Fotografía de artes visuales
Definición
 Lente y montaje de una cámara de gran formato | |
| Otros nombres | Ciencia o arte de crear imágenes duraderas |
|---|---|
| Tipos | Luz de grabación u otra radiación electromagnética |
| Inventor | Thomas Wedgwood (1800) |
| Relacionado | Estereoscópico, espectro completo, campo de luz, electrofotografía, fotogramas, escáner |
Normalmente, una lente se usa para enfocar la luz reflejada o emitida por los objetos en una imagen real en la superficie sensible a la luz dentro de una cámara durante una exposición programada. Con un sensor de imagen electrónico, esto produce una carga eléctrica en cada píxel, que se procesa electrónicamente y se almacena en un archivo de imagen digital para su posterior visualización o procesamiento. El resultado con la emulsión fotográfica es una imagen latente invisible, que luego se "desarrolla" químicamente en una imagen visible, ya sea negativa o positiva dependiendo del propósito del material fotográfico y el método de procesamiento. Una imagen negativa en una película se usa tradicionalmente para crear fotográficamente una imagen positiva en una base de papel, conocida como impresión, ya sea mediante el uso de una ampliadora o mediante impresión por contacto.
Etimología
The word "photography" was created from the Greek roots φωτός (phōtos), genitive of φῶς (phōs), "light" and γραφή (graphé) "representation by means of lines" or "drawing", together meaning "drawing with light".
Several people may have coined the same new term from these roots independently. Hercules Florence, a French painter and inventor living in Campinas, Brazil, used the French form of the word, photographie, in private notes which a Brazilian historian believes were written in 1834. This claim is widely reported but apparently has never been independently confirmed as beyond reasonable doubt.
The German newspaper Vossische Zeitung of 25 February 1839 contained an article entitled Photographie, discussing several priority claims – especially Henry Fox Talbot's – regarding Daguerre's claim of invention. The article is the earliest known occurrence of the word in public print. It was signed "J.M.", believed to have been Berlin astronomer Johann von Maedler.
Credit has traditionally been given to Sir John Herschel both for coining the word and for introducing it to the public. His uses of it in private correspondence prior to 25 February 1839 and at his Royal Societylecture on the subject in London on 14 March 1839 have long been amply documented and accepted as settled facts.
Los inventores Nicéphore Niépce, Henry Fox Talbot y Louis Daguerre parecen no haber conocido ni utilizado la palabra "fotografía", sino que se refirieron a sus procesos como "Heliografía" (Niépce), "Dibujo fotogénico" / "Talbototipo" / "Calotipo" ( Talbot) y "Daguerreotype" (Daguerre).
Historia
Tecnologías precursoras
La fotografía es el resultado de combinar varios descubrimientos técnicos. Mucho antes de que se hicieran las primeras fotografías, el antiguo filósofo chino Han Mo Di de la Escuela Mohística de la Lógica fue el primero en descubrir y desarrollar los principios científicos de la óptica, la cámara oscura y la cámara estenopeica. Más tarde, los matemáticos griegos Aristóteles y Euclides también describieron de forma independiente una cámara estenopeica en los siglos V y IV AEC. En el siglo VI EC, el matemático bizantino Anthemius de Tralles utilizó un tipo de cámara oscura en sus experimentos. Tanto el erudito chino de Han Shen Kuo (1031-95) como el físico árabe Ibn al-Haytham (Alhazen) (965-1040) inventaron independientemente la cámara oscura y la cámara estenopeica, Alberto Magno (1193-1280) descubrió el nitrato de plata y Georg Fabricius (1516-71) descubrieron cloruro de plata.
Daniele Barbaro describió un diafragma en 1566. Wilhelm Homberg describió cómo la luz oscureció algunos productos químicos (efecto fotoquímico) en 1694. El libro de ficción Giphantie , publicado en 1760, por el autor francés Tiphaigne de la Roche, describió lo que se puede interpretar como fotografía.
El descubrimiento de la cámara oscura que proporciona una imagen de una escena se remonta a la antigua China. Leonardo da Vinci menciona cámaras oscuras naturales que están formadas por cuevas oscuras en el borde de un valle iluminado por el sol. Un agujero en la pared de la cueva actuará como una cámara estenopeica y proyectará una imagen boca abajo invertida lateralmente en una hoja de papel. Así que el nacimiento de la fotografía se centró principalmente en inventar medios para capturar y conservar la imagen producida por la cámara oscura.
Los pintores del Renacimiento utilizaron la cámara oscura que, de hecho, da la representación óptica en color que domina el arte occidental. La cámara oscura significa literalmente "cámara oscura" en latín. Es una caja con un agujero que permite pasar la luz y crear una imagen en la hoja de papel.
Invención de fotografía
Alrededor del año 1800, el inventor británico Thomas Wedgwood realizó el primer intento conocido de capturar la imagen en una cámara oscura por medio de una sustancia sensible a la luz. Él usó papel o cuero blanco tratado con nitrato de plata. Aunque logró capturar las sombras de los objetos colocados en la superficie bajo la luz directa del sol, e incluso realizó instantáneas de pinturas sobre vidrio, se informó en 1802 que "las imágenes formadas por medio de una cámara oscura se han encontrado demasiado débiles para producir , en cualquier tiempo moderado, un efecto sobre el nitrato de plata ". Las imágenes de sombra eventualmente se oscurecieron por completo.
El primer fotograbado permanente fue una imagen producida en 1822 por el inventor francés Nicéphore Niépce, pero fue destruida en un intento posterior de hacer copias de ella. Niépce volvió a tener éxito en 1825. En 1826 o 1827, hizo la Vista desde la ventana en Le Gras , la fotografía más antigua que sobrevive de la naturaleza (es decir, de la imagen de una escena del mundo real, como se forma en una cámara oscura por un lente).
Debido a que las fotografías de la cámara de Niépce requirieron una exposición extremadamente larga (al menos ocho horas y probablemente varios días), él buscó mejorar mucho su proceso de betún o reemplazarlo por uno que fuera más práctico. En asociación con Louis Daguerre, trabajó en métodos de procesamiento posterior a la exposición que produjeron resultados visualmente superiores y reemplazó el betún con una resina más sensible a la luz, pero aún se necesitaban horas de exposición en la cámara. Con el objetivo de una eventual explotación comercial, los socios optaron por el secreto total.
Niépce murió en 1833 y Daguerre luego redirigió los experimentos hacia los haluros de plata sensibles a la luz, que Niépce había abandonado muchos años antes debido a su incapacidad para hacer las imágenes que capturó con ellas de manera rápida y permanente. Los esfuerzos de Daguerre culminaron en lo que más tarde se llamaría el proceso de daguerrotipo. Los elementos esenciales -una superficie plateada sensibilizada por el vapor de yodo, desarrollada por el vapor de mercurio y "fija" con agua salada saturada caliente- estaban en su lugar en 1837. El tiempo de exposición requerido se midió en minutos en lugar de horas. Daguerre tomó la primera foto confirmada de una persona en 1838 mientras capturaba una vista de una calle de París: a diferencia del otro tráfico peatonal y de caballos en el bullicioso bulevar, que parece desierto, un hombre que tenía las botas pulidas permanecía lo suficientemente quieto durante toda la exposición de varios minutos para ser visible. La existencia del proceso de Daguerre se anunció públicamente, sin detalles, el 7 de enero de 1839. La noticia creó una sensación internacional. Francia pronto acordó pagar a Daguerre una pensión a cambio del derecho de presentar su invención al mundo como el regalo de Francia, que ocurrió cuando se dieron a conocer instrucciones de trabajo completas el 19 de agosto de 1839. En ese mismo año, el fotógrafo estadounidense Robert Cornelius es acreditado con tomar el autorretrato fotográfico más antiguo que haya sobrevivido.
En Brasil, al parecer, Hércules Florencia había comenzado a elaborar un proceso de papel a base de sal de plata en 1832, y luego lo nombró Photographie .
Mientras tanto, un inventor británico, William Fox Talbot, había tenido éxito en la fabricación de imágenes de plata crudas pero razonablemente rápidas en papel ya en 1834, pero había mantenido su trabajo en secreto. Después de leer acerca de la invención de Daguerre en enero de 1839, Talbot publicó su método hasta ahora secreto y se propuso mejorarlo. Al principio, al igual que otros procesos pre-daguerrotipo, la fotografía en papel de Talbot normalmente requería exposiciones de una hora en la cámara, pero en 1840 creó el proceso de calotipo, que utilizaba el desarrollo químico de una imagen latente para reducir en gran medida la exposición necesaria y competir con el daguerrotipo. Tanto en su forma original como en su forma de calotipo, el proceso de Talbot, a diferencia de Daguerre, creó un negativo translúcido que podría usarse para imprimir múltiples copias positivas; esta es la base de la fotografía química más moderna hasta el día de hoy, ya que los Daguerrotipos solo podían replicarse al volver a fotografiarlos con una cámara. El famoso minúsculo negativo de Talbot de la ventana de Oriel en Lacock Abbey, una de las numerosas fotografías de la cámara que realizó en el verano de 1835, puede ser la cámara negativa más antigua que existe.
El químico británico John Herschel hizo muchas contribuciones al nuevo campo. Inventó el proceso de cianotipo, más tarde conocido como el "blueprint". Fue el primero en usar los términos "fotografía", "negativo" y "positivo". Descubrió en 1819 que el tiosulfato de sodio era un solvente de los halogenuros de plata, y en 1839 informó a Talbot (e indirectamente a Daguerre) que podía usarse para "fijar" fotografías basadas en haluros de plata y hacerlas completamente livianas. . Hizo el primer vidrio negativo a fines de 1839.
En la edición de marzo de 1851 de The Chemist , Frederick Scott Archer publicó su proceso de colodión con placa húmeda. Se convirtió en el medio fotográfico más utilizado hasta que la placa seca de gelatina, introducida en la década de 1870, finalmente la reemplazó. Hay tres subconjuntos en el proceso de colodión; el Ambrotype (una imagen positiva en vidrio), el Ferrotype o Tintype (una imagen positiva en metal) y el vidrio negativo, que se usó para hacer impresiones positivas en albúmina o papel salado.
Muchos avances en las placas de vidrio fotográfico y la impresión se realizaron durante el resto del siglo XIX. En 1891, Gabriel Lippmann introdujo un proceso para hacer fotografías de color natural basadas en el fenómeno óptico de la interferencia de las ondas de luz. Su invención científicamente elegante e importante pero en última instancia impráctica le valió el Premio Nobel de Física en 1908.
Las placas de vidrio fueron el medio para la fotografía de la cámara más original desde finales de la década de 1850 hasta la introducción general de películas plásticas flexibles durante la década de 1890. Aunque la conveniencia de la película popularizó enormemente la fotografía amateur, las primeras películas eran algo más costosas y de una calidad óptica notablemente inferior a la de sus equivalentes de placa de vidrio, y hasta finales de la década de 1910 no estaban disponibles en los formatos más grandes preferidos por la mayoría de los fotógrafos profesionales. el nuevo medio no reemplazó de manera inmediata o completa el anterior. Debido a la estabilidad dimensional superior del vidrio, el uso de placas para algunas aplicaciones científicas, como la astrofotografía, continuó en la década de 1990, y en el campo de nicho de la holografía láser, ha persistido hasta la década de 2010.
Fotografía cinematográfica
Hurter y Driffield comenzaron a trabajar de manera pionera en la sensibilidad a la luz de las emulsiones fotográficas en 1876. Su trabajo permitió idear la primera medida cuantitativa de la velocidad de la película.
La primera película flexible de rollo fotográfico fue comercializada por George Eastman en 1885, pero esta "película" original era en realidad una capa sobre una base de papel. Como parte del procesamiento, la capa portadora de la imagen se extrajo del papel y se transfirió a un soporte de gelatina endurecido. La primera película de rollo de plástico transparente siguió en 1889. Estaba hecha de nitrocelulosa altamente inflamable ("celuloide"), que ahora se conoce como "película de nitrato".
Aunque el acetato de celulosa o "película de seguridad" había sido introducido por Kodak en 1908, al principio encontró solo algunas aplicaciones especiales como alternativa a la peligrosa película de nitrato, que tenía la ventaja de ser considerablemente más resistente, ligeramente más transparente y más barata. El cambio no se completó para películas de rayos X hasta 1933, y aunque la película de seguridad siempre se usó para películas domésticas de 16 mm y 8 mm, la película de nitrato permaneció estándar para películas cinematográficas de 35 mm hasta que finalmente se suspendió en 1951.
Las películas siguieron siendo la forma dominante de fotografía hasta principios del siglo XXI, cuando los avances en la fotografía digital atrajeron a los consumidores a los formatos digitales. Aunque la fotografía moderna está dominada por usuarios digitales, la película continúa siendo utilizada por entusiastas y fotógrafos profesionales. El "aspecto" distintivo de las fotografías basadas en películas en comparación con las imágenes digitales probablemente se deba a una combinación de factores, que incluyen: (1) diferencias en sensibilidad espectral y tonal (densidad en forma de S a (curva de H y D) con película vs. curva de respuesta lineal para sensores digitales CCD) (2) resolución y (3) continuidad de tono.
Blanco y negro
Originalmente, todas las fotografías eran monocromas o en blanco y negro . Incluso después de que la película en color estuviera disponible, la fotografía en blanco y negro siguió dominando durante décadas, debido a su menor costo y su apariencia fotográfica "clásica". Los tonos y el contraste entre las áreas claras y oscuras definen la fotografía en blanco y negro. Es importante tener en cuenta que las imágenes monocromáticas no están necesariamente compuestas de negros puros, blancos y tonos intermedios de gris, sino que pueden involucrar tonos de un tono particular dependiendo del proceso. El proceso de cianotipo, por ejemplo, produce una imagen compuesta de tonos azules. El proceso de impresión de albúmina se utilizó por primera vez hace más de 170 años y produce tonos marrones.
Muchos fotógrafos siguen produciendo algunas imágenes monocromáticas, a veces debido a la permanencia archivada establecida de materiales bien elaborados basados en haluros de plata. Algunas imágenes digitales a todo color se procesan utilizando una variedad de técnicas para crear resultados en blanco y negro, y algunos fabricantes producen cámaras digitales que disparan exclusivamente en monocromo. La impresión monocromática o la pantalla electrónica se pueden utilizar para salvar ciertas fotografías tomadas en color que no son satisfactorias en su forma original; a veces, cuando se presentan como imágenes en blanco y negro o en tonos de un solo color, se considera que son más efectivas. Aunque la fotografía en color ha predominado durante mucho tiempo, todavía se producen imágenes en blanco y negro, principalmente por motivos artísticos. Casi todas las cámaras digitales tienen una opción para disparar en monocromo,
Color
La fotografía en color se exploró a partir de la década de 1840. Los primeros experimentos en color requerían exposiciones extremadamente largas (horas o días para las imágenes de la cámara) y no podían "arreglar" la fotografía para evitar que el color se desvaneciera rápidamente cuando se expone a la luz blanca.
La primera fotografía permanente en color fue tomada en 1861 utilizando el principio de separación de tres colores publicado por primera vez por el físico escocés James Clerk Maxwell en 1855. La base de prácticamente todos los procesos de color prácticos, la idea de Maxwell era tomar tres fotografías en blanco y negro separadas a través de filtros rojos, verdes y azules. Esto proporciona al fotógrafo los tres canales básicos necesarios para recrear una imagen en color. Las impresiones transparentes de las imágenes podrían proyectarse a través de filtros de color similares y superponerse en la pantalla de proyección, un método aditivo de reproducción del color. Se podría producir una impresión en color sobre papel al superponer impresiones de carbono de las tres imágenes hechas en sus colores complementarios, un método sustractivo de reproducción del color iniciado por Louis Ducos du Hauron a fines de la década de 1860.
El fotógrafo ruso Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorskii hizo un uso extensivo de esta técnica de separación de colores, empleando una cámara especial que exponía sucesivamente las tres imágenes filtradas por color en diferentes partes de una placa oblonga. Debido a que sus exposiciones no eran simultáneas, los sujetos inestables exhibían "franjas" de color o, si se movían rápidamente a través de la escena, aparecían como fantasmas de colores brillantes en las imágenes proyectadas o impresas resultantes.
La implementación de la fotografía en color se vio obstaculizada por la sensibilidad limitada de los primeros materiales fotográficos, que eran en su mayoría sensibles al azul, apenas sensibles al verde y prácticamente insensibles al rojo. El descubrimiento de la sensibilización del tinte por el fotoquimista Hermann Vogel en 1873 de repente permitió agregar sensibilidad al verde, amarillo e incluso al rojo. Los sensibilizadores de color mejorados y las mejoras continuas en la sensibilidad general de las emulsiones redujeron constantemente los largos tiempos de exposición, una vez prohibitivos, requeridos para el color, acercándolo cada vez más a la viabilidad comercial.
Autochrome, el primer proceso de color comercialmente exitoso, fue presentado por los hermanos Lumière en 1907. Las placas Autochrome incorporaron una capa de filtro de color mosaico hecha de granos teñidos de almidón de patata, lo que permitió que los tres componentes de color se grabasen como fragmentos de imagen microscópicos adyacentes. Después de que se procesara la reversión de una placa de Autochrome para producir una transparencia positiva, los granos de almidón sirvieron para iluminar cada fragmento con el color correcto y los pequeños puntos de color mezclados en el ojo, sintetizando el color del sujeto mediante el método aditivo. Las placas autocromáticas fueron una de las varias variedades de placas y películas de pantalla aditiva en color comercializadas entre los años 1890 y 1950.
Kodachrome, la primera película en color "tripack integral" (o "monopack"), fue introducida por Kodak en 1935. Capturó los tres componentes de color en una emulsión multicapa. Una capa se sensibilizó para registrar la parte del espectro dominada por el rojo, otra capa registró solo la parte verde y una tercera solo registró el azul. Sin un procesamiento de película especial, el resultado sería simplemente tres imágenes superpuestas en blanco y negro, pero se crearon imágenes complementarias de tinte cian, magenta y amarillo en esas capas al agregar acopladores de color durante un procedimiento de procesamiento complejo.
El Agfacolor Neu de Agfa de estructura similar se introdujo en 1936. A diferencia de Kodachrome, los acopladores de color en Agfacolor Neu se incorporaron a las capas de emulsión durante la fabricación, lo que simplificó enormemente el procesamiento. Actualmente, las películas de color disponibles aún emplean una emulsión multicapa y los mismos principios, que se asemejan más al producto de Agfa.
La película instantánea en color, utilizada en una cámara especial que produjo una impresión en color única y acabada solo uno o dos minutos después de la exposición, fue presentada por Polaroid en 1963.
La fotografía en color puede formar imágenes como transparencias positivas, que se pueden usar en un proyector de diapositivas, o como negativos de color destinados a la creación de ampliaciones de color positivas en papel con recubrimiento especial. Esta última es ahora la forma más común de fotografía en color de película (no digital) debido a la introducción de equipos automáticos de impresión de fotografías. Después de un período de transición centrado alrededor de 1995-2005, la película en color fue relegada a un nicho de mercado por cámaras digitales de varios megapíxeles de bajo costo. La película sigue siendo la preferencia de algunos fotógrafos debido a su "aspecto" distintivo.
Fotografía digital
En 1981, Sony presentó la primera cámara de consumo para usar un dispositivo de carga acoplada para imágenes, eliminando la necesidad de película: el Sony Mavica. Mientras que Mavica guardaba las imágenes en el disco, las imágenes se mostraban en la televisión y la cámara no era completamente digital. En 1991, Kodak presentó la DCS 100, la primera cámara réflex digital de objetivo único disponible comercialmente. Aunque su alto costo impedía otros usos además del fotoperiodismo y la fotografía profesional, nació la fotografía digital comercial.
Las imágenes digitales utilizan un sensor de imagen electrónico para registrar la imagen como un conjunto de datos electrónicos en lugar de como cambios químicos en la película. Una diferencia importante entre la fotografía digital y la química es que la fotografía química resiste la manipulación de la foto porque involucra papel fotográfico y fotográfico, mientras que la imagen digital es un medio altamente manipulador. Esta diferencia permite un grado de procesamiento posterior de la imagen que es comparativamente difícil en la fotografía basada en película y permite diferentes potenciales de comunicación y aplicaciones.
La fotografía digital domina el siglo XXI. Más del 99% de las fotografías tomadas en todo el mundo son a través de cámaras digitales, cada vez más a través de teléfonos inteligentes.
Fotografía de síntesis
La fotografía de síntesis es parte de las imágenes generadas por computadora (CGI) donde el proceso de toma de fotografías se modela en la fotografía real. El CGI, al crear copias digitales del universo real, requiere un proceso de representación visual de estos universos. La fotografía de síntesis es la aplicación de fotografía analógica y digital en el espacio digital. Con las características de la fotografía real pero sin verse limitado por los límites físicos del mundo real, la fotografía de síntesis permite a los artistas moverse hacia áreas más allá de la captación de la fotografía real.
Técnicas fotográficas
Una gran variedad de técnicas y medios fotográficos se utilizan en el proceso de captura de imágenes para fotografía. Estos incluyen la cámara; estereoscopia; dualphotography; medios de espectro completo, ultravioleta e infrarrojo; fotografía de campo claro; y otras técnicas de imagen.
Cámaras
La cámara es el dispositivo de formación de imágenes y el medio de captura es una placa fotográfica, una película fotográfica o un sensor de imagen electrónico de silicio. El medio de grabación respectivo puede ser la placa o película propiamente dicha, o una memoria digital magnética o electrónica.
Los fotógrafos controlan la cámara y el objetivo para "exponer" el material de grabación a la cantidad de luz requerida para formar una "imagen latente" (en placa o película) o archivo RAW (en cámaras digitales) que, después del procesamiento apropiado, se convierte en una imagen utilizable Las cámaras digitales utilizan un sensor de imagen electrónico basado en componentes electrónicos sensibles a la luz, como el dispositivo de carga acoplada (CCD) o la tecnología complementaria de óxido de metal y semiconductor (CMOS). La imagen digital resultante se almacena electrónicamente, pero se puede reproducir en un papel.
La cámara (o "cámara oscura") es una habitación o cámara oscura desde la cual, en la medida de lo posible, se excluye toda la luz excepto la luz que forma la imagen. Fue descubierto y utilizado en el siglo XVI por pintores. El sujeto fotografiado, sin embargo, debe estar iluminado. Las cámaras pueden variar de pequeñas a muy grandes, una habitación entera que se mantiene oscura mientras que el objeto que se va a fotografiar se encuentra en otra habitación donde está correctamente iluminado. Esto era común para la fotografía de reproducción de copia plana cuando se usaban negativos de película grande (consulte Cámara de proceso).
Tan pronto como los materiales fotográficos se volvieron "rápidos" (sensibles) para tomar imágenes francas o subrepticias, se hicieron cámaras pequeñas "detectoras", algunas realmente disfrazadas de un libro o bolso o reloj de bolsillo (la cámara Ticka ) o incluso escondidas detrás de una Corbata de Ascot con un alfiler de corbata que era realmente la lente.
La cámara de cine es un tipo de cámara fotográfica que toma una secuencia rápida de fotografías en un medio de grabación. A diferencia de una cámara fija, que captura una única instantánea a la vez, la cámara de cine toma una serie de imágenes, cada una llamada "marco". Esto se logra a través de un mecanismo intermitente. Los marcos se reproducen más tarde en un proyector de película a una velocidad específica, llamada "velocidad de fotogramas" (cantidad de fotogramas por segundo). Mientras mira, los ojos y el cerebro de una persona fusionan las imágenes separadas para crear la ilusión de movimiento.
Estereoscópico
Las fotografías, tanto monocromas como en color, pueden capturarse y mostrarse a través de dos imágenes una al lado de la otra que emulan la visión estereoscópica humana. La fotografía estereoscópica fue la primera que capturó figuras en movimiento. Si bien se lo conoce coloquialmente como fotografía "3-D", el término más preciso es estereoscopía. Dichas cámaras se han realizado durante mucho tiempo mediante el uso de películas y, más recientemente, en métodos electrónicos digitales (incluidas las cámaras de teléfonos celulares).
Dualphotography
La dualphotografía consiste en fotografiar una escena desde ambos lados de un dispositivo fotográfico a la vez (por ejemplo, cámara para una doble fotografía posterior o dos cámaras de red para una doble fotografía con plano de portal). El aparato de doble foto se puede utilizar para capturar simultáneamente tanto al sujeto como al fotógrafo, o ambos lados de un lugar geográfico a la vez, agregando así una capa narrativa complementaria a la de una sola imagen.
Espectro completo, ultravioleta e infrarrojo
Las películas ultravioletas e infrarrojas han estado disponibles durante muchas décadas y se han utilizado en diversas avenidas fotográficas desde la década de 1960. Las nuevas tendencias tecnológicas en fotografía digital han abierto una nueva dirección en la fotografía de espectro completo, donde las opciones de filtrado cuidadoso a través del ultravioleta, visible e infrarrojo conducen a nuevas visiones artísticas.
Las cámaras digitales modificadas pueden detectar algunos ultravioletas, todo el espectro visible y gran parte del infrarrojo cercano, ya que la mayoría de los sensores de imágenes digitales son sensibles desde aproximadamente 350 nm a 1000 nm. Una cámara digital lista para usar contiene un filtro infrarrojo de espejo caliente que bloquea la mayor parte del infrarrojo y un poco del ultravioleta que de otro modo sería detectado por el sensor, lo que reduce el rango aceptado de aproximadamente 400 nm a 700 nm.
Reemplazar un espejo caliente o un filtro de bloqueo de infrarrojos con un pase de infrarrojos o un amplio filtro de transmisión espectral permite que la cámara detecte la luz de espectro más amplio con mayor sensibilidad. Sin el espejo caliente, los microfiltros de color rojo, verde y azul (o cian, amarillo y magenta) colocados sobre los elementos sensores pasan cantidades variables de luz ultravioleta (ventana azul) e infrarroja (principalmente roja y algo menos verde y azul) microfiltros).
Los usos de la fotografía de espectro completo son para fotografía de bellas artes, geología, medicina forense y aplicación de la ley.
Fotografía de campo claro
Los métodos digitales de captura de imágenes y procesamiento de visualización han habilitado la nueva tecnología de "fotografía de campo claro" (también conocida como fotografía de apertura sintética). Este proceso permite enfocar en varias profundidades de campo para ser seleccionado después de que la fotografía ha sido capturada. Como explicó Michael Faraday en 1846, el "campo de luz" se entiende como 5-dimensional, con cada punto en el espacio 3-D con atributos de dos ángulos más que definen la dirección de cada rayo que pasa por ese punto.
Estos atributos vectoriales adicionales se pueden capturar ópticamente mediante el uso de microlentes en cada punto de píxel dentro del sensor de imagen bidimensional. Cada píxel de la imagen final es en realidad una selección de cada subarranque ubicado debajo de cada microlente, como se identifica por un algoritmo de enfoque de captura posterior a la imagen.
Otras técnicas de imagen
Además de la cámara, otros métodos de formación de imágenes con luz están disponibles. Por ejemplo, una fotocopia o máquina de xerografía forma imágenes permanentes pero utiliza la transferencia de cargas eléctricas estáticas en lugar de medios fotográficos, de ahí el término electrofotografía. Los fotogramas son imágenes producidas por las sombras de los objetos proyectados en el papel fotográfico, sin el uso de una cámara. Los objetos también se pueden colocar directamente sobre el cristal de un escáner de imágenes para producir imágenes digitales.
Modos de producción
Aficionado
Un fotógrafo aficionado es aquel que practica la fotografía como un hobby / pasión y no necesariamente con fines de lucro. La calidad de algunos trabajos de aficionados es comparable a la de muchos profesionales y puede ser altamente especializada o ecléctica en la elección de las asignaturas. La fotografía amateur suele ser preeminente en temas fotográficos que tienen pocas perspectivas de uso o recompensa comercial. La fotografía amateur creció a fines del siglo XIX debido a la popularización de la cámara de mano. Hoy en día se ha extendido ampliamente a través de las redes sociales y se lleva a cabo a través de diferentes plataformas y equipos, pasando al uso del teléfono celular como una herramienta clave para que la fotografía sea más accesible para todos.
Comercial
La fotografía comercial probablemente se defina mejor como cualquier fotografía por la que se paga al fotógrafo por imágenes en lugar de obras de arte. En este sentido, se podría pagar dinero por el tema de la fotografía o la fotografía en sí. Los usos mayoristas, minoristas y profesionales de la fotografía entrarían en esta definición. El mundo fotográfico comercial podría incluir:
- Fotografía publicitaria: fotografías realizadas para ilustrar y generalmente venden un servicio o producto. Estas imágenes, como los paquetes, generalmente se hacen con una agencia de publicidad, una firma de diseño o con un equipo de diseño corporativo interno.
- La fotografía de moda y glamour generalmente incorpora modelos y es una forma de fotografía publicitaria. La fotografía de moda, como el trabajo presentado en Harper's Bazaar, enfatiza la ropa y otros productos; el glamour enfatiza el modelo y la forma del cuerpo. La fotografía de glamour es popular en la publicidad y revistas para hombres. Los modelos en la fotografía de glamour a veces trabajan desnudos.
- La fotografía de conciertos se enfoca en capturar imágenes francas tanto del artista o la banda como de la atmósfera (incluida la multitud). Muchos de estos fotógrafos trabajan de forma independiente y son contratados a través de un artista o su dirección para cubrir un espectáculo específico. Las fotografías de conciertos a menudo se usan para promocionar al artista o banda además del lugar.
- La fotografía de la escena del crimen consiste en fotografiar escenas de crímenes tales como robos y asesinatos. Se puede usar una cámara en blanco y negro o una cámara de infrarrojos para capturar detalles específicos.
- La fotografía de naturaleza muerta suele representar un objeto inanimado, por lo general objetos comunes que pueden ser naturales o creados por el hombre. La naturaleza muerta es una categoría más amplia para la comida y algunas fotografías naturales y se puede utilizar con fines publicitarios.
- La fotografía de alimentos se puede usar para uso editorial, de empaque o publicitario. La fotografía de alimentos es similar a la fotografía de naturaleza muerta, pero requiere algunas habilidades especiales.
- La fotografía editorial ilustra una historia o idea dentro del contexto de una revista. Estos son generalmente asignados por la revista y abarcan características de fotografía de moda y glamour.
- El fotoperiodismo se puede considerar un subconjunto de la fotografía editorial. Las fotografías realizadas en este contexto se aceptan como documentación de una noticia.
- Fotografía de retrato y boda: fotografías hechas y vendidas directamente al usuario final de las imágenes.
- La fotografía de paisaje muestra ubicaciones.
- La fotografía de vida salvaje demuestra la vida de los animales.
- Paparazzi es una forma de fotoperiodismo en la que el fotógrafo captura imágenes francas de atletas, celebridades, políticos y otras personas destacadas.
- La fotografía de mascotas implica varios aspectos que son similares a los retratos de estudio tradicionales. También se puede hacer con luz natural, fuera de un estudio, como en el hogar de un cliente.
El mercado de servicios fotográficos demuestra el aforismo "Una imagen vale más que mil palabras", que tiene una base interesante en la historia de la fotografía. Las revistas y los periódicos, las empresas que publican sitios web, las agencias de publicidad y otros grupos pagan por la fotografía.
Mucha gente toma fotografías con fines comerciales. Las organizaciones con un presupuesto y una necesidad de fotografía tienen varias opciones: pueden emplear un fotógrafo directamente, organizar una competencia pública u obtener derechos para almacenar fotografías. Las existencias de fotografías se pueden adquirir a través de gigantes tradicionales, como Getty Images o Corbis; agencias más pequeñas de microstock, como Fotolia; o los mercados web, como Cutcaster.
Art
Durante el siglo XX, tanto la fotografía artística como la fotografía documental fueron aceptadas por el mundo del arte de habla inglesa y el sistema de galerías. En los Estados Unidos, un puñado de fotógrafos, incluidos Alfred Stieglitz, Edward Steichen, John Szarkowski, F. Holland Day y Edward Weston, pasaron sus vidas abogando por la fotografía como un arte. Al principio, los fotógrafos de bellas artes trataron de imitar los estilos de pintura. Este movimiento se llama Pictorialism, a menudo utilizando el enfoque suave para una apariencia soñadora y "romántica". En reacción a eso, Weston, Ansel Adams y otros formaron el Grupo f / 64 para defender la "fotografía directa", la fotografía como una cosa (claramente enfocada) en sí misma y no como una imitación de otra cosa.
La estética de la fotografía es un tema que continúa siendo discutido regularmente, especialmente en círculos artísticos. Muchos artistas argumentaron que la fotografía era la reproducción mecánica de una imagen. Si la fotografía es auténticamente arte, entonces la fotografía en el contexto del arte necesitaría una redefinición, como determinar qué componente de una fotografía lo hace bello para el espectador. La controversia comenzó con las primeras imágenes "escritas con luz"; Nicéphore Niépce, Louis Daguerre y otros entre los primeros fotógrafos fueron recibidos con aclamación, pero algunos cuestionaron si su trabajo cumplía con las definiciones y propósitos del arte.
Clive Bell en su ensayo clásico Art afirma que solo la "forma significativa" puede distinguir el arte de lo que no es arte.
El 7 de febrero de 2007, Sotheby's London vendió la fotografía de 2001, 99 Cent II Diptychon por un valor sin precedentes de $ 3,346,456 a un postor anónimo, por lo que era la más cara en ese momento.
La fotografía conceptual convierte un concepto o idea en una fotografía. Aunque lo que se muestra en las fotografías son objetos reales, el tema es estrictamente abstracto.
Fotoperiodismo
El fotoperiodismo es una forma particular de fotografía (la recopilación, edición y presentación de material de noticias para publicación o transmisión) que emplea imágenes para contar una historia noticiosa. Por lo general, ahora se entiende que se refiere solo a imágenes fijas, pero en algunos casos el término también se refiere al video utilizado en el periodismo de difusión. El fotoperiodismo se distingue de otras ramas cercanas de la fotografía (por ejemplo, fotografía documental, fotografía documental social, fotografía callejera o fotografía de celebridades) al cumplir con un rígido marco ético que exige que el trabajo sea honesto e imparcial mientras se cuenta la historia en términos estrictamente periodísticos . Los fotoperiodistas crean imágenes que contribuyen a los medios de comunicación y ayudan a las comunidades a conectarse entre sí. Los fotoperiodistas deben estar bien informados y informados sobre los eventos que ocurren justo afuera de su puerta. Ofrecen noticias en un formato creativo que no solo es informativo, sino también entretenido.
Ciencia y forense
La cámara tiene una larga y distinguida historia como medio para registrar fenómenos científicos desde el primer uso por Daguerre y Fox-Talbot, como eventos astronómicos (eclipses, por ejemplo), pequeñas criaturas y plantas cuando la cámara estaba unida al ocular de los microscopios. (en fotomicroscopía) y para la fotografía macro de especímenes más grandes. La cámara también resultó útil para registrar escenas del crimen y escenas de accidentes, como el colapso del puente Wootton en 1861. Los métodos utilizados para analizar fotografías para su uso en casos legales se conocen colectivamente como fotografía forense. Las fotos de la escena del crimen se toman desde tres puntos de vista. Los puntos de vista son visión general, rango medio y primer plano.
En 1845 Francis Ronalds, el Director Honorario del Observatorio Kew, inventó la primera cámara exitosa para realizar grabaciones continuas de parámetros meteorológicos y geomagnéticos. Diferentes máquinas producían rastros fotográficos de 12 o 24 horas de las variaciones minuto a minuto de la presión atmosférica, la temperatura, la humedad, la electricidad atmosférica y los tres componentes de las fuerzas geomagnéticas. Las cámaras se suministraron a numerosos observatorios en todo el mundo y algunas se mantuvieron en uso hasta bien entrado el siglo XX. Charles Brooke un poco más tarde desarrolló instrumentos similares para el Observatorio de Greenwich.
La ciencia usa tecnología de imagen que se ha derivado del diseño de la cámara Pin Hole. Las máquinas de rayos X son similares en diseño a las cámaras Pin Hole con filtros de alta calidad y radiación láser. La fotografía se ha vuelto universal en el registro de eventos y datos en ciencia e ingeniería, y en escenas de crímenes o escenas de accidentes. El método se ha extendido mucho utilizando otras longitudes de onda, como la fotografía infrarroja y la fotografía ultravioleta, así como la espectroscopía. Esos métodos se usaron por primera vez en la época victoriana y mejoraron mucho más desde entonces.
El primer átomo fotografiado fue descubierto en 2012 por los físicos de la Universidad de Griffith, Australia. Usaron un campo eléctrico para atrapar un "Ion" del elemento, Yterbio. La imagen fue grabada en un CCD, una película fotográfica electrónica.
Implicaciones sociales y culturales
Hay muchas preguntas en curso sobre diferentes aspectos de la fotografía. En su escrito "Sobre la fotografía" (1977), Susan Sontag discute las preocupaciones sobre la objetividad de la fotografía. Este es un tema muy debatido dentro de la comunidad fotográfica. Sontag argumenta que "fotografiar es apropiarse de lo fotografiado. Significa ponerse en una cierta relación con el mundo que se siente como conocimiento y, por lo tanto, como poder". Los fotógrafos deciden de qué fotografiar, qué elementos excluir y qué ángulo enmarcar la foto, y estos factores pueden reflejar un contexto sociohistórico particular. En este sentido, se puede argumentar que la fotografía es una forma subjetiva de representación.
La fotografía moderna ha planteado una serie de preocupaciones sobre su efecto en la sociedad. En la ventana trasera de Alfred Hitchcock (1954), la cámara se presenta como promoción del voyeurismo. "Aunque la cámara es una estación de observación, el acto de fotografiar es más que una observación pasiva".
La imagen digital ha planteado preocupaciones éticas debido a la facilidad de manipulación de fotografías digitales en el postprocesamiento. Muchos fotoperiodistas han declarado que no recortarán sus imágenes o están prohibidos de combinar elementos de varias fotos para hacer "fotomontajes", pasándolos como fotografías "reales". La tecnología actual ha hecho que la edición de imágenes sea relativamente simple incluso para el fotógrafo novato. Sin embargo, los cambios recientes del procesamiento en la cámara permiten la toma de huellas dactilares digitales de fotografías para detectar la manipulación con fines de fotografía forense.
La fotografía es una de las nuevas formas de comunicación que cambia la percepción y cambia la estructura de la sociedad. Se ha producido una mayor inquietud en torno a las cámaras con respecto a la desensibilización. Los temores de que las imágenes perturbadoras o explícitas sean ampliamente accesibles para los niños y la sociedad en general se han planteado. En particular, las fotos de la guerra y la pornografía están causando revuelo. Sontag está preocupado de que "fotografiar es convertir a las personas en objetos que pueden ser poseídos simbólicamente". La discusión de desensibilización va de la mano con debates sobre imágenes censuradas. Sontag escribe sobre su preocupación de que la capacidad de censurar imágenes significa que el fotógrafo tiene la capacidad de construir la realidad.
Una de las prácticas a través de la cual la fotografía constituye la sociedad es el turismo. El turismo y la fotografía se combinan para crear una "mirada turística" en la que los habitantes locales son posicionados y definidos por la lente de la cámara. Sin embargo, también se ha argumentado que existe una "mirada invertida" a través de la cual los fotógrafos indígenas pueden posicionar al fotógrafo turístico como un consumidor superficial de imágenes.
Además, la fotografía ha sido el tema de muchas canciones en la cultura popular.
Ley
La fotografía está restringida y protegida por la ley en muchas jurisdicciones. La protección de fotografías generalmente se logra mediante la concesión de derechos de autor o derechos morales al fotógrafo. En los Estados Unidos, la fotografía está protegida como un derecho de la Primera Enmienda y cualquiera puede fotografiar cualquier cosa que se vea en espacios públicos, siempre que esté a la vista. En el Reino Unido, una ley reciente (Ley contra el Terrorismo de 2008) aumenta el poder de la policía para evitar que las personas, incluso los fotógrafos de prensa, tomen fotos en lugares públicos.
Obtenido de: https://en.wikipedia.org/wiki/Photography