Animación de artes visuales
Definición
La animación es un medio dinámico en el que se manipulan imágenes u objetos para que aparezcan como imágenes en movimiento. En la animación tradicional, las imágenes se dibujan o pintan a mano en hojas transparentes de celuloide para fotografiarlas y exhibirlas en una película. Hoy la mayoría de las animaciones se hacen con imágenes generadas por computadora (CGI). La animación por computadora puede ser una animación en 3D muy detallada, mientras que la animación por computadora en 2D se puede usar por razones estilísticas, bajo ancho de banda o representaciones más rápidas en tiempo real. Otros métodos de animación comunes aplican una técnica de stop motion a objetos bidimensionales y tridimensionales como recortes de papel, títeres o figuras de arcilla. La técnica de stop motion donde los actores en vivo se usan como un sujeto fotograma a fotograma se conoce como pixelación.
Comúnmente, el efecto de la animación se logra mediante una rápida sucesión de imágenes secuenciales que difieren mínimamente entre sí. Se cree que la ilusión, como en las películas en general, se basa en el fenómeno phi y el movimiento beta, pero las causas exactas aún son inciertas. Los medios de animación mecánica analógica que se basan en la visualización rápida de imágenes secuenciales incluyen phénakisticope, zoetrope, flip book, praxinoscope y film. La televisión y el video son medios populares de animación electrónica que originalmente eran analógicos y ahora operan digitalmente. Para mostrar en la computadora, se desarrollaron técnicas como animación GIF y animación Flash.
Además de cortometrajes, largometrajes, gifs animados y otros medios dedicados a la visualización de imágenes en movimiento, la animación también se utiliza mucho para videojuegos, gráficos en movimiento y efectos especiales.
El movimiento físico de las partes de la imagen a través de la mecánica simple, por ejemplo, las imágenes en movimiento en los espectáculos de la linterna mágica también se puede considerar animación. La animación mecánica de dispositivos robóticos reales se conoce como animatronics.
Los animadores son artistas que se especializan en la creación de animación.
Etimología
La palabra "animación" proviene del latín "prd" (nominativo "animatio"), sustantivo de acción del participio pasado tallo de "animare", que significa "la acción de impartir vida". El significado principal de la palabra en inglés es "vivacidad" y ha estado en uso mucho más tiempo que el significado de "medio de imagen en movimiento".
Historia
La historia de la animación comenzó mucho antes del desarrollo de la cinematografía. Los humanos probablemente han intentado representar el movimiento desde el período paleolítico. El juego de sombras y la linterna mágica ofrecían espectáculos populares con imágenes en movimiento como resultado de la manipulación a mano y / o algunas mecánicas menores.
Un cuenco de cerámica de 5.200 años de antigüedad descubierto en Shahr-e Sukhteh, Irán, tiene cinco imágenes secuenciales pintadas a su alrededor que parecen mostrar las fases de una cabra que salta para cortar un árbol. En 1833, el fenaquistiscopo introdujo el principio estroboscópico de la animación moderna, que también proporcionaría la base para el zootropo (1866), el libro invertido (1868), el praxinoscopio (1877) y la cinematografía.
Charles-Émile Reynaud desarrolló aún más su proyección de praxinoscopio en el Théâtre Optique con transparencias transparentes pintadas a mano en una larga tira perforada enrollada entre dos carretes, patentada en diciembre de 1888. Desde el 28 de octubre de 1892 hasta marzo de 1900, Reynaud realizó más de 12.800 espectáculos en total de más de 500,000 visitantes en el Musée Grévin en París. Su serie de películas animadas Pantomimes Lumineuses contenía de 300 a 700 cuadros que fueron manipulados de ida y vuelta para durar de 10 a 15 minutos por película. La música de piano, la canción y algunos diálogos se realizaron en vivo, mientras que algunos efectos de sonido se sincronizaron con un electroimán.
Cuando la película se convirtió en un medio común, algunos fabricantes de juguetes ópticos adaptaron pequeñas linternas mágicas en proyectores de película de juguete para bucles cortos de película. En 1902 estaban produciendo muchos bucles de película de cromolitografía, por lo general mediante el seguimiento de metraje de la película de acción en vivo (al igual que la técnica de rotoscopia posterior).
Algunos de los primeros realizadores, incluyendo J. Stuart Blackton, Arthur Melbourne-Cooper, Segundo de Chomón y Edwin S. Porter experimentaron con la animación stop-motion, posiblemente desde alrededor de 1899. Blackton's The Haunted Hotel (1907) fue el primer gran éxito que desconcertó al público con objetos que aparentemente se mueven solos e inspiraron a otros cineastas a probar la técnica por sí mismos.
J. Stuart Blackton también experimentó con animaciones dibujadas en pizarras y algunas animaciones recortadas en Humorous Phases of Funny Faces (1906).
En 1908, se lanzó la Fantasmagorie de Émile Cohl con una apariencia de tiza blanca sobre negro creada con impresiones negativas de dibujos en tinta negra sobre papel blanco. La película consiste en gran parte en una figura de palo que se mueve y encuentra todo tipo de objetos morphing, incluida una botella de vino que se transforma en una flor.
Inspirado en la película de animación de animación de Emile Cohl, Les allumettes animées (1908), Ladislas Starevich comenzó a hacer sus influyentes animaciones de títeres en 1910.
Little Nemo de Winsor McCay (1911) mostró dibujos muy detallados. Su Gertie the Dinosaur (1914) fue también un ejemplo temprano de desarrollo de personajes en animación dibujada.
Charlie in Turkey (1916), una película animada de Pat Sullivan para Keen Cartoon Corporation.
Durante la década de 1910, la producción de cortometrajes de animación conocidos como "dibujos animados", se convirtió en una industria propia y se produjeron cortometrajes de dibujos animados en cines. El productor más exitoso en ese momento fue John Randolph Bray, quien, junto con el animador Earl Hurd, patentó el proceso de animación de cel que dominó la industria de la animación por el resto de la década.
El Apóstol (en español: "El Apóstol") fue una película de animación argentina de 1917 que utiliza animación recortada y el primer largometraje animado del mundo. Desafortunadamente, un incendio que destruyó el estudio cinematográfico del productor Federico Valle incineró la única copia conocida de El Apóstol , y ahora se considera una película perdida.
La película de animación más antigua que se conserva es The Adventures of Prince Achmed (1926) realizada por el director Lotte Reiniger y sus colaboradores Carl Koch y Berthold Bartosch.
En 1932, la primera película animada corta creada enteramente con Technicolor (utilizando filtros fotográficos rojo / verde / azul y tres tiras de película) fue Flowers and Trees de Walt Disney , dirigida por Burt Gillett. Pero, el primer largometraje que se hizo con esta técnica, además de la película The Vanities Fair (1935), de Rouben Mamoulian, fue "Blancanieves y los siete enanitos", también de Walt Disney.
En 1958, Hanna-Barbera lanzó The Huckleberry Hound Show , el primer programa de televisión de media hora en aparecer solo en animación. Terrytoons lanzó Tom Terrific ese mismo año. La televisión disminuyó significativamente la atención del público a los cortos animados que se exhiben en los cines.
La animación por computadora se ha vuelto popular desde Toy Story (1995), la primera película de animación completamente realizada con esta técnica.
En 2008, el mercado de la animación valía US $ 68,4 mil millones. La animación como arte e industria continúa prosperando a mediados de la década de 2010 porque los proyectos animados bien hechos pueden encontrar audiencias a través de las fronteras y en los cuatro cuadrantes. Los largometrajes animados obtuvieron los mayores márgenes brutos (alrededor del 52%) de todos los géneros cinematográficos en el período 2004-2013.
Técnicas
Animación tradicional
La animación tradicional (también llamada animación cel o animación dibujada a mano) fue el proceso utilizado para la mayoría de las películas animadas del siglo XX. Los fotogramas individuales de una película animada tradicionalmente son fotografías de dibujos, primero dibujados en papel. Para crear la ilusión de movimiento, cada dibujo difiere ligeramente del anterior. Los dibujos de los animadores se rastrean o fotocopian en hojas transparentes de acetato llamadas cels, que se rellenan con pinturas en colores o tonos asignados en el lado opuesto a los dibujos lineales. Los celulos de personaje completados son fotografiados uno a uno contra un fondo pintado por una camara de rostrum en una pelicula de cine.
El proceso tradicional de animación de cel se volvió obsoleto a comienzos del siglo XXI. En la actualidad, los dibujos de los animadores y los fondos se escanean o se dibujan directamente en un sistema informático. Se utilizan varios programas de software para colorear los dibujos y simular el movimiento y los efectos de la cámara. La última pieza animada se envía a uno de varios medios de entrega, incluida la película tradicional de 35 mm y los medios más nuevos con video digital. El "aspecto" de la animación tradicional en cel sigue estando preservado, y el trabajo de los animadores del personaje se ha mantenido esencialmente igual en los últimos 70 años. Algunos productores de animación han usado el término "tradigital" (un juego de palabras "tradicional" y "digital") para describir la animación de cel que utiliza tecnología informática significativa.
Los ejemplos de largometrajes tradicionalmente animados incluyen Pinocho (Estados Unidos, 1940), Animal Farm (Reino Unido, 1954), Lucky y Zorba (Italia, 1998), y The Illusionist (británico-francés, 2010). Las películas tradicionalmente animadas producidas con la ayuda de la tecnología informática incluyen The Lion King (EE. UU., 1994), The Prince of Egypt (EE. UU., 1998), Akira (Japón, 1988), Spirited Away (Japón, 2001), The Triplets of Belleville ( Francia, 2003) y El secreto de Kells (irlandés-francés-belga, 2009).
Animación completa
La animación completa se refiere al proceso de producción de películas animadas tradicionalmente de alta calidad que regularmente usan dibujos detallados y movimientos plausibles, teniendo una animación suave. Las películas totalmente animadas se pueden hacer en una variedad de estilos, desde obras más realistas como las producidas por el estudio de Walt Disney ( La pequeña sirena , La bella y la bestia , Aladdin , El rey león ) hasta los estilos más "de dibujos animados" del Estudio de animación de Warner Bros. Muchas de las características animadas de Disney son ejemplos de animación completa, al igual que las obras que no son de Disney, The Secret of NIMH (EE. UU., 1982), The Iron Giant (EE. UU., 1999) y Nocturna. (España, 2007). Las películas totalmente animadas están animadas a 24 fotogramas por segundo, con una combinación de animación en uno o dos, lo que significa que los dibujos se pueden llevar a cabo para un fotograma de 24 o dos fotogramas de un total de 24.
Animación limitada
La animación limitada implica el uso de dibujos y métodos de movimiento menos detallados o más estilizados, generalmente una animación de movimiento entrecortado o "skippy". La animación limitada usa menos dibujos por segundo, lo que limita la fluidez de la animación. Esta es una técnica más económica. Iniciado por los artistas del estudio estadounidense United Productions of America, la animación limitada se puede utilizar como un método de expresión artística estilizada, como en Gerald McBoing-Boing (EE. UU., 1951), Yellow Submarine (Reino Unido, 1968) y cierto anime producido en Japón. Su uso principal, sin embargo, ha sido la producción de contenido animado rentable para los medios de comunicación para televisión (el trabajo de Hanna-Barbera, Filmation y otros estudios de animación de TV) y más tarde Internet (dibujos animados en la web).
Rotoscopia
Rotoscoping es una técnica patentada por Max Fleischer en 1917 donde los animadores trazan el movimiento de acción en vivo, cuadro por cuadro. La película fuente puede copiarse directamente de los contornos de los actores en dibujos animados, como en El señor de los anillos (EE.UU., 1978), o utilizarse de manera estilizada y expresiva, como en Waking Life (Estados Unidos, 2001) y A Scanner Darkly. (EE. UU., 2006). Algunos otros ejemplos son Fire and Ice (EE. UU., 1983), Heavy Metal (1981) y Aku no Hana (2013).
Acción en vivo / animación
Live-action / animation es una técnica que combina personajes dibujados a mano en tomas de acción en vivo o actores de acción en vivo en tomas animadas. Uno de los usos anteriores fue en Koko the Clown cuando Koko se dibujó sobre escenas de acción en vivo. Otros ejemplos incluyen Allegro Non Troppo (Italia, 1976), Who Framed Roger Rabbit (EE. UU., 1988), Space Jam (EE. UU., 1996) y Osmosis Jones (EE. UU., 2001).
Animación stop motion
La animación stop-motion se usa para describir la animación creada manipulando físicamente objetos del mundo real y fotografiándolos un cuadro de película a la vez para crear la ilusión de movimiento. Hay muchos tipos diferentes de animación stop-motion, normalmente nombrada según el medio utilizado para crear la animación. El software de computadora está ampliamente disponible para crear este tipo de animación; la animación stop-motion tradicional suele ser menos costosa pero requiere más tiempo de producción que la animación actual de la computadora.
- La animación de títeres normalmente incluye figuras de títeres stop-motion que interactúan en un entorno construido, en contraste con la interacción del mundo real en la animación de modelos. Los títeres generalmente tienen una armadura dentro de ellos para mantenerlos quietos y estables para restringir su movimiento a las articulaciones particulares. Los ejemplos incluyen The Tale of the Fox (Francia, 1937), The Nightmare Before Christmas (EE. UU., 1993), Corpse Bride (EE. UU., 2005), Coraline (EE. UU., 2009), las películas de Jiří Trnka y la comedia de dibujos animados animada para adultos serie de televisión Robot Chicken (Estados Unidos, 2005-presente).
- Puppetoon , creado utilizando técnicas desarrolladas por George Pal, son películas animadas por títeres que generalmente usan una versión diferente de un títere para diferentes marcos, en lugar de simplemente manipular un títere existente.
- Animación de arcilla o animación de plastilina (a menudo llamada claymation , que, sin embargo, es un nombre de marca registrada), utiliza figuras hechas de arcilla o un material maleable similar para crear animación stop-motion. Las figuras pueden tener una armadura o marco de alambre dentro, similar a la animación de títeres relacionada (abajo), que puede manipularse para representar las figuras. Alternativamente, las figuras pueden estar hechas completamente de arcilla, en las películas de Bruce Bickford, donde las criaturas de arcilla se transforman en una variedad de formas diferentes. Ejemplos de trabajos animados en arcilla incluyen The Gumby Show (Estados Unidos, 1957-1967), Mio Mao (Italia, 1974-2005), Morph shorts (Reino Unido, 1977-2000), Wallace y Gromit shorts (Reino Unido, desde 1989), Jan Švankmajer's Dimensiones del diálogo (Checoslovaquia, 1982), The Trap Door (Reino Unido, 1984). Las películas incluyen Wallace y Gromit: La maldición del Were-Rabbit , Chicken Run y Las aventuras de Mark Twain .
- Animación de corte de estratos, La animación de corte de estratos es comúnmente una forma de animación de arcilla en la que se corta una rebanada fina de pan en forma de pan, internamente apretada y cargada con imágenes variadas, con la cámara de animación un marco del final del pan para cada corte, que finalmente revela el movimiento de las imágenes internas.
- La animación de recorte es un tipo de animación stop-motion producida al mover piezas de papel o tela de dos dimensiones. Los ejemplos incluyen las secuencias animadas de Terry Gilliam de Flying Circus de Monty Python (Reino Unido, 1969-1974); Planeta fantástico (Francia / Checoslovaquia, 1973); Tale of Tales (Rusia, 1979), El episodio piloto de la serie de comedias para televisión para adultos (y algunas veces en episodios) de South Park (EE.UU., 1997) y el video musical Live for the moment, de la banda Verona Riots (producido por Alberto Serrano) y Nívola Uyá, España 2014).
- La animación de silueta es una variante de animación recortada en la que los personajes están a contraluz y solo son visibles como siluetas. Los ejemplos incluyen Las aventuras del príncipe Achmed (República de Weimar, 1926) y Príncipes y princesas (Francia, 2000).
- La animación de modelo se refiere a la animación stop-motion creada para interactuar y existir como parte de un mundo de acción en vivo. Los efectos intercalados, mate y las pantallas divididas se emplean a menudo para combinar personajes u objetos stop-motion con actores y configuraciones en vivo. Los ejemplos incluyen el trabajo de Ray Harryhausen, como se ve en las películas, Jason y los Argonautas (1963), y el trabajo de Willis H. O'Brien en las películas, King Kong (1933).
- El movimiento Go es una variante de la animación modelo que utiliza diversas técnicas para crear un desenfoque de movimiento entre fotogramas, que no está presente en el stop-motion tradicional. La técnica fue inventada por Industrial Light & Magic y Phil Tippett para crear escenas de efectos especiales para la película The Empire Strikes Back (1980). Otro ejemplo es el dragón llamado "Vermithrax" de Dragonslayer (película de 1981).
- La animación de objetos se refiere al uso de objetos inanimados regulares en animación stop-motion, a diferencia de elementos creados especialmente.
- La animación gráfica utiliza material gráfico plano no dibujado (fotografías, recortes de periódicos, revistas, etc.), que a veces se manipulan fotograma a fotograma para crear movimiento. En otras ocasiones, los gráficos permanecen estacionarios, mientras que la cámara de movimiento se mueve para crear una acción en pantalla.
- Brickfilm es un subgénero de animación de objetos que incluye el uso de Lego u otros juguetes similares de ladrillo para hacer una animación. Estos han tenido un impulso reciente en popularidad con la llegada de los sitios para compartir videos, YouTube y la disponibilidad de cámaras y software de animación baratos.
- La pixilación implica el uso de humanos vivos como personajes de stop motion. Esto permite una serie de efectos surrealistas, que incluyen desapariciones y reapariciones, que permiten a las personas deslizarse por el suelo y otros efectos. Entre los ejemplos de pixelación se incluyen The Secret Adventures of Tom Thumb y Angry Kid shorts, y la academia galardonada Neighbors by Norman McLaren.
Animación por computadora
La animación por computadora abarca una variedad de técnicas, el factor unificador es que la animación se crea digitalmente en una computadora. Las técnicas de animación en 2D tienden a centrarse en la manipulación de imágenes, mientras que las técnicas 3D generalmente crean mundos virtuales en los que los personajes y los objetos se mueven e interactúan. La animación 3D puede crear imágenes que parecen reales para el espectador.
Animación 2D
Las figuras de animación en 2D se crean o editan en la computadora utilizando gráficos 2D de mapa de bits y gráficos vectoriales 2D. Esto incluye versiones computarizadas automatizadas de técnicas de animación tradicionales, morphing interpolado, desollado de cebolla y rotoscopia interpolada.
La animación 2D tiene muchas aplicaciones, incluida la animación analógica por computadora, la animación Flash y la animación de PowerPoint. Los Cinemagraphs son fotografías en forma de un archivo GIF animado cuya parte está animada.
La animación de advección de línea final es una técnica utilizada en animación 2D para darles a los artistas y animadores más influencia y control sobre el producto final, ya que todo se hace dentro del mismo departamento. Al hablar sobre el uso de este enfoque en Paperman , John Kahrs dijo que "nuestros animadores pueden cambiar las cosas, en realidad borrar la capa subyacente de CG si así lo desean y cambiar el perfil del brazo".
Animación 3D
La animación 3D es modelada digitalmente y manipulada por un animador. El animador generalmente comienza creando una malla poligonal 3D para manipular. Una malla generalmente incluye muchos vértices que están conectados por los bordes y las caras, que dan la apariencia visual de la forma a un objeto 3D o entorno 3D. A veces, a la malla se le da una estructura esquelética digital interna llamada armadura que se puede usar para controlar la malla ponderando los vértices. Este proceso se llama rigging y se puede usar junto con fotogramas clave para crear movimiento.
Se pueden aplicar otras técnicas, funciones matemáticas (p. Ej., Gravedad, simulaciones de partículas), pelo o pelaje simulado, y simulaciones de efectos, fuego y agua. Estas técnicas entran dentro de la categoría de dinámica 3D.
Términos 3D
- La animación con sombreado de cel se usa para imitar la animación tradicional utilizando software de computadora. El sombreado se ve marcado, con menos mezcla de colores. Los ejemplos incluyen Skyland (2007, Francia), The Iron Giant (1999, Estados Unidos), Futurama (Fox, 1999) Appleseed Ex Machina (2007, Japón), The Legend of Zelda: The Wind Waker (2002, Japón), The Legend de Zelda: Breath of the Wild (2017, Japón)
- Machinima - Películas creadas por captura de pantalla en videojuegos y mundos virtuales. El término se originó a partir de la presentación del software en la década de 1980, así como de las grabaciones de los años 90 del videojuego de disparos en primera persona Quake .
- La captura de movimiento se usa cuando los actores de acción real usan trajes especiales que permiten a las computadoras copiar sus movimientos en caracteres CG. Los ejemplos incluyen Polar Express (2004, EE. UU.), Beowulf (2007, EE. UU.), A Christmas Carol (2009, EE. UU.), The Adventures of Tintin (2011, EE. UU.) Kochadiiyan (2014, India).
- La animación fotorrealista se usa principalmente para la animación que intenta parecerse a la vida real, utilizando una representación avanzada que imita en detalle la piel, las plantas, el agua, el fuego, las nubes, etc. Los ejemplos incluyen Up (2009, EE. UU.), How to Train Your Dragon ( 2010, EE. UU.)
Animación mecánica
- Animatronics es el uso de la mecatrónica para crear máquinas que parecen más animadas que robóticas.
- Audio-Animatronics y Autonomatronics es una forma de animación robótica, combinada con animación 3-D, creada por Walt Disney Imagineering para espectáculos y atracciones en parques temáticos de Disney que se mueven y hacen ruido (generalmente un discurso o canción grabada). Están fijados a lo que los apoya. Pueden sentarse y pararse, y no pueden caminar. Un Audio-Animatron es diferente de un robot de tipo android ya que usa movimientos y sonidos pregrabados, en lugar de responder a estímulos externos. En 2009, Disney creó una versión interactiva de la tecnología llamada Autonomatronics.
- Linear Animation Generator es una forma de animación mediante el uso de marcos de imágenes estáticos instalados en un túnel o un eje. La ilusión de animación se crea colocando al espectador en un movimiento lineal, paralelo a los marcos de imagen instalados. El concepto y la solución técnica fueron inventados en 2007 por Mihai Girlovan en Rumania.
- Chuckimation es un tipo de animación creada por los creadores de la serie de televisión Action League Now! en el que se arrojan personajes o accesorios, o se los saca de la cámara o se menean para simular que hablan con manos invisibles.
- Puppetry es una forma de teatro o animación de actuación que involucra la manipulación de títeres. Es muy antiguo y se cree que se originó 3000 años antes de Cristo. El títere adopta muchas formas, todos ellos comparten el proceso de animar objetos de ejecución inanimados. El títere se usa en casi todas las sociedades humanas tanto como entretenimiento, en presentaciones, y ceremonialmente en rituales, celebraciones y carnavales. La mayoría de los títeres implica contar historias.
- Zoetrope es un dispositivo que produce la ilusión de movimiento a partir de una rápida sucesión de imágenes estáticas. El término zootropo proviene de las palabras griegas ζωή ( zoē ), que significa "vivo, activo" y τρόπος ( tropos ), que significa "giro", con "zootropo" tomado como "giro activo" o "rueda de la vida".
Otros estilos de animación, técnicas y enfoques
- Hydrotechnics : una técnica que incluye luces, agua, fuego, niebla y láser, con proyecciones de alta definición en pantallas de niebla.
- Dibujado en la animación de la película : una técnica donde el metraje se produce creando las imágenes directamente en el material de la película, por ejemplo, por Norman McLaren, Len Lye y Stan Brakhage.
- Animación de pintura sobre vidrio : una técnica para hacer películas animadas mediante la manipulación de pinturas al óleo de secado lento en láminas de vidrio, por ejemplo, por Aleksandr Petrov.
- Animación de borrado : una técnica que utiliza medios 2D tradicionales, fotografiados a lo largo del tiempo a medida que el artista manipula la imagen. Por ejemplo, William Kentridge es famoso por sus películas de borrado de carbón, y Piotr Dumała por su técnica de autor de la animación de arañazos en yeso.
- Animación de pantalla alfanumérica : utiliza una pantalla llena de pines móviles que se pueden mover hacia adentro o hacia afuera presionando un objeto en la pantalla. La pantalla se ilumina desde un lado para que los pines emitan sombras. La técnica se ha utilizado para crear películas animadas con una variedad de efectos de textura difíciles de lograr con la animación tradicional de cel.
- Animación de arena: la arena se mueve alrededor de una pieza de vidrio iluminada por detrás o por delante para crear cada cuadro para una película animada. Esto crea un efecto interesante cuando está animado debido al contraste de luz.
- Flip book : un libro de tapa (a veces, especialmente en inglés británico, llamado flick book) es un libro con una serie de imágenes que varían gradualmente de una página a otra, de modo que cuando las páginas se giran rápidamente, las imágenes parecen animar simulando movimiento u otro cambio. Los libros con tapa son a menudo libros ilustrados para niños, también están orientados a adultos y emplean una serie de fotografías en lugar de dibujos. Los libros de tapa no siempre son libros separados, aparecen como una característica adicional en libros o revistas comunes, a menudo en las esquinas de las páginas. También hay disponibles paquetes de software y sitios web que convierten archivos de video digital en libros volteados hechos a medida.
- Animación de personajes
- Multi-sketching
- Animación de efectos especiales
Animador
Un animador es un artista que crea una secuencia visual (o audio-visual si se agrega sonido) de múltiples imágenes secuenciales que generan la ilusión de movimiento, es decir, una animación. Las animaciones se encuentran actualmente en muchas áreas de tecnología y video, como cine, televisión, videojuegos o internet. En general, estos trabajos requieren la colaboración de varios animadores. Los métodos para crear estas imágenes dependen del animador y el estilo que uno quiera lograr (con imágenes generadas por la computadora, manualmente ...).
Los animadores pueden dividirse en animadores de personajes (artistas especializados en los movimientos, el diálogo y la actuación de los personajes) y animadores de efectos especiales (por ejemplo, vehículos, maquinaria o fenómenos naturales como el agua, la nieve o la lluvia).
Producción
La creación de obras de animación no triviales (es decir, de más de unos pocos segundos) se ha desarrollado como una forma de hacer cine, con ciertos aspectos únicos. Los rasgos comunes tanto a las películas de acción en vivo como a los largometrajes animados son la intensidad de la mano de obra y los altos costos de producción.
La diferencia más importante es que una vez que una película está en la fase de producción, el costo marginal de una toma más es más alto para las películas animadas que para las películas de acción real. Es relativamente fácil para un director pedir una toma más durante la fotografía principal de una película de acción real, pero cada toma de una película animada debe ser renderizada manualmente por los animadores (aunque la tarea de hacer tomas ligeramente diferentes se ha vuelto menos tediosa por la animación moderna de la computadora). No tiene sentido que un estudio pague los salarios de docenas de animadores por pasar semanas creando una escena de cinco minutos visualmente deslumbrante si esa escena no logra avanzar con eficacia la trama de la película. Por lo tanto, los estudios de animación que comienzan con Disney comenzaron la práctica en la década de 1930 de mantener departamentos de historias donde los artistas del guión gráfico desarrollan cada escena a través de guiones gráficos, luego, les entrega la película a los animadores solo después de que el equipo de producción está satisfecho de que todas las escenas tienen sentido en general. Si bien las películas de acción real ahora también cuentan con un guión gráfico, disfrutan de más libertad para apartarse de los guiones gráficos (es decir, la improvisación en tiempo real).
Otro problema exclusivo de la animación es el requisito de mantener la consistencia de una película de principio a fin, incluso cuando las películas han crecido más y los equipos han crecido. Los animadores, como todos los artistas, necesariamente tienen estilos individuales, pero deben subordinar su individualidad de manera consistente al estilo empleado en una película en particular. Desde principios de la década de 1980, equipos de entre 500 y 600 personas, de los cuales 50 a 70 son animadores, normalmente han creado largometrajes de animación. Es relativamente fácil para dos o tres artistas hacer coincidir sus estilos; sincronizar los de docenas de artistas es más difícil.
Este problema generalmente se resuelve haciendo que un grupo separado de artistas de desarrollo visual desarrolle una apariencia general y una paleta para cada película antes de que comience la animación. Los diseñadores de personajes en el equipo de desarrollo visual dibujan hojas modelo para mostrar cómo debe lucir cada personaje con diferentes expresiones faciales, que se presentan en diferentes posiciones y se ven desde diferentes ángulos. En proyectos tradicionalmente animados, las maquetas a menudo se esculpían para ayudar a los animadores a ver cómo se verían los personajes desde diferentes ángulos.
A diferencia de las películas de acción en vivo, las películas animadas se desarrollaron tradicionalmente más allá de la etapa de sinopsis a través del formato del guión gráfico; los artistas del guión gráfico recibirían crédito por escribir la película. A principios de la década de 1960, los estudios de animación comenzaron a contratar a guionistas profesionales para escribir guiones (aunque también siguieron usando los departamentos de historia) y los guiones cinematográficos se convirtieron en algo habitual para las películas animadas a finales de los años ochenta.
Crítica
Las críticas a la animación han sido comunes en los medios y el cine desde sus inicios. Con su popularidad, ha surgido una gran cantidad de críticas, especialmente películas de largometrajes animados. Muchas inquietudes sobre la representación cultural y los efectos psicológicos en los niños han surgido en torno a la industria de la animación, que se ha mantenido bastante estable desde el punto de vista político y estancada desde su inicio en la cultura dominante.
Animación y Derechos Humanos
Actualmente, la animación se usa como método de entretenimiento y se emplea para criticar o defender ciertos aspectos de la sociedad. La mayoría de estos proyectos han sido nominados para los Oscar o se han vuelto virales en Internet. Por ejemplo, In a Heartbeat , dirigida por el estadounidense Esteban Bravo y Beth David, es una de las candidatas para tomar el premio al Mejor cortometraje animado en los Oscar 2018.
"In a Heartbeat" trata de una historia de amor entre dos adolescentes, ya que los directores querían romper los prejuicios hacia la comunidad LGBT. Es una animación corta sin diálogo donde el corazón de uno de los muchachos escapa para perseguir a la otra persona joven. El cortometraje ya tiene más de 32 millones de visitas en YouTube, y a pesar de su éxito, ha creado cierta controversia.
Premios
Al igual que con cualquier otra forma de medios, la animación también ha instituido premios por la excelencia en el campo. Los premios originales de animación fueron presentados por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas para cortometrajes de animación del año 1932, durante la 5ª función de los Premios de la Academia. El primer ganador del Premio de la Academia fue el corto Flowers and Trees , una producción de Walt Disney Productions. El Premio de la Academia por una película de largometraje animado solo se instituyó para el año 2001, y fue galardonado durante los 74 ° Premios de la Academia en 2002. Fue ganado por la película Shrek , producida por DreamWorks y Pacific Data Images. Disney / Pixar han producido la mayoría de las películas para ganar o ser nominados para el premio. La lista de ambos premios se puede obtener aquí:
- Premio de la Academia a la Mejor Película Animada
- Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación
Varios otros países han instituido un premio a la mejor película animada como parte de sus premios nacionales de cine: Premio de la Academia de Cine de África a la Mejor Animación (desde 2008), Premio BAFTA a la Mejor Película de Animación (desde 2006), Premio César a la Mejor Película de Animación ( desde 2011), Premio Golden Rooster a la Mejor Animación (desde 1981), Premio Goya a la Mejor Película de Animación (desde 1989), Premio de la Academia Japonesa de Animación del Año (desde 2007), Premio Nacional de Cine a la Mejor Película de Animación (desde 2006) . También desde 2007, el Asia Pacific Screen Award a la Mejor Película de Animación ha sido galardonado en los Asia Pacific Screen Awards. Desde 2009, los European Film Awards han otorgado el European Film Award a la Mejor Película de Animación.
El Premio Annie es otro premio presentado por la excelencia en el campo de la animación. A diferencia de los Premios de la Academia, los Premios Annie solo se reciben por logros en el campo de la animación y no por ningún otro campo de esfuerzo técnico y artístico. Fueron reorganizados en 1992 para crear un nuevo campo para la mejor característica animada. Los ganadores de los 90 estuvieron dominados por Walt Disney, sin embargo, los estudios más nuevos, liderados por Pixar y DreamWorks, ahora han comenzado a competir constantemente por este premio. La lista de adjudicatarios es la siguiente:
- Premio Annie a la Mejor Película Animada
- Premio Annie al mejor corto animado
- Premio Annie a la Mejor Producción de Televisión Animada