Modernismo
Definición
El modernismo es un movimiento filosófico que, junto con las tendencias culturales y los cambios, surgió a partir de transformaciones de gran alcance y trascendentales en la sociedad occidental a fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Entre los factores que dieron forma al modernismo se encuentran el desarrollo de sociedades industriales modernas y el rápido crecimiento de las ciudades, seguido de reacciones de horror a la Primera Guerra Mundial. El modernismo también rechazó la certeza del pensamiento de la Ilustración y muchos modernistas rechazaron la creencia religiosa.
El modernismo, en general, incluye las actividades y creaciones de aquellos que sentían que las formas tradicionales de arte, arquitectura, literatura, fe religiosa, filosofía, organización social, actividades de la vida diaria y las ciencias, se estaban adaptando mal a sus tareas y estaban desactualizadas. en el nuevo entorno económico, social y político de un mundo emergente totalmente industrializado. ¡El mandato de 1934 del poeta Ezra Pound para "¡Hazlo nuevo!" fue la piedra de toque del enfoque del movimiento hacia lo que veía como la cultura ahora obsoleta del pasado. En este espíritu, sus innovaciones, como la novela de la corriente de la conciencia, la música atonal (o pantonal) y la música de doce tonos, la pintura divisionista y el arte abstracto, tuvieron precursores en el siglo XIX.
Una característica notable del modernismo es la autoconciencia y la ironía sobre las tradiciones literarias y sociales, que a menudo conducen a experimentos con la forma, junto con el uso de técnicas que llaman la atención sobre los procesos y materiales utilizados en la creación de una pintura, poema, construcción, etc. El modernismo rechazó explícitamente la ideología del realismo y hace uso de las obras del pasado mediante el empleo de repetición, incorporación, reescritura, recapitulación, revisión y parodia.
Algunos comentaristas definen el modernismo como un modo de pensar: una o más características definidas filosóficamente, como autoconciencia o autorreferencia, que se encuentran con todas las novedades en las artes y las disciplinas. Más comunes, especialmente en Occidente, son aquellos que lo ven como una tendencia de pensamiento socialmente progresiva que afirma el poder de los seres humanos para crear, mejorar y remodelar su entorno con la ayuda de la experimentación práctica, el conocimiento científico o la tecnología. Desde esta perspectiva, el modernismo fomentó el reexamen de todos los aspectos de la existencia, desde el comercio hasta la filosofía, con el objetivo de encontrar aquello que estaba frenando el progreso y reemplazarlo con nuevas formas de alcanzar el mismo fin. Otros se enfocan en el modernismo como una introspección estética.
Mientras que algunos estudiosos ven que el modernismo continúa en el siglo XXI, otros lo ven evolucionando hacia el modernismo tardío o el alto modernismo, que luego es reemplazado por el posmodernismo.
Historia temprana
Principios: el siglo XIX
Según un crítico, el modernismo surgió de la rebelión del romanticismo contra los efectos de la revolución industrial y los valores burgueses: "El motivo básico del modernismo, afirma Graff, fue la crítica del orden social burgués del siglo XIX y su cosmovisión [... ] los modernistas, llevando la antorcha del romanticismo ". Mientras JMW Turner (1775-1851), uno de los pintores paisajistas más importantes del siglo XIX, era miembro del movimiento romántico, como "un pionero en el estudio de la luz, el color y la atmósfera", "anticipó a los impresionistas franceses". "y, por lo tanto, el modernismo" al romper fórmulas convencionales de representación; [aunque] a diferencia de ellos, él creía que sus obras siempre deberían expresar importantes temas históricos, mitológicos, literarios u otros temas narrativos ".
Las tendencias dominantes de la Inglaterra industrial victoriana se opusieron, desde alrededor de 1850, por los poetas y pintores ingleses que constituían la Hermandad Prerrafaelita, debido a su "oposición a la habilidad técnica sin inspiración". Fueron influenciados por los escritos del crítico de arte John Ruskin (1819-1900), quien tenía fuertes sentimientos sobre el papel del arte para ayudar a mejorar las vidas de las clases trabajadoras urbanas, en las ciudades industriales en rápida expansión de Gran Bretaña. El crítico de arte Clement Greenberg describe la Hermandad Prerrafaelita como proto-Modernistas: "Allí los proto-modernistas eran, de todos los pueblos, los prerrafaelistas (e incluso antes que ellos, como proto-proto-modernistas, los nazarenos alemanes). Los prerrafaelistas en realidad prefiguraron a Manet (1832-1883), con quien la pintura modernista definitivamente comienza.
Sin embargo, la Revolución Industrial continuó. Las innovaciones influyentes incluyeron la industrialización impulsada por el vapor, y especialmente el desarrollo de los ferrocarriles, comenzando en Gran Bretaña en la década de 1830, y los posteriores avances en física, ingeniería y arquitectura asociados a esto. Un importante logro de ingeniería del siglo XIX fue The Crystal Palace, la gran sala de exposiciones de hierro fundido y vidrio plano construida para The Great Exhibition of 1851 en Londres. El vidrio y el hierro se utilizaron en un estilo monumental similar en la construcción de las principales terminales ferroviarias de Londres, como la estación de Paddington (1854) y la estación de King's Cross (1852). Estos avances tecnológicos llevaron a la construcción de estructuras posteriores como el Puente de Brooklyn (1883) y la Torre Eiffel (1889). Este último rompió todas las limitaciones previas sobre cuán altos podrían ser los objetos hechos por el hombre. Estas maravillas de la ingeniería alteraron radicalmente el entorno urbano del siglo XIX y la vida cotidiana de las personas. La experiencia humana del tiempo en sí fue alterada, con el desarrollo del telégrafo eléctrico desde 1837 y la adopción del tiempo estándar por las compañías ferroviarias británicas desde 1845, y en el resto del mundo durante los siguientes cincuenta años.
Pero a pesar de los continuos avances tecnológicos, desde la década de 1870 en adelante, la idea de que la historia y la civilización eran inherentemente progresivas, y que el progreso siempre fue bueno, fue objeto de un creciente ataque. Surgieron argumentos de que los valores del artista y los de la sociedad no eran meramente diferentes, sino que la Sociedad era antitética al Progreso y no podía avanzar en su forma actual. El filósofo Schopenhauer (1788-1860) ( El mundo como voluntad y representación , 1819) puso en tela de juicio el optimismo anterior, y sus ideas tuvieron una influencia importante en los pensadores posteriores, incluido Nietzsche. Dos de los pensadores más importantes de la época fueron el biólogo Charles Darwin (1809-82), autor de Sobre el origen de las especies por medio de la selección natural (1859), y el científico político Karl Marx (1818-83), autor de Das Kapital (1867). La teoría de la evolución de Darwin por selección natural socavó la certeza religiosa y la idea de la singularidad humana. En particular, la noción de que los seres humanos fueron impulsados por los mismos impulsos que los "animales inferiores" resultó ser difícil de conciliar con la idea de una espiritualidad ennoblecedora. Karl Marx argumentó que había contradicciones fundamentales dentro del sistema capitalista, y que los trabajadores eran todo menos libres.
Los comienzos del modernismo en Francia
Los historiadores y escritores en diferentes disciplinas han sugerido varias fechas como puntos de partida para el modernismo. El historiador William Everdell, por ejemplo, ha argumentado que el modernismo comenzó en la década de 1870, cuando la continuidad metafórica (u ontológica) comenzó a ceder a lo discreto con el matemático Richard Dedekind (1831-1916) corte de Dedekind y estadística de Ludwig Boltzmann (1844-1906) termodinámica. Everdell también piensa que el modernismo en la pintura comenzó en 1885-86 con el divisionismo de Seurat, los "puntos" utilizados para pintar un domingo por la tarde en la isla de La Grande Jatte.. Por otro lado, el crítico de arte visual Clement Greenberg llamó a Immanuel Kant (1724-1804) "el primer verdadero modernista", aunque también escribió: "Lo que se puede llamar con seguridad el modernismo surgió a mediados del siglo pasado, y más bien a nivel local, en Francia, con Baudelaire en literatura y Manet en pintura, y quizás también con Flaubert, en prosa de ficción. (Fue más tarde, y no tan localmente, que el Modernismo apareció en la música y la arquitectura) ". Las Fleurs du mal ( Las flores del mal ), del poeta Baudelaire , y la novela de Flaubert, Madame Bovary, fueron publicadas en 1857.
En las artes y las letras, dos enfoques importantes se desarrollaron por separado en Francia. El primero fue el Impresionismo, una escuela de pintura que inicialmente se centró en el trabajo realizado, no en estudios, sino en el exterior ( en plein air) Las pinturas impresionistas demostraron que los seres humanos no ven los objetos, sino que ven la luz misma. La escuela reunió partidarios a pesar de las divisiones internas entre sus principales practicantes, y se volvió cada vez más influyente. Inicialmente rechazados de la muestra comercial más importante de la época, el Salón de París patrocinado por el gobierno, los impresionistas organizaron exposiciones grupales anuales en locales comerciales durante los años 1870 y 1880, sincronizándolos para coincidir con el Salón oficial. Un acontecimiento significativo de 1863 fue el Salon des Refusés, creado por el emperador Napoleón III para mostrar todas las pinturas rechazadas por el Salón de París. Si bien la mayoría eran de estilos estándar, pero de artistas inferiores, el trabajo de Manet atrajo enorme atención y abrió puertas comerciales al movimiento. La segunda escuela francesa fue Simbolismo, Une Saison en Enfer ( Una estación en el infierno , 1873), Paul Verlaine (1844-96), Stéphane Mallarmé (1842-98) y Paul Valéry (1871-1945). Los simbolistas "enfatizaban la prioridad de la sugestión y la evocación sobre la descripción directa y la analogía explícita", y estaban especialmente interesados en "las propiedades musicales del lenguaje". Cabaret, que dio nacimiento a muchas de las artes del modernismo, incluidos los precursores inmediatos de película, puede decirse que comenzó en Francia en 1881 con la apertura del Gato Negro en Montmartre, el comienzo del monólogo irónico y la fundación de la Sociedad de Artes Incoherentes.
Influyentes en los primeros días del modernismo fueron las teorías de Sigmund Freud (1856-1939). El primer gran trabajo de Freud fue Studies on Hysteria (con Josef Breuer, 1895). Un elemento central del pensamiento de Freud es la idea "de la primacía de la mente inconsciente en la vida mental", de modo que toda realidad subjetiva se basaba en el juego de impulsos e instintos básicos, a través de los cuales se percibía el mundo exterior. La descripción de Freud de los estados subjetivos involucraba una mente inconsciente llena de impulsos primarios y contrapeso de las restricciones autoimpuestas derivadas de los valores sociales.
Friedrich Nietzsche (1844-1900) fue otro importante precursor del modernismo, con una filosofía en la que los impulsos psicológicos, específicamente la "voluntad de poder" ( Wille zur Macht ), eran de importancia central: "Nietzsche a menudo identificaba la vida misma con 'la voluntad de poder ", es decir, con un instinto de crecimiento y durabilidad". Henri Bergson (1859-1941), por otro lado, enfatizó la diferencia entre el tiempo científico, el reloj y la experiencia directa, subjetiva y humana del tiempo. Su trabajo sobre el tiempo y la conciencia "tuvo una gran influencia en los novelistas del siglo XX", especialmente los modernistas que utilizaron la técnica de la corriente de la conciencia, como Dorothy Richardson, James Joyce y Virginia Woolf (1882-1941). También es importante en Bergson , la fuerza de la vida, que "produce la evolución creativa de todo". Su filosofía también le dio un gran valor a la intuición, aunque sin rechazar la importancia del intelecto.
Importantes precursores literarios del modernismo fueron Fyodor Dostoyevsky (1821-1881), que escribió las novelas Crimen y castigo (1866) y Los hermanos Karamazov (1880); Walt Whitman (1819-92), quien publicó la colección de poesía Leaves of Grass (1855-91); y August Strindberg (1849-1912), especialmente sus obras posteriores, incluyendo la trilogía To Damascus 1898-1901, A Dream Play (1902) y The Ghost Sonata (1907). Henry James también ha sido sugerido como un precursor significativo, en una obra tan temprana como El retrato de una dama (1881).
Fuera de la colisión de ideales derivados del Romanticismo, y un intento de encontrar una manera de que el conocimiento explique lo que hasta ahora era desconocido, llegó la primera ola de obras en la primera década del siglo XX, que, mientras sus autores las consideraban extensiones de las tendencias existentes en el arte, rompieron el contrato implícito con el público en general de que los artistas eran los intérpretes y representantes de la cultura e ideas burguesas. Estos hitos "modernistas" incluyen el final atonal del Second String Quartet de Arnold Schoenberg en 1908, las pinturas expresionistas de Wassily Kandinsky a partir de 1903 y que culminaron con su primera pintura abstracta y la fundación del grupo Blue Rider en Munich en 1911, y ascenso del fauvismo y los inventos del cubismo desde los estudios de Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque,
Explosión, principios del siglo XX a 1930
Un aspecto importante del modernismo es cómo se relaciona con la tradición mediante la adopción de técnicas como la repetición, la incorporación, la reescritura, la recapitulación, la revisión y la parodia en nuevas formas.
TS Eliot hizo comentarios significativos sobre la relación del artista con la tradición, incluyendo: "[A menudo encontraremos que no solo las mejores, sino las partes más individuales de la obra [de un poeta], pueden ser aquellas en las que los poetas muertos , sus antepasados, afirman su inmortalidad más vigorosamente ". Sin embargo, la relación del Modernismo con la tradición era compleja, como indica el estudioso de la literatura Peter Childs: "Había tendencias paradójicas, si no opuestas, hacia posiciones revolucionarias y reaccionarias, miedo a lo nuevo y deleite ante la desaparición del viejo nihilismo y fanático entusiasmo. creatividad y desesperación ".
Un ejemplo de cómo el arte modernista puede ser tanto revolucionario como relacionado con la tradición del pasado es la música del compositor Arnold Schoenberg. Por un lado, Schoenberg rechazó la armonía tonal tradicional, el sistema jerárquico de organizar las obras de música que habían guiado la creación musical durante al menos un siglo y medio. Creía haber descubierto una forma completamente nueva de organizar el sonido, basada en el uso de filas de doce notas. Sin embargo, si bien esto fue totalmente nuevo, sus orígenes se remontan a la obra de compositores anteriores, como Franz Liszt, Richard Wagner, Gustav Mahler, Richard Strauss y Max Reger. Además, debe tenerse en cuenta que Schoenberg también escribió música tonal a lo largo de su carrera.
En el mundo del arte, en la primera década del siglo XX, jóvenes pintores como Pablo Picasso y Henri Matisse estaban causando conmoción por su rechazo de la perspectiva tradicional como medio de estructurar las pinturas, aunque el impresionista Monet ya había sido innovador. su uso de la perspectiva. En 1907, mientras Picasso pintaba Les Demoiselles d'Avignon , Oskar Kokoschka escribía Mörder, Hoffnung der Frauen ( Asesinato, esperanza de las mujeres ), la primera obra expresionista (producida con escándalo en 1909) y Arnold Schoenberg estaba componiendo su cuarteto de cuerdas. No.2 en F sharp minor (1908), su primera composición sin un centro tonal.
Una influencia primaria que condujo al cubismo fue la representación de la forma tridimensional en las últimas obras de Paul Cézanne, que se exhibieron en una retrospectiva en 1907 Salon d'Automne. En la obra de arte cubista, los objetos son analizados, divididos y reensamblados en una forma abstracta; en lugar de representar objetos desde un punto de vista, el artista representa el tema desde una multitud de puntos de vista para representar al sujeto en un contexto mayor. El cubismo atrajo la atención del público en general por primera vez en 1911 en el Salon des Indépendants de París (del 21 de abril al 13 de junio). Jean Metzinger, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Robert Delaunay, Fernand Légerand y Roger de La Fresnaye se mostraron juntos en la Sala 41, provocando un "escándalo" del cual surgió el cubismo y se extendió por París y más allá. También en 1911, Bild mit Kreis ( Imagen con un círculo ), que luego llamó la primera pintura abstracta. En 1912, Metzinger y Gleizes escribieron el primer (y único) gran manifiesto cubista, Du "Cubisme" , publicado a tiempo para el Salon de la Section d'Or, la mayor exposición cubista hasta la fecha. En 1912 Metzinger pintó y exhibió su encantadora La Femme au Cheval (Mujer con un caballo) y Danseuse au Café (Bailarín en un café) . Albert Gleizes pintó y exhibió sus Les Baigneuses (Los bañistas) y su monumental Le Dépiquage des Moissons (Cosecha de la cosecha) . Este trabajo, junto con La Ville de Paris ( Ciudad de París)) por Robert Delaunay, fue la pintura cubista más grande y ambiciosa realizada durante el período cubista anterior a la guerra.
En 1905, un grupo de cuatro artistas alemanes, dirigidos por Ernst Ludwig Kirchner, formaron Die Brücke (el Puente) en la ciudad de Dresde. Podría decirse que esta fue la organización fundadora del movimiento expresionista alemán, aunque no usaron la palabra misma. Unos años más tarde, en 1911, un grupo de jóvenes artistas de ideas afines formó Der Blaue Reiter (The Blue Rider) en Munich. El nombre proviene de Der Blaue Reiter de Wassily Kandinsky pintura de 1903. Entre sus miembros se encontraban Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee y August Macke. Sin embargo, el término "expresionismo" no se estableció firmemente hasta 1913. Aunque inicialmente era principalmente un movimiento artístico alemán, predominante en la pintura, la poesía y el teatro entre 1910 y 1930, la mayoría de los precursores del movimiento no eran alemanes. Además, ha habido escritores expresionistas de ficción en prosa, así como escritores expresionistas que no hablan alemán, y, si bien el movimiento había disminuido en Alemania con el ascenso de Adolf Hitler en la década de 1930, hubo posteriores trabajos expresionistas.
El expresionismo es notoriamente difícil de definir, en parte porque "se superpone con otros 'ismos' principales del período modernista: con el futurismo, el vorticismo, el cubismo, el surrealismo y el Dada". Richard Murphy también comenta: "la búsqueda de una definición de todo incluido es problemática en la medida en que los expresionistas más desafiantes" como el novelista Franz Kafka, el poeta Gottfried Benn y el novelista Alfred Döblin eran a la vez los más expresivos anti-expresionistas. Sin embargo, se puede decir que fue un movimiento que se desarrolló a principios del siglo XX principalmente en Alemania en reacción al efecto deshumanizador de la industrialización y el crecimiento de las ciudades, y que "uno de los medios centrales por los que el expresionismo identifica como un movimiento de vanguardia,
Hubo un movimiento expresionista concentrado en el teatro alemán de principios del siglo XX, del cual Georg Kaiser y Ernst Toller fueron los dramaturgos más famosos. Otros dramaturgos expresionistas notables incluyeron a Reinhard Sorge, Walter Hasenclever, Hans Henny Jahnn y Arnolt Bronnen. Miraron hacia atrás al dramaturgo sueco August Strindberg y al actor y dramaturgo alemán Frank Wedekind como precursores de sus experimentos dramatúrgicos. El asesino de Oskar Kokoschka , la esperanza de la mujer, fue la primera obra totalmente expresionista para el teatro, que se inauguró el 4 de julio de 1909 en Viena. La simplificación extrema de los personajes a los tipos míticos, los efectos corales, el diálogo declamatorio y la intensificación de la intensidad se convertirían en características de las representaciones expresionistas posteriores. La primera obra expresionista de larga duración fue The Son por Walter Hasenclever, que se publicó en 1914 y se presentó por primera vez en 1916.
El futurismo es otro movimiento modernista. En 1909, el periódico parisino Le Figaro publicó el primer manifiesto de FT Marinetti. Poco después, un grupo de pintores (Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini) firmaron conjuntamente el Manifiesto Futurista. Siguiendo el modelo del famoso "Manifiesto comunista" de Marx y Engels (1848), tales manifiestos presentaron ideas que debían provocar y reunir seguidores. Sin embargo, los argumentos a favor de la pintura geométrica o puramente abstracta fueron, en este momento, en gran parte confinados a "pequeñas revistas" que tenían solo circulaciones minúsculas. El primitivismo y el pesimismo modernistas fueron controvertidos, y la corriente principal en la primera década del siglo XX todavía estaba inclinada hacia una fe en el progreso y el optimismo liberal.
Los artistas abstractos, tomando como ejemplos a los impresionistas, así como a Paul Cézanne (1839-1906) y Edvard Munch (1863-1944), comenzaron con la suposición de que el color y la forma, no la representación del mundo natural, formaban las características esenciales de arte. El arte occidental había sido, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, apuntalado por la lógica de la perspectiva y un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. Las artes de culturas distintas de las europeas se habían vuelto accesibles y mostraban formas alternativas de describir la experiencia visual al artista. A fines del siglo XIX, muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que abarcara los cambios fundamentales que tienen lugar en la tecnología, la ciencia y la filosofía. Las fuentes de las cuales los artistas individuales extrajeron sus argumentos teóricos fueron diversas, y reflejó las preocupaciones sociales e intelectuales en todas las áreas de la cultura occidental en ese momento. Wassily Kandinsky, Piet Mondrian y Kazimir Malevich creían en la redefinición del arte como el arreglo del color puro. El uso de la fotografía, que había dejado obsoleta la mayor parte de la función representativa del arte visual, afectó fuertemente este aspecto del modernismo.
Los arquitectos y diseñadores modernistas, como Frank Lloyd Wright y Le Corbusier, creían que la nueva tecnología hacía obsoletos los viejos estilos de construcción. Le Corbusier pensó que los edificios debían funcionar como "máquinas para vivir", análogamente a los automóviles, que él veía como máquinas para viajar. Así como los autos habían reemplazado al caballo, el diseño modernista debería rechazar los viejos estilos y estructuras heredados de la Antigua Grecia. o desde la Edad Media. Siguiendo esta estética de máquina, los diseñadores modernistas típicamente rechazaron los motivos decorativos en el diseño, prefiriendo enfatizar los materiales usados y las formas geométricas puras. El rascacielos es el edificio modernista arquetípico, y el edificio Wainwright, un edificio de oficinas de 10 pisos construido entre 1890 y 1891, en St. Louis, Missouri, Estados Unidos, se encuentra entre los primeros rascacielos del mundo. El Seagram Building de Ludwig Mies van der Rohe en Nueva York (1956-1958) se considera a menudo como el pináculo de esta arquitectura modernista de gran altura. Muchos aspectos del diseño modernista aún persisten dentro de la corriente principal de la arquitectura contemporánea, aunque el dogmatismo anterior ha dado paso a un uso más lúdico de la decoración, la cita histórica y el drama espacial.
En 1913, que fue el año del filósofo Edmund Husserl ideas , átomo cuantificado del físico Niels Bohr, fundación de imaginismo de Ezra Pound, el Armory Show de Nueva York, y en San Petersburgo la "primera ópera futurista", de Mikhail Matyushin Victoria sobre el sol - otro compositor ruso, Igor Stravinsky, compuso The Rite of Spring, un ballet que representa el sacrificio humano, y tiene un puntaje musical lleno de disonancia y ritmo primitivo. Esto causó revuelo en su primera presentación en París. En esta época, aunque el modernismo todavía era "progresivo", cada vez veía más las formas tradicionales y los arreglos sociales tradicionales como un obstáculo al progreso, y estaba redefiniendo al artista como un revolucionario, comprometido con derrocar a la sociedad en lugar de iluminarla. También en 1913 se produjo un evento menos violento en Francia con la publicación del primer volumen de la importante secuencia novelesca de Marcel Proust "La búsqueda del tiempo perdido" (1913-1927) ( En busca del tiempo perdido).) Esto a menudo se presenta como un ejemplo temprano de un escritor que usa la técnica de la corriente de la conciencia, pero Robert Humphrey comenta que Proust "se refiere solo al aspecto reminiscente de la conciencia" y que "recapturó deliberadamente el pasado con el propósito de comunicando, por lo tanto, no escribió una novela de flujo de la conciencia ".
La corriente de la conciencia fue una importante innovación literaria modernista, y se ha sugerido que Arthur Schnitzler (1862-1931) fue el primero en hacer uso completo de ella en su cuento "Leutnant Gustl" ("Nadie más que el valiente") (1900) ) Dorothy Richardson fue la primera escritora inglesa en utilizarla, en los primeros volúmenes de su novela La peregrinación (1915-67). Los otros novelistas modernistas que están asociados con el uso de esta técnica narrativa incluyen a James Joyce en Ulysses (1922) e Italo Svevoin La coscienza di Zeno (1923).
Sin embargo, con el advenimiento de la Gran Guerra de 1914-18 y la Revolución Rusa de 1917, el mundo cambió drásticamente y la duda recayó en las creencias e instituciones del pasado. El fracaso del statu quo anterior parecía evidente para una generación que había visto a millones morir luchando por restos de tierra: antes de 1914 se había argumentado que nadie pelearía tal guerra, ya que el costo era demasiado alto. El nacimiento de una era de la máquina que había hecho cambios importantes en las condiciones de la vida cotidiana en el siglo XIX ahora había cambiado radicalmente la naturaleza de la guerra. La naturaleza traumática de la experiencia reciente alteró las suposiciones básicas, y la descripción realista de la vida en las artes parecía inadecuada cuando se enfrentaba a la naturaleza fantásticamente surrealista de la guerra de trincheras. All Quiet on the Western Front (1929). Por lo tanto, la visión de la realidad del modernismo, que había sido un gusto minoritario antes de la guerra, se aceptó de forma más general en los años veinte.
En la literatura y el arte visual, algunos modernistas trataron de desafiar las expectativas principalmente para hacer su arte más vivo, o para obligar a la audiencia a tomarse la molestia de cuestionar sus propias ideas preconcebidas. Este aspecto del modernismo a menudo ha parecido una reacción a la cultura de consumo, que se desarrolló en Europa y América del Norte a fines del siglo XIX. Mientras que la mayoría de los fabricantes intentan fabricar productos que sean comercializables apelando a preferencias y prejuicios, los altos modernistas rechazaron tales actitudes consumistas con el fin de socavar el pensamiento convencional. El crítico de arte Clement Greenberg expuso esta teoría del modernismo en su ensayo Avant-Garde and Kitsch. Greenberg etiquetó los productos de la cultura del consumidor como "kitsch", ya que su diseño apuntaba simplemente a tener el máximo atractivo, eliminando cualquier característica difícil. Para Greenberg, el modernismo formó así una reacción contra el desarrollo de ejemplos de cultura moderna de consumo como la música popular comercial, Hollywood y la publicidad. Greenberg asoció esto con el rechazo revolucionario del capitalismo.
Algunos modernistas se vieron a sí mismos como parte de una cultura revolucionaria que incluía la revolución política. En Rusia, después de la Revolución de 1917, hubo inicialmente una floreciente actividad cultural de vanguardia, que incluía el futurismo ruso. Sin embargo, otros rechazaron tanto la política convencional como las convenciones artísticas, creyendo que una revolución de la conciencia política tenía mayor importancia que un cambio en las estructuras políticas. Pero muchos modernistas se vieron a sí mismos como apolíticos. Otros, como TS Eliot, rechazaron la cultura popular masiva desde una posición conservadora. Algunos incluso argumentan que el modernismo en la literatura y el arte funcionaba para sustentar una cultura de élite que excluía a la mayoría de la población.
El surrealismo, que se originó a principios de la década de 1920, llegó a ser considerado por el público como la forma más extrema de modernismo, o "la vanguardia del modernismo". La palabra "surrealista" fue acuñada por Guillaume Apollinaire y apareció por primera vez en el prefacio de su obra Les Mamelles de Tirésias , escrita en 1903 y estrenada en 1917. Los principales surrealistas incluyen a Paul Éluard, Robert Desnos, Max Ernst, Hans Arp, Antonin Artaud, Raymond Queneau, Joan Miró y Marcel Duchamp.
En 1930, el Modernismo había ganado un lugar en el establecimiento, incluido el establecimiento político y artístico, aunque en esta época el propio Modernismo había cambiado.
El modernismo continúa: 1930-1945
El modernismo continuó evolucionando durante la década de 1930. Entre 1930 y 1932 el compositor Arnold Schoenberg trabajó en Moses und Aron , una de las primeras óperas en utilizar la técnica de doce tonos, Pablo Picasso pintó en 1937 Guernica , su condena cubista del fascismo, mientras que en 1939 James Joyce superó los límites de la novela moderna más con Finnegans Wake . También en 1930 el Modernismo comenzó a influir en la cultura dominante, de modo que, por ejemplo, The New Yorker La revista comenzó a publicar obras, influenciadas por el Modernismo, por escritores y humoristas jóvenes como Dorothy Parker, Robert Benchley, EB White, SJ Perelman y James Thurber, entre otros. Perelman es muy apreciado por sus historias cortas humorísticas que publicó en revistas en los años 1930 y 1940, la mayoría de las veces en The New Yorker , que se consideran los primeros ejemplos de humor surrealista en Estados Unidos. Las ideas modernas en el arte también comenzaron a aparecer con mayor frecuencia en comerciales y logos, un ejemplo temprano de que, desde 1916, es el famoso logotipo del London Underground diseñado por Edward Johnston.
Uno de los cambios más visibles de este período fue la adopción de nuevas tecnologías en la vida cotidiana de la gente común en Europa occidental y América del Norte. La electricidad, el teléfono, la radio, el automóvil, y la necesidad de trabajar con ellos, repararlos y vivir con ellos, crearon un cambio social. El tipo de momento disruptivo que solo unos pocos conocieron en la década de 1880 se convirtió en algo común. Por ejemplo, la velocidad de comunicación reservada para los corredores de bolsa de 1890 se convirtió en parte de la vida familiar, al menos en la clase media de América del Norte. Asociados con la urbanización y las costumbres sociales cambiantes también surgieron familias más pequeñas y cambiaron las relaciones entre los padres y sus hijos.
Otra influencia fuerte en este momento fue el marxismo. Después del aspecto generalmente primitivista / irracionalista del premodelo de la Primera Guerra Mundial, que para muchos modernistas impidió cualquier apego a las soluciones meramente políticas, y el neoclasicismo de la década de 1920, representado más famoso por TS Eliot e Igor Stravinsky, que rechazó las soluciones populares a los problemas modernos: el ascenso del fascismo, la Gran Depresión y la marcha hacia la guerra ayudaron a radicalizar una generación. Bertolt Brecht, WH Auden, André Breton, Louis Aragon y los filósofos Antonio Gramsci y Walter Benjamin son quizás los ejemplos más famosos de esta forma modernista de marxismo. Hubo, sin embargo, también los modernistas explícitamente de "la derecha", incluyendo a Salvador Dalí, Wyndham Lewis, TS Eliot, Ezra Pound, el autor holandés Menno ter Braak y otros.
Obras literarias modernistas significativas continuaron siendo creadas en los años 1920 y 1930, incluyendo nuevas novelas de Marcel Proust, Virginia Woolf, Robert Musil y Dorothy Richardson. La carrera del dramaturgo modernista estadounidense Eugene O'Neill comenzó en 1914, pero sus principales obras aparecieron en los años veinte, treinta y principios de los cuarenta. Otros dos dramaturgos modernistas importantes que escribieron en las décadas de 1920 y 1930 fueron Bertolt Brecht y Federico García Lorca. La amante de DH Lawrence, Lady Chatterley, fue publicada en privado en 1928, mientras que otro importante hito en la historia de la novela moderna llegó con la publicación de William Faulkner, The Sound and the Fury, en 1929. En la década de 1930, además de otros trabajos importantes de Faulkner, Samuel Beckett publicó su primera gran obra, la novela Murphy (1938). Luego, en 1939, Finnegans Wake de James Joyce apareció. Está escrito en un lenguaje en gran parte idiosincrásico, que consiste en una mezcla de elementos léxicos ingleses estándar y juegos de palabras neologistas y plurilingües, que trata de recrear la experiencia del sueño y los sueños. En poesía, TS Eliot, EE Cummings y Wallace Stevens escribieron desde la década de 1920 hasta la década de 1950. Mientras que la poesía modernista en inglés se ve a menudo como un fenómeno estadounidense, con exponentes como Ezra Pound, TS Eliot, Marianne Moore, William Carlos Williams, HD y Louis Zukofsky, hubo importantes poetas modernistas británicos, como David Jones, Hugh MacDiarmid, Basil Bunting y WH Auden. Los poetas modernistas europeos incluyen a Federico García Lorca, Anna Akhmatova, Constantine Cavafy y Paul Valéry.
El movimiento modernista continuó durante este período en la Rusia soviética. En 1930, se estrenó la ópera The Nose , del compositor Dimitri Shostakovich (1906-75) , en la que utiliza un montaje de diferentes estilos, incluida la música folclórica, la canción popular y la atonalidad. Entre sus influencias estuvo la ópera Wozzeck (1925) de Alban Berg (1985-1935) , que "causó una gran impresión en Shostakovich cuando se representó en Leningrado". Sin embargo, a partir de 1932, el realismo socialista comenzó a expulsar al Modernismo en la Unión Soviética, y en 1936 Shostakovich fue atacado y obligado a retirar su Cuarta Sinfonía. Alban Berg escribió otra significativa, aunque incompleta, ópera modernista, Lulu, que se estrenó en 1937. Berg's Violin Concertowas se presentó por primera vez en 1935. Al igual que Shostakovich, otros compositores tuvieron dificultades en este período. En Alemania, Arnold Schoenberg (1874-1951) se vio obligado a huir a los Estados Unidos cuando Hitler llegó al poder en 1933, debido a su estilo atonal modernista y su ascendencia judía. Sus principales obras de este período son un Concierto para violín, op. 36 (1934/36), y el Concierto para piano, op. 42 (1942). Schoenberg también escribió música tonal en este período con la Suite para cuerdas en sol mayor (1935) y la Sinfonía de cámara n. ° 2 en E ♭ minor, op. 38 (comenzado en 1906, completado en 1939). Durante este tiempo, el modernista húngaro Béla Bartók (1881-1945) produjo varias obras importantes, entre ellas Music for Strings, Percussion y Celesta (1936) y el Divertimento for String Orchestra (1939), String Quartet No. 5 (1934) y No. 6 (su último, 1939). Pero él también se fue a los Estados Unidos en 1940, debido al aumento del fascismo en Hungría. Igor Stravinsky (1882-1971) continuó escribiendo en su estilo neoclásico durante los años 1930 y 1940, escribiendo obras como la Sinfonía de los Salmos (1930), Sinfonía en C (1940) y Sinfonía en tres movimientos (1945). También emigró a los Estados Unidos debido a la Segunda Guerra Mundial. Olivier Messiaen (1908-1992), sin embargo, sirvió en el ejército francés durante la guerra y fue encarcelado en Stalag VIII-A por los alemanes, donde compuso su famoso Quatuor pour la fin du temps ("Cuarteto para el fin del tiempo"). El cuarteto se presentó por primera vez en enero de 1941 a una audiencia de prisioneros y guardias de la prisión.
En la pintura, durante los años 1920 y 1930 y la Gran Depresión, el modernismo está definido por el surrealismo, el cubismo tardío, la Bauhaus, De Stijl, Dada, el expresionismo alemán y los pintores de color modernistas y magistrales como Henri Matisse y Pierre Bonnard, así como las abstracciones de artistas como Piet Mondrian y Wassily Kandinsky que caracterizaron la escena artística europea. En Alemania, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz y otros politizaron sus pinturas, presagiando la llegada de la Segunda Guerra Mundial, mientras que en América, el modernismo se ve en la forma de la pintura American Scene y el realismo social y los movimientos regionalistas que contenían y el comentario social dominó el mundo del arte. Artistas como Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh y otros se hicieron famosos.
Diego Rivera es quizás mejor conocido por el mundo público por su mural de 1933, El hombre en la encrucijada, en el vestíbulo del edificio RCA en el Rockefeller Center. Cuando su patrón Nelson Rockefeller descubrió que el mural incluía un retrato de Vladimir Lenin y otras imágenes comunistas, despidió a Rivera, y el trabajo inconcluso fue finalmente destruido por el personal de Rockefeller. Las obras de Frida Kahlo (la esposa de Rivera) a menudo se caracterizan por sus crueles representaciones de dolor. Kahlo estaba profundamente influenciado por la cultura indígena mexicana, que se manifiesta en los colores brillantes y el simbolismo dramático de sus pinturas. Los temas cristianos y judíos a menudo se representan en su trabajo también; combinó elementos de la tradición religiosa clásica mexicana, que a menudo eran sangrientos y violentos. Los trabajos simbolistas de Frida Kahlo se relacionan fuertemente con el surrealismo y con el movimiento del realismo mágico en la literatura.
El activismo político fue una parte importante de la vida de David Siqueiros, y con frecuencia lo inspiró a dejar de lado su carrera artística. Su arte estaba profundamente enraizado en la Revolución Mexicana. El período comprendido entre los años 1920 y 1950 se conoce como el Renacimiento mexicano, y Siqueiros estuvo activo en el intento de crear un arte que fuera a la vez mexicano y universal. El joven Jackson Pollock asistió al taller y ayudó a construir carrozas para el desfile.
Durante la década de 1930, la política radical de izquierda caracterizó a muchos de los artistas vinculados al surrealismo, incluido Pablo Picasso. El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil española, la ciudad vasca de Gernika fue bombardeada por la Luftwaffe de la Alemania nazi. Los alemanes estaban atacando para apoyar los esfuerzos de Francisco Franco para derrocar al gobierno vasco y al gobierno republicano español. Pablo Picasso pintó su Guernica de tamaño mural para conmemorar los horrores del bombardeo.
Durante la Gran Depresión de la década de 1930 y los años de la Segunda Guerra Mundial, el arte estadounidense se caracterizó por el Realismo Social y la Pintura Americana de Escenas, en el trabajo de Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton y muchos otros. Nighthawks (1942) es una pintura de Edward Hopper que retrata a las personas sentadas en un restaurante del centro de la ciudad a altas horas de la noche. No es solo la pintura más famosa de Hopper, sino una de las más reconocibles en el arte estadounidense. La escena fue inspirada por un comensal en Greenwich Village. Hopper comenzó a pintarlo inmediatamente después del ataque a Pearl Harbor. Después de este evento hubo una gran sensación de tristeza en todo el país, un sentimiento que se refleja en la pintura. La calle urbana está vacía fuera del restaurante, y en el interior ninguno de los tres clientes parece estar mirando o hablando con los demás, sino que se pierde en sus propios pensamientos. Esta representación de la vida urbana moderna como vacía o solitaria es un tema común en toda la obra de Hopper.
American Gothic es una pintura de Grant Wood de 1930. Retratando a un agricultor que sostiene una horca y una mujer más joven frente a una casa de estilo gótico carpintero, es una de las imágenes más familiares en el arte estadounidense del siglo XX. Los críticos de arte tenían opiniones favorables sobre la pintura; al igual que Gertrude Stein y Christopher Morley, asumieron que la pintura debía ser una sátira de la vida rural de una pequeña ciudad. Fue visto así como parte de la tendencia hacia representaciones cada vez más críticas de la América rural, en la línea de 1919 Winesburg, Ohio , de Sherwood Anderson , Sinclair Lewis, la calle principal de 1920 , y The Tattooed Countess , de Carl Van Vechten. En literatura. Sin embargo, con el inicio de la Gran Depresión, la pintura se vio como una representación del espíritu pionero estadounidense firme.
La situación de los artistas en Europa durante la década de 1930 se deterioró rápidamente a medida que aumentaba el poder de los nazis en Alemania y en toda Europa del Este. Arte degenerado fue un término adoptado por el régimen nazi en Alemania para prácticamente todo el arte moderno. Tal arte fue prohibido con el argumento de que era de naturaleza bolchevique no alemana o judía, y aquellos identificados como artistas degenerados fueron sujetos a sanciones. Estos incluyen ser despedidos de puestos docentes, se les prohíbe exponer o vender sus obras de arte y, en algunos casos, se les prohíbe producir arte por completo. Degenerate Art también fue el título de una exposición, montada por los nazis en Munich en 1937. El clima se volvió tan hostil para los artistas y el arte asociados con el modernismo y la abstracción que muchos dejaron para las Américas. El artista alemán Max Beckmann y decenas de otros huyeron de Europa a Nueva York. En la ciudad de Nueva York, una nueva generación de jóvenes y emocionantes pintores modernistas dirigidos por Arshile Gorky, Willem de Kooning y otros recién comenzaban a alcanzar la mayoría de edad.
El retrato de Arshile Gorky de alguien que podría ser Willem de Kooning es un ejemplo de la evolución del expresionismo abstracto desde el contexto de la pintura de figuras, el cubismo y el surrealismo. Junto con sus amigos de Kooning y John D. Graham, Gorky creó composiciones figurativas abstractas y de forma biomórfica que en la década de 1940 se convirtieron en pinturas totalmente abstractas. El trabajo de Gorky parece ser un análisis cuidadoso de la memoria, la emoción y la forma, utilizando la línea y el color para expresar el sentimiento y la naturaleza.
Después de la Segunda Guerra Mundial (principalmente las artes visuales y escénicas)
Introducción
Mientras que la Enciclopedia de Oxford de la literatura británica afirma que el modernismo terminó por c. 1939 con respecto a la literatura británica y estadounidense, "Cuando (si) el modernismo desapareció y el postmodernismo comenzó se ha disputado casi tan acaloradamente como cuando se produjo la transición del periodo victoriano al modernismo". Clement Greenberg ve que el modernismo termina en la década de 1930, con la excepción de las artes visuales y escénicas, pero con respecto a la música, Paul Griffiths señala que, aunque el Modernismo "parecía ser una fuerza agotada" a fines de la década de 1920, después de la Segunda Guerra Mundial, "Una nueva generación de compositores -Buellez, Barraqué, Babbitt, Nono, Stockhausen, Xenakis" revivió el modernismo ". De hecho, muchos modernistas literarios vivieron en los años 50 y 60, aunque en general ya no producían obras importantes. El término" modernismo tardío " "también se aplica a veces a trabajos modernistas publicados después de 1930. Entre los modernistas (o modernistas tardíos) que todavía publicaban después de 1945 estaban Wallace Stevens, Gottfried Benn, TS Eliot, Anna Akhmatova, William Faulkner, Dorothy Richardson, John Cowper Powys y Ezra Pound. Basil Bunting, nacido en 1901, publicó su poema modernista más importante Briggflatts en 1965. Además, The Death of Virgil de Hermann Broch se publicó en 1945 y Doctor Faustus de Thomas Mann en 1947. Samuel Beckett, que murió en 1989, ha sido descrito como un "Modernista posterior". Beckett es un escritor con raíces en la tradición expresionista del Modernismo, que produjo obras desde la década de 1930 hasta la década de 1980, incluyendo Molloy (1951), Esperando a Godot (1953), Happy Days (1961) y Rockaby. (1981). Los términos "minimalista" y "posmodernista" también se han aplicado a sus trabajos posteriores. Los poetas Charles Olson (1910-1970) y JH Prynne (nacido en 1936) se encuentran entre los escritores de la segunda mitad del siglo XX que han sido descritos como modernistas tardíos.
Más recientemente, el término "modernismo tardío" ha sido redefinido por al menos un crítico y se utiliza para referirse a obras escritas después de 1945, en lugar de 1930. Con este uso va la idea de que la ideología del modernismo fue significativamente redefinida por los eventos de La Segunda Guerra Mundial, especialmente el Holocausto y la caída de la bomba atómica.
El período de posguerra dejó a las capitales de Europa en un estado de agitación con la urgencia de reconstruir económica y físicamente y reagruparse políticamente. En París (el antiguo centro de la cultura europea y la antigua capital del mundo del arte) el clima para el arte fue un desastre. Importantes coleccionistas, marchantes y artistas, escritores y poetas modernistas habían huido de Europa hacia Nueva York y América. Los surrealistas y artistas modernos de todos los centros culturales de Europa habían huido de la embestida de los nazis en busca de refugio en los Estados Unidos. Muchos de los que no huyeron perecieron. Algunos artistas, notablemente Pablo Picasso, Henri Matisse y Pierre Bonnard, permanecieron en Francia y sobrevivieron.
La década de 1940 en Nueva York anunció el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense, un movimiento modernista que combinó las lecciones aprendidas de Henri Matisse, Pablo Picasso, el surrealismo, Joan Miró, el cubismo, el fauvismo y el modernismo temprano a través de grandes maestros en Estados Unidos como Hans Hofmann y John D. Graham. Los artistas estadounidenses se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst y el grupo André Breton, la galería de Pierre Matisse y la galería de Peggy Guggenheim El arte de este siglo , entre otros factores.
París, además, recuperó gran parte de su brillo en las décadas de 1950 y 1960 como el centro de una florecimiento de máquinas de arte, con los dos principales escultores de arte de máquina, Jean Tinguely y Nicolas Schöffer que se mudaron allí para iniciar sus carreras, y cuya florescencia, a la luz de el carácter tecnocéntrico de la vida moderna, bien puede tener una influencia particularmente duradera.
Teatro del Absurdo
El término "Teatro del Absurdo" se aplica a obras de teatro, escritas principalmente por europeos, que expresan la creencia de que la existencia humana no tiene ningún significado o propósito y, por lo tanto, toda comunicación se rompe. La construcción lógica y el argumento dan paso al discurso irracional e ilógico y a su conclusión final, el silencio. Si bien hay precursores significativos, como Alfred Jarry (1873-1907), el Teatro del Absurdo generalmente se considera que comenzó en la década de 1950 con las obras de Samuel Beckett.
El crítico Martin Esslin acuñó el término en su ensayo de 1960 "Theatre of the Absurd". Relacionó estas obras basadas en un amplio tema del Absurdo, similar a la forma en que Albert Camus usa el término en su ensayo de 1942, El mito de Sísifo.. El Absurdo en estas obras toma la forma de la reacción del hombre ante un mundo aparentemente sin significado, y / o el hombre como un títere controlado o amenazado por fuerzas externas invisibles. Aunque el término se aplica a una amplia gama de obras, algunas características coinciden en muchas de las obras: comedia amplia, a menudo similar al vodevil, mezclado con imágenes horribles o trágicas; personajes atrapados en situaciones desesperadas forzados a realizar acciones repetitivas o sin sentido; un diálogo lleno de clichés, juegos de palabras y tonterías; tramas que son cíclicas o absurdamente expansivas; ya sea una parodia o rechazo del realismo y el concepto del "juego bien hecho".
Los dramaturgos comúnmente asociados con el Teatro del Absurdo incluyen Samuel Beckett (1906-1989), Eugène Ionesco (1909-94), Jean Genet (1910-86), Harold Pinter (1930-2008), Tom Stoppard (nacido en 1937), Alexander Vvedensky (1904-1941), Daniil Kharms (1905-1942), Friedrich Dürrenmatt (1921-90), Alejandro Jodorowsky (nacido en 1929), Fernando Arrabal (nacido en 1932), Václav Havel (1936-2011) y Edward Albee (1928- 2016).
Pollock e influencias abstractas
A fines de la década de 1940, el enfoque radical de la pintura de Jackson Pollock revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que lo siguió. Hasta cierto punto, Pollock se dio cuenta de que el camino hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la propia obra de arte. Al igual que las reinvenciones innovadoras de la pintura y la escultura de Pablo Picasso a principios del siglo XX a través del cubismo y la escultura construida, Pollock redefinió la forma en que se hace el arte. Su alejamiento de la pintura de caballete y la convencionalidad fue una señal de liberación para los artistas de su época y para todos los que vinieron después. Los artistas se dieron cuenta de que el proceso de Jackson Pollock consistía en colocar un lienzo en bruto sin estirar sobre el suelo, donde podía ser atacado desde los cuatro lados utilizando materiales artísticos e industriales; goteando y lanzando madejas lineales de pintura; dibujo, manchado y cepillado; usando imágenes y no imágenes-esencialmente arte dramático más allá de cualquier límite anterior. El expresionismo abstracto generalmente expandió y desarrolló las definiciones y posibilidades disponibles para los artistas para la creación de nuevas obras de arte.
Los otros expresionistas abstractos siguieron el avance de Pollock con nuevos avances propios. En cierto sentido, las innovaciones de Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Robert Motherwell, Peter Voulkos y otros abrieron las puertas a la diversidad y el alcance de todo el arte que los siguió. Las relecturas en el arte abstracto de historiadores del arte como Linda Nochlin, Griselda Pollock y Catherine de Zegher demuestran críticamente, sin embargo, que las artistas pioneras que produjeron importantes innovaciones en el arte moderno habían sido ignoradas por los relatos oficiales de su historia.
Figuras internacionales del arte británico
Henry Moore (1898-1986) surgió después de la Segunda Guerra Mundial como el escultor líder de Gran Bretaña. Era mejor conocido por sus esculturas de bronce monumentales semi-abstractas que se encuentran en todo el mundo como obras de arte públicas. Sus formas son generalmente abstracciones de la figura humana, típicamente representando figuras de madre e hijo o reclinables, usualmente sugerentes del cuerpo femenino, aparte de una fase en la década de 1950 cuando esculpió grupos familiares. Sus formas son generalmente perforadas o contienen espacios huecos.
En la década de 1950, Moore comenzó a recibir comisiones cada vez más importantes, incluida una figura reclinable para el edificio de la UNESCO en París en 1958. Con muchas obras de arte públicas, la escala de las esculturas de Moore creció significativamente. Las últimas tres décadas de la vida de Moore continuaron en una línea similar, con varias retrospectivas importantes que tienen lugar en todo el mundo, especialmente una exposición destacada en el verano de 1972 en los terrenos del Forte di Belvedere con vistas a Florencia. A finales de la década de 1970, hubo unas 40 exposiciones al año presentando su trabajo. En el campus de la Universidad de Chicago en diciembre de 1967, 25 años después de que el equipo de físicos dirigido por Enrico Fermi lograra la primera reacción en cadena nuclear controlada y autosostenida, la Energía Nuclear de Moore. fue revelado. También en Chicago, Moore conmemoró la ciencia con un gran reloj de sol de bronce, llamado Man insiste en el cosmos (1980), que recibió el encargo de reconocer el programa de exploración espacial.
La "London School" de pintores figurativos, incluidos Francis Bacon (1909-1992), Lucian Freud (1922-2011), Frank Auerbach (nacido en 1931), Leon Kossoff (nacido en 1926) y Michael Andrews (1928-1995), recibió un amplio reconocimiento internacional.
Francis Bacon fue un pintor figurativo británico de origen irlandés, conocido por sus imágenes audaces, gráficas y emocionalmente primas. Sus figuras pictóricas pero abstractas suelen aparecer aisladas en jaulas geométricas de vidrio o acero contra fondos planos y anodinos. Bacon comenzó a pintar durante sus primeros 20 años, pero trabajó solo esporádicamente hasta los 30 años. Su gran avance llegó con el tríptico de 1944 Tres estudios para figuras en la base de una crucifixión que selló su reputación como un cronista único y sombrío de la condición humana. Su salida se puede describir crudamente como consistiendo en secuencias o variaciones en un solo motivo; empezando por los jefes masculinos de la década de 1940 aislados en salas, los papas que gritaban a principios de la década de 1950 y desde mediados hasta finales de la década de 1950 animales y figuras solitarias suspendidas en estructuras geométricas. Estos fueron seguidos por sus variaciones modernas de la crucifixión de principios de la década de 1960 en el formato de tríptico. Desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la década de 1970, Bacon produjo principalmente retratos sorprendentemente compasivos de amigos. Tras el suicidio de su amante George Dyer en 1971, su arte se volvió más personal, más centrado en el interior y más preocupado por los temas y los motivos de la muerte. Durante su vida, Bacon fue igualmente injuriado y aclamado.
Lucian Freud era un pintor británico de origen alemán, conocido principalmente por sus pinturas de figuras y retratos densamente empastados, que fue ampliamente considerado como el artista británico más destacado de su tiempo. Sus obras se caracterizan por su penetración psicológica y por su examen a menudo incómodo de la relación entre el artista y el modelo. Según William Grimes, de The New York Times , "Lucien Freud y sus contemporáneos transformaron la pintura de figuras en el siglo 20. En pinturas como Girl with a White Dog (1951-52), Freud puso el lenguaje pictórico de la pintura europea tradicional al servicio de un estilo de retrato anti-romántico y de confrontación que despojó a la fachada social de la modelo. La gente corriente, muchos de ellos sus amigos, miraban con los ojos muy abiertos desde el lienzo, vulnerables a la despiadada inspección del artista ".
En la década de 1960 después del expresionismo abstracto
En la pintura abstracta durante los años 1950 y 1960, varias direcciones nuevas como la pintura de borde duro y otras formas de abstracción geométrica comenzaron a aparecer en los estudios de artistas y en los círculos de vanguardia radicales como una reacción contra el subjetivismo del expresionismo abstracto. Clement Greenberg se convirtió en la voz de la abstracción post-pictórica cuando fue comisario de una influyente exposición de pintura nueva que recorrió importantes museos de arte en todo Estados Unidos en 1964. La pintura Field Field, la pintura de borde duro y la abstracción lírica emergieron como nuevas direcciones radicales.
Sin embargo, a fines de la década de 1960, el postminimalismo, el arte procesual y el Arte Povera también emergieron como conceptos y movimientos revolucionarios que abarcaron tanto la pintura como la escultura, a través de la abstracción lírica y el movimiento postminimalista, y en el arte conceptual temprano. El arte de proceso inspirado por Pollock permitió a los artistas experimentar y hacer uso de una enciclopedia diversa de estilo, contenido, material, ubicación, sentido del tiempo y espacio plástico y real. Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Colin McCahon, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Sam Gilliam,
Arte pop
En 1962, la galería Sidney Janis montó Los nuevos realistas, la primera gran exposición colectiva de arte pop en una galería de arte de la parte alta de la ciudad de Nueva York. Janis montó la exposición en una tienda de la calle 57 cerca de su galería en 15 E. 57th Street. El espectáculo envió ondas de choque a través de la Escuela de Nueva York y repercutió en todo el mundo. Anteriormente, en Inglaterra, en 1958, el término "Pop Art" fue utilizado por Lawrence Alloway para describir pinturas que celebraban el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico en favor del arte que representaba y a menudo celebraba la cultura de consumo material, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. Las primeras obras de David Hockney y las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi (quien creó la obra pionera I was a Rich Man's Plaything, 1947) se consideran ejemplos seminales en el movimiento. Mientras tanto, en la escena del centro de la ciudad en las galerías East Village de la Calle 10 de Nueva York, los artistas estaban formulando una versión estadounidense del arte pop. Claes Oldenburg tenía su escaparate, y la Galería Verde en la calle 57 comenzó a mostrar las obras de Tom Wesselmann y James Rosenquist. Más tarde, Leo Castelli exhibió las obras de otros artistas estadounidenses, incluidos los de Andy Warhol y Roy Lichtenstein, en la mayoría de sus carreras. Existe una conexión entre las obras radicales de Marcel Duchamp y Man Ray, los dadaístas rebeldes con sentido del humor y artistas pop como Claes Oldenburg, Andy Warhol y Roy Lichtenstein, cuyas pinturas reproducen la apariencia de los puntos Ben-Day, una técnica utilizada en reproducción comercial.
Minimalismo
El minimalismo describe los movimientos en diversas formas de arte y diseño, especialmente el arte visual y la música, donde los artistas intentan exponer la esencia o identidad de un sujeto mediante la eliminación de todas las formas, características o conceptos no esenciales. El minimalismo es cualquier diseño o estilo en el que los elementos más simples y menos utilizados se utilizan para crear el efecto máximo.
Como movimiento específico en las artes, se identifica con los desarrollos en el arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, más fuertemente con las artes visuales estadounidenses en los años sesenta y principios de los setenta. Destacados artistas asociados con este movimiento incluyen a Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Ronald Bladen, Anne Truitt y Frank Stella. Se deriva de los aspectos reductivos del modernismo y se interpreta a menudo como una reacción contra el expresionismo abstracto y un puente hacia las prácticas de Postminimalart. A principios de la década de 1960, el minimalismo surgió como un movimiento abstracto en el arte (con raíces en la abstracción geométrica de Kazimir Malevich, la Bauhaus y Piet Mondrian) que rechazó la idea de pintura relacional y subjetiva, la complejidad de las superficies expresionistas abstractas, y el zeitgeist y las polémicas emocionales presentes en el campo de la pintura de acción. El minimalismo argumentó que la simplicidad extrema podría capturar toda la representación sublime necesaria en el arte. El minimalismo se interpreta de diversas maneras ya sea como un precursor del posmodernismo o como un movimiento posmoderno en sí mismo. En esta última perspectiva, el minimalismo temprano produjo obras modernistas avanzadas, pero el movimiento abandonó parcialmente esta dirección cuando algunos artistas como Robert Morris cambiaron de dirección a favor del movimiento anti-forma.
Hal Foster, en su ensayo The Crux of Minimalism , examina hasta qué punto Donald Judd y Robert Morris reconocen y superan el Modernismo Greenbergiano en sus definiciones publicadas de minimalismo. Él argumenta que el minimalismo no es un "callejón sin salida" del Modernismo, sino un "cambio de paradigma hacia prácticas posmodernas que continúan siendo elaboradas hoy".
Los términos se han expandido para abarcar un movimiento en la música que presenta tales repeticiones e iteraciones como las de las composiciones de La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass y John Adams. Las composiciones minimalistas a veces se conocen como música de sistemas. El término "minimalista" a menudo se refiere coloquialmente a todo lo que es de repuesto o despojado de sus elementos esenciales. También se ha utilizado para describir las obras de teatro y las novelas de Samuel Beckett, las películas de Robert Bresson, las historias de Raymond Carver y los diseños de automóvil de Colin Chapman.
Postminimalismo
A fines de la década de 1960, Robert Pincus-Witten acuñó el término "postminimalismo" para describir el arte de derivación minimalista que tenía un contenido y matices contextuales rechazados por el minimalismo. El término fue utilizado por Pincus-Whitten para el trabajo de Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra y el nuevo trabajo de los ex minimalistas Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt, Barry Le Va y otros. Otros minimalistas como Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin y John McCracken continuaron produciendo pinturas y esculturas modernistas tardías para el resto de sus carreras.
Desde entonces, muchos artistas han adoptado estilos mínimos o postminimal, y la etiqueta "Postmodern" se ha unido a ellos.
Collage, ensamblaje, instalaciones
Relacionado con el expresionismo abstracto estaba el surgimiento de combinar artículos manufacturados con materiales de artistas, alejándose de las convenciones previas de pintura y escultura. El trabajo de Robert Rauschenberg ejemplifica esta tendencia. Sus "cosechadoras" de la década de 1950 fueron precursoras del arte pop y del arte de instalación, y utilizaron ensamblajes de grandes objetos físicos, incluidos animales de peluche, pájaros y fotografías comerciales. Rauschenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine y Edward Kienholz estuvieron entre los pioneros importantes de la abstracción y el arte pop. Creando nuevas convenciones de creación artística, hicieron aceptable en los círculos serios del arte contemporáneo la inclusión radical en sus obras de materiales improbables. Otro pionero del collage fue Joseph Cornell,
Neo-Dada
A principios del siglo XX, Marcel Duchamp presentó para su exhibición un urinario como escultura. Él profesó su intención de que la gente mirara el urinario como si fuera una obra de arte porque dijo que era una obra de arte. Se refirió a su trabajo como "readymades". La fuente era un urinario firmado con el seudónimo de "R. Mutt", cuya exposición conmocionó al mundo del arte en 1917. Esta y otras obras de Duchamp generalmente se etiquetan como Dada. Duchamp puede ser visto como un precursor del arte conceptual, otros ejemplos famosos son el 4'33 "de John Cage , que es de cuatro minutos y treinta y tres segundos de silencio, y el dibujo borrado de Rauschenberg de Kooning. Muchos trabajos conceptuales toman la posición de que el arte es el resultado de que el espectador vea un objeto o actúe como arte, no de las cualidades intrínsecas del trabajo en sí mismo. Al elegir "un artículo de vida ordinario" y crear "un nuevo pensamiento para ese objeto", Duchamp invitó a los espectadores a ver la Fuente como una escultura.
Marcel Duchamp renunció al "arte" a favor del ajedrez. El compositor de vanguardia David Tudor creó una pieza, Reunion (1968), escrita conjuntamente con Lowell Cross, que presenta un juego de ajedrez en el que cada movimiento desencadena un efecto de iluminación o proyección. Duchamp y Cage jugaron el juego en el estreno de la obra.
Steven Best y Douglas Kellner identifican a Rauschenberg y Jasper Johns como parte de la fase de transición, influenciada por Duchamp, entre el Modernismo y el Posmodernismo. Ambos usaron imágenes de objetos ordinarios, o los objetos mismos, en su trabajo, conservando la abstracción y los gestos pictóricos del alto modernismo.
Rendimiento y acontecimientos
Durante los últimos años de la década de 1950 y 1960, artistas con una amplia gama de intereses comenzaron a traspasar los límites del arte contemporáneo. Yves Klein en Francia, Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman y Yoko Ono en la ciudad de Nueva York, y Joseph Beuys, Wolf Vostell y Nam June Paik en Alemania fueron pioneros de las obras de arte basadas en el rendimiento. Grupos como The Living Theatre con Julian Beck y Judith Malina colaboraron con escultores y pintores creando entornos, cambiando radicalmente la relación entre el público y el intérprete, especialmente en su pieza Paradise Now. Judson Dance Theatre, ubicado en Judson Memorial Church, Nueva York; y los bailarines Judson, notablemente Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton y otros; colaboró con los artistas Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg e ingenieros como Billy Klüver. Park Place Gallery fue un centro de actuaciones musicales de los compositores electrónicos Steve Reich, Philip Glass y otros artistas notables como Joan Jonas.
Estas representaciones fueron pensadas como obras de una nueva forma de arte que combina escultura, danza y música o sonido, a menudo con participación del público. Se caracterizaron por las filosofías reductivas del minimalismo y la improvisación y expresividad espontánea del expresionismo abstracto. Las imágenes de las representaciones de piezas de Schneeman destinadas a conmocionar se utilizan ocasionalmente para ilustrar este tipo de arte, y a menudo se la ve fotografiada mientras realiza su pieza. Desplazamiento interior. Sin embargo, las imágenes de ella interpretando esta pieza están ilustrando precisamente qué performance no es el arte. En el arte de performance, el rendimiento en sí es el medio. Otros medios no pueden ilustrar arte de performance. El arte de performance se realiza, no se captura. Por su naturaleza, el rendimiento es momentáneo y evanescente, lo cual es parte del punto del medio como arte. Las representaciones de arte de performance en otros medios, ya sea por imagen, video, narrativa u otra, seleccionan ciertos puntos de vista en el espacio o tiempo o involucran las limitaciones inherentes de cada medio, y que por lo tanto no pueden ilustrar verdaderamente el medio de performance como arte.
Durante el mismo período, varios artistas de vanguardia crean sucesos, encuentros misteriosos ya menudo espontáneas e improvisadas de los artistas y sus amigos y parientes en varios lugares específicos, a menudo incorporando ejercicios en lo absurdo, lo físico, el vestuario, la desnudez espontánea, y varios aleatoria o aparentemente actos desconectados. Creadores notables de los acontecimientos incluyeron a Allan Kaprow, que utilizó por primera vez el término en 1958, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms y Robert Whitman.
Intermedia, multimedia
Otra tendencia en el arte que se ha asociado con el término posmoderno es el uso de varios medios diferentes juntos. Intermedia es un término acuñado por Dick Higgins y destinado a transmitir nuevas formas de arte a lo largo de las líneas de Fluxus, poesía concreta, objetos encontrados, arte de performance y arte de la computadora. Higgins fue el editor de Something Else Press, un poeta concreto casado con la artista Alison Knowles y admirador de Marcel Duchamp. Ihab Hassan incluye "Intermedia, la fusión de formas, la confusión de reinos", en su lista de las características del arte posmoderno. Una de las formas más comunes de "arte multimedia" es el uso de video-tape y monitores CRT, denominados videoart. Si bien la teoría de combinar múltiples artes en un solo arte es bastante antigua, y ha sido revivida periódicamente,
Fluxus
Fluxus fue nombrado y organizado libremente en 1962 por George Maciunas (1931-78), un artista estadounidense nacido en Lituania. Fluxus remonta sus comienzos a las clases de Composición Experimental de 1957 a 1959 de John Cage en la Nueva Escuela de Investigación Social en la ciudad de Nueva York. Muchos de sus alumnos eran artistas que trabajaban en otros medios con poca o ninguna experiencia en música. Los estudiantes de Cage incluyen a los miembros fundadores de Fluxus Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht y Dick Higgins.
Fluxus fomentó una estética "hágalo usted mismo" y valora la simplicidad sobre la complejidad. Al igual que Dada antes, Fluxus incluyó una fuerte corriente de anti-comercialismo y una sensibilidad anti-arte, menospreciando el mundo del arte convencional impulsado por el mercado a favor de una práctica creativa centrada en el artista. Los artistas de Fluxus prefirieron trabajar con cualquier material que estuviera a mano, y crearon su propio trabajo o colaboraron en el proceso de creación con sus colegas.
Andreas Huyssen critica los intentos de reclamar Fluxus por el posmodernismo como "el código maestro de la posmodernidad o el movimiento del arte finalmente irrepresentable, por así decirlo, el postmodernismo es sublime". En su lugar, ve a Fluxus como uno de los principales fenómenos neodidatistas dentro de la tradición vanguardista. . No representó un avance importante en el desarrollo de estrategias artísticas, aunque sí expresó una rebelión contra "la cultura administrada de la década de 1950, en la que un modernismo moderado y domesticado sirvió de apoyo ideológico a la Guerra Fría".
Período tardío
La continuación del expresionismo abstracto, la pintura de campo de color, la abstracción lírica, la abstracción geométrica, el minimalismo, el ilusionismo abstracto, el arte procesual, el pop art, el postminimalismo y otros movimientos modernistas de finales del siglo XX tanto en pintura como en escultura continuaron durante la primera década del siglo XXI. siglo y constituyen nuevas direcciones radicales en esos medios.
Al final del siglo XXI, artistas bien establecidos como Sir Anthony Caro, Lucian Freud, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Agnes Martin, Al Held, Ellsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Kenneth Noland, Jules Olitski , Claes Oldenburg, Jim Dine, James Rosenquist, Alex Katz, Philip Pearlstein y artistas más jóvenes como Brice Marden, Chuck Close, Sam Gilliam, Isaac Witkin, Sean Scully, Mahirwan Mamtani, Joseph Nechvatal, Elizabeth Murray, Larry Poons, Richard Serra, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Joel Shapiro, Tom Otterness, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Susan Crile y otros siguieron produciendo pinturas y esculturas vitales e influyentes.
Diferencias entre el modernismo y el posmodernismo
A principios de la década de 1980, el movimiento postmoderno de arte y arquitectura comenzó a establecer su posición a través de diversos formatos conceptuales e intermedios. El postmodernismo en la música y la literatura comenzó a consolidarse antes. En la música, el postmodernismo se describe en una obra de referencia, como un "término introducido en la década de 1970", mientras que en la literatura británica, la Enciclopedia de Oxford de la literatura británica ve el modernismo "cediendo su predominio al posmodernismo" ya en 1939. Sin embargo, las fechas son muy debatible, especialmente según Andreas Huyssen: "el postmodernismo de un crítico es el modernismo de otro crítico". Esto incluye a aquellos que son críticos con la división entre los dos y los ven como dos aspectos del mismo movimiento, y creen que el modernismo tardío continúa.
El modernismo es una etiqueta que abarca una gran variedad de movimientos culturales. Postmodernism es esencialmente un movimiento centralizado que se nombró a sí mismo, basado en la teoría sociopolítica, aunque el término se usa ahora en un sentido más amplio para referirse a las actividades del siglo 20 en adelante que exhiben conocimiento y reinterpretan lo moderno.
La teoría posmoderna afirma que el intento de canonizar el modernismo "después del hecho" está condenado a contradicciones imposibles de resolver.
En un sentido más restringido, lo que era modernista no era necesariamente también posmoderno. Aquellos elementos del modernismo que acentuaban los beneficios de la racionalidad y el progreso socio-tecnológico eran solo modernistas.
Crítica y hostilidad al modernismo
El énfasis del modernismo en la libertad de expresión, la experimentación, el radicalismo y el primitivismo descarta las expectativas convencionales. En muchas formas artísticas, esto a menudo significaba audiencias sorprendentes y alienantes con efectos extraños e impredecibles, como en las extrañas e inquietantes combinaciones de motivos en el surrealismo o el uso de extrema disonancia y atonalidad en la música modernista. En la literatura, esto a menudo implicaba el rechazo de tramas inteligibles o la caracterización en las novelas, o la creación de poesía que desafiaba la interpretación clara.
Después del ascenso de Joseph Stalin, el gobierno soviético rechazó el modernismo sobre la base del presunto elitismo, aunque anteriormente había apoyado el futurismo y el constructivismo. El gobierno nazi de Alemania consideró que el modernismo era narcisista y absurdo, así como "judío" (ver antisemitismo) y "negro". Los nazis exhibieron pinturas modernistas junto con obras de enfermos mentales en una exposición titulada "Arte degenerado". Las acusaciones de "formalismo" podrían llevar al final de una carrera o algo peor. Por esta razón, muchos modernistas de la generación de posguerra sentían que eran el baluarte más importante contra el totalitarismo, el "canario en la mina de carbón", cuya represión por un gobierno u otro grupo con supuesta autoridad representaba una advertencia de que las libertades individuales estaban siendo amenazadas. Louis A.
De hecho, el modernismo floreció principalmente en las sociedades de consumo / capitalistas, a pesar de que sus defensores a menudo rechazaron el consumismo mismo. Sin embargo, el alto modernismo comenzó a fusionarse con la cultura de consumo después de la Segunda Guerra Mundial, especialmente durante la década de 1960. En Gran Bretaña, una subcultura juvenil surgió llamándose "Modernista" (usualmente acortada a Mod), siguiendo grupos musicales tan representativos como Who y the Kinks. Los gustos de Bob Dylan, Serge Gainsbourg y Rolling Stones combinaron las tradiciones musicales populares con el verso modernista, adoptando dispositivos literarios derivados de James Joyce, Samuel Beckett, James Thurber, TS Eliot, Guillaume Apollinaire, Allen Ginsberg y otros. Los Beatles se desarrollaron a lo largo de líneas similares, creando varios efectos musicales modernistas en varios álbumes, mientras que músicos como Frank Zappa, Syd Barrett y Captain Beefheart demostraron ser aún más experimentales. Los dispositivos modernistas también comenzaron a aparecer en el cine popular, y más tarde en los videos musicales. El diseño modernista también comenzó a entrar en la corriente principal de la cultura popular, a medida que las formas simplificadas y estilizadas se hicieron populares, a menudo asociadas con los sueños de un futuro de alta tecnología en la era espacial.
Esta fusión de las versiones de consumo y alta de la cultura modernista condujo a una transformación radical del significado del "Modernismo". Primero, implicaba que un movimiento basado en el rechazo de la tradición se había convertido en una tradición propia. En segundo lugar, demostró que la distinción entre la élite modernista y la cultura consumista de masas había perdido su precisión. Algunos escritores declararon que el modernismo se había institucionalizado tanto que ahora era "post vanguardista", lo que indicaba que había perdido su poder como movimiento revolucionario. Muchos han interpretado esta transformación como el comienzo de la fase que se conoce como postmodernismo. Para otros, como el crítico de arte Robert Hughes, el posmodernismo representa una extensión del modernismo.
Los movimientos "antimodernos" o "contramodernos" buscan enfatizar el holismo, la conexión y la espiritualidad como remedios o antídotos contra el modernismo. Tales movimientos ven al modernismo como reduccionista y, por lo tanto, sujeto a la incapacidad de ver los efectos sistémicos y emergentes. Muchos modernistas llegaron a este punto de vista, por ejemplo, Paul Hindemith en su último giro hacia el misticismo. Escritores como Paul H. Ray y Sherry Ruth Anderson, en The Cultural Creatives: Cómo 50 millones de personas están cambiando el mundo (2000), Fredrick Turner en A Culture of Hope y Lester Brown en Plan B, han articulado una crítica de la idea básica del modernismo mismo: que la expresión creativa individual debe ajustarse a las realidades de la tecnología. En cambio, argumentan, la creatividad individual debería hacer que la vida cotidiana sea más aceptable emocionalmente.
Algunos artistas tradicionalistas como Alexander Stoddart rechazan el modernismo en general como el producto de "una época de dinero falso aliado con la cultura falsa".
En algunos campos, los efectos del modernismo han permanecido más fuertes y más persistentes que en otros. El arte visual ha hecho la ruptura más completa con su pasado. La mayoría de las principales ciudades capitales tienen museos dedicados al arte moderno a diferencia del arte posrenacentista (hacia 1400 a 1900). Los ejemplos incluyen el Museo de Arte Moderno en Nueva York, el Tate Modern en Londres y el Centro Pompidou en París. Estas galerías no distinguen entre las fases modernista y postmodernista, y las consideran desarrollos dentro del arte moderno.
Modernismo en África y Asia
"Los conceptos modernistas, especialmente la autonomía estética, fueron fundamentales para la literatura de la descolonización en el África anglófona". Rajat Neogy, Christopher Okigbo y Wole Soyinka, se encontraban entre los escritores que "modificaron las versiones modernistas de la autonomía estética para declarar su libertad de la esclavitud colonial, de los sistemas de discriminación racial e incluso del nuevo estado poscolonial".
Los términos "modernismo" y "modernista" se han convertido recientemente en parte del discurso estándar en inglés sobre la literatura japonesa moderna y persisten las dudas sobre su autenticidad frente al modernismo europeo occidental ". Esto es extraño dado "la prosa decididamente modana" de "escritores japoneses tan conocidos como Kawabata Yasunari, Nagai Kafu y Jun'ichirō Tanizaki". Sin embargo, "los estudiosos de las artes visuales y artísticas, la arquitectura y la poesía aceptaron rápidamente a" modanizumu "como un concepto clave para describir y analizar la cultura japonesa en las décadas de 1920 y 1930".
En 1924, varios escritores jóvenes, incluyendo Kawabata Yasunari, Riichi Yokomitsu comenzaron una revista literaria Bungei Jidai ("La Era Artística"). Esta revista fue "parte de un movimiento de 'arte por el arte', influenciado por el cubismo europeo, el expresionismo, el dadaísmo y otros estilos modernistas".
El arquitecto modernista japonés Kenzō Tange (1913 - 2005) fue uno de los arquitectos más importantes del siglo XX, combinando los estilos tradicionales japoneses con el modernismo, y diseñó importantes edificios en los cinco continentes. Tange también fue un influyente mecenas del movimiento Metabolista. Él dijo: "Fue, creo, alrededor de 1959 o al comienzo de los años sesenta que comencé a pensar en lo que más tarde llamaría estructuralismo", fue influenciado desde temprana edad por el modernista suizo, Le Corbusier, Tange ganó reconocimiento internacional en 1949 cuando ganó la competencia por el diseño del Parque Memorial de la Paz de Hiroshima.
En China, los "Nuevos Sensacionistas" (新 感觉 派) eran un grupo de escritores radicados en Shanghái que en las décadas de 1930 y 1940 fueron influenciados, en diversos grados, por el modernismo occidental y japonés. Escribieron ficción que estaba más preocupada con el inconsciente y con la estética que con la política o los problemas sociales. Entre estos escritores se encontraban Mu Shiying, Liu Na'ou y Shi Zhecun.
The Progressive Artists 'Group era un grupo de artistas modernos, principalmente radicado en Mumbai, India, formado en 1947. Aunque carecía de un estilo particular, sintetizó el arte indio con influencias europeas y norteamericanas de la primera mitad del siglo XX, incluidos -Impresionismo, cubismo y expresionismo.