Arte abstracto
Definición
Arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con un grado de independencia de las referencias visuales en el mundo. El arte occidental había sido, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, apuntalado por la lógica de la perspectiva y un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. Las artes de culturas distintas de las europeas se habían vuelto accesibles y mostraban formas alternativas de describir la experiencia visual al artista. A fines del siglo XIX, muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que abarcara los cambios fundamentales que tienen lugar en la tecnología, la ciencia y la filosofía. Las fuentes de las cuales los artistas individuales extrajeron sus argumentos teóricos fueron diversas y reflejaron las preocupaciones sociales e intelectuales en todas las áreas de la cultura occidental en ese momento.
El arte abstracto, el arte no figurativo, el arte no objetivo y el arte no representativo son términos vagamente relacionados. Son similares, pero tal vez no tienen un significado idéntico.
La abstracción indica una desviación de la realidad en la representación de las imágenes en el arte. Esta desviación de la representación precisa puede ser leve, parcial o completa. La abstracción existe a lo largo de un continuo. Incluso el arte que apunta a la verosimilitud en el más alto grado puede decirse que es abstracto, al menos teóricamente, ya que la representación perfecta es muy difícil de alcanzar. Se puede decir que las obras de arte que toman libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de manera conspicua, son parcialmente abstractas. La abstracción total no tiene rastro de ninguna referencia a nada reconocible. En la abstracción geométrica, por ejemplo, es poco probable que encuentre referencias a entidades naturalistas. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Pero el arte figurativo y representacional (o realista) a menudo contiene abstracción parcial.
Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica a menudo son totalmente abstractas. Entre los movimientos de arte muy numerosos que encarnan la abstracción parcial sería, por ejemplo, el fauvismo en el que el color se altera visible y deliberadamente frente a la realidad, y el cubismo, que altera abiertamente las formas de las entidades de la vida real representadas.
Historia
Abstracción en las primeras obras de arte y en muchas culturas
Gran parte del arte de las culturas anteriores -signos y marcas en cerámica, textiles e inscripciones y pinturas en roca- usaba formas simples, geométricas y lineales que podrían haber tenido un propósito simbólico o decorativo. Es en este nivel de significado visual que comunica el arte abstracto. Uno puede disfrutar de la belleza de la caligrafía china o la caligrafía islámica sin poder leerla.
En la pintura china, la abstracción se remonta al pintor de la dinastía Tang Wang Mo (王 墨), a quien se le atribuye haber inventado el estilo de pintura con tinta salpicada. Aunque ninguna de sus pinturas permanece, este estilo se ve claramente en algunas pinturas de la dinastía Song. El pintor budista Chan Liang Kai (梁楷, c.1140-1210) aplicó el estilo a la pintura figura en su "Inmortal in ink salpicada" en la que se sacrifica la representación precisa para mejorar la espontaneidad vinculada a la mente no racional de los iluminados. Un pintor de canciones tardío llamado Yu Jian, experto en budismo Tiantai, creó una serie de paisajes de tinta salpicada que finalmente inspiró a muchos pintores zen japoneses. Sus pinturas muestran montañas neblinosas en las que las formas de los objetos son apenas visibles y extremadamente simplificadas. Este tipo de pintura fue continuada por Sesshu Toyo en sus últimos años.
Otro ejemplo de abstracción en la pintura china se ve en el Círculo Cósmico de Zhu Derun . En el lado izquierdo de esta pintura hay un pino en un suelo rocoso, con ramas enredadas con enredaderas que se extienden de manera desordenada hacia el lado derecho de la pintura en el que un círculo perfecto (probablemente hecho con ayuda de una brújula) flota en el vacío. La pintura es un reflejo de la metafísica taoísta en la cual el caos y la realidad son etapas complementarias del curso regular de la naturaleza. En Tokugawa Japón, algunos pintores de monjes zen crearon Enso, un círculo que representa la iluminación absoluta. Usualmente hecho en una pincelada espontánea, se convirtió en el paradigma de la estética minimalista que guió parte de la pintura zen.
Siglo 19
El patrocinio de la iglesia disminuyó y el clientelismo privado del público se volvió más capaz de proporcionar un sustento para los artistas.
Tres movimientos artísticos que contribuyeron al desarrollo del arte abstracto fueron el Romanticismo, el Impresionismo y el Expresionismo. La independencia artística de los artistas avanzó durante el siglo XIX. Un interés objetivo en lo que se ve se puede distinguir de las pinturas de John Constable, JMW Turner, Camille Corot y de ellas a los impresionistas que continuaron con la pintura al aire libre de la escuela de Barbizon.
Los primeros indicios de un nuevo arte habían sido hechos por James McNeill Whistler quien, en su pintura Nocturne in Black and Gold: The falling Rocket , (1872), ponía más énfasis en la sensación visual que en la representación de los objetos.
Los pintores expresionistas exploraron el uso audaz de la superficie de la pintura, dibujando distorsiones y exageraciones y un color intenso. Los expresionistas produjeron pinturas emocionalmente cargadas que eran reacciones y percepciones de la experiencia contemporánea; y reacciones al impresionismo y otras direcciones más conservadoras de la pintura de finales del siglo XIX. Los expresionistas cambiaron drásticamente el énfasis en el tema a favor de la representación de los estados psicológicos del ser. Aunque artistas como Edvard Munch y James Ensor dibujaron influencias principalmente de la obra de los postimpresionistas, fueron fundamentales para el advenimiento de la abstracción en el siglo XX. Paul Cézanne había comenzado como impresionista, pero su objetivo era hacer una construcción lógica de la realidad basada en una visión desde un solo punto,
Además, a fines del siglo XIX, en el misticismo de Europa del Este y la filosofía religiosa modernista temprana, tal como lo expresó la teósofa Mme. Blavatsky tuvo un profundo impacto en artistas geométricos pioneros como Hilma af Klint y Wassily Kandinsky. La enseñanza mística de Georges Gurdjieff y PD Ouspensky también tuvo una influencia importante en las primeras formaciones de los estilos geométricos abstractos de Piet Mondrian y sus colegas a principios del siglo XX.
siglo 20
El impresionismo postal practicado por Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh y Paul Cézanne tuvo un enorme impacto en el arte del siglo XX y condujo al advenimiento de la abstracción del siglo XX. La herencia de pintores como Van Gogh, Cézanne, Gauguin y Seurat fue esencial para el desarrollo del arte moderno. A principios del siglo XX, Henri Matisse y otros artistas jóvenes como el precubista Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck revolucionaron el mundo del arte parisino con paisajes y pinturas de figuras "salvajes", multicolores y expresivos. que los críticos llamaron Fauvismo. Con su uso expresivo del color y su dibujo libre e imaginativo, Henri Matisse se acerca mucho a la abstracción pura en French Window at Collioure (1914), Vista de Notre-Dame (1914), y The Yellow Curtain from 1915. El crudo lenguaje de color desarrollado por los Fauves influyó directamente en otro pionero de la abstracción, Wassily Kandinsky.
Aunque el cubismo en última instancia depende del tema, se convirtió, junto con el fauvismo, en el movimiento artístico que abrió directamente la puerta a la abstracción en el siglo XX. Pablo Picasso hizo sus primeras pinturas cubistas basadas en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza puede reducirse a tres sólidos: cubo, esfera y cono. Con la pintura Les Demoiselles d'Avignon (1907), Picasso creó dramáticamente un cuadro nuevo y radical que representa una escena burda y primitiva de burdel con cinco prostitutas, mujeres pintadas violentamente, que recuerdan a las máscaras tribales africanas y sus propios inventos cubistas. El cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque, desde 1908 hasta 1912. El cubismo analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo sintético, practicado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp y otros en la década de 1920. El cubismo sintético se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage, papier collé y una gran variedad de temas fusionados. Los artistas del collage como Kurt Schwitters, Man Ray y otros que tomaron la pista del cubismo fueron fundamentales para el desarrollo del movimiento llamado Dada.
El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti publicó el Manifiesto del Futurismo en 1909, que más tarde inspiró a artistas como Carlo Carra en Painting of Sounds, Noises and Smells y Umberto Boccioni Train in Motion , 1911, a una nueva etapa de abstracción que, junto con El cubismo, influenció profundamente los movimientos artísticos en toda Europa.
Durante el Salon de la Section d'Or de 1912, donde František Kupka exhibió la pintura abstracta Amorpha, Fugue en deux couleurs ( Fuga en dos colores ) (1912), el poeta Guillaume Apollinaire nombró el trabajo de varios artistas como Robert Delaunay, Orphism. Lo definió como "el arte de pintar nuevas estructuras a partir de elementos que no han sido tomados de la esfera visual, sino que han sido creados completamente por el artista ... es un arte puro".
Desde el cambio de siglo, las conexiones culturales entre los artistas de las principales ciudades europeas se habían vuelto extremadamente activas, ya que se esforzaron por crear una forma de arte igual a las altas aspiraciones del modernismo. Las ideas fueron capaces de fecundar cruzadas por medio de libros de artista, exposiciones y manifiestos, de modo que muchas fuentes estuvieron abiertas a la experimentación y la discusión, y formaron una base para una diversidad de modos de abstracción. El siguiente extracto de El mundo al revés da una cierta impresión de la interconexión de la cultura en el momento: "El conocimiento de David Burliuk de los movimientos de arte moderno debe haber sido extremadamente actualizado, para la segunda exposición de Knave of Diamonds, celebrada en enero de 1912 (en Moscú) incluida no solo pinturas enviadas desde Munich, pero algunos miembros del grupo alemán Die Brücke, mientras que desde París vinieron obras de Robert Delaunay, Henri Matisse y Fernand Léger, así como de Picasso. Durante la primavera David Burliuk dio dos conferencias sobre el cubismo y planeó una polémica publicación, que el Knave of Diamonds iba a financiar. Se fue al extranjero en mayo y regresó decidido a rivalizar con el almanaque Der Blaue Reiter que había surgido de los impresores mientras estaba en Alemania ".
De 1909 a 1913, muchos artistas experimentales en la búsqueda de este "arte puro" fueron creados por varios artistas: Francis Picabia pintó Caoutchouc , 1909, The Spring , 1912, Dances at the Spring y The Procession, Sevilla , 1912; Wassily Kandinsky pintó Sin título (Primera acuarela abstracta) , 1913, Improvisación 21A , la serie Impression , y Picture with a Circle (1911); František Kupka había pintado las obras de Orphist, Discs of Newton (Estudio para la fuga en dos colores ), 1912 y Amorpha, Fugue en deux couleurs ( Fuga en dos colores)), 1912; Robert Delaunay pintó una serie titulada Simultaneous Windows and Formes Circulaires, Soleil n ° 2 (1912-13); Léopold Survage creó Coloured Rhythm (Estudio para la película), 1913; Piet Mondrian, pintó el Tableau n. ° 1 y la composición n . ° 11 , 1913.
Y la búsqueda continuó: Los dibujos de Rayist (Luchizm) de Natalia Goncharova y Mikhail Larionov, usaron líneas como rayos de luz para hacer una construcción. Kasimir Malevich completó su primera obra completamente abstracta, el Suprematista, Black Square , en 1915. Otro del grupo suprematista 'Liubov Popova, creó las construcciones arquitectónicas y las construcciones de fuerza espacial entre 1916 y 1921. Piet Mondrian estaba desarrollando su lenguaje abstracto, de y líneas verticales con rectángulos de color, entre 1915 y 1919, el Neoplasticismo fue la estética que Mondrian, Theo van Doesburg y otros del grupo De Stijl intentaron remodelar el entorno del futuro.
Música
A medida que el arte visual se vuelve más abstracto, desarrolla algunas características de la música: una forma de arte que utiliza los elementos abstractos del sonido y las divisiones del tiempo. Wassily Kandinsky, él mismo un músico aficionado, se inspiró en la posibilidad de que las marcas y el color asociativo resonaran en el alma. La idea había sido presentada por Charles Baudelaire, que todos nuestros sentidos responden a varios estímulos, pero los sentidos están conectados a un nivel estético más profundo.
Estrechamente relacionado con esto, está la idea de que el arte tiene la dimensión espiritual y puede trascender la experiencia de "todos los días", alcanzando un plano espiritual. La Sociedad Teosófica popularizó la sabiduría antigua de los libros sagrados de India y China en los primeros años del siglo. Fue en este contexto que Piet Mondrian, Wassily Kandinsky, Hilma af Klint y otros artistas que trabajaban en un "estado sin objeto" se interesaron por el ocultismo como una forma de crear un objeto "interno". Las formas universales y atemporales que se encuentran en la geometría: el círculo, el cuadrado y el triángulo se convierten en los elementos espaciales en el arte abstracto; son, como el color, sistemas fundamentales subyacentes a la realidad visible.
Vanguardia rusa
Muchos de los artistas abstractos en Rusia se volvieron constructivistas creyendo que el arte ya no era algo remoto, sino la vida misma. El artista debe convertirse en técnico y aprender a utilizar las herramientas y los materiales de la producción moderna. Arte en la vida! era el lema de Vladimir Tatlin y el de todos los constructivistas del futuro. Varvara Stepanova y Alexandre Exter y otros abandonaron la pintura de caballete y desviaron sus energías hacia el diseño teatral y las obras gráficas. En el otro lado estaban Kazimir Malevich, Anton Pevsner y Naum Gabo. Argumentaron que el arte era esencialmente una actividad espiritual; para crear el lugar del individuo en el mundo, no para organizar la vida en un sentido práctico y materialista. Muchos de los que eran hostiles a la idea materialista de producción de arte abandonaron Rusia. Anton Pevsner fue a Francia, Gabo fue primero a Berlín, luego a Inglaterra y finalmente a América. Kandinsky estudió en Moscú y luego se fue a la Bauhaus. A mediados de la década de 1920, el período revolucionario (1917 a 1921), cuando los artistas habían sido libres para experimentar, había terminado; y para la década de 1930 solo se permitía el realismo socialista.
El Bauhaus
La Bauhaus de Weimar, Alemania, fue fundada en 1919 por Walter Gropius. La filosofía que subyace en el programa de enseñanza fue la unidad de todas las artes visuales y plásticas, desde la arquitectura y la pintura hasta el tejido y las vidrieras. Esta filosofía había crecido a partir de las ideas del movimiento Arts and Crafts en Inglaterra y el Deutscher Werkbund. Entre los profesores se encontraban Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers y László Moholy-Nagy. En 1925 la escuela se trasladó a Dessau y, cuando el partido Nazi obtuvo el control en 1932, The Bauhaus se cerró. En 1937, una exposición de arte degenerado, "Entartete Kunst", contenía todo tipo de arte de vanguardia desaprobado por el partido nazi. Entonces comenzó el éxodo: no solo desde la Bauhaus sino desde Europa en general; a París, Londres y América.
Abstracción en París y Londres
Durante la década de 1930, París se convirtió en el anfitrión de artistas de Rusia, Alemania, los Países Bajos y otros países europeos afectados por el auge del totalitarismo. Sophie Tauber y Jean Arp colaboraron en pinturas y esculturas con formas orgánicas / geométricas. La polaca Katarzyna Kobro aplicó las ideas basadas en las matemáticas a la escultura. Los muchos tipos de abstracción que ahora se encuentran muy cerca llevaron a los intentos de los artistas a analizar las diversas agrupaciones conceptuales y estéticas. Una exposición de cuarenta y seis miembros del grupo Cercle et Carré, organizada por Joaquín Torres-García con la ayuda de Michel Seuphor, contenía obras de los neo-plásticos y abstracciones tan variadas como Kandinsky, Anton Pevsner y Kurt Schwitters. Criticado por Theo van Doesburg por ser una colección demasiado indefinida, publicó la revista Art Concret. presentando un manifiesto que define un arte abstracto en el que solo la línea, el color y la superficie son la realidad concreta. Abstraction-Création, fundada en 1931 como un grupo más abierto, proporcionó un punto de referencia para los artistas abstractos, ya que la situación política empeoró en 1935, y los artistas se reagruparon, muchos en Londres. La primera exposición de arte abstracto británico se celebró en Inglaterra en 1935. Al año siguiente, Nicolette Gray organizó la exposición más internacional de Abstracto y hormigón , incluyendo obras de Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth y Ben Nicholson. Hepworth, Nicholson y Gabo se mudaron al grupo St. Ives en Cornwall para continuar su trabajo 'constructivista'.
América: mediados de siglo
Durante el ascenso nazi al poder en la década de 1930, muchos artistas huyeron de Europa a los Estados Unidos. A principios de la década de 1940, los principales movimientos del arte moderno, el expresionismo, el cubismo, la abstracción, el surrealismo y el dadaísmo se representaron en Nueva York: Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, André Masson, Max Ernst y André Breton. algunos de los europeos exiliados que llegaron a Nueva York. Las influencias culturales ricas traídas por los artistas europeos fueron destiladas y desarrolladas por los pintores locales de Nueva York. El clima de libertad en Nueva York permitió que florecieran todas estas influencias. Las galerías de arte que se habían centrado principalmente en el arte europeo comenzaron a notar la comunidad artística local y el trabajo de artistas estadounidenses más jóvenes que habían comenzado a madurar. Ciertos artistas en este momento se volvieron claramente abstractos en su trabajo maduro. La composición n. ° 10 , 1939-1942, caracterizada por colores primarios, fondo blanco y líneas de cuadrícula negras, definió claramente su enfoque radical pero clásico del rectángulo y el arte abstracto en general. Algunos artistas del período desafiaron la categorización, como Georgia O'Keeffe que, aunque era una abstracción modernista, era una inconformista pura en el sentido de que pintó formas muy abstractas sin unirse a ningún grupo específico de la época.
Finalmente, los artistas estadounidenses que trabajaban en una gran diversidad de estilos comenzaron a fusionarse en grupos estilísticos cohesionados. El grupo más conocido de artistas estadounidenses se hizo conocido como expresionistas abstractos y la Escuela de Nueva York. En la ciudad de Nueva York había una atmósfera que fomentaba el debate y que había nuevas oportunidades para aprender y crecer. Los artistas y maestros John D. Graham y Hans Hofmann se convirtieron en importantes figuras del puente entre los modernistas europeos recién llegados y los artistas estadounidenses más jóvenes que alcanzaron la mayoría de edad. Mark Rothko, nacido en Rusia, comenzó con imágenes fuertemente surrealistas que luego se disolvieron en sus poderosas composiciones de color de principios de los años cincuenta. El gesto expresionista y el acto de pintar en sí mismo se volvieron de importancia primordial para Jackson Pollock, Robert Motherwell y Franz Kline. Mientras que durante la década de 1940 el trabajo figurativo de Arshile Gorky y Willem de Kooning evolucionó hacia la abstracción a fines de la década. La ciudad de Nueva York se convirtió en el centro, y los artistas de todo el mundo se volcaron hacia ella; de otros lugares en América también.
Desarrollos posteriores
Arte digital, pintura de borde duro, abstracción geométrica, minimalismo, abstracción lírica, op-art, expresionismo abstracto, pintura de campo de color, pintura monocromática, ensamblaje, neodada, pintura de lienzo en forma, son algunas direcciones relacionadas con la abstracción en la segunda mitad del siglo XX
En los Estados Unidos, el arte como objeto como se ve en la escultura minimalista de Donald Judd y las pinturas de Frank Stella se ven hoy como permutaciones más nuevas. Otros ejemplos incluyen la Abstracción lírica y el uso sensual del color visto en el trabajo de pintores tan diversos como Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler y Joan Mitchell.
Causalidad
Una explicación sociohistórica que se ha ofrecido para la creciente prevalencia de lo abstracto en el arte moderno -una explicación vinculada al nombre de Theodor W. Adorno- es que tal abstracción es una respuesta y un reflejo de la creciente abstracción de relaciones sociales en la sociedad industrial.
Frederic Jameson ve de manera similar la abstracción modernista como una función del poder abstracto del dinero, equiparando todas las cosas por igual como valores de cambio. El contenidosocial del arte abstracto es, entonces, precisamente la naturaleza abstracta de la existencia social: formalidades legales, impersonalización burocrática, información / poder, en el mundo de la última modernidad.
Los post-jungianos, por el contrario, verían las teorías cuánticas con su desintegración de las ideas convencionales de la forma y la materia como subyacentes al divorcio de lo concreto y lo abstracto en el arte moderno.
Galería
Albert Gleizes, 1910-12, Les Arbres (Los árboles) , óleo sobre lienzo, 41 x 27 cm. Reproducido en Du "Cubisme" , 1912
Arthur Dove, 1911-12, Basado en Leaf Forms and Spaces , pastel en soporte no identificado. Ahora perdido
Francis Picabia, 1912, Tarentelle , óleo sobre lienzo, 73,6 x 92,1 cm, Museo de Arte Moderno, Nueva York. Reproducido en Du "Cubisme"
Wassily Kandinsky, 1912, Improvisación 27 ( Garden of Love II), óleo sobre lienzo, 120,3 x 140,3 cm, The Metropolitan Museum of Art, Nueva York. Expuesto en el Armory Show de 1913
Pablo Picasso, 1913-14, Cabeza ( Tête ), papel de color cortado y pegado, gouache y carbón en cartulina, 43.5 x 33 cm, Galería Nacional de Arte Moderno de Escocia, Edimburgo
Henri Matisse, 1914, ventana francesa en Collioure , Centre Georges Pompidou, París
Hilma af Klint, Svanen ( El Cisne ), No. 17, Grupo IX, Serie SUW, octubre de 1914-marzo de 1915. Este trabajo abstracto nunca se exhibió durante la vida de Klint.
Theo van Doesburg, neoplasticismo: 1917, composición VII ( Las tres gracias )
Fernand Léger 1919, The Railway Crossing , óleo sobre lienzo, 53,8 x 64,8 cm, The Art Institute of Chicago
Joseph Csaky, Deux figures, 1920, relieve, piedra caliza, policromado, 80 cm, Museo Kröller-Müller, Otterlo
Albert Gleizes, 1921, Composición bleu et jaune ( Composición jaune ), óleo sobre lienzo, 200.5 x 110 cm
Piet Mondrian, Composición con amarillo, negro, azul, rojo y gris , 1921, Art Institute of Chicago
Paul Klee, Fuego en la noche , 1929
Otto Gustaf Carlsund, Rapid (1930), un mural de Concrete Artrestaurant, Estocolmo
Barnett Newman, Onement 1 , 1948, Museo de Arte Moderno, Nueva York
Cascada Rompient , 1999, Eugenio Cruz Vargas