y otras obras de culturas no europeas fueron tomadas por Picasso, Henri Matisse, y muchos de sus colegas. Más tarde, en el siglo XX, el arte pop y el expresionismo abstracto cobraron importancia.
Henri Matisse, Mujer con sombrero , 1905, Museo de Arte Moderno de San Francisco
André Derain, 1906, Charing Cross Bridge, Londres , Galería Nacional de Arte, Washington, DC
Gustav Klimt, retrato de Adele Bloch-Bauer I , 1907, Neue Galerie Nueva York
Constantin Brâncuşi, El beso , 1907-08
Georges Braque, Casas en l'Estaque , 1908, Kunstmuseum Bern
Egon Schiele, Autorretrato con Physalis , 1912, Museo Leopold
Marcel Duchamp, Nude Descending a Staircase, n.º 2 , 1912, Museo de Arte de Filadelfia
Robert Delaunay, 1912-13, Le Premier Disque , colección privada
Piet Mondrian, composición con rojo, amarillo, azul y negro, 1921, Gemeentemuseum Den Haag
Finales del siglo XX y principios del XXI
Los rápidos avances en la ciencia y la tecnología condujeron al período moderno y posmoderno tardío. En estos períodos, el arte y las culturas del mundo experimentaron muchos cambios y hubo una gran mezcla de culturas, ya que las nuevas tecnologías de comunicación facilitaron la difusión nacional e incluso mundial de la música, el arte y el estilo. La separación de culturas regionales que había marcado el siglo XIX fue reemplazada por una cultura global. El postmodernismo describe un amplio movimiento que se desarrolló a mediados y finales del siglo XX a través de la filosofía, las artes, la arquitectura y la crítica, que marcó un alejamiento del modernismo.
Henry Moore, Figura reclinada , 1951, yeso pintado, Museo Fitzwilliam, Cambridge
Yves Klein, IKB 191 , 1962, pintura monocromática
Joan Miró, Dona i Ocell , 1983, Parc Joan Miró, Barcelona