Opera
Definición
Opera (italiano: [ɔːpera]; plural en inglés: óperas; plural en italiano: opere [ɔːpere]) es una forma de teatro en la que la música tiene un papel principal y las partes son interpretadas por cantantes. Tal "trabajo" (la traducción literal de "ópera") es típicamente una colaboración entre un compositor y un libretista e incorpora una serie de artes escénicas, tales como actuación, escenografía, disfraces y, a veces, danza o ballet. La representación se da típicamente en un teatro de la ópera, acompañado de una orquesta o un conjunto musical más pequeño, que desde principios del siglo XIX ha sido dirigido por un director de orquesta.
La ópera es una parte clave de la tradición de la música clásica occidental. Originalmente entendida como una pieza completamente cantada, en contraste con una obra de teatro con canciones, la ópera ha llegado a incluir numerosos géneros, incluidos algunos que incluyen diálogos hablados como el teatro musical, Singspiel y Opéra comique . En la ópera numérica tradicional, los cantantes emplean dos estilos de canto: el recitativo, el estilo de discurso inflexionado y las arias autónomas. El siglo XIX vio el surgimiento del drama musical continuo.
La ópera se originó en Italia a finales del siglo XVI (con Dafne , la mayoría perdida de Jacopo Peri , producida en Florencia en 1598) y se extendió rápidamente por el resto de Europa: Heinrich Schütz en Alemania, Jean-Baptiste Lully en Francia y Henry Purcell en Inglaterra ayudó a establecer sus tradiciones nacionales en el siglo XVII. En el siglo XVIII, la ópera italiana siguió dominando la mayor parte de Europa (excepto Francia), atrayendo a compositores extranjeros como George Frideric Handel. Opera seria era la forma más prestigiosa de la ópera italiana, hasta que Christoph Willibald Gluck reaccionó contra su artificialidad con sus óperas de "reforma" en la década de 1760. La figura más famosa de la ópera de finales del siglo XVIII es Wolfgang Amadeus Mozart, que comenzó con la ópera seria pero es más famosa por sus óperas cómicas italianas, especialmente Las bodas de Fígaro ( Le nozze di Figaro ), Don Giovanni y Così fan tutte , así como Die Entführung aus dem Serail ( El rapto del serrallo ) y La flauta mágica ( Die Zauberflöte ), hitos en la tradición alemana.
El primer tercio del siglo XIX vio el punto culminante del estilo bel canto, con Gioachino Rossini, Gaetano Donizetti y Vincenzo Bellini todos creando obras que todavía se realizan. También vio la llegada de Grand Opera tipificada por las obras de Auber y Meyerbeer. El siglo XIX a mediados y finales fue una época dorada de la ópera, dirigida y dominada por Giuseppe Verdi en Italia y Richard Wagner en Alemania. La popularidad de la ópera continuó durante la era del verismo en Italia y la ópera francesa contemporánea a través de Giacomo Puccini y Richard Strauss a principios del siglo XX. Durante el siglo XIX, surgieron tradiciones operísticas paralelas en Europa central y oriental, particularmente en Rusia y Bohemia. El siglo XX vio muchos experimentos con estilos modernos, como la atonalidad y el serialismo (Arnold Schoenbergand Alban Berg), Neoclasicismo (Igor Stravinsky) y Minimalismo (Philip Glass y John Adams). Con el auge de la tecnología de grabación, cantantes como Enrico Caruso y Maria Callas se hicieron conocidos por un público mucho más amplio que trascendió el círculo de los fanáticos de la ópera. Desde la invención de la radio y la televisión, las óperas también se realizaron en (y escritos para) estos medios. A partir de 2006, varias casas de ópera importantes comenzaron a presentar transmisiones de video en vivo de alta definición de sus actuaciones en cines de todo el mundo. Desde 2009, las actuaciones completas se pueden descargar y transmitir en vivo. las óperas también se realizaron en (y escritos para) estos medios. A partir de 2006, varias casas de ópera importantes comenzaron a presentar transmisiones de video en vivo de alta definición de sus actuaciones en cines de todo el mundo. Desde 2009, las actuaciones completas se pueden descargar y transmitir en vivo. las óperas también se realizaron en (y escritos para) estos medios. A partir de 2006, varias casas de ópera importantes comenzaron a presentar transmisiones de video en vivo de alta definición de sus actuaciones en cines de todo el mundo. Desde 2009, las actuaciones completas se pueden descargar y transmitir en vivo.
Terminología operática
Las palabras de una ópera se conocen como el libreto (literalmente "pequeño libro"). Algunos compositores, especialmente Wagner, han escrito sus propios libretos; otros han trabajado en estrecha colaboración con sus libretistas, por ejemplo, Mozart con Lorenzo Da Ponte. La ópera tradicional, a menudo llamada "ópera numérica", consiste en dos modos de cantar: el recitativo, los pasajes de la trama cantados en un estilo diseñado para imitar y enfatizar las inflexiones del habla y aria (un "aire" o canción formal) ) en el que los personajes expresan sus emociones en un estilo melódico más estructurado. Con frecuencia se producen dúos vocales, tríos y otros conjuntos, y se usan coros para comentar sobre la acción. En algunas formas de ópera, como singspiel, opéra comique, opereta y semi-ópera, el recitativo es reemplazado principalmente por el diálogo hablado. Los pasajes melódicos o semi melódicos que ocurren en medio de, o en lugar de, recitativo, también se conocen como arioso. La terminología de los diversos tipos de voces operísticas se describe en detalle a continuación. Durante los períodos Barroco y Clásico, el recitativo podría aparecer en dos formas básicas, cada una de las cuales estaba acompañada de un conjunto instrumental diferente: recitat secco (seco), cantado con un ritmo libre dictado por el acento de las palabras, acompañado solo por el bajo continuo , que generalmente era un clavicémbalo y un chelo; o accompagnato (también conocido como strumentato ) en el que la orquesta proporcionó acompañamiento. Durante el siglo XVIII, las arias fueron acompañadas cada vez más por la orquesta. En el siglo XIX, Accompagnato había ganado la partida, la orquesta desempeñó un papel mucho más importante, y Wagner revolucionó la ópera al abolir casi toda distinción entre aria y recitativo en su búsqueda de lo que Wagner denominó "melodía interminable". Los compositores posteriores han tendido a seguir el ejemplo de Wagner, aunque algunos, como Stravinsky en su The Rake's Progress han resistido la tendencia. El papel cambiante de la orquesta en la ópera se describe con más detalle a continuación.
Historia
Orígenes
La palabra italiana opera significa "trabajo", tanto en el sentido del trabajo hecho como del resultado producido. La palabra italiana deriva de la ópera latina , un sustantivo singular que significa "trabajo" y también el plural del sustantivo opus . Según el Oxford English Dictionary, la palabra italiana se usó por primera vez en el sentido de "composición en la que se combinan la poesía, la danza y la música" en 1639; el primer uso de inglés registrado en este sentido data de 1648.
Dafne por Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, tal como se entiende hoy en día. Fue escrito alrededor de 1597, en gran medida bajo la inspiración de un círculo élite de humanistas florentinos letrados que se reunieron como la "Camerata de 'Bardi". Significativamente, Dafne fue un intento de revivir el drama griego clásico, parte del renacimiento más amplio de la antigüedad característico del Renacimiento. Los miembros de la Camerata consideraron que las partes de "coro" de los dramas griegos se cantaron originalmente, y posiblemente incluso el texto completo de todos los roles; la ópera fue así concebida como una forma de "restaurar" esta situación. Dafne, sin embargo, está perdido. Un trabajo posterior de Peri, Euridice, que data de 1600, es la primera partitura ópera que ha sobrevivido hasta la actualidad. Sin embargo, el honor de ser la primera ópera que todavía se realiza regularmente corresponde a L'Orfeo , de Claudio Monteverdi , compuesto para la corte de Mantuain 1607. La corte Mantua de los Gonzaga, empleadores de Monteverdi, desempeñó un papel significativo en el origen de ópera que emplea no solo cantantes de la corte del concerto delle donne (hasta 1598), sino también uno de los primeros "cantantes de ópera" reales; Madama Europa.
Ópera italiana
Época barroca
Opera no permaneció confinado a las audiencias de la corte por mucho tiempo. En 1637, surgió en Venecia la idea de una "temporada" (Carnaval) de óperas con asistencia pública apoyadas por la venta de boletos. Monteverdi se mudó a la ciudad desde Mantua y compuso sus últimas óperas, Il ritorno d'Ulisse in patria y L'incoronazione di Poppea, para el teatro veneciano en la década de 1640. Su seguidor más importante, Francesco Cavalli, ayudó a difundir la ópera por toda Italia. En estas primeras óperas barrocas, la comedia amplia se mezcló con elementos trágicos en una mezcla que sacudió algunas sensibilidades educadas, desencadenando el primero de muchos movimientos de reforma de la ópera, patrocinado por la Academia Arcadian, que se asoció con el poeta Metastasio, cuyos libretos ayudaron cristalizar el género de la ópera seria, que se convirtió en la forma principal de la ópera italiana hasta el final del siglo XVIII. Una vez que el ideal Metastasiano se había establecido firmemente, la comedia en la ópera de la época del Barroco se reservó para lo que llegó a llamarse ópera buffa. Antes de que tales elementos fueran expulsados de la ópera seria, muchos libretos habían presentado una trama cómica que se desarrollaba por separado como una especie de "ópera dentro de una ópera". Una razón para esto fue un intento de atraer a los miembros de la creciente clase mercantil, recién adinerados, pero aún no tan cultos como la nobleza, a las óperas públicas. Estas tramas separadas fueron resucitadas casi de inmediato en una tradición de desarrollo separado que en parte se deriva de la commedia dell'arte, una larga tradición de improvisación en Italia. Al igual que los intermedios se representaron una vez entre los actos de teatro, las óperas del nuevo género cómico de "intermezzi", que se desarrollaron principalmente en Nápoles en los años 1710 y 20, se escenificaron inicialmente durante los entreactos de la ópera seria. Se hicieron tan populares, sin embargo, que pronto se les ofreció como producciones separadas. a las casas de ópera públicas. Estas tramas separadas fueron resucitadas casi de inmediato en una tradición de desarrollo separado que en parte se deriva de la commedia dell'arte, una larga tradición de improvisación en Italia. Al igual que los intermedios se representaron una vez entre los actos de teatro, las óperas del nuevo género cómico de "intermezzi", que se desarrollaron principalmente en Nápoles en los años 1710 y 20, se escenificaron inicialmente durante los entreactos de la ópera seria. Se hicieron tan populares, sin embargo, que pronto se les ofreció como producciones separadas. a las casas de ópera públicas. Estas tramas separadas fueron resucitadas casi de inmediato en una tradición de desarrollo separado que en parte se deriva de la commedia dell'arte, una larga tradición de improvisación en Italia. Al igual que los intermedios se representaron una vez entre los actos de teatro, las óperas del nuevo género cómico de "intermezzi", que se desarrollaron principalmente en Nápoles en los años 1710 y 20, se escenificaron inicialmente durante los entreactos de la ópera seria. Se hicieron tan populares, sin embargo, que pronto se les ofreció como producciones separadas. Al igual que los intermedios se representaron una vez entre los actos de teatro, las óperas del nuevo género cómico de "intermezzi", que se desarrollaron principalmente en Nápoles en los años 1710 y 20, se escenificaron inicialmente durante los entreactos de la ópera seria. Se hicieron tan populares, sin embargo, que pronto se les ofreció como producciones separadas. Al igual que los intermedios se representaron una vez entre los actos de teatro, las óperas del nuevo género cómico de "intermezzi", que se desarrollaron principalmente en Nápoles en los años 1710 y 20, se escenificaron inicialmente durante los entreactos de la ópera seria. Se hicieron tan populares, sin embargo, que pronto se les ofreció como producciones separadas.
La ópera seria era elevada en tono y muy estilizada en su forma, por lo general consistía en secco recitativo intercalado con long da capo arias. Estos ofrecieron una gran oportunidad para el canto virtuoso y durante la época dorada de la ópera seria, el cantante realmente se convirtió en la estrella. El papel del héroe solía escribirse para el castrado en voz alta masculino, que se producía por la castración del cantante antes de la pubertad, lo que impedía que la laringe de un niño se transformara en la pubertad. Castrati como Farinelli y Senesino, así como sopranos femeninas como Faustina Bordoni, se convirtieron en una gran demanda en toda Europa como la ópera seria gobernó el escenario en todos los países excepto en Francia. Farinelli fue uno de los cantantes más famosos del siglo XVIII. La ópera italiana estableció el estándar barroco. Los libretos italianos eran la norma, incluso cuando un compositor alemán como Handel se encontró componiendo canciones como Rinaldo y Giulio Cesare para el público londinense. Los libretos italianos siguieron siendo dominantes en el período clásico también, por ejemplo en las óperas de Mozart, que escribió en Viena cerca del final del siglo. Los principales compositores italianos de la ópera seria incluyen Alessandro Scarlatti, Vivaldi y Porpora.
Reforma: Gluck, el ataque al ideal Metastasiano, y Mozart
Opera seria tenía sus debilidades y críticas. El gusto por el embellecimiento en nombre de los cantantes magníficamente entrenados, y el uso del espectáculo como un reemplazo de la pureza dramática y la unidad llamaron a los ataques. El ensayo sobre la ópera (1755) de Francesco Algarotti demostró ser una inspiración para las reformas de Christoph Willibald Gluck. Abogó por que la ópera seria tuviera que volver a lo básico y que todos los diversos elementos: la música (tanto instrumental como vocal), el ballet y la puesta en escena, estén subordinados al drama principal. En 1765 Melchior Grimm publicó " Poème lyrique"", un influyente artículo para la Encyclopédie sobre libretos de lírica y ópera. Varios compositores de la época, como Niccolò Jommelli y Tommaso Traetta, intentaron poner en práctica estos ideales. El primero en tener éxito fue Gluck. Gluck se esforzó por lograr un" hermosa simplicidad ". Esto es evidente en su primera ópera de reforma, Orfeo ed Euridice , donde sus melodías vocales no virtuosas son compatibles con armonías simples y una presencia de orquesta más rica en todo.
Las reformas de Gluck han tenido resonancia a través de la historia operística. Weber, Mozart y Wagner, en particular, fueron influenciados por sus ideales. Mozart, en muchos sentidos el sucesor de Gluck, combinó un soberbio sentido del drama, la armonía, la melodía y el contrapunto para escribir una serie de óperas cómicas con libretos de Lorenzo Da Ponte, notablemente Le Nozze di Figaro , Don Giovanni y Così fan tutte , que permanecer entre las óperas más queridas, populares y conocidas de hoy. Pero la contribución de Mozart a la ópera seria fue más variada; en su momento se estaba muriendo, y a pesar de las buenas obras como Idomeneo y La clemenza di Tito , no pudo volver a dar vida a la forma de arte.
Bel canto, Verdi y verismo
El movimiento de la ópera bel canto floreció a principios del siglo XIX y está ejemplificado por las óperas de Rossini, Bellini, Donizetti, Pacini, Mercadante y muchos otros. Literalmente "bello canto", bel canto opera deriva de la escuela de estilo de italiano del mismo nombre. Las líneas de Bel canto son típicamente floridas e intrincadas, lo que requiere una agilidad suprema y control del tono. Los ejemplos de óperas famosas en el estilo del bel canto incluyen Il barbiere di Siviglia y La Cenerentola de Rossini , así como Norma de Bellini y Lucia di Lammermoor de Donizetti .
Después de la era del bel canto, Giuseppe Verdi popularizó rápidamente un estilo más directo y contundente, comenzando con su ópera bíblica Nabucco . Esta ópera, y las que seguirían en la carrera de Verdi, revolucionaron la ópera italiana, transformándola de una mera exhibición de fuegos artificiales vocales, con las obras de Rossini y Donizetti, en una dramática narración de historias. Las óperas de Verdi resonaron con el creciente espíritu del nacionalismo italiano en la era posnapoleónica, y rápidamente se convirtió en un ícono del movimiento patriótico por una Italia unificada. A principios de la década de 1850, Verdi produjo sus tres óperas más populares: Rigoletto , Il trovatore y La traviata . El primero de estos, Rigoletto, probado el más atrevido y revolucionario. En él, Verdi difumina la distinción entre el aria y el recitativo como nunca antes lo había hecho, llevando a la ópera a ser "una cadena interminable de dúos". La traviata también fue novedosa. Cuenta la historia de la cortesana, y se cita a menudo como una de las primeras óperas "realistas", porque en lugar de presentar grandes reyes y figuras de la literatura, se centra en las tragedias de la vida y la sociedad ordinarias. Después de esto, continuó desarrollando su estilo, componiendo tal vez la gran ópera francesa más grande, Don Carlos , y terminando su carrera con dos obras inspiradas en Shakespeare, Otello y Falstaff., que revelan hasta qué punto la ópera italiana había crecido en sofisticación desde principios del siglo XIX. Estos últimos dos trabajos mostraron a Verdi en su forma más magistralmente orquestada, y ambos son increíblemente influyentes y modernos. En Falstaff , Verdi establece el estándar preeminente para la forma y el estilo que dominarían la ópera a lo largo del siglo XX. En lugar de melodías largas y suspendidas, Falstaff contiene muchos pequeños motivos y lemas, que, en lugar de expandirse, se introducen y, posteriormente, se eliminan, para volver a aparecer más tarde. Estos motivos nunca se amplían, y justo cuando la audiencia espera que un personaje se lance en una larga melodía, un nuevo personaje habla, presentando una nueva frase. Esta forma de ópera dirigida por la ópera de Verdi, en adelante, ejercer una tremenda influencia sobre sus sucesores Giacomo Puccini, Richard Strauss y Benjamin Britten.
Después de Verdi, el melodrama sentimental "realista" del verismo apareció en Italia. Este fue un estilo introducido por Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni y Pagliacci de Ruggero Leoncavallo que llegó a dominar las etapas de la ópera del mundo con obras tan populares como La bohème , Tosca y Madama Butterfly de Giacomo Puccini . Los compositores italianos posteriores, como Berio y Nono, han experimentado con el modernismo.
Ópera en lengua alemana
La primera ópera alemana fue Dafne , compuesta por Heinrich Schütz en 1627, pero la partitura no ha sobrevivido. La ópera italiana ejerció una gran influencia sobre los países de habla alemana hasta finales del siglo XVIII. Sin embargo, las formas nativas se desarrollarían a pesar de esta influencia. En 1644, Sigmund Staden produjo el primer Singspiel , Seelewig, una forma popular de la ópera en lengua alemana en la que el canto se alterna con el diálogo hablado. A finales del siglo XVII y principios del siglo XVIII, el Theater am Gänsemarkt de Hamburgo presentó óperas alemanas de Keizer, Telemann y Handel. Sin embargo, la mayoría de los principales compositores alemanes de la época, incluido el propio Handel, así como Graun, Hasse y más tarde Gluck, eligieron escribir la mayoría de sus óperas en idiomas extranjeros, especialmente el italiano. En contraste con la ópera italiana, que generalmente se compuso para la clase aristocrática, la ópera alemana generalmente se componía para las masas y tendía a presentar melodías populares simples, y no fue hasta la llegada de Mozart que la ópera alemana pudo igualar su Contraparte italiana en sofisticación musical.
El Singspiele de Mozart , Die Entführung aus dem Serail (1782) y Die Zauberflöte (1791) fueron un avance importante para lograr el reconocimiento internacional de la ópera alemana. La tradición fue desarrollada en el siglo XIX por Beethoven con su Fidelio , inspirado en el clima de la Revolución Francesa. Carl Maria von Weber estableció la ópera romántica alemana en oposición al dominio del bel canto italiano. Su Der Freischütz (1821) muestra su genio para crear una atmósfera sobrenatural. Otros compositores de ópera de la época incluyen a Marschner, Schubert y Lortzing, pero la figura más significativa fue, sin duda, Wagner.
Wagner fue uno de los compositores más revolucionarios y controvertidos en la historia de la música. Comenzando bajo la influencia de Weber y Meyerbeer, gradualmente desarrolló un nuevo concepto de ópera como Gesamtkunstwerk (una "obra de arte completa"), una fusión de música, poesía y pintura. Aumentó enormemente el papel y el poder de la orquesta, creando partituras con una compleja red de leitmotiv, temas recurrentes a menudo asociados con los personajes y conceptos del drama, de los cuales se pueden escuchar prototipos en sus primeras óperas, como Der fliegende Holländer , Tannhäuser. y Lohengrin ; y estaba dispuesto a violar las convenciones musicales aceptadas, como la tonalidad, en su búsqueda de una mayor expresividad. En sus dramas musicales maduros, Tristan und Isolde , Die Meistersinger von Nürnberg , Der Ring des Nibelungen y Parsifal , abolió la distinción entre aria y recitativo en favor de un flujo continuo de "melodía interminable". Wagner también trajo una nueva dimensión filosófica a la ópera en sus obras, que generalmente se basaban en historias de leyendas germánicas o artúricas. Finalmente, Wagner construyó su propia casa de la ópera en Bayreuth con parte del mecenazgo de Ludwig II de Baviera, dedicado exclusivamente a realizar sus propias obras en el estilo que deseaba.
Opera nunca volvería a ser lo mismo después de Wagner y para muchos compositores su legado resultó ser una carga pesada. Por otro lado, Richard Strauss aceptó las ideas wagnerianas pero las tomó en direcciones totalmente nuevas, junto con la incorporación de la nueva forma presentada por Verdi. Primero ganó fama con la escandalosa Salome y la oscura tragedia Elektra , en la que la tonalidad fue llevada al límite. Luego, Strauss cambió de táctica en su mayor éxito, Der Rosenkavalier, donde Mozart y los valses vieneses llegaron a ser una influencia tan importante como Wagner. Strauss continuó produciendo un cuerpo muy variado de óperas, a menudo con libretos del poeta Hugo von Hofmannsthal. Otros compositores que hicieron contribuciones individuales a la ópera alemana a principios del siglo XX incluyen a Alexander von Zemlinsky, Erich Korngold, Franz Schreker, Paul Hindemith, Kurt Weill y el italiano Ferruccio Busoni. Las innovaciones operísticas de Arnold Schoenberg y sus sucesores se discuten en la sección sobre modernismo.
A finales del siglo XIX, el compositor austriaco Johann Strauss II, admirador de las operetas en lengua francesa compuestas por Jacques Offenbach, compuso varias operetas en lengua alemana, la más famosa de las cuales fue Die Fledermaus , que todavía se realiza regularmente. Sin embargo, en lugar de copiar el estilo de Offenbach, las operetas de Strauss II tenían un sabor claramente vienés, lo que ha consolidado el lugar de Strauss II como uno de los compositores de opereta más famosos de todos los tiempos.
Ópera francesa
En rivalidad con las producciones importadas de la ópera italiana, el italiano Jean-Baptiste Lully fundó una tradición francesa separada en la corte del rey Luis XIV. A pesar de su origen extranjero, Lully estableció una Academia de Música y monopolizó la ópera francesa desde 1672. Comenzando con Cadmus et Hermione , Lully y su libretista Quinault crearon tragédie en musique , una forma en la que la música de baile y la escritura coral eran particularmente prominentes. Las óperas de Lully también muestran una preocupación por el recitativo expresivo que concuerda con los contornos de la lengua francesa. En el siglo XVIII, el sucesor más importante de Lully fue Jean-Philippe Rameau, que compuso cinco tragédies en musique así como numerosos trabajos en otros géneros como opéra-ballet, todos notables por su rica orquestación y audacia armónica. A pesar de la popularidad de la ópera italiana en gran parte de Europa durante el período barroco, la ópera italiana nunca se afianzó en Francia, donde su propia tradición operística nacional era más popular. Después de la muerte de Rameau, el Gluck alemán fue persuadido de producir seis óperas para la etapa parisina en la década de 1770. Muestran la influencia de Rameau, pero simplificado y con mayor enfoque en el drama. Al mismo tiempo, a mediados del siglo XVIII, otro género estaba ganando popularidad en Francia: opéra comique. Esto era el equivalente del singspiel alemán, donde las arias se alternaban con el diálogo hablado. Ejemplos notables en este estilo fueron producidos por Monsigny, Philidor y, sobre todo, Grétry. Durante el período Revolucionario, compositores como Méhul y Cherubini, que eran seguidores de Gluck, aportaron una nueva seriedad al género, que en ningún caso había sido totalmente "cómica". Otro fenómeno de este período fue la "ópera de propaganda" que celebra los éxitos revolucionarios, por ejemplo, Le triomphe de la République de Gossec (1793).
En la década de 1820, la influencia de Gluck en Francia había dado paso al gusto por el bel canto italiano, especialmente después de la llegada de Rossini a París. El Guillaume Tell de Rossini ayudó a fundar el nuevo género de Grand Opera, una forma cuyo exponente más famoso fue otro extranjero, Giacomo Meyerbeer. Las obras de Meyerbeer, como Les Huguenots , enfatizaron el canto virtuoso y los extraordinarios efectos escénicos. Lighter opéra comique también disfrutó de un gran éxito en manos de Boïeldieu, Auber, Hérold y Adam. En este clima, las óperas del compositor nacido en Francia Héctor Berlioz lucharon por ganar una audiencia. La obra maestra épica de Berlioz , Les Troyens , la culminación de la tradición de Gluck, no recibió una presentación completa durante casi cien años.
En la segunda mitad del siglo XIX, Jacques Offenbach creó la opereta con obras ingeniosas y cínicas como Orphée aux enfers , así como la ópera Les Contes d'Hoffmann ; Charles Gounod obtuvo un gran éxito con Faust ; y Georges Bizet compuso a Carmen , que, una vez que el público aprendió a aceptar su mezcla de romanticismo y realismo, se convirtió en el más popular de todos los opéra comiques. Jules Massenet, Camille Saint-Saëns y Léo Delibes compusieron obras que aún forman parte del repertorio estándar, por ejemplo Manon de Massenet , Samson et Dalila de Saint-Saëns y Lakmé de Delibes . Al mismo tiempo, la influencia de Richard Wagner se sintió como un desafío a la tradición francesa. Muchos críticos franceses rechazaron airadamente los dramas musicales de Wagner, mientras que muchos compositores franceses los imitaron con éxito variable. Quizás la respuesta más interesante vino de Claude Debussy. Al igual que en las obras de Wagner, la orquesta desempeña un papel principal en la ópera única de Debussy Pelléas et Mélisande (1902) y no hay arias reales, solo recitativas. Pero el drama es discreto, enigmático y completamente no wagneriano.
Otros nombres notables del siglo 20 incluyen Ravel, Dukas, Roussel y Milhaud. Francis Poulenc es uno de los pocos compositores de la posguerra de cualquier nacionalidad cuyas óperas (que incluyen Dialogues des Carmélites ) han logrado afianzarse en el repertorio internacional. El extenso drama sagrado de Olivier Messiaen, Saint François d'Assise (1983), también atrajo una gran atención.
La ópera en inglés
En Inglaterra, el antecedente de la ópera fue la plantilla del siglo XVII . Esta fue una pieza de repuesto que llegó al final de una obra de teatro. Con frecuencia era difamatorio y escandaloso y consistía principalmente en el diálogo establecido con música arreglada a partir de canciones populares. A este respecto, las plantillas anticipan las óperas de la balada del siglo XVIII. Al mismo tiempo, la máscara francesa estaba ganando firmeza en la corte inglesa, con un esplendor aún más espléndido y un escenario muy realista de lo que se había visto antes. Inigo Jones se convirtió en el diseñador por excelencia de estas producciones, y este estilo dominaría el escenario inglés durante tres siglos. Estos espectáculos contenían canciones y bailes. En los amantes de Ben Jonson hicieron a los hombres (1617), "toda la máscara fue cantada según la manera italiana, stilo recitativo". El enfoque de la Commonwealth inglesa cerró los teatros y detuvo cualquier desarrollo que pudiera haber llevado al establecimiento de la ópera inglesa. Sin embargo, en 1656, el dramaturgo Sir William Davenant produjo The Siege of Rhodes . Como su teatro no tenía licencia para producir drama, le pidió a varios de los principales compositores (Lawes, Cooke, Locke, Coleman y Hudson) que pusieran música a secciones de este. Este éxito fue seguido por La crueldad de los españoles en Perú (1658) y La historia de Sir Francis Drake (1659) Estas piezas fueron alentadas por Oliver Cromwell porque criticaban a España. Con la Restauración inglesa, los músicos extranjeros (especialmente los franceses) fueron bienvenidos. En 1673, Psyche de Thomas Shadwell , modelado en 1671 'comédie-ballet' del mismo nombre producido por Molière y Jean-Baptiste Lully. William Davenant produjo The Tempest en el mismo año, que fue la primera adaptación musical de una obra de Shakespeare (compuesta por Locke y Johnson). Alrededor de 1683, John Blow compuso a Venus y Adonis , a menudo considerado como la primera verdadera ópera en lengua inglesa.
El sucesor inmediato de Blow fue el mejor conocido Henry Purcell. A pesar del éxito de su obra maestra Dido and Aeneas (1689), en la cual la acción se fomenta mediante el uso del recitativo al estilo italiano, gran parte del mejor trabajo de Purcell no estuvo involucrado en la composición de ópera típica, sino que usualmente trabajó dentro de las limitaciones del formato semiópico, donde las escenas aisladas y las máscaras están contenidas dentro de la estructura de una obra hablada, como Shakespeare en La hada reina de Purcell (1692) y Beaumont y Fletcher en La profecía (1690) y Bonduca (1696) Los personajes principales de la obra tienden a no participar en las escenas musicales, lo que significa que Purcell rara vez fue capaz de desarrollar sus personajes a través de la canción. A pesar de estos obstáculos, su objetivo (y el de su colaborador John Dryden) fue establecer ópera seria en Inglaterra, pero estas esperanzas terminaron con la temprana muerte de Purcell a la edad de 36 años.
Después de Purcell, la popularidad de la ópera en Inglaterra disminuyó durante varias décadas. En la década de 1730 se revivió el interés por la ópera, atribuido en gran parte a Thomas Arne, tanto por sus propias composiciones como por alertar a Handel sobre las posibilidades comerciales de las obras en gran escala en inglés. Arne fue el primer compositor inglés en experimentar con la ópera cómica de estilo italiano, con su mayor éxito siendo Thomas y Sally en 1760. Su ópera Artaxerxes (1762) fue el primer intento de establecer una ópera seria en inglés y fue un gran éxito, manteniendo el escenario hasta la década de 1830. Aunque Arne imitó muchos elementos de la ópera italiana, fue quizás el único compositor inglés de la época que fue capaz de ir más allá de las influencias italianas y crear su propia voz única y distintivamente inglesa. Su balada modernizada, Love in a Village (1762), comenzó una moda para la ópera pastiche que duró hasta bien entrado el siglo XIX. Charles Burney escribió que Arne presentó "una melodía ligera, aireada, original y agradable, completamente diferente de la de Purcell o Handel, a quien todos los compositores ingleses habían robado o imitado".
Además de Arne, la otra fuerza dominante en la ópera inglesa en este momento era George Frideric Handel, cuya ópera serias llenó los escenarios operísticos de Londres durante décadas e influyó en la mayoría de los compositores locales, como John Frederick Lampe, que escribió utilizando modelos italianos. Esta situación continuó durante los siglos XVIII y XIX, incluso en la obra de Michael William Balfe, y las óperas de los grandes compositores italianos, así como las de Mozart, Beethoven y Meyerbeer, continuaron dominando el escenario musical en Inglaterra.
Las únicas excepciones fueron las óperas de baladas, como The Beggar's Opera (1728), de John Gay , burlesques musicales, operetas europeas y óperas de la época tardía victoriana, especialmente las óperas de Saboya de WS Gilbert y Arthur Sullivan, todos los tipos de entretenimientos musicales con frecuencia convenciones operísticas falsificadas. Sullivan escribió solo una gran ópera, Ivanhoe (siguiendo los esfuerzos de varios jóvenes compositores ingleses a partir de 1876), pero afirmó que incluso sus óperas ligeras formaban parte de una escuela de ópera "inglesa", destinada a suplantar las operetas francesas ( usualmente realizado en malas traducciones) que había dominado el escenario de Londres desde mediados del siglo XIX hasta la década de 1870. El Daily Telegraph de Londres estuvo de acuerdo, describiendo El Yeomen of the Guard como "una genuina ópera inglesa, precursora de muchos otros, esperemos, y posiblemente significativa de un avance hacia una etapa lírica nacional".
En el siglo XX, la ópera inglesa comenzó a afirmar más independencia, con obras de Ralph Vaughan Williams y, en particular, Benjamin Britten, quien en una serie de obras que permanecen en el repertorio estándar actual, reveló un excelente estilo para la musicalidad dramática y soberbia. Más recientemente, Sir Harrison Birtwistle se ha convertido en uno de los compositores contemporáneos más importantes de Gran Bretaña, desde su primera ópera, Punch and Judy, hasta su más reciente éxito crítico en The Minotaur. En la primera década del siglo XXI, el libretista de una de las primeras óperas de Birtwistle, Michael Nyman, se ha centrado en la composición de óperas, como Facing Goya , Man and Boy: Dada y Love Counts.. Hoy compositores como Thomas Adès continúan exportando ópera inglesa al extranjero.
También en el siglo XX, compositores estadounidenses como Leonard Bernstein, George Gershwin, Gian Carlo Menotti, Douglas Moore y Carlisle Floyd comenzaron a contribuir con óperas en inglés impregnadas de toques de estilos musicales populares. Les siguieron compositores como Philip Glass, Mark Adamo, John Corigliano, Robert Moran, John Coolidge Adams, André Previn y Jake Heggie.
Ópera rusa
La ópera fue llevada a Rusia en la década de 1730 por las compañías de ópera italianas y pronto se convirtió en una parte importante del entretenimiento para la corte imperial rusa y la aristocracia. Muchos compositores extranjeros como Baldassare Galuppi, Giovanni Paisiello, Giuseppe Sarti y Domenico Cimarosa (así como varios otros) fueron invitados a Rusia para componer nuevas óperas, principalmente en lengua italiana. Simultáneamente, algunos músicos nacionales como Maksym Berezovsky y Dmitry Bortniansky fueron enviados al extranjero para aprender a escribir óperas. La primera ópera escrita en ruso fue Tsefal i Prokris del compositor italiano Francesco Araja (1755). El desarrollo de la ópera en ruso fue apoyado por los compositores rusos Vasily Pashkevich, Yevstigney Fomin y Alexey Verstovsky.
Sin embargo, el verdadero nacimiento de la ópera rusa vino con Mikhail Glinka y sus dos grandes óperas Una vida para el zar (1836) y Ruslan y Lyudmila (1842). Después de él, en el siglo XIX en Rusia, se escribieron obras maestras de la ópera como Rusalka y The Stone Guest de Alexander Dargomyzhsky, Boris Godunov y Khovanshchina de Modest Mussorgsky, Prince Igor de Alexander Borodin, Eugene Onegin y The Queen of Spades de Pyotr Tchaikovsky , y The Snow Maiden y Sadko por Nikolai Rimsky-Korsakov. Estos desarrollos reflejaron el crecimiento del nacionalismo ruso a través del espectro artístico, como parte del movimiento Slavophilism más general.
En el siglo 20, las tradiciones de la ópera rusa fueron desarrolladas por muchos compositores, entre ellos Sergei Rachmaninoff en sus obras The Miserly Knight y Francesca da Rimini , Igor Stravinsky en Le Rossignol , Mavra , Edipo rex y The Rake's Progress , Sergei Prokofiev en The Gambler , El amor por tres naranjas , El ángel ardiente , Desposorio en un monasterio y Guerra y paz ; así como Dmitri Shostakovich en The Nose y Lady Macbeth del distrito de Mtsensk , Edison Denisov en L'écume des jours, y Alfred Schnittke en La vida con un idiota e Historia von D. Johann Fausten .
Otras óperas nacionales
España también produjo su propia forma distintiva de ópera, conocida como zarzuela, que tuvo dos florecimientos separados: uno desde mediados del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII y otro que comenzó alrededor de 1850. Desde fines del siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX. Siglo XIX, la ópera italiana fue inmensamente popular en España, suplantando a la forma nativa.
Los compositores checos también desarrollaron un próspero movimiento nacional de ópera en el siglo XIX, comenzando por Bedřich Smetana, que escribió ocho óperas, incluida la popular internacional The Bartered Bride . Antonín Dvořák, el más famoso de Rusalka , escribió 13 óperas; y Leoš Janáček ganó reconocimiento internacional en el siglo XX por sus innovadoras obras, incluidas Jenůfa , The Cunning Little Vixen y Káťa Kabanová .
En la Europa oriental rusa, comenzaron a surgir varias óperas nacionales. La ópera ucraniana fue desarrollada por Semen Hulak-Artemovsky (1813-1873), cuya obra más famosa Zaporozhets za Dunayem (Un cosaco más allá del Danubio) se realiza regularmente en todo el mundo. Otros compositores de ópera ucranianos incluyen a Mykola Lysenko ( Taras Bulba y Natalka Poltavka ), Heorhiy Maiboroda y Yuliy Meitus. En el cambio de siglo, un movimiento nacional de ópera distinto también comenzó a surgir en Georgia bajo el liderazgo de Zacharia Paliashvili, que fusionó canciones populares e historias locales con temas románticos del siglo XIX.
La figura clave de la ópera nacional húngara en el siglo XIX fue Ferenc Erkel, cuyos trabajos trataban principalmente temas históricos. Entre sus óperas más interpretadas se encuentran Hunyadi László y Bánk bán . La ópera húngara moderna más famosa es el Castillo de Duke Bluebeard deBéla Bartók .
La ópera de Stanisław Moniuszko Straszny Dwór (en inglés The Haunted Manor ) (1861-64) representa un pico del siglo XIX de la ópera nacional polaca. En el siglo XX, otras óperas creadas por compositores polacos incluían King Roger de Karol Szymanowski y Ubu Rex de Krzysztof Penderecki.
La primera ópera conocida de Turquía (el Imperio Otomano) fue Arshak II, que fue una ópera armenia compuesta por un compositor étnico armenio Tigran Tchoukhajian en 1868 y parcialmente representada en 1873. Fue completamente montada en 1945 en Armenia.
Los primeros años de la Unión Soviética vieron el surgimiento de nuevas óperas nacionales, como el Koroğlu (1937) del compositor azerbaiyano Uzeyir Hajibeyov. La primera ópera kirguisa, Ai-Churek , se estrenó en Moscú en el Teatro Bolshoi el 26 de mayo de 1939, durante la Década del Arte Kyrgyz. Fue compuesto por Vladimir Vlasov, Abdylas Maldybaev y Vladimir Fere. El libreto fue escrito por Joomart Bokonbaev, Jusup Turusbekov y Kybanychbek Malikov. La ópera se basa en la epopeya heroica kirguisa Manas .
La ópera clásica contemporánea china, una forma en chino de la ópera de estilo occidental que es distinta de la ópera tradicional china, ha tenido óperas que se remontan a The White Haired Girl en 1945.
En América Latina, la ópera comenzó como resultado de la colonización europea. La primera ópera escrita en América fue La púrpura de la rosa , de Tomás de Torrejón y Velasco, aunque Partenope , del mexicano Manuel de Zumaya, fue la primera ópera escrita por un compositor nacido en América Latina (música ahora perdida). La primera ópera brasileña para un libreto en portugués fue A Noite de São João , de Elias Álvares Lobo. Sin embargo, Antonio Carlos Gomes es generalmente considerado como el compositor brasileño más destacado, teniendo un éxito relativo en Italia con sus óperas de temática brasileña con libretos italianos, como Il Guarany . La ópera en Argentina se desarrolló en el siglo XX después de la inauguración del Teatro Colón en Buenos Aires, con la ópera Aurora , de Ettore Panizza, muy influenciado por la tradición italiana, debido a la inmigración. Otros compositores importantes de Argentina incluyen a Felipe Boero y Alberto Ginastera.
Tendencias contemporáneas, recientes y modernistas
Modernismo
Quizás la manifestación estilística más obvia del modernismo en la ópera es el desarrollo de la atonalidad. El alejamiento de la tonalidad tradicional en la ópera había comenzado con Richard Wagner, y en particular el acorde de Tristan. Compositores como Richard Strauss, Claude Debussy, Giacomo Puccini, Paul Hindemith, Benjamin Britten y Hans Pfitzner impulsaron aún más la armonía wagneriana con un uso más extremo del cromatismo y un mayor uso de la disonancia. Otro aspecto de la ópera modernista es el cambio de melodías largas y suspendidas, a breves lemas rápidos, como lo ilustra por primera vez Giuseppe Verdi en su Falstaff . Compositores como Strauss, Britten, Shostakovich y Stravinsky adoptaron y ampliaron este estilo.
El modernismo operístico realmente comenzó en las óperas de dos compositores vieneses, Arnold Schoenberg y su alumno Alban Berg, ambos compositores y defensores de la atonalidad y su posterior desarrollo (como lo desarrolló Schoenberg), dodecafonía. Las primeras obras musico-dramáticas de Schoenberg, Erwartung (1909, estrenada en 1924) y Die glückliche Hand muestran un gran uso de la armonía cromática y la disonancia en general. Schoenberg también ocasionalmente usó Sprechstimme.
Las dos óperas de los alumnos de Schoenberg Alban Berg, Wozzeck (1925) y Lulu (incompleta a su muerte en 1935) comparten muchas de las mismas características descritas anteriormente, aunque Berg combinó su interpretación altamente personal de la técnica dodecafónica de Schoenberg con pasajes melódicos de Schoenberg. una naturaleza más tradicionalmente tonal (bastante Mahlerian en carácter) que quizás explica parcialmente por qué sus óperas se han mantenido en el repertorio estándar, a pesar de su música y tramas controvertidas. Las teorías de Schoenberg han influido (directa o indirectamente) en un número significativo de compositores de ópera desde entonces, incluso si ellos mismos no componían usando sus técnicas.
Los compositores influidos de esta manera incluyen al inglés Benjamin Britten, el alemán Hans Werner Henze y el ruso Dmitri Shostakovich. (Philip Glass también hace uso de la atonalidad, aunque su estilo se describe generalmente como minimalista, generalmente considerado como otro desarrollo del siglo XX).
Sin embargo, el uso de atonalidad del modernismo operístico también provocó una reacción en forma de neoclasicismo. Uno de los primeros líderes de este movimiento fue Ferruccio Busoni, quien en 1913 escribió el libreto para su ópera número neoclásico Arlecchino (estrenada en 1917). También entre la vanguardia estaba el ruso Igor Stravinsky. Después de componer música para los ballets producidos por Diaghilev Petrushka (1911) y The Rite of Spring (1913), Stravinsky recurrió al neoclasicismo, un desarrollo que culminó en su ópera-oratorio Edipo Rey (1927). Bien después de sus obras inspiradas en Rimsky-Korsakov The Nightingale (1914), y Mavra (1922), Stravinsky siguió ignorando la técnica serialista y, finalmente, escribió una ópera diatónica de pleno estilo del siglo XVIII, The Rake's Progress (1951). Su resistencia al serialismo (una actitud que revirtió después de la muerte de Schoenberg) resultó ser una inspiración para muchos otros compositores.
Otras tendencias
Una tendencia común a lo largo del siglo XX, tanto en el repertorio orquestal como en el orquestal, es el uso de orquestas más pequeñas como una medida de reducción de costos; las grandes orquestas de la era romántica con enormes secciones de cuerdas, arpas múltiples, cuernos extra e instrumentos de percusión exóticos ya no eran posibles. A medida que el patrocinio gubernamental y privado de las artes disminuyó a lo largo del siglo XX, las nuevas obras a menudo se encargaron y se realizaron con presupuestos más pequeños, lo que a menudo resulta en obras del tamaño de una cámara y óperas cortas en un acto. Muchas de las óperas de Benjamin Britten se califican para tan solo 13 instrumentistas; La realización en dos actos de Mark Adamo de Little Women se califica para 18 instrumentistas.
Otra característica de la ópera de finales del siglo XX es el surgimiento de óperas históricas contemporáneas, en contraste con la tradición de basar óperas en la historia más lejana, el recuento de cuentos o obras de ficción contemporáneas, o de mitos o leyendas. La Muerte de Klinghoffer , Nixon en China y el Doctor Atomic de John Adams, Dead Man Walking de Jake Heggie y Anna Nicole de Mark-Anthony Turnage ejemplifican la dramatización en el escenario de los acontecimientos de la memoria viva reciente, donde los personajes retratados en la ópera estaban vivos en el momento de la presentación de estreno.
La Metropolitan Opera en los EE. UU. Informa que la edad promedio de su audiencia es ahora de 60. Muchas compañías de ópera han experimentado una tendencia similar, y los sitios web de las compañías de ópera están repletos de intentos de atraer a una audiencia más joven. Esta tendencia es parte de la tendencia más grande de las audiencias canosas para la música clásica desde las últimas décadas del siglo XX. En un esfuerzo por atraer a un público más joven, el Metropolitan Opera ofrece descuentos para estudiantes en la compra de boletos.
Las empresas más pequeñas en los EE. UU. Tienen una existencia más frágil, y generalmente dependen de una "colcha de retazos" de apoyo de los gobiernos estatales y locales, empresas locales y recaudadores de fondos. Sin embargo, algunas empresas más pequeñas han encontrado formas de atraer nuevas audiencias. Opera Carolina ofrece descuentos y eventos de happy hour para los grupos demográficos de 21 a 40 años. Además de las transmisiones de ópera de radio y televisión, que han tenido cierto éxito en la obtención de nuevas audiencias, las transmisiones de espectáculos en vivo en HD a salas de cine han demostrado su potencial para llegar a nuevas audiencias. Desde 2006, el Met ha transmitido actuaciones en vivo a varios cientos de pantallas de cine en todo el mundo.
De los musicales a la ópera
A fines de la década de 1930, algunos musicales comenzaron a escribirse con una estructura más operística. Estas obras incluyen complejos conjuntos polifónicos y reflejan los desarrollos musicales de su tiempo. Porgy and Bess (1935), influenciado por los estilos de jazz, y Candide (1956), con sus arrolladores, líricos pasajes y absurdas parodias de la ópera, ambas se abrieron en Broadway pero fueron aceptadas como parte del repertorio de la ópera. Música popular como Show Boat , West Side Story , Brigadoon , Sweeney Todd , Pasión , Evita , La luz en la Piazza , El fantasma de la ópera y otros cuentan historias dramáticas a través de música compleja y en el 2010 a veces se los ve en teatros de ópera. The Most Happy Fella (1952) es casi ópera y ha sido revivido por la New York City Opera. Otros musicales influidos por el rock, como Tommy (1969) y Jesus Christ Superstar (1971), Les Misérables (1980), Rent (1996), Spring Awakening (2006), y Natasha, Pierre y The Great Comet of 1812 (2012) emplean varias convenciones operísticas, como a través de la composición, el recitativo en lugar del diálogo y los leitmotivs.
Mejora acústica en la ópera
Un tipo sutil de refuerzo de sonido electrónico llamado mejora acústica se utiliza en algunas salas de conciertos y teatros modernos donde se realizan óperas. Aunque ninguna de las principales casas de ópera "... utilizan el refuerzo de sonido tradicional de estilo Broadway, en el que la mayoría, si no todos los cantantes están equipados con micrófonos de radio mezclados con una serie de altavoces antiestéticos dispersos por el teatro", muchos utilizan un refuerzo de sonido sistema de mejora acústica y sutil refuerzo de voces fuera del escenario, cantantes infantiles, diálogo en el escenario y efectos de sonido (p. ej., campanas de iglesia en Tosca o efectos de trueno en óperas wagnerianas).
Voces operativas
La técnica vocal operativa evolucionó, en un tiempo anterior a la amplificación electrónica, para permitir a los cantantes producir suficiente volumen para ser escuchados en una orquesta, sin que los instrumentistas tengan que comprometer sustancialmente su volumen.
Clasificaciones vocales
Los cantantes y los roles que interpretan se clasifican por tipo de voz, en función de la tesitura, la agilidad, el poder y el timbre de sus voces. Los cantantes masculinos pueden clasificarse por rango vocal como bajo, bajo-barítono, barítono, tenor y contratenor, y cantantes femeninas como contralto, mezzo-soprano y soprano. (Los hombres a veces cantan en las gamas vocales "femeninas", en cuyo caso se los denomina sopranistas o contratenor. El contratenor se encuentra comúnmente en la ópera, a veces canta partes escritas para hombres castrados castrados a una edad temprana específicamente para darles un canto superior rango.) Los cantantes se clasifican por tamaño, por ejemplo, una soprano se puede describir como una soprano lírica, coloratura, soubrette, spinto o soprano dramático. Estos términos, aunque no describen completamente una voz de canto, asocian al cantante
Otra subclasificación puede realizarse de acuerdo con habilidades o requisitos de actuación, por ejemplo, el Basso Buffo, que a menudo debe ser un especialista en golpeteo, así como un actor cómico. Esto se lleva a cabo en detalle en el sistema Fach de los países de habla alemana, donde históricamente la ópera y el drama hablado a menudo eran interpretados por la misma compañía de repertorio.
La voz de un cantante en particular puede cambiar drásticamente a lo largo de su vida, y rara vez alcanza la madurez vocal hasta la tercera década, y algunas veces no hasta la edad madura. Dos tipos de voces francesas, premiere dugazon y deuxieme dugazon , fueron nombradas después de sucesivas etapas en la carrera de Louise-Rosalie Lefebvre (Madame Dugazon). Otros términos que se originan en el sistema de lanzamiento de estrellas de los teatros parisinos son el baryton-martin y el halcón soprano .
Uso histórico de partes de voz
- Lo siguiente solo pretende ser una breve descripción. Para los artículos principales, vea soprano, mezzo-soprano, alto, tenor, barítono, bajo, contratenor y castrato .
La voz de soprano se ha utilizado típicamente como la voz elegida por la protagonista femenina de la ópera desde la segunda mitad del siglo XVIII. Anteriormente, era común que esa parte fuera cantada por cualquier voz femenina, o incluso un castrato. El énfasis actual en un amplio rango vocal fue principalmente una invención del período clásico. Antes de eso, el virtuosismo vocal, no el rango, era la prioridad, con partes de soprano que rara vez se extendían por encima de una A alta (Handel, por ejemplo, solo escribía un papel que se extendía a una C alta), aunque se alegaba que el castrato Farinelli D (su rango más bajo también fue extraordinario, extendiéndose al tenor C). La mezzo-soprano, un término de origen comparativamente reciente, también tiene un gran repertorio, que va desde la protagonista femenina en Dido y Eneas de Purcell. a roles tan pesados como Brangäne en Tristan und Isolde de Wagner (estos son papeles ambos a veces cantados por sopranos, hay bastante movimiento entre estos dos tipos de voces). Para el verdadero contralto, el rango de partes es más limitado, lo que ha dado lugar a la broma interna de que los contraltos solo cantan roles de "brujas, perras y britches". En los últimos años, muchos de los "papeles del pantalón" de la época del Barroco, originalmente escritos para mujeres, y aquellos originalmente cantados por castrati, han sido reasignados a contratenores.
A la voz de tenor, desde la época clásica en adelante, se le ha asignado tradicionalmente el papel de protagonista masculino. Muchos de los papeles de tenor más desafiantes en el repertorio se escribieron durante la era del bel canto , como la secuencia de Donizetti de 9 C por encima del medio C durante La fille du régiment . Con Wagner se hizo hincapié en el peso vocal para sus papeles protagonistas, con esta categoría vocal descrita como Heldentenor ; esta voz heroica tenía su contraparte más italianizante en papeles como Calaf en Turandot de Puccini . Los bajos tienen una larga historia en la ópera, habiendo sido utilizados en la ópera seria en papeles de apoyo, y en ocasiones para el alivio cómico (así como para proporcionar un contraste con la preponderancia de voces altas en este género). El repertorio de bajo es amplio y variado, y abarca desde la comedia de Leporello en Don Giovanni hasta la nobleza de Wotan en el Ring Cycle de Wagner, pasando por el conflictivo King Phillip of Verdi's Don Carlos . Entre el bajo y el tenor está el barítono, que también varía en peso, por ejemplo, Guglielmo en Così fan tutte de Mozart a Posa en Don Carlos de Verdi ; la designación actual "barítono" no era estándar hasta mediados del siglo XIX.
Cantantes famosos
Las primeras representaciones de la ópera eran demasiado infrecuentes para que los cantantes se ganaran la vida exclusivamente con el estilo, pero con el nacimiento de la ópera comercial a mediados del siglo XVII, artistas profesionales comenzaron a surgir. El papel del héroe masculino generalmente se confiaba a un castrato, y en el siglo XVIII, cuando la ópera italiana se representaba en toda Europa, los principales castrati que poseían virtuosismo vocal extraordinario, como Senesino y Farinelli, se convirtieron en estrellas internacionales. La carrera de la primera estrella femenina principal (o prima donna), Anna Renzi, data de mediados del siglo XVII. En el siglo XVIII, varias sopranos italianas ganaron renombre internacional y a menudo se enfrentaron en una feroz rivalidad, como fue el caso de Faustina Bordoni y Francesca Cuzzoni, quienes comenzaron una pelea entre ellas durante la presentación de una ópera Handel.
Aunque el mecenazgo de la ópera ha disminuido en el último siglo a favor de otras artes y medios (como musicales, cine, radio, televisión y grabaciones), los medios de comunicación y el advenimiento de la grabación han respaldado la popularidad de muchos cantantes famosos como Maria Callas, Enrico Caruso, Amelita Galli-Curci, Kirsten Flagstad, Juan Arvizu, Néstor Mesta Chayres, Mario Del Mónaco, Risë Stevens, Alfredo Kraus, Franco Corelli, Montserrat Caballé, Joan Sutherland, Birgit Nilsson, Nellie Melba, Rosa Ponselle, Beniamino Gigli, Jussi Björling , Feodor Chaliapin y "Los tres tenores" (Luciano Pavarotti, Plácido Domingo y José Carreras).
Cambiando el rol de la orquesta
Antes del 1700, las óperas italianas usaban una pequeña orquesta de cuerdas, pero rara vez tocaba acompañar a los cantantes. Los solos de ópera durante este período fueron acompañados por el grupo de bajo continuo, que consistía en el clavicordio, "instrumentos punteados" como el laúd y un instrumento de bajo. La orquesta de cuerdas normalmente solo se reproducía cuando el cantante no cantaba, como durante "... las entradas y salidas de un cantante, entre los números vocales, [o] para [acompañar] bailando". Otro papel para la orquesta durante este período fue tocar un ritornello orquestal para marcar el final del solo de un cantante. Durante la década de 1700, algunos compositores comenzaron a utilizar la orquesta de cuerdas para marcar ciertos aria o recitativos "... como especiales"; hacia 1720, la mayoría de las arias estaban acompañadas por orquesta. Compositores de ópera como Domenico Sarro, Leonardo Vinci, Giambattista Pergolesi, Leonardo Leo y Johann Adolf Hasse agregaron nuevos instrumentos a la orquesta de la ópera y le dieron a los instrumentos nuevos roles. Agregaron instrumentos de viento a las cuerdas y usaron instrumentos orquestales para tocar solos instrumentales, como una forma de marcar ciertas arias como especiales.
La orquesta también ha ofrecido una obertura instrumental antes de que los cantantes suban al escenario desde el siglo XVII. La Euridice de Peri se abre con un breve ritornello instrumental, y L'Orfeo (1607) de Monteverdi se abre con una toccata, en este caso una fanfarria para las trompetas apagadas. La obertura francesa que se encuentra en las óperas de Jean-Baptiste Lully consiste en una introducción lenta en un marcado "ritmo punteado", seguido de un movimiento vivo en estilo fugato. La obertura fue seguido frecuentemente por una serie de melodías de baile antes de que se levantara el telón. Este estilo de obertura también se usó en la ópera inglesa, sobre todo en Dido y Eneas de Henry Purcell . Handel también usa la forma de obertura francesa en algunas de sus óperas italianas como Giulio Cesare.
En Italia, una forma distinta llamada "obertura" surgió en la década de 1680, y se estableció especialmente a través de las óperas de Alessandro Scarlatti, y se extendió por toda Europa, suplantando la forma francesa como la obertura operística estándar a mediados del siglo XVIII. Utiliza tres movimientos generalmente homofónicos: rápido-lento-rápido. El movimiento de apertura normalmente estaba en doble contador y en una tecla principal; el movimiento lento en los ejemplos anteriores fue corto, y podría estar en una tecla de contraste; el movimiento final fue como un baile, más a menudo con ritmos de la giga o minueto, y regresó a la clave de la sección de apertura. A medida que evolucionó la forma, el primer movimiento puede incorporar elementos similares a una fanfarria y tomó el patrón de la llamada "forma sonatina" (forma sonata sin una sección de desarrollo),
En la ópera italiana después de aproximadamente 1800, la "obertura" se hizo conocida como la sinfonía . Fisher también señala que el término Sinfonía avanti l'opera (literalmente, la "sinfonía antes de la ópera") fue "un término temprano para una sinfonía utilizada para comenzar una ópera, es decir, como una obertura en oposición a una que sirve para comenzar una tarde sección del trabajo ". En la ópera del siglo XIX, en algunas óperas, la obertura, Vorspiel , Einleitung , Introducción o cualquier otra cosa que pueda llamarse, era la parte de la música que tiene lugar antes de que se levante el telón; una forma rígida específica ya no era necesaria para la obertura.
El papel de la orquesta en el acompañamiento de los cantantes cambió en el siglo XIX, cuando el estilo clásico pasó a la época romántica. En general, las orquestas se hicieron más grandes, se agregaron nuevos instrumentos, como instrumentos de percusión adicionales (p. Ej., Bombo, platillos, caja, etc.). La orquestación de partes de orquesta también se desarrolló durante el siglo XIX. En las óperas wagnerianas, la adelantada de la orquesta fue más allá de la obertura. En las óperas wagnerianas como Tristan , la orquesta tocaba a menudo los temas musicales recurrentes o leitmotivos, un papel que le daba un protagonismo a la orquesta que "... elevó su estatus al de una prima donna". Las óperas de Wagner se marcaron con un alcance y una complejidad sin precedentes, añadiendo más instrumentos de metal y enormes tamaños de conjunto: de hecho, su puntaje para Das Rheingold pide seis arpas.
Como el papel de la orquesta y otros conjuntos instrumentales cambió a lo largo de la historia de la ópera, también lo hizo el papel de dirigir a los músicos. En la época del Barroco, los músicos generalmente eran dirigidos por el intérprete de clavicémbalo, aunque se sabe que el compositor francés Lully condujo con un bastón largo. En la década de 1800, durante el período clásico, el primer violinista, también conocido como el concertino, dirigiría la orquesta mientras estaba sentado. Con el tiempo, algunos directores comenzaron a ponerse de pie y usar gestos de manos y brazos para dirigir a los artistas. Eventualmente, este papel de director musical se convirtió en el director de orquesta, y se utilizó un podio para facilitar que todos los músicos lo vieran. Cuando se introdujeron las óperas wagnerianas, la complejidad de las obras y las enormes orquestas utilizadas para interpretarlas le dieron al conductor un papel cada vez más importante.
Problemas de idioma y traducción
Desde los días de Handel y Mozart, muchos compositores han favorecido el italiano como el idioma para el libreto de sus óperas. Desde la época de Bel Canto hasta Verdi, los compositores a veces supervisaban versiones de sus óperas en italiano y francés. Debido a esto, las óperas como Lucia di Lammermoor o Don Carlos se consideran canónicas hoy en sus versiones francesa e italiana.
Hasta mediados de la década de 1950, era aceptable producir óperas en las traducciones, incluso si éstas no habían sido autorizadas por el compositor o los libretistas originales. Por ejemplo, los teatros de ópera en Italia presentaban a Wagner en italiano de forma rutinaria. Después de la Segunda Guerra Mundial, las becas de ópera mejoraron, los artistas se centraron en las versiones originales y las traducciones cayeron en desgracia. El conocimiento de los idiomas europeos, especialmente italiano, francés y alemán, es hoy una parte importante de la formación de cantantes profesionales. "La mayor parte de la formación operística está en la lingüística y la musicalidad", explica la mezzosoprano Dolora Zajick. "[Tengo que entender] no solo lo que estoy cantando, sino lo que todos los demás están cantando. Yo canto italiano, checo, ruso, francés, alemán, inglés".
En la década de 1980, empezaron a aparecer supertítulos (a veces llamados subtítulos). Aunque los subtítulos fueron condenados por primera vez casi universalmente como una distracción, hoy muchos teatros de ópera proporcionan supertítulos, generalmente proyectados sobre el arco del proscenio del teatro, o pantallas de asientos individuales donde los espectadores pueden elegir entre más de un idioma. Las transmisiones de televisión suelen incluir subtítulos, incluso si están destinadas a un público que conoce bien el idioma (por ejemplo, una transmisión RAI de una ópera italiana). Estos subtítulos se dirigen no solo a personas con dificultad auditiva sino a la audiencia en general, ya que un discurso cantado es mucho más difícil de entender que uno hablado, incluso en los oídos de hablantes nativos. Los subtítulos en uno o más idiomas se han convertido en estándar en transmisiones de ópera, transmisiones simultáneas y ediciones en DVD.
Hoy en día, las óperas rara vez se realizan en la traducción. Las excepciones incluyen la English National Opera, el Opera Theatre of St. Louis, el Opera Theatre de Pittsburgh y el Opera South East, que favorecen las traducciones al inglés. Otra excepción son las producciones de ópera destinadas a un público joven, como Hansel y Gretel de Humperdinck y algunas producciones de La flauta mágica de Mozart .
Fondos
Fuera de los Estados Unidos, y especialmente en Europa, la mayoría de los teatros de ópera reciben subsidios públicos de los contribuyentes. En Milán, Italia, el 60% del presupuesto anual de La Scala de 115 millones de euros proviene de la venta de entradas y donaciones privadas, y el 40% restante proviene de fondos públicos. En 2005, La Scala recibió el 25% del subsidio estatal total de Italia de € 464 millones para las artes escénicas. En el Reino Unido, Arts Council England ofrece fondos para Opera North, Royal Opera House, Welsh National Opera y English National Opera. Entre 2012 y 2015, estas cuatro compañías de ópera junto con el English National Ballet, Birmingham Royal Ballet y Northern Ballet representaron el 22% de los fondos en la cartera nacional del Arts Council. Durante ese período, el Consejo llevó a cabo un análisis de su financiación para grandes compañías de ópera y ballet, establecer recomendaciones y objetivos para que las empresas se reúnan antes de las decisiones de financiación 2015-2018. En febrero de 2015, las preocupaciones sobre el plan de negocios de English National Opera llevaron al Arts Council a colocarlo "bajo acuerdos especiales de financiación" en lo que The Independent denominó "el paso sin precedentes" de amenazar con retirar el financiamiento público si las preocupaciones del Consejo no se cumplieran en 2017. La financiación pública europea a la ópera ha llevado a una disparidad entre el número de óperas de todo el año en Europa y Estados Unidos. Por ejemplo, "Alemania tiene alrededor de 80 teatros de ópera durante todo el año [desde 2004], mientras que Estados Unidos, con más de tres veces la población, no tiene ninguno. Incluso el Met solo tiene una temporada de siete meses".
Televisión, cine e Internet
El 24 de diciembre de 1951 se alcanzó un hito en la transmisión de ópera en los Estados Unidos, con la transmisión en vivo de Amahl y los visitantes nocturnos , una ópera en un acto de Gian Carlo Menotti. Fue la primera ópera específicamente compuesta para televisión en Estados Unidos. Otro hito ocurrió en Italia en 1992 cuando Tosca fue transmitido en vivo desde su configuración romana original y las horas del día: El primer acto vino de la iglesia de Sant'Andrea della Valle del siglo XVI al mediodía del sábado; el Palazzo Farnese del siglo XVI fue el escenario de la segunda a las 8:15 PM; y el domingo a las 6 AM, el tercer acto fue transmitido desde Castel Sant'Angelo. La producción fue transmitida vía satélite a 105 países.
Las principales compañías de ópera han comenzado a presentar sus actuaciones en cines locales en todo Estados Unidos y en muchos otros países. La Opera Metropolitana comenzó una serie de transmisiones en vivo de video de alta definición a cines de todo el mundo en 2006. En 2007, se presentaron actuaciones de Met en más de 424 teatros en 350 ciudades de EE. UU. La Boheme salió a 671 pantallas en todo el mundo. La Ópera de San Francisco comenzó transmisiones de video pregrabadas en marzo de 2008. A partir de junio de 2008, aproximadamente 125 salas en 117 ciudades de EE. UU. Llevan las proyecciones. Las transmisiones de video HD de la ópera se presentan a través de los mismos proyectores de cine digital HD utilizados para las principales películas de Hollywood. Las óperas y festivales europeos como la Royal Opera de Londres, La Scala de Milán, el Festival de Salzburgo, La Fenice de Venecia y el Maggio Musicale de Florencia también transmitieron sus producciones a teatros en ciudades de todo el mundo desde 2006, incluidas 90 ciudades en los EE.UU
El surgimiento de Internet también ha afectado la forma en que las audiencias consumen la ópera. En 2009, el British Glyndebourne Festival Opera ofreció por primera vez una descarga de video digital en línea de su producción completa de 2007 de Tristan und Isolde . En la temporada 2013, el festival transmitió sus seis producciones en línea. En julio de 2012 se estrenó la primera ópera comunitaria en línea en el Savonlinna Opera Festival. Titulo de libre voluntad, fue creado por miembros del grupo de Internet Opera By You. Sus 400 miembros de 43 países escribieron el libreto, compusieron la música y diseñaron los decorados y el vestuario con la plataforma web Wreckamovie. Savonlinna Opera Festival proporcionó solistas profesionales, un coro de 80 miembros, una orquesta sinfónica y la maquinaria escénica. Se realizó en vivo en el festival y se transmitió en vivo por Internet.
Obtenido de: https://en.wikipedia.org/wiki/Opera