Música Rock
Definición
La música rock es un amplio género de música popular que se originó como el "rock and roll" en los Estados Unidos a principios de la década de 1950, y se desarrolló en una variedad de estilos en la década de 1960 y posteriormente, particularmente en el Reino Unido y en los Estados Unidos. Tiene sus raíces en los años 1940 y 1950 del rock and roll, un estilo que se basó en gran medida en los géneros afroamericanos del blues y el rhythm and blues, y de la música country. La música rock también se basó fuertemente en una serie de otros géneros, como el blues eléctrico y el folk, e influencias incorporadas del jazz, el clásico y otros estilos musicales. Musicalmente, el rock se ha centrado en la guitarra eléctrica, generalmente como parte de un grupo de rock con bajo eléctrico, batería y uno o más cantantes. Por lo general, el rock es música basada en canciones, generalmente con un compás de 4/4 utilizando una forma de coro en verso, pero el género se ha vuelto extremadamente diverso.Para fines del período del "rock clásico" de fines de la década de 1960, surgieron varios subgéneros distintos de música rock, incluidos híbridos como blues rock, folk rock, country rock, raga rock y jazz-rock, muchos de los cuales contribuyeron al desarrollo del rock psicodélico. , que fue influenciado por la escena contracultural psicodélica y hippie. Los nuevos géneros que emergieron incluyeron rock progresivo, que extendió los elementos artísticos; glam rock, que destacó la espectacularidad y el estilo visual; y el subgénero diverso y perdurable del heavy metal, que enfatizaba el volumen, el poder y la velocidad. En la segunda mitad de la década de 1970, el punk rock reaccionó produciendo críticas sociales y políticas enérgicas y despojadas. Punk fue una influencia en la década de 1980 en la nueva ola, post-punk y eventualmente rock alternativo. Desde la década de 1990, el rock alternativo comenzó a dominar la música rock y llegó a la corriente principal en forma de grunge, britpop e indie rock. Desde entonces, han surgido nuevos subgéneros de fusión, como pop punk, rock electrónico, rap rock y rap metal, así como intentos conscientes de revisar la historia del rock, incluyendo el garage rock / post-punk y el tecno-pop revivals a principios de la década de 2000 .
La música rock también ha incorporado y servido como el vehículo para los movimientos culturales y sociales, lo que ha llevado a importantes subculturas como mods y rockers en el Reino Unido y la contracultura hippie que se extendió desde San Francisco en los Estados Unidos en la década de 1960. Del mismo modo, la cultura punk de los años 70 engendró las subculturas gótica, punk y emo. Al heredar la tradición popular de la canción de protesta, la música rock se ha asociado con el activismo político y los cambios en las actitudes sociales hacia la raza, el sexo y el consumo de drogas, y se ve a menudo como una expresión de la rebelión juvenil contra el consumismo y la conformidad de los adultos.
Características
| " | Una buena definición de rock, de hecho, es que es música popular que hasta cierto punto no le importa si es popular. | " |
| - Vulture.com | ||
El sonido del rock se centra tradicionalmente en la guitarra eléctrica amplificada, que surgió en su forma moderna en la década de 1950 con la popularidad del rock and roll. Además, fue influenciado por los sonidos de los guitarristas de blues eléctrico. El sonido de una guitarra eléctrica en la música rock suele estar respaldado por un bajo eléctrico, que fue pionero en la música de jazz en la misma época, y la percusión producida por una batería que combina batería y platillos. Este trío de instrumentos a menudo se ha complementado con la inclusión de otros instrumentos, especialmente teclados como el piano, el órgano Hammond y el sintetizador. La instrumentación básica de rock se derivó de la instrumentación básica de la banda de blues (guitarra principal prominente, segundo instrumento de cordal, bajo y batería). Un grupo de músicos que tocan música rock se denomina banda de rock o grupo de rock. Además, típicamente consiste en entre tres (el trío de poder) y cinco miembros. Clásicamente, una banda de rock toma la forma de un cuarteto cuyos miembros cubren uno o más roles, incluyendo vocalista, guitarrista principal, guitarrista rítmico, bajista, baterista y, a menudo, tecladista u otro instrumentista.
La música rock se basa tradicionalmente en una base de ritmos simples no sincronizados en un 4/4 metro, con un latido repetitivo de tambor en los tiempos dos y cuatro. Las melodías a menudo se originan en modos musicales más antiguos, como el dórico y el mixolidio, así como en los modos mayor y menor. Las armonías varían desde la tríada común hasta las cuartas y quintas perfectas paralelas y las progresiones armónicas disonantes. Desde finales de la década de 1950 y particularmente desde mediados de la década de 1960 en adelante, la música rock a menudo utilizaba la estructura del coro en verso derivada del blues y la música popular, pero ha habido una variación considerable de este modelo. Los críticos han enfatizado el eclecticismo y la diversidad estilística del rock. Debido a su historia compleja y su tendencia a tomar prestado de otras formas musicales y culturales, se ha argumentado que "
A diferencia de muchos estilos anteriores de música popular, las letras de rock se han ocupado de una amplia gama de temas, incluido el amor romántico, el sexo, la rebelión contra "The Establishment", las preocupaciones sociales y los estilos de vida. Estos temas fueron heredados de una variedad de fuentes, como la tradición pop Tin Pan Alley, la música folk y el rhythm and blues. El periodista musical Robert Christga interpreta las letras de rock como un "medio genial" con dicción simple y repetidos estribillos, y afirma que la "función" primaria del rock "pertenece a la música o, más en general, al ruido". El predominio de músicos blancos, masculinos y, a menudo, de clase media en la música rock a menudo se ha notado, y el rock ha sido visto como una apropiación de formas musicales negras para un público joven, blanco y en gran parte masculino. Como resultado, también se ha visto que articula las preocupaciones de este grupo tanto en estilo como en letras. Christgau, escribiendo en 1972, dijo que a pesar de algunas excepciones, "el rock and roll generalmente implica una identificación de la sexualidad y la agresión masculinas".
Dado que el término "rock" comenzó a usarse con preferencia al "rock and roll" de fines de la década de 1960, usualmente se ha contrastado con la música pop, con la que ha compartido muchas características, pero a menudo se distancia por un énfasis en musicalidad, actuación en vivo y un enfoque en temas serios y progresivos como parte de una ideología de autenticidad que a menudo se combina con una conciencia de la historia y el desarrollo del género. Según Simon Frith, el rock era "algo más que pop, algo más que rock and roll" y "[r] ock los músicos combinaban un énfasis en la habilidad y la técnica con el concepto romántico del arte como expresión artística, original y sincera". el nuevo milenio, el término rock en ocasiones se ha utilizado como un término general que incluye formas como la música pop, la música reggae, la música soul e incluso el hip hop, con el que se ha influenciado pero que a menudo se ha contrastado a lo largo de gran parte de su historia.
1950: rock and roll
Los fundamentos de la música rock están en el rock and roll, que se originó en los Estados Unidos a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950, y se extendió rápidamente a gran parte del resto del mundo. Sus orígenes inmediatos radicaron en la fusión de varios géneros musicales negros de la época, incluidos el rhythm and blues y la música gospel, con country y western. En 1951, el disc jockey de Cleveland, Ohio Alan Freed comenzó a tocar música de rhythm and blues (entonces llamada "música de carrera") para una audiencia multirracial, y se le atribuye la primera utilización de la frase "rock and roll" para describir la música.
El debate rodea qué disco debe considerarse el primer disco de rock and roll. Los contendientes incluyen "Rock Awhile" de Goree Carter (1949); Jimmy Preston, "Rock the Joint" (1949), que luego fue cubierto por Bill Haley & His Comets en 1952; y "Rocket 88" de Jackie Brenston y sus Delta Cats (de hecho, Ike Turner y su banda The Kings of Rhythm), grabada por Sam Phillips para Sun Records en 1951. Cuatro años más tarde, "Rock Around the Clock" de Bill Haley ( 1955) se convirtió en la primera canción de rock and roll al principio de la cartelera principal de ventas y listas de éxitos de la revista, y abrió la puerta en todo el mundo para esta nueva ola de la cultura popular.
También se ha argumentado que "That's All Right (Mama)" (1954), primer sencillo de Elvis Presley para Sun Records en Memphis, podría ser el primer disco de rock and roll, pero, al mismo tiempo, "Shake, de Big Joe Turner". Rattle & Roll ", más tarde cubierto por Haley, ya estaba en la cima de las listas de Billboard R & B. Otros artistas con los primeros éxitos del rock and roll fueron Chuck Berry, Bo Diddley, Fats Domino, Little Richard, Jerry Lee Lewis y Gene Vincent. Pronto el rock and roll fue la fuerza principal en las ventas de discos estadounidenses y los cantantes, como Eddie Fisher, Perry Como y Patti Page, quienes dominaron la década anterior de la música popular, encontraron que su acceso a las listas de éxitos musicales se redujo significativamente.
Se ha visto que el rock and roll conduce a una serie de subgéneros distintos, incluido el rockabilly, que combina el rock and roll con la música country "hillbilly", que solía interpretarse y grabarse a mediados de la década de 1950 por cantantes blancos como Carl Perkins y Jerry Lee. Lewis, Buddy Holly y con el mayor éxito comercial, Elvis Presley. En contraste, doo wop puso énfasis en las armonías vocales de varias partes y las letras de respaldo sin sentido (de las cuales el género luego se ganó su nombre), que generalmente se apoyaban en instrumentos ligeros y tenían sus orígenes en grupos vocales afroamericanos de los años 1930 y 1940. Actos como los Crows, los Penguins, El Dorados y los Turbans obtuvieron grandes éxitos, y grupos como The Platters, con canciones como "The Great Pretender" (1955) y The Coasters con canciones cómicas como "Yakety Yak".
La era también vio el crecimiento en popularidad de la guitarra eléctrica, y el desarrollo de un estilo específicamente rock and roll de tocar a través de exponentes tales como Chuck Berry, Link Wray y Scotty Moore. El uso de la distorsión, iniciado por guitarristas de blues eléctrico como Guitar Slim, Willie Johnson y Pat Hare a principios de la década de 1950, fue popularizado por Chuck Berry a mediados de la década de 1950. El uso de acordes de poder, iniciado por Willie Johnson y Pat Hare a principios de la década de 1950, fue popularizado por Link Wray a finales de la década de 1950.
En el Reino Unido, el tradicional jazz y los movimientos populares trajeron artistas de la música blues visitantes a Gran Bretaña. El éxito de Lonnie Donegan en 1955, "Rock Island Line", fue una gran influencia y ayudó a desarrollar la tendencia de los grupos de música skiffle en todo el país, muchos de los cuales, incluyendo a John Lennon's Quarrymen, pasaron a tocar rock and roll.
Los comentaristas han percibido tradicionalmente una declinación del rock and roll a fines de la década de 1950 y principios de la de 1960. En 1959, la muerte de Buddy Holly, The Big Bopper y Ritchie Valens en un accidente aéreo, la partida de Elvis para el ejército, el retiro de Little Richard para convertirse en predicador, los procesamientos de Jerry Lee Lewis y Chuck Berry y la ruptura de el escándalo de Payola (que implicó a figuras importantes, incluido Alan Freed, en el soborno y la corrupción en la promoción de actos individuales o canciones), dio la sensación de que la era del rock and roll establecida en ese momento había llegado a su fin.
Principios de 1960
Pop rock y rock instrumental
El término pop se ha utilizado desde principios del siglo XX para referirse a la música popular en general, pero a partir de mediados de la década de 1950 comenzó a utilizarse para un género distinto, dirigido a un mercado juvenil, a menudo caracterizado como una alternativa más suave al rock and roll. Desde aproximadamente 1967, se usaba cada vez más en oposición al término música rock, para describir una forma que era más comercial, efímera y accesible. Por el contrario, la música rock se consideraba centrada en obras extensas, en particular álbumes, a menudo se asociaba con subculturas particulares (como la contracultura de la década de 1960), ponía énfasis en los valores artísticos y la "autenticidad", destacaba la interpretación en vivo y la voz instrumental o vocal. virtuosismo y, a menudo, se consideraba que encapsulaba desarrollos progresivos en lugar de simplemente reflejar las tendencias existentes. Sin embargo,
El período de la década de 1950 y principios de 1960 tradicionalmente se ha visto como una era de pausa para el rock and roll. Más recientemente, algunos autores han enfatizado importantes innovaciones y tendencias en este período sin las cuales los desarrollos futuros no hubieran sido posibles. Mientras que el rock and roll temprano, particularmente a través del advenimiento del rockabilly, vio el mayor éxito comercial para los artistas masculinos y blancos, en esta época el género estaba dominado por artistas negros y mujeres. El rock and roll no había desaparecido a finales de la década de 1950 y parte de su energía se puede ver en la locura de la danza Twist de principios de la década de 1960, que benefició principalmente a la carrera de Chubby Checker.
Cliff Richard tuvo el primer éxito de rock and roll británico con "Move it", lo que de hecho marcó el comienzo del sonido del rock británico. A principios de la década de 1960, su grupo de apoyo, The Shadows, fue el grupo más exitoso en la grabación de instrumentales. Mientras el rock 'n' roll se desvanecía en el pop y las baladas, grupos de rock británicos en clubes y bailes locales, fuertemente influenciados por pioneros del blues-rock como Alexis Korner, comenzaron a tocar con una intensidad y un empuje raramente encontrados en los actos americanos blancos.
También fue significativo el advenimiento de la música soul como una gran fuerza comercial. Desarrollado a partir del rhythm and blues con una reinyección de música gospel y pop, liderado por pioneros como Ray Charles y Sam Cooke desde mediados de la década de 1950, a principios de la década de 1960, figuras como Marvin Gaye, James Brown, Aretha Franklin, Curtis Mayfield y Stevie Wonder dominaba las listas de R & B y se adentraba en las principales listas pop, ayudando a acelerar su desegregación, mientras que Motown y Stax / Volt Records se estaban convirtiendo en grandes fuerzas en la industria discográfica. Algunos historiadores de la música también han señalado desarrollos técnicos importantes e innovadores basados en el rock and roll en este período, incluyendo el tratamiento electrónico del sonido por innovadores como Joe Meek y los elaborados métodos de producción del Muro de sonido perseguido por Phil Spector. .
Música de surf
El rock instrumental de artistas como Duane Eddy, Link Wray y Ventures fue desarrollado por Dick Dale, quien agregó una reverberación "húmeda" distintiva, selección alternativa rápida y influencias de Oriente Medio y México. Produjo el éxito regional "Let's Go Trippin '" en 1961 y lanzó la locura de la música surf, siguiendo con canciones como "Misirlou" (1962). Al igual que Dale y sus Del-Tones, la mayoría de las primeras bandas de surf se formaron en el sur de California, incluidos los Bel-Air, los Challengers y Eddie & the Showmen. The Chantays se anotó un top 10 nacional con "Pipeline" en 1963 y probablemente la canción de surf más conocida fue "Wipe Out" de 1963, de Surfaris, que alcanzó el número 2 y el número 10 en las listas Billboard en 1965.
La música de surf alcanzó su mayor éxito comercial como la música vocal, particularmente el trabajo de los Beach Boys, formado en 1961 en el sur de California. Sus primeros álbumes incluyeron tanto surf rock instrumental (entre ellos covers de música de Dick Dale) como canciones vocales, dibujo sobre rock and roll y doo wop y las armonías cercanas de pop vocal como The Four Freshmen. Su primer éxito discográfico, "Surfin" en 1962 llegó al Top 100 de Billboard y ayudó a convertir la locura de la música de surf en un fenómeno nacional. La locura de la música de surf y las carreras de casi todos los actos de surf terminó con la llegada de la Invasión Británica desde 1964.
Invasión britanica
A fines de 1962, lo que se convertiría en la escena rockera británica había comenzado con grupos como The Beatles, Gerry & the Pacemakers y Searchers de Liverpool y Freddie and the Dreamers, Herman's Hermits y Hollies de Manchester. Se inspiraron en una amplia gama de influencias americanas, incluyendo soul, rhythm and blues y surf music, inicialmente reinterpretando melodías americanas estándar y tocando para bailarines. Bandas como The Animals de Newcastle y Them de Belfast, y en particular las de Londres como The Rolling Stones y The Yardbirds, fueron mucho más directamente influenciadas por el rhythm and blues y más tarde por la música blues. Pronto, estos grupos estaban componiendo su propio material, combinando formas de música estadounidenses e infundiéndole un ritmo de alta energía. Las bandas de ritmos tendían a "melodías animosas e irresistibles", mientras que los primeros actos de blues británico tendían a canciones menos agresivas sexualmente, más agresivas, a menudo adoptando una postura contraria al establishment. Hubo, sin embargo, particularmente en las primeras etapas, un considerable cruce musical entre las dos tendencias. En 1963, liderados por los Beatles, los grupos de beat habían comenzado a alcanzar el éxito nacional en Gran Bretaña, que pronto serían seguidos en las listas por los actos más centrados en el rhythm and blues.
"Quiero agarrar tu mano" fue el primer éxito número 1 de los Beatles en el Billboard Hot 100, pasando 7 semanas en la cima y un total de 15 semanas en la lista. Su primera aparición en The Ed Sullivan Show el 9 de febrero de 1964, que atrae a unos 73 millones de espectadores (en ese momento un récord para un programa de televisión estadounidense) a menudo se considera un hito en la cultura pop estadounidense. Durante la semana del 4 de abril de 1964, los Beatles ocuparon doce posiciones en el Billboard. Hot 100 singles chart, incluidos los cinco primeros. Los Beatles se convirtieron en la banda de rock más vendida de todos los tiempos y fueron seguidos en las listas de éxitos estadounidenses por numerosas bandas británicas. Durante los siguientes dos años, los actos británicos dominaron los suyos y los de Estados Unidos con Peter y Gordon, los Animals, Manfred Mann, Petula Clark, Freddie y los Dreamers, Wayne Fontana y los Mindbenders, Herman's Hermits, los Rolling Stones, los Troggs, y Donovan todos teniendo uno o más singles número uno. Otros actos importantes que fueron parte de la invasión incluyeron a los Kinks y Dave Clark Five.
La Invasión Británica ayudó a internacionalizar la producción de rock and roll, abriendo la puerta a los artistas británicos (e irlandeses) posteriores para lograr el éxito internacional. En Estados Unidos podría decirse que marcó el final de la música instrumental de surf, los grupos de chicas vocales y (durante un tiempo) los ídolos de los adolescentes, que habían dominado las listas estadounidenses a finales de los años cincuenta y sesenta. Hizo mella en las carreras de los actos establecidos de R & B como Fats Domino y Chubby Checker e incluso descarriló temporalmente el éxito de los éxitos del rock and roll, incluido Elvis. La invasión británica también jugó un papel importante en el surgimiento de un género distintivo de la música rock, y consolidó la primacía del grupo de rock, basado en guitarras y tambores y produciendo su propio material como cantautores.
Garage rock
Garage rock era una forma cruda de música rock, especialmente predominante en América del Norte a mediados de la década de 1960 y llamada así por la percepción de que se ensayaba en el garaje familiar suburbano. Las canciones de garage rock a menudo giraban en torno a los traumas de la vida en la escuela secundaria, y las canciones sobre "chicas mentirosas" eran particularmente comunes. La letra y la entrega tendían a ser más agresivas de lo que era común en ese momento, a menudo con voces gruñidas o gritadas que se disolvían en gritos incoherentes. Variaron desde la música de una cuerda (como las Semillas) hasta la calidad de músico casi de estudio (incluidos los Knickerbockers, los Remains y el Fifth Estate). También hubo variaciones regionales en muchas partes del país con escenas florecientes, particularmente en California y Texas.
El estilo había evolucionado a partir de escenas regionales ya en 1958. "Tall Cool One" (1959) de The Wailers y "Louie Louie" de los Kingsmen (1963) son ejemplos principales del género en sus etapas formativas. Para 1963, los singles de la banda de garage se estaban introduciendo en las listas nacionales en mayor número, incluidos Paul Revere y los Raiders (Boise), Trashmen (Minneapolis) y Rivieras (South Bend, Indiana). Otras bandas de garaje influyentes, como los Sonics (Tacoma, Washington), nunca llegaron al Billboard Hot 100.
La Invasión Británica influyó mucho en las bandas de garage, proporcionándoles una audiencia nacional, lo que llevó a muchos (a menudo grupos de surf o hot rod) a adoptar una influencia británica, y alentar a muchos más grupos a formar. Miles de bandas de garaje existieron en los Estados Unidos y Canadá durante la época y cientos produjeron éxitos regionales. Pese a la gran cantidad de bandas que se suscribieron a sellos regionales grandes o grandes, la mayoría fueron fracasos comerciales. En general, se está de acuerdo en que el rock garage alcanzó su punto máximo tanto comercial como artísticamente alrededor de 1966. En 1968 el estilo desapareció en gran medida de las listas nacionales y en el nivel local como músicos aficionados se enfrentaron a la universidad, el trabajo o el proyecto. Nuevos estilos han evolucionado para reemplazar el garage rock.
Psicodelia y progresismo
Fusiones de blues y folk
Blues rock
Aunque el primer impacto de la Invasión británica en la música popular estadounidense fue a través de los ritmos y los actos basados en R & B, el ímpetu pronto fue retomado por una segunda ola de bandas que se inspiraron más directamente del blues estadounidense, incluidos los Rolling Stones y los Yardbirds. Músicos de blues británicos de finales de la década de 1950 y principios de la de 1960 se inspiraron en el juego acústico de figuras como Lead Belly, que fue una gran influencia en la locura de Skiffle, y Robert Johnson. Cada vez más adoptaron un sonido amplificado, a menudo centrado en la guitarra eléctrica, basado en el blues de Chicago, particularmente después de la gira por Gran Bretaña de Muddy Waters en 1958, que llevó a Cyril Davies y al guitarrista Alexis Korner a formar la banda Blues Incorporated. La banda involucró e inspiró a muchas de las figuras del posterior auge del blues británico,
El otro enfoque clave para el blues británico fue John Mayall; su banda, los Bluesbreakers, incluía a Eric Clapton (después de su partida de los Yardbirds) y más tarde a Peter Green. Particularmente significativo fue el lanzamiento de Blues Breakers con Eric Clapton (Beano) album (1966), considerado una de las grabaciones seminales del blues británico y cuyo sonido fue muy imitado tanto en Gran Bretaña como en los Estados Unidos. Eric Clapton pasó a formar los supergrupos Cream, Blind Faith y Derek and the Dominos, seguido de una extensa carrera en solitario que ayudó a llevar el blues rock a la corriente principal. Green, junto con la sección rítmica de Bluesbreaker Mick Fleetwood y John McVie, formaron Fleetwood Mac de Peter Green, quienes disfrutaron de algunos de los mayores éxitos comerciales del género. A finales de la década de 1960, Jeff Beck, también ex alumno de los Yardbirds, movió blues rock en dirección al heavy rock con su banda, Jeff Beck Group. El último guitarrista de Yardbirds fue Jimmy Page, quien pasó a formar The New Yardbirds. que rápidamente se convirtió en Led Zeppelin. Muchas de las canciones en sus primeros tres álbumes, y ocasionalmente más tarde en sus carreras, fueron expansiones en canciones de blues tradicionales.
En América, el rock blues había sido iniciado a principios de la década de 1960 por el guitarrista Lonnie Mack, pero el género comenzó a despegar a mediados de la década de 1960 a medida que los actos desarrollaban un sonido similar al de los músicos de blues británico. Los actos clave incluyeron a Paul Butterfield (cuya banda actuó como Mayall's Bluesbreakers en Gran Bretaña como punto de partida para muchos músicos exitosos), Canned Heat, el temprano Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, J. Geils Band y Jimi Hendrix con sus tríos de potencia. , la Experiencia Jimi Hendrix y Band of Gypsys, cuyo virtuosismo y habilidad para el espectáculo de guitarra se encontrarían entre los más emulados de la década. Las bandas de rock blues de los estados del sur, como Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd y ZZ Top, incorporaron elementos de country en su estilo para producir un distintivo rock sureño.
Las bandas de rock de blues a menudo emulaban el jazz, tocando largas improvisaciones, que luego serían un elemento principal del rock progresivo. Desde 1967, bandas como Cream y Jimi Hendrix Experience se alejaron de la música puramente blues en psicodelia. En la década de 1970, el blues rock se había vuelto más pesado y más basado en riff, ejemplificado por el trabajo de Led Zeppelin y Deep Purple, y las líneas entre blues rock y hard rock "apenas eran visibles", ya que las bandas comenzaron a grabar álbumes al estilo rock. El género fue continuado en la década de 1970 por figuras como George Thorogood y Pat Travers, pero particularmente en la escena británica (excepto quizás por el advenimiento de grupos como Status Quo y Foghat que se movieron hacia una forma de alta energía y rock boogie repetitivo ), las bandas se enfocaron en la innovación de metales pesados,
Folk rock
En la década de 1960, la escena que se había desarrollado a partir del renacimiento de la música popular estadounidense había crecido hasta convertirse en un movimiento importante, utilizando música tradicional y nuevas composiciones en un estilo tradicional, generalmente en instrumentos acústicos. En América, el género fue iniciado por figuras como Woody Guthrie y Pete Seeger, y con frecuencia se identifica con la política progresista o laboral. A principios de los años sesenta, figuras como Joan Baez y Bob Dylan habían pasado a primer plano en este movimiento como cantautores. Dylan había comenzado a llegar a la audiencia principal con éxitos como "Blowin 'in the Wind" (1963) y "Masters of War" (1963), que trajeron "canciones de protesta" a un público más amplio, pero, aunque comenzaron a influirse mutuamente , el rock y la música folclórica se han mantenido en gran parte géneros separados, a menudo con audiencias mutuamente excluyentes.
Los primeros intentos de combinar elementos del folk y el rock incluyeron la "Casa del sol naciente" de Animals (1964), que fue la primera canción popular comercialmente exitosa que se grabó con instrumentos de rock and roll y The Beatles "I'm a Loser". (1964), posiblemente la primera canción de los Beatles en ser influenciada directamente por Dylan. El movimiento de rock popular se cree que despegó con la grabación de The Byrds del "Mr. Tambourine Man" de Dylan, que encabezó las listas en 1965. Con miembros que habían sido parte de la escena popular basada en el café en Los Ángeles, los Byrds Instrumentos de rock adoptados, incluidos los tambores y las guitarras Rickenbacker de 12 cuerdas, que se convirtieron en un elemento principal en el sonido del género. Más tarde ese año, Dylan adoptó instrumentos eléctricos, para indignación de muchos puristas populares, con su "
Estos actos influenciaron directamente a artistas británicos como Donovan y Fairport Convention. En 1969, Fairport Convention abandonó su mezcla de portadas americanas y canciones influenciadas por Dylan para tocar música folclórica tradicional inglesa en instrumentos eléctricos. Este folk rock británico fue adoptado por bandas como Pentangle, Steeleye Span y Albion Band, que a su vez impulsó a grupos irlandeses como Horslips y escoceses como JSD Band, Spencer's Feat y más tarde Five Hand Reel, a usar su música tradicional para crear una marca de rock celta en la década de 1970.
El rock popular alcanzó su apogeo de popularidad comercial en el período 1967-68, antes de que muchos actos avanzaran en varias direcciones, incluyendo a Dylan y los Byrds, quienes comenzaron a desarrollar country rock. Sin embargo, se ha visto la hibridación del folk y el rock. como una gran influencia en el desarrollo de la música rock, aportando elementos de psicodelia y ayudando a desarrollar las ideas del cantautor, la canción de protesta y los conceptos de "autenticidad".
Rock psicodélico
El ambiente inspirado en el LSD de la música psicodélica comenzó en la escena popular. El primer grupo en promocionarse como rock psicodélico fue el 13th Floor Elevators de Texas. The Beatles introdujo muchos de los elementos más importantes del sonido psicodélico para el público en este período, como los comentarios de la guitarra, el sitar hindú y los efectos de sonido de la máscara trasera. El rock psicodélico despegó especialmente en la escena musical emergente de California cuando los grupos siguieron el cambio de Byrds del folk al folk rock de 1965. El estilo de vida psicodélico, que giraba en torno a las drogas alucinógenas, ya se había desarrollado en San Francisco y los productos especialmente destacados de la escena eran Grateful Dead y Jefferson Airplane. El guitarrista principal de Jimi Hendrix Experience, Jimi Hendrix, amplió las mezclas distorsionadas y llenas de feedback que se convirtieron en una característica clave de la psicodelia. La roca psicodélica alcanzó su apogeo en los últimos años de la década. 1967 vio a los Beatles lanzar su declaración psicodélica definitiva en Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band , incluida la controvertida canción "Lucy in the Sky with Diamonds", los Rolling Stones respondieron más tarde ese año con Their Satanic Majesties Request , y Pink Floyd debutó con The Piper en The Gates of Dawn . Las grabaciones clave incluyeron la Almohada Surrealista de Jefferson Airplane y The Strange Days deDoors . Estas tendencias culminaron en el festival de Woodstock de 1969, que vio actuaciones de la mayoría de los principales actos psicodélicos.
Rock progresivo
El rock progresivo, un término que a veces se usa indistintamente con el arte rock, se movió más allá de las fórmulas musicales establecidas experimentando con diferentes instrumentos, tipos de canciones y formas. Desde mediados de la década de 1960, Left Banke, The Beatles, Rolling Stones y Beach Boys, fueron pioneros en la inclusión de clavicémbalos, viento y cuerdas en sus grabaciones para producir una forma de rock barroco y se pueden escuchar en singles como Procol. "A Whiter Shade of Pale" de Harum (1967), con su introducción inspirada en Bach. Los Moody Blues usaron una orquesta completa en su álbum Days of Future Passed (1967) y posteriormente creó sonidos orquestales con sintetizadores. La orquestación clásica, los teclados y los sintetizadores fueron una adición frecuente al formato de rock establecido de guitarras, bajo y batería en el rock progresivo posterior.
Los instrumentales eran comunes, mientras que las canciones con letras eran a veces conceptuales, abstractas o basadas en fantasía y ciencia ficción. The Pretty Things ' SF Sorrow (1968), y Kinks' Arthur (O la decadencia y caída del Imperio británico) (1969) introdujeron el formato de las óperas y abrieron la puerta a los álbumes conceptuales, a menudo contando una historia épica o abordando un gran tema general. El álbum debut de King Crimson en 1969, In the Court of the Crimson King, que mezcla poderosos riffs de guitarra y mellotron, con jazz y música sinfónica, a menudo se toma como la grabación clave en rock progresivo, ayudando a la adopción generalizada del género a principios de la década de 1970 entre blues-rock y bandas psicodélicas existentes, así como actos formados. La vibrante escena de Canterbury vio los actos que siguieron a Soft Machine desde la psicodelia, pasando por las influencias del jazz, hacia el hard rock más expansivo, incluidos Caravan, Hatfield y el norte, Gong y National Health.
El gran éxito comercial fue disfrutado por Pink Floyd, quien también se alejó de la psicodelia después de la partida de Syd Barrett en 1968, con The Dark Side of the Moon (1973), visto como una obra maestra del género, convirtiéndose en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. Hubo un énfasis en el virtuosismo instrumental, con Yess mostrando las habilidades tanto del guitarrista Steve Howe como del tecladista Rick Wakeman, mientras que Emerson, Lake & Palmer fueron un supergrupo que produjo algunos de los trabajos más exigentes desde el punto de vista técnico del género. Jethro Tull y Génesis persiguieron marcas de música muy diferentes, pero claramente inglesas. Renaissance, formado en 1969 por los ex Yardbirds Jim McCarty y Keith Relf, se convirtió en una banda de alto concepto con la voz de tres octavas de Annie Haslam. La mayoría de las bandas británicas dependían de un público de culto relativamente pequeño, pero un puñado, incluyendo Pink Floyd, Genesis y Jethro Tull, lograron producir los mejores diez sencillos en casa y romper el mercado estadounidense. La marca estadounidense de rock progresivo varió desde el ecléctico e innovador Frank Zappa, Captain Beefheart and Blood, Sweat & Tears, hasta bandas más pop orientadas al rock como Boston, Foreigner, Kansas, Journey y Styx. Estos, junto a las bandas británicas Supertramp y ELO, demostraron una influencia rock progresiva y, aunque se clasificaron entre los actos más exitosos comercialmente de la década de 1970, emitiéndose en la era de pompa o arena rock , que duraría hasta que los costos de los espectáculos complejos (a menudo con escenificación teatral y efectos especiales), serían reemplazados por festivales de rock más económicos como grandes salas en vivo en la década de 1990.
La parte instrumental del género resultó en álbumes como Tubular Bells de Mike Oldfield (1973), el primer disco y éxito mundial del sello Virgin Records, que se convirtió en un pilar del género. El rock instrumental fue particularmente significativo en Europa continental, permitiendo a bandas como Kraftwerk, Tangerine Dream, Can y Faust eludir el barrera del idioma. Su "krautrock" de gran sintetizador, junto con el trabajo de Brian Eno (durante un tiempo el tecladista con Roxy Music), sería una gran influencia en el rock electrónico posterior. Con el advenimiento del punk rock y los cambios tecnológicos a fines de la década de 1970, el rock progresivo fue cada vez más descartado como pretencioso y exagerado. Muchas bandas se separaron, pero algunas, incluyendo Genesis, ELP, Yes y Pink Floyd, regularmente se clasificaron entre los diez mejores álbumes con exitosas giras mundiales. Algunas bandas que surgieron después del punk, como Siouxsie y Banshees,
Jazz rock
A finales de la década de 1960, el jazz rock surgió como un subgénero distintivo del blues rock, el psicodélico y el rock progresivo, mezclando el poder del rock con la complejidad musical y los elementos de improvisación del jazz. AllMusic afirma que el término jazz-rock "puede referirse a las bandas de fusión más ruidosas, salvajes y electrificadas del campo de jazz, pero con mayor frecuencia describe a artistas que vienen del lado del rock de la ecuación". Jazz rock "... generalmente surgió de los subgéneros de rock más artísticamente ambiciosos de finales de los 60 y principios de los 70", incluido el movimiento de cantante y compositor. Muchos de los primeros músicos estadounidenses de rock and roll habían comenzado en el jazz y llevaban algunos de estos elementos a la nueva música. En Gran Bretaña, el subgénero del blues rock, y muchas de sus principales figuras, al igual que Ginger Baker y Jack Bruce de la banda Cream, de Eric Clapton, habían surgido de la escena jazzística británica. A menudo se destaca como la primera verdadera grabación de jazz-rock, es el único álbum de los relativamente esporádicos The New York Spirits con sede en Nueva York. Fuera de la vista y el sonido (1966). El primer grupo de bandas que utilizaron tímidamente la etiqueta fueron bandas de rock blanco orientadas R & B que utilizaron secciones de cuerno de jazz, como Electric Flag, Blood, Sweat & Tears y Chicago, para convertirse en algunos de los actos más exitosos comercialmente de la última 1960 y principios de 1970
Actos británicos surgen en el mismo período de la escena del blues, para hacer uso de los aspectos tonales e improvisacionales del jazz, incluidos Nucleus y el Colosseum derivado de Graham Bond y John Mayall. Del rock psicodélico y las escenas de Canterbury surgió Soft Machine, quien, se ha sugerido, produjo una de las fusiones artísticamente exitosas de los dos géneros. Tal vez la fusión más aclamada por la crítica vino del lado del jazz de la ecuación, con Miles Davis, particularmente influenciado por el trabajo de Hendrix, incorporando instrumentos de rock en su sonido para el álbum Bitches Brew (1970). Fue una gran influencia en artistas posteriores del jazz influenciados por el rock, incluidos Herbie Hancock, Chick Corea y Weather Report. El género comenzó a desvanecerse a fines de la década de 1970, cuando una forma más suave de fusión comenzó a tomar su audiencia, pero actores como Steely Dan, Frank Zappa y Joni Mitchell grabaron importantes álbumes influenciados por el jazz en este período, y ha seguido siendo un gran influencia en la música rock.
Principios de 1970
Roots rock
Roots rock es el término que ahora se usa para describir un alejamiento de lo que algunos vieron como los excesos de la escena psicodélica, a una forma más básica de rock and roll que incorporaba sus influencias originales, particularmente la música country y folklórica, lo que llevó a la creación de rock country y rock sureño. En 1966 Bob Dylan fue a Nashville para grabar el álbum Blonde on Blonde. Se ha visto que este, y los posteriores álbumes más claramente influenciados por el país, han creado el género de la gente del campo, una ruta seguida por una serie de músicos populares en gran parte acústicos. Otros actos que siguieron la tendencia de regreso a lo básico fueron el grupo canadiense The Band y Creedence Clearwater Revival, ambas de California, que mezclaron rock and roll básico con folk, country y blues, para estar entre las bandas más exitosas e influyentes. de fines de la década de 1960 El mismo movimiento vio el comienzo de las carreras discográficas de artistas solistas californianos como Ry Cooder, Bonnie Raitt y Lowell George, e influyó en el trabajo de intérpretes establecidos como The Beggar's Banquet de los Rolling Stones (1968) y Let It Be de los Beatles ( 1970).
En 1968, Gram Parsons grabó Safe at Home con International Submarine Band, posiblemente el primer álbum de rock country verdadero. Más tarde ese año se unió a los Byrds para Sweetheart of the Rodeo (1968), generalmente considerada una de las grabaciones más influyentes del género. Los Byrds continuaron en la misma línea, pero Parsons se unió a otro ex miembro de Byrds Chris Hillman para formar los Flying Burrito Brothers que ayudaron a establecer la respetabilidad y los parámetros del género, antes de que Parsons partiera para seguir una carrera en solitario. Las bandas en California que adoptaron country rock incluyeron Hearts and Flowers, Poco, New Riders of the Purple Sage, Beau Brummels y Nitty Gritty Dirt Band. Algunos artistas también disfrutaron de un renacimiento al adoptar sonidos country, entre ellos: Everly Brothers; el ídolo de una sola vez adolescente Rick Nelson que se convirtió en el líder de Stone Canyon Band; el ex Monkee Mike Nesmith que formó la Primera Banda Nacional; y Neil Young. Los Dillards fueron, inusualmente, un acto de campo, que se movió hacia la música rock. Hotel California (1976).
Los fundadores del rock sureño suelen ser los Allman Brothers Band, que desarrollaron un sonido distintivo, en gran medida derivado del blues rock, pero incorporando elementos de boogie, soul y country a principios de los años setenta. El acto más exitoso para seguirlos fue Lynyrd Skynyrd, quien ayudó a establecer la imagen del "buen chico bueno" del subgénero y la forma general de la guitarra rock de los 70. Sus sucesores incluyeron a los instrumentistas de fusión / progresivos Dixie Dregs, los Outlaws influenciados por el país, Wet Willie con inclinaciones de jazz y (incorporando elementos de R & B y gospel) a los Daredevils de Ozark Mountain. Después de la pérdida de los miembros originales de los Allmans y Lynyrd Skynyrd, el género comenzó a perder popularidad a fines de la década de 1970, pero se mantuvo en la década de 1980 con actos como .38 Special, Molly Hatchet y Marshall Tucker Band.
Glam rock
Glam rock surgió de las escenas psicodélicas inglesas y del rock artístico de finales de la década de 1960 y puede verse como una extensión y una reacción contra esas tendencias. Musicalmente diverso, que varía entre el simple revivalismo de rock and roll de figuras como Alvin Stardust y el complejo arte rock de Roxy Music, y puede verse tanto como una moda como un subgénero musical. Visualmente era una malla de varios estilos, que van desde el glamour hollywoodense de los años 30, pasando por el atractivo sexual de los años 50, los dramaturgos de Cabaret de antes de la guerra, los estilos literarios y simbolistas victorianos, la ciencia ficción hasta el misticismo y la mitología antiguos y ocultos; manifestándose en ropas escandalosas, maquillaje, peinados y botas con suela de plataforma. Glam es más conocido por su ambigüedad sexual y de género y las representaciones de la androginia, además del uso extensivo de la teatralidad.
Los orígenes del glam rock están asociados con Marc Bolan, quien había cambiado el nombre de su dúo folklórico a T. Rex y retomó los instrumentos eléctricos a fines de la década de 1960. A menudo se cita como el momento de inicio es su aparición en el programa de televisión del Reino Unido Top of the Pops en diciembre de 1970, luciendo purpurina, para realizar lo que sería su primer single número 1 "Ride a White Swan". Desde 1971, ya una estrella menor, David Bowie desarrolló su personaje de Ziggy Stardust, incorporando elementos de maquillaje profesional, mimo y rendimiento en su actuación. Estos artistas pronto fueron seguidos en el estilo por actos como Roxy Music, Sweet, Slade, Mott the Hoople, Mud y Alvin Stardust. Aunque tuvieron mucho éxito en las listas de éxitos en el Reino Unido, muy pocos de estos músicos tuvieron un impacto serio en los Estados Unidos; Bowie fue la principal excepción al convertirse en una superestrella internacional e incitar a la adopción de estilos glamurosos entre Lou Reed, Iggy Pop, New York Dolls y Jobriath, a menudo conocido como "glitter rock" y con un contenido lírico más oscuro que sus contrapartes británicas. En el Reino Unido, el término glitter rock se usaba con más frecuencia para referirse a la versión extrema del glam perseguido por Gary Glitter y sus músicos de apoyo, The Glitter Band, que lograron dieciocho singles en el Reino Unido entre 1972 y 1976. Una segunda ola de los actos de glam rock, incluyendo Suzi Quatro, Roy Wood's Wizzard y Sparks, dominaron las listas de éxitos británicas de 1974 a 1976. Actos existentes, algunos generalmente no considerados centrales para el género, también adoptaron estilos glam, incluyendo a Rod Stewart, Elton John, Reina y, por un tiempo, incluso los Rolling Stones. También fue una influencia directa en actos que se destacaron más tarde, incluyendo Kiss y Adam Ant, y menos directamente en la formación de rock gótico y glam metal, así como en punk rock, que ayudó a terminar con la moda para el glam desde aproximadamente 1976.
Roca suave, roca dura y metales pesados tempranos
Desde finales de la década de 1960, se hizo común dividir la música rock convencional en roca blanda y dura. El rock suave a menudo se deriva del rock popular, utilizando instrumentos acústicos y poniendo más énfasis en la melodía y las armonías. Los artistas principales incluyen Carole King, Cat Stevens y James Taylor. Alcanzó su pico comercial a mediados y finales de los 70 con actos como Billy Joel, Estados Unidos y la reformada Fleetwood Mac, cuyos rumores (1977) fue el álbum más vendido de la década. En contraste, el hard rock se derivaba más a menudo del blues-rock y se tocaba más fuerte y con más intensidad. A menudo enfatizaba la guitarra eléctrica, tanto como un instrumento rítmico que usaba riffs simples repetitivos y como un instrumento solista, y era más probable que se usara con distorsión y otros efectos. Actos clave incluyeron bandas de Invasión Británica como The Kinks, así como artistas de la era psicodélica como Cream, Jimi Hendrix y Jeff Beck Group. Las bandas influenciadas por el rock duro que disfrutaron de éxito internacional en la década de 1970 incluyen a Queen, Thin Lizzy, Aerosmith, AC / DC. y Van Halen
Desde finales de la década de 1960, el término "heavy metal" comenzó a usarse para describir algunas hard rock interpretadas con aún más volumen e intensidad, primero como un adjetivo y para principios de la década de 1970 como sustantivo. El término se utilizó por primera vez en la música de "Born to Be Wild" de Steppenwolf (1967) y comenzó a asociarse con bandas pioneras como Blue Cheer de San Francisco, James Gang de Cleveland y Grand Funk Railroad de Michigan. En 1970, tres bandas británicas clave habían desarrollado los sonidos y estilos característicos que ayudarían a dar forma al subgénero. Led Zeppelin agregó elementos de fantasía a su riff-blues rock cargado, Deep Purple trajo intereses sinfónicos y medievales de su fase progresiva de rock y Black Sabbath introdujo facetas de la armonía gótica y modal, ayudando a producir un sonido "más oscuro". Estos elementos fueron incorporados por una "segunda generación" de bandas de heavy metal a fines de la década de 1970, incluyendo: Judas Priest, UFO, Motörhead y Rainbow de Gran Bretaña; Kiss, Ted Nugent y Blue Öyster Cult de los Estados Unidos; Fiebre de Canadá y Escorpiones de Alemania, todos los cuales marcan la expansión en popularidad del subgénero. A pesar de la falta de difusión y poca presencia en las listas de singles, el heavy metal de fines de la década de 1970 generó un número considerable de seguidores, particularmente entre los varones adolescentes de clase trabajadora en América del Norte y Europa.
Rock cristiano
El rock, principalmente el género del heavy metal, ha sido criticado por algunos líderes cristianos, que lo han condenado como inmoral, anticristiano e incluso demoníaco. Sin embargo, el rock cristiano comenzó a desarrollarse a fines de la década de 1960, especialmente a partir del movimiento de Jesús que comenzó en el sur de California, y surgió como un subgénero en la década de 1970 con artistas como Larry Norman, generalmente visto como la primera "estrella" importante del rock cristiano. El género ha sido particularmente popular en los Estados Unidos. Muchos artistas de rock cristiano tienen vínculos con la escena de la música cristiana contemporánea, mientras que otras bandas y artistas están estrechamente vinculados a la música independiente. Desde la década de 1980, los intérpretes de rock cristiano se han ganado el éxito en la corriente principal, incluyendo figuras como la estadounidense Amy Grant y la cantante británica Cliff Richard. Si bien estos artistas fueron ampliamente aceptados en las comunidades cristianas, la adopción de estilos heavy rock y glam metal por bandas como Petra y Stryper, que alcanzaron un éxito considerable en la década de 1980, fue más controvertida. Desde la década de 1990 hubo un número cada vez mayor de actos que intentaron evitar la etiqueta de la banda cristiana, y prefirieron ser vistos como grupos que también eran cristianos, incluidos POD y Collective Soul.
Era del punk
Punk rock
El punk rock se desarrolló entre 1974 y 1976 en los Estados Unidos y el Reino Unido. Arraigados en el garage rock y otras formas de lo que ahora se conoce como música protopunk, las bandas de punk rock evitaron los excesos percibidos por el rock de la década de 1970. Crearon música rápida y de bordes duros, generalmente con canciones cortas, instrumentación desglosada y, a menudo, letras políticas antisistema. Punk adopta una ética de bricolaje (hágalo usted mismo), con muchas bandas autoproduciendo sus grabaciones y distribuyéndolas a través de canales informales.
A fines de 1976, actos como los Ramones y Patti Smith, en la ciudad de Nueva York, y Sex Pistols y The Clash, en Londres, fueron reconocidos como la vanguardia de un nuevo movimiento musical. Al año siguiente, el punk rock se extendió por todo el mundo. El punk rápidamente, aunque brevemente, se convirtió en un fenómeno cultural importante en el Reino Unido. En su mayor parte, el punk se arraigó en escenas locales que tienden a rechazar la asociación con la corriente principal. Surgió una subcultura punk asociada, que expresa una rebelión juvenil y se caracteriza por estilos distintivos de vestimenta y una variedad de ideologías anti-autoritarias.
A principios de la década de 1980, estilos más rápidos y agresivos, como hardcore y Oi! se había convertido en el modo predominante de punk rock. Esto ha resultado en varias variedades evolucionadas de hardcore punk, como D-beat (un subgénero con distorsión pesada influenciado por la banda británica Discharge), anarcho-punk (como Crass), grindcore (como Napalm Death) y crust punk. . Los músicos que se identificaron o inspiraron con el punk también buscaron una amplia gama de otras variaciones, dando lugar a New wave, post-punk y el rockmovement alternativo.
Nueva ola
Aunque el punk rock fue un fenómeno social y musical significativo, logró menos ventas de discos (distribuidas por pequeños sellos especializados como Stiff Records) o radiodifusión de radio estadounidense (ya que la escena de la radio siguió dominada por formatos convencionales tales como como disco y rock orientado al álbum). El punk rock había atraído a devotos del mundo artístico y universitario y pronto las bandas lucieron un enfoque más literario y artístico, como Talking Heads y Devo comenzaron a infiltrarse en la escena punk; en algunos lugares, la descripción "nueva ola" comenzó a utilizarse para diferenciar estas bandas menos abiertamente punk. Ejecutivos récord, que habían sido en gran parte desconcertados por el movimiento punk, reconoció el potencial de los nuevos actos de onda más accesibles y comenzó a firmar y comercializar agresivamente cualquier banda que pudiera reclamar una conexión remota con punk o nueva ola. Muchas de estas bandas, como Cars y Go-Go, se pueden ver como bandas pop comercializadas como new wave; otros actos existentes, incluyendo Police, Pretenders y Elvis Costello, usaron el movimiento de la nueva ola como trampolín para carreras relativamente largas y críticamente exitosas, mientras que las bandas "flacas" ejemplificadas por Knack, o la fotógrafa Blondie, comenzaron como actos punk y se movió a un territorio más comercial.
Entre 1979 y 1985, influenciado por Kraftwerk, Yellow Magic Orchestra, David Bowie y Gary Numan, la nueva ola británica fue en dirección a New Romantics como Spandau Ballet, Ultravox, Japón, Duran Duran, A Flock of Seagulls, Culture Club, Talk Talk and the Eurythmics, a veces usando el sintetizador para reemplazar a todos los demás instrumentos. Este período coincidió con el surgimiento de MTV y provocó una gran exposición de esta marca de synth-pop, creando lo que se ha caracterizado como una segunda Invasión británica. Algunas bandas de rock más tradicionales se adaptaron a la era del video y se beneficiaron del airplay de MTV, obviamente Dire Straits, cuyo "Money for Nothing" se burló suavemente de la estación, a pesar de que había ayudado a convertirlas en estrellas internacionales, pero en general, el rock orientado a la guitarra se eclipsó comercialmente.
Post-punk
Si el hardcore perseguía más directamente la estética despojada del punk, y la nueva ola llegó a representar su ala comercial, el post-punk surgió a finales de los 70 y principios de los 80 como su lado más artístico y desafiante. Las principales influencias junto a las bandas de punk fueron Velvet Underground, Frank Zappa y Captain Beefheart, y la escena sin onda con sede en Nueva York que hizo hincapié en el rendimiento, incluyendo bandas como James Chance y las Contortions, DNA y Sonic Youth. Los primeros contribuyentes al género fueron las bandas estadounidenses Pere Ubu, Devo, los residentes y Talking Heads.
La primera ola del post-punk británico incluyó a Gang of Four, Siouxsie y Banshees y Joy Division, quienes pusieron menos énfasis en el arte que sus contrapartes estadounidenses y más en las oscuras cualidades emocionales de su música. Bandas como Siouxsie and the Banshees, Bauhaus, the Cure y Sisters of Mercy, se movían cada vez más en esta dirección para fundar rock gótico, que se había convertido en la base de una gran subcultura a principios de los años ochenta. Territorios emocionales similares fueron perseguidos por actos australianos como la fiesta de cumpleaños y Nick Cave. Los miembros de Bauhaus y Joy Division exploraron nuevos territorios estilísticos como Love and Rockets y New Order respectivamente. Otro movimiento post-punk temprano fue la música industrial desarrollada por las bandas británicas Throbbing Gristle y Cabaret Voltaire, y Suicide con sede en Nueva York,
La segunda generación de bandas británicas post-punk que se abrió paso a principios de la década de 1980, incluyendo Fall, Pop Group, Mekons, Echo and the Bunnymen y Teardrop Explodes, tendieron a alejarse de los oscuros paisajes sónicos. Podría decirse que la banda más exitosa que surgió del post-punk fue la irlandesa U2, que incorporó elementos de imaginería religiosa junto con comentarios políticos en su música a menudo himno, y que a finales de la década de 1980 se convirtió en una de las bandas más grandes del mundo. Aunque muchas bandas post-punk continuaron grabando y tocando, declinaron como un movimiento a mediados de la década de 1980 cuando los actos se disolvieron o se movieron para explorar otras áreas musicales, pero siguieron influyendo en el desarrollo de la música rock y se han visto como un elemento importante en la creación del movimiento de rock alternativo.
Heartland rock
Rock estadounidense orientado a la clase trabajadora, caracterizado por un estilo musical directo y una preocupación por la vida de los estadounidenses de cuello azul, desarrollados en la segunda mitad de los años setenta. El término heartland rock se utilizó por primera vez para describir grupos de rock de arena del medio oeste como Kansas, REO Speedwagon y Styx, pero que se asoció con una forma más socialmente afectada de raíces rock más directamente influenciadas por folk, country y rock and roll. Se ha visto como una contraparte del Medio Oeste de Estados Unidos y el Cinturón de Óbbolo del rock rural de la costa oeste y la roca sureña del sur de los Estados Unidos. Dirigido por figuras que inicialmente habían sido identificadas con punk y New Wave, fue influenciado más fuertemente por actos como Bob Dylan, los Byrds, Creedence Clearwater Revival y Van Morrison, y el rock básico del garaje de 1960 y los Rolling Stones.
Ejemplificado por el éxito comercial de los cantautores Bruce Springsteen, Bob Seger y Tom Petty, junto con actos menos conocidos como Southside Johnny y Asbury Jukes y Joe Grushecky y los Houserockers, fue en parte una reacción al declive urbano posindustrial. en el este y el medio oeste, que a menudo se centran en cuestiones de desintegración social y aislamiento, además de una forma de revivismo de rock and roll de buen tiempo. El género alcanzó su pico comercial, artístico e influyente a mediados de la década de 1980, con el nacimiento de Springsteen en los Estados Unidos. (1984), encabezando las listas de éxitos en todo el mundo y generando una serie de los mejores diez sencillos, junto con la llegada de artistas como John Mellencamp, Steve Earle y cantautores más gentiles como Bruce Hornsby. También se puede escuchar como una influencia en artistas tan diversos como Billy Joel, Kid Rock y The Killers.
Heartland Rock se desvaneció como un género reconocido a principios de la década de 1990, como la música rock en general, y los temas de la clase trabajadora blanca y azul en particular, perdieron influencia con el público más joven, y los artistas del centro recurrieron a obras más personales. Muchos artistas de rock del corazón continúan registrando hoy con éxito comercial y crítico, especialmente Bruce Springsteen, Tom Petty y John Mellencamp, aunque sus trabajos se han vuelto más personales y experimentales y ya no encajan fácilmente en un solo género. Los artistas más nuevos, cuya música quizás haya sido etiquetada como Heartland Rock, si se hubiera lanzado en la década de 1970 o 1980, como Bottle Rockets de Missouri y Uncle Tupelo de Illinois, a menudo se etiquetan como país alternativo.
Aparición de rock alternativo
El término rock alternativo se acuñó a principios de la década de 1980 para describir a los artistas del rock que no encajaban en los géneros principales de la época. Las bandas denominadas "alternativas" no tenían un estilo unificado, pero todas se veían como distintas de la música convencional. Las bandas alternativas estaban unidas por su deuda colectiva con el punk rock, a través del hardcore, New Wave o los movimientos post-punk. Las bandas de rock alternativo más importantes de la década de 1980 en los EE. UU. Incluyen REM, Hüsker Dü, Jane's Addiction, Sonic Youth y Pixies, y en el Reino Unido The Cure, New Order, Jesus and Mary Chain y The Smiths. Los artistas se limitaron en gran medida a sellos discográficos independientes, construyendo una extensa escena de música underground basada en la radio de la universidad, fanzines, giras y de boca en boca. Rechazaron el synth-pop dominante de principios de la década de 1980, marcando un regreso a la guitarra rock basada en grupos.
Pocos de estos primeros grupos alcanzaron el éxito principal, aunque las excepciones a esta regla incluyen REM, Smiths y The Cure. A pesar de la falta general de ventas de álbumes espectaculares, las bandas de rock alternativo originales ejercieron una influencia considerable en la generación de músicos que alcanzaron la mayoría de edad en la década de 1980 y terminaron por alcanzar el éxito principal en los años noventa. Los estilos de rock alternativo en los EE. UU. Durante la década de 1980 incluían jangle pop, asociado con las primeras grabaciones de REM, que incorporaba las guitarras de pop y rock de mediados de la década de 1960 y rock colegial, utilizado para describir bandas alternativas que comenzaban en el circuito universitario y la radio de la universidad, que incluye actos como 10,000 Maniacs y los Feelies. En el Reino Unido, el rock gótico fue dominante a principios de la década de 1980, pero a finales de la década indie o dream poplike Primal Scream, Bogshed, Half Man Half Biscuit y Wedding Present, y lo que se llamó bandas shoegaze como My Bloody Valentine, Ride, Lush, Chapterhouse y Boo Radleys. Particularmente vibrante fue la escena de Madchester, produjo bandas como Happy Mondays, Inspiral Carpets y Stone Roses. La próxima década vería el éxito del grunge en los Estados Unidos y el Britpop en el Reino Unido, trayendo el rock alternativo a la corriente principal.
Alternativa
Grunge
Desafiados por el pop y rock comercializado y altamente producido a mediados de la década de 1980, bandas en el estado de Washington (particularmente en el área de Seattle) formaron un nuevo estilo de rock que contrastaba marcadamente con la música dominante de la época. El género en desarrollo llegó a ser conocido como "grunge", un término descriptivo del sonido sucio de la música y la apariencia descuidada de la mayoría de los músicos, que se rebelaron activamente contra las imágenes exageradas de otros artistas. Grunge fusionó elementos de hardcore punk y heavy metal en un solo sonido, y utilizó mucho la distorsión, la fuzz y la retroalimentación de la guitarra. Las letras eran típicamente apáticas y llenas de angustia, y a menudo se referían a temas como la alienación social y el atrapamiento, aunque también era conocido por su humor negro y parodias de rock comercial.
Bandas como Green River, Soundgarden, Melvins y Skin Yard fueron pioneras en el género, y Mudhoney se convirtió en el más exitoso al final de la década. El grunge siguió siendo en gran parte un fenómeno local hasta 1991, cuando el álbum Nevermind de Nirvana se convirtió en un gran éxito, conteniendo la canción himno "Smells Like Teen Spirit". Nevermind era más melódico que sus predecesores, al firmar para Geffen Records, la banda fue una de las primeras en emplear mecanismos tradicionales de promoción y comercialización corporativos, como un video de MTV, exhibidores en tiendas y el uso de "consultores" de radio que promovían airplay en los principales estaciones de rock convencionales. Durante 1991 y 1992, otros álbumes de grunge como Pearl Jam's Ten , Soundgarden ' Dirt , junto con el álbum Temple of the Dog con miembros de Pearl Jam y Soundgarden, se convirtió en uno de los 100 álbumes más vendidos. Las principales discográficas firmaron la mayoría de las bandas grunge restantes en Seattle, mientras que una segunda afluencia de actos se trasladó a la ciudad con la esperanza de tener éxito. Sin embargo, con la muerte de Kurt Cobain y la posterior ruptura de Nirvana en 1994, los problemas de gira de Pearl Jam y la partida de la cantante principal de Alice in Chains Layne Staley en 1996, el género comenzó a declinar, en parte para ser eclipsado por Britpop y más sonido comercial post-grunge.
Britpop
Britpop surgió de la escena de rock alternativo británico de principios de la década de 1990 y se caracterizó por bandas particularmente influenciadas por la música de guitarra británica de los años 60 y 70. Los Smith fueron una gran influencia, al igual que las bandas de la escena de Madchester, que se había disuelto a principios de la década de 1990. El movimiento se ha visto en parte como una reacción contra varias tendencias musicales y culturales basadas en los EE. UU. A finales de los años ochenta y principios de los noventa, particularmente en el fenómeno grunge y como una reafirmación de una identidad rock británica. El Britpop era variado en estilo, pero a menudo utilizaba melodías pegadizas y anzuelos, además de letras con preocupaciones particularmente británicas y la adopción de la iconografía de la invasión británica de los años 60, incluidos los símbolos de identidad británica utilizados anteriormente por los mods. Fue lanzado alrededor de 1992 con lanzamientos de grupos como Suede y Blur, a quienes pronto se les unieron otros como Oasis, Pulp, Supergrass y Elastica, quienes produjeron una serie de los diez mejores álbumes y sencillos. Durante un tiempo el concurso entre Blur y Oasis fue creado por la prensa popular en "The Battle of Britpop", inicialmente ganado por Blur, pero con Oasis logrando un mayor éxito a largo plazo e internacional, influenciando directamente a una tercera generación de bandas de Britpop, incluyendo The Boo Radleys, Ocean Colour Scene y Cast. Los grupos de Britpop trajeron el rock alternativo británico a la corriente principal y formaron la columna vertebral de un movimiento cultural británico más grande conocido como Cool Britannia. Aunque sus bandas más populares, particularmente Blur y Oasis, fueron capaces de difundir su éxito comercial en el extranjero, especialmente en los Estados Unidos, el movimiento se había desmoronado a finales de la década.
Post-grunge
El término post-grunge se acuñó para la generación de bandas que siguieron al surgimiento de la corriente principal y la interrupción posterior de las bandas grunge de Seattle. Las bandas post-grunge emulaban sus actitudes y su música, pero con un sonido comercialmente más amigable con la radio. A menudo trabajaron en las principales discográficas y llegaron a incorporar diversas influencias de jangle pop, pop-punk, metal alternativo o hard rock. El término post-grunge originalmente pretendía ser peyorativo, sugiriendo que simplemente se derivaban musicalmente, o una respuesta cínica a un movimiento de rock "auténtico". Originalmente, las bandas de grunge que surgieron cuando el grunge era dominante y se sospechaba que emulaban el sonido del grunge fueron peyorativamente etiquetadas como post-grunge. Desde 1994, la nueva banda del ex baterista de Nirvana Dave Grohl, los Foo Fighters,
Algunas bandas post-grunge, como Candlebox, eran de Seattle, pero el subgénero estuvo marcado por una ampliación de la base geográfica del grunge, con bandas como Audioslave de Los Ángeles y Collective Soul de Georgia y más allá de los EE. UU. A Silverchair de Australia y Bush de Gran Bretaña , quienes cimentaron el post-grunge como uno de los subgéneros más comercialmente viables de finales de los 90. Aunque las bandas masculinas predominaron después del grunge, el álbum femenino de Alanis Morissette en 1995, Jagged Little Pill, etiquetado como post-grunge, también se convirtió en un éxito multi-platino. El post-grunge se transformó a finales de la década de 1990 en bandas post-grunge como Creed y Nickelbackemerged. Bandas como Creed y Nickelback tomaron post-grunge en el siglo 21 con considerable éxito comercial, abandonando la mayor parte de la angustia y la ira del movimiento original por himnos, narraciones y canciones románticas más convencionales, y fueron seguidos en esta línea por actos más nuevos, incluyendo Shinedown , Seether, 3 Doors Down y Puddle of Mudd.
Pop punk
Los orígenes del pop punk de los 90 se pueden ver en las bandas más orientadas a las canciones del movimiento punk de los 70 como Buzzcocks y The Clash, los exitosos New Wave comerciales como Jam and the Undertones y los elementos más influenciados por el hardcore. rock en la década de 1980. Pop-punk tiende a usar melodías power-pop y cambios de acordes con ritmos punk rápidos y guitarras fuertes. La música punk fue la inspiración para algunas bandas con sede en California en sellos independientes a principios de la década de 1990, incluyendo Rancid, Pennywise, Weezer y Green Day. En 1994 Green Day se mudó a una gran discográfica y produjo el álbum Dookie, que encontró una audiencia nueva, en su mayoría adolescentes, y resultó ser un éxito sorpresa de ventas de diamantes, lo que llevó a una serie de singles exitosos, incluidos dos números uno en los Estados Unidos. Pronto fueron seguidos por el debut epónimo de Weezer, que engendró tres mejores diez sencillos en los Estados Unidos. Este éxito abrió la puerta a las ventas de múltiples platino de la banda punk metálica Offspring with Smash (1994). Esta primera ola de pop punk alcanzó su pico comercial con Green Day's Nimrod (1997) y The Offspring's Americana (1998).
Una segunda ola de pop punk fue encabezada por Blink-182, con su álbum Enema of the State (1999), seguido por bandas como Good Charlotte, Simple Plan y Sum 41, que hicieron uso del humor en sus videos y tuvieron una un tono más amigable con la radio para su música, conservando la velocidad, algo de la actitud e incluso la apariencia del punk de los setenta. Las bandas posteriores de pop-punk, incluyendo All Time Low, 5 Seconds Of Summer, All-American Rejects y Fall Out Boy, tuvieron un sonido que se ha descrito como más cercano al hardcore de los años ochenta, sin dejar de tener éxito comercial.
Rock independiente
En la década de 1980, los términos indie rock y rock alternativo se usaron indistintamente. A mediados de la década de 1990, cuando los elementos del movimiento comenzaron a atraer el interés de la corriente principal, particularmente el grunge y luego el britpop, post-grunge y pop-punk, el término alternativo comenzó a perder su significado. Aquellas bandas que seguían los contornos menos comerciales de la escena fueron cada vez más mencionadas por la etiqueta indie. Tradicionalmente, intentaron mantener el control de sus carreras lanzando álbumes por su cuenta o con sellos independientes pequeños, mientras que se basaron en giras, conversaciones de boca en boca y se transmitieron por radio en emisoras de radio independientes o universitarias para su promoción. Vinculado por un ethos más que por un enfoque musical, el movimiento indie rock abarcó una amplia gama de estilos, desde bandas de bordes duros e influencias del grunge como los Cranberries y Superchunk, a través de bandas experimentales de "hágalo usted mismo" como Pavement, hasta cantantes de punk folk como Ani DiFranco. Se ha notado que el indie rock tiene una proporción relativamente alta de artistas femeninas en comparación con los géneros de rock precedentes, una tendencia ejemplificada por el desarrollo de la música Riot Grrrl, informada por feministas. Muchos países han desarrollado una extensa escena indie local, floreciendo con bandas con suficiente popularidad para sobrevivir dentro del país respectivo, pero prácticamente desconocido fuera de ellos.
A fines de la década de 1990, muchos subgéneros reconocibles, la mayoría con sus orígenes en el movimiento alternativo de fines de la década de 1980, se incluyeron bajo el paraguas del indie. Lo-fi evitó las técnicas de grabación pulida para un espíritu de bricolaje y fue encabezado por Beck, Sebadoh y Pavement. El trabajo de Talk Talk y Slint ayudó a inspirar a ambos post rock, un estilo experimental influenciado por el jazz y la música electrónica, liderado por Bark Psychosis y retomado por actos como Tortoise, Stereolab y Laika, y que conduce a un desarrollo más denso y complejo. , rock matemático basado en guitarra, desarrollado por actos como Polvo y Chavez. Space Rock se remonta a las raíces progresivas, con drones pesados y minimalistas como Spacemen 3, las dos bandas creadas a partir de su división, Spectrum and Spiritualized, y grupos posteriores que incluyen Flying Saucer Attack, Godspeed You! Emperador negro y Quickspace. En contraste, Sadcore enfatizó el dolor y el sufrimiento mediante el uso melódico de la instrumentación acústica y electrónica en bandas de música como American Music Club y Red House Painters, mientras que la reactivación del pop barroco reaccionó contra lo-fi y la música experimental haciendo hincapié en la melodía e instrumentación clásica, con artistas como Arcade Fire, Belle and Sebastian y Rufus Wainwright.
Metal alternativo, rap rock y nu metal
Metal alternativo surgió de la escena hardcore de rock alternativo en los EE. UU. A finales de la década de 1980, pero ganó un público más amplio después de que el grunge se extendió a la corriente principal a principios de la década de 1990. Las primeras bandas de metal alternativo mezclaron una amplia variedad de géneros con sensibilidades de heavy metal y hardcore, con actos como Jane's Addiction y Primus utilizando rock progresivo, Soundgarden y Corrosion of Conformity utilizando garage punk, Jesus Lizard y Helmet mixing noise rock, Ministry y Nine Inch. Nails influenciado por la música industrial, Monster Magnet moviéndose a la psicodelia, Pantera, Sepultura y White Zombie creando metal de ranura, mientras que Biohazard y Faith No More recurrieron al hip hop y el rap.
El hip hop se había ganado la atención de los actos de rock a principios de la década de 1980, incluidos The Clash con "The Magnificent Seven" (1980) y Blondie con "Rapture" (1980). Los primeros actos de cruce incluyeron Run DMC y Beastie Boys. El rapero de Detroit Esham se hizo conocido por su estilo de "rap ácido", que fusionó el rap con un sonido que a menudo se basaba en el rock y el heavy metal. Los raperos que probaron canciones de rock incluyeron Ice-T, The Fat Boys, LL Cool J, Public Enemy y Whodini. La mezcla de thrash metal y rap fue iniciada por Anthrax en su single de 1987 influenciado por la comedia "I'm the Man".
En 1990, Faith No More entró en la corriente principal con su sencillo "Epic", a menudo visto como la primera combinación verdaderamente exitosa de heavy metal con rap. Esto allanó el camino para el éxito de bandas existentes como 24-7 Spyz y Living Colour, y nuevos actos como Rage Against the Machine y Red Hot Chili Peppers, que fusionaron el rock y el hip hop entre otras influencias. Entre la primera ola de artistas intérpretes o ejecutantes para obtener el éxito de la corriente principal como el rock de rap fueron 311, Bloodhound Gang y Kid Rock. Un sonido más metálico - nu metal - fue perseguido por bandas como Limp Bizkit, Korn y Slipknot. Más adelante en la década, este estilo, que contenía una mezcla de rasguños grunge, punk, metal, rap y tocadiscos, generó una ola de bandas exitosas como Linkin Park, POD y Staind, que a menudo fueron clasificadas como metal rap o nu metal, la primera de que son la banda más vendida del género.
En 2001, nu metal alcanzó su punto álgido con álbumes como Break the Cycle de Staind , Satellitede POD , Slipknot's Iowa y Hybrid Theory de Linkin Park . También surgieron nuevas bandas como Disturbed, Godsmack y Papa Roach, cuyo debut en la gran discográfica Infest se convirtió en un éxito de platino. El esperado quinto álbum de Korn , Untouchables , y el segundo álbum de Papa Roach, Lovehatetragedy , no se vendieron tan bien como sus lanzamientos anteriores, mientras que las bandas de nu metal se tocaron con menos frecuencia en estaciones de radio de rock y MTV comenzó a enfocarse en pop punk y emo. Desde entonces, muchas bandas han cambiado a un sonido más convencional de hard rock, heavy metal o música electrónica.
Post-Britpop
Desde aproximadamente 1997, cuando la insatisfacción creció con el concepto de Cool Britannia, y el Britpop como un movimiento comenzó a disolverse, las bandas emergentes comenzaron a evitar la etiqueta Britpop mientras seguían produciendo música derivada de ella. Muchas de estas bandas tendieron a mezclar elementos de rock tradicional británico (o rock tradicional británico), particularmente los Beatles, Rolling Stones y Small Faces, con influencias estadounidenses, incluido el post-grunge. Procedentes de todo el Reino Unido (con varias bandas importantes surgidas del norte de Inglaterra, Escocia, Gales e Irlanda del Norte), los temas de su música tendían a centrarse menos en la vida británica, inglesa y londinense y eran más introspectivos de lo que habían sido. el caso con Britpop en su apogeo. Esto, además de una mayor disposición para interactuar con la prensa y los fanáticos estadounidenses,
Se ha visto que las bandas post britpop presentan la imagen de la estrella de rock como una persona común y su música cada vez más melódica fue criticada por ser insulsa o derivada. Publicar bandas de Britpop como The Verve con Urban Hymns (1997), Radiohead de OK Computer (1997), Travis de The Man Who (1999), Stereophonics de Performance and Cocktails (1999), Feeder de Echo Park (2001) y particularmente Coldplay de su álbum debut Parachutes (2000), lograron un éxito internacional mucho más amplio que la mayoría de los grupos Britpop que los precedieron, y fueron algunos de los actos más exitosos comercialmente de finales de la década de 1990 y principios de la del 2000, proporcionando una plataforma de lanzamiento para el posterior garage rock o post-punk revival, que también se ha visto como una reacción a su marca de rock introspectivo.
2000s-presente
Post-hardcore y emo
El post-hardcore se desarrolló en los EE. UU., Particularmente en las áreas de Chicago y Washington, DC, a principios o mediados de los 80, con bandas inspiradas en la ética del bricolaje y la música heavy-guitar del punk hardcore, pero influenciadas por post-punk, adoptando formatos de canciones más largos, estructuras musicales más complejas y, a veces, estilos vocales más melódicos.
Emo también surgió de la escena hardcore en la década de 1980 en Washington, DC, inicialmente como "emocore", utilizado como un término para describir a las bandas que preferían las voces expresivas sobre el estilo abrasivo más común, el ladrido. La escena emo temprana operaba como un underground, con bandas efímeras que lanzaban discos de vinilo pequeños en pequeñas etiquetas independientes. Emo irrumpió en la cultura dominante a principios de la década de 2000 con el éxito de ventas de platino de Bleed American (2001) de Jimmy Eat World y The Places You Have Come to Fear Most de Jimmy Dashboard Confessional. (2003). El nuevo emo tenía un sonido mucho más dominante que en la década de 1990 y un atractivo mucho mayor entre los adolescentes que sus encarnaciones anteriores. Al mismo tiempo, el uso del término emo se expandió más allá del género musical, y se asoció con la moda, el peinado y cualquier música que expresara emoción. En 2003, las bandas post-hardcore también llamaron la atención de las principales discográficas y comenzaron a disfrutar del éxito principal en las listas de álbumes. Varias de estas bandas fueron vistos como una rama más agresiva de emo y dada la etiqueta a menudo vaga de screamo.
Garage rock / post-punk revival
A principios de la década de 2000, un nuevo grupo de bandas que tocaba una versión simplificada y de vuelta a los principios básicos de la guitarra rock, surgió en la corriente principal. Fueron caracterizados de diversas maneras como parte de un garage rock, post-punk o renacimiento de la nueva ola. Debido a que las bandas provenían de todo el mundo, citaron diversas influencias (desde el blues tradicional, pasando por New Wave hasta el grunge) y adoptaron diferentes estilos de vestimenta, su unidad como género ha sido cuestionada. Hubo intentos de revivir el garage rock y los elementos del punk en los años ochenta y noventa y para el año 2000 las escenas habían crecido en varios países.
El avance comercial de estas escenas fue liderado por cuatro bandas: The Strokes, que surgió de la escena de los clubes de Nueva York con su álbum debut Is This It (2001); White Stripes, de Detroit, con su tercer álbum White Blood Cells (2001); The Hives de Suecia después de su álbum recopilatorio Your New Favorite Band (2001); y las vides de Australia con Altamente evolucionado (2002). Fueron bautizados por los medios como las bandas "The" y apodados "The saviors of rock 'n' roll", lo que generó acusaciones de exageración. Una segunda ola de bandas que ganó reconocimiento internacional debido al movimiento incluyó Black Rebel Motorcycle Club, The Killers, Interpol y Kings of Leon de EE. UU., Libertines, Arctic Monkeys, Bloc Party, Editors, Franz Ferdinand y Placebo del Reino Unido, Jet de Australia y los Datsuns y el D4 de Nueva Zelanda.
Rock electrónico digital
En la década de 2000, a medida que la tecnología de la computadora se hizo más accesible y el software musical avanzado, se hizo posible crear música de alta calidad con poco más que una sola computadora portátil. Esto dio como resultado un aumento masivo en la cantidad de música electrónica producida en el hogar disponible para el público en general a través de la expansión de Internet y nuevas formas de desempeño tales como laptrónica y codificación en vivo. Estas técnicas también comenzaron a ser utilizadas por bandas existentes y por desarrollar géneros que mezclaron el rock con técnicas y sonidos digitales, incluyendo indie electronic, electroclash, dance-punk y rave nuevo.
Impacto social
Diferentes subgéneros de rocas fueron adoptados por, y se convirtieron en el centro de la identidad de un gran número de subculturas. En los años cincuenta y sesenta, respectivamente, los jóvenes británicos adoptaron Teddy Boy y Rockersubcultures, que giraban en torno al rock and roll estadounidense. La contracultura de la década de 1960 estuvo estrechamente asociada con el rock psicodélico. A mediados de la década de 1970, la subcultura punk comenzó en los Estados Unidos, pero la diseñadora británica Vivienne Westwood le dio un aspecto distintivo, una apariencia que se extendió por todo el mundo. Fuera de la escena punk, crecieron las subculturas Goth y Emo, ambas presentaron estilos visuales distintivos.
Cuando se desarrolló una cultura internacional del rock, suplantó al cine como las principales fuentes de influencia de la moda. Paradójicamente, los seguidores de la música rock a menudo desconfían del mundo de la moda, que se ha visto como una imagen que se eleva por encima de la sustancia. Se ha visto que las modas de rock combinan elementos de diferentes culturas y épocas, y expresan puntos de vista divergentes sobre sexualidad y género, y la música rock en general ha sido notada y criticada por facilitar una mayor libertad sexual. El rock también se ha asociado con diversas formas de consumo de drogas, incluidas las anfetaminas tomadas por mods desde principios hasta mediados de la década de 1960, a través del LSD, mescalina, hachís y otras drogas alucinógenas vinculadas con la roca psicodélica a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970; y algunas veces a cannabis, cocaína y heroína, todas las cuales han sido elogiadas en la canción.
A Rock se le atribuye el cambio de actitudes hacia la raza al abrir la cultura afroamericana al público blanco; pero al mismo tiempo, Rock ha sido acusado de apropiarse y explotar esa cultura. Si bien la música rock ha absorbido muchas influencias e introducido al público occidental a diferentes tradiciones musicales, la difusión global de la música rock se ha interpretado como una forma de imperialismo cultural. La música rock heredó la tradición popular de la canción de protesta, haciendo declaraciones políticas sobre temas como la guerra, la religión, la pobreza, los derechos civiles, la justicia y el medio ambiente. El activismo político alcanzó un pico de la corriente principal con "¿Saben que es Navidad?" el concierto individual (1984) y Live Aid para Etiopía en 1985, que, si bien concientiza con éxito sobre la pobreza mundial y los fondos para la ayuda,
Desde su desarrollo temprano, la música rock se ha asociado con la rebelión contra las normas sociales y políticas, obviamente al principio del rock and roll rechazando una cultura dominada por adultos, el rechazo de la contracultura del consumismo y la conformidad y el rechazo del punk a todas las formas de convención social, sin embargo , también puede verse como un medio de explotación comercial de tales ideas y para desviar a los jóvenes de la acción política.
Papel de las mujeres
Las instrumentistas profesionales son poco comunes en los géneros de rock como el heavy metal. Según Schaap y Berkers, "tocar en una banda es en gran medida una actividad homosocial masculina, es decir, aprender a tocar en una banda es en gran medida una experiencia basada en los compañeros, conformada por redes de amistad segregadas por sexo existentes. la música rock "a menudo se define como una forma de rebelión masculina con respecto a la cultura del dormitorio femenino." En la música popular, ha habido una "distinción de género entre la participación pública (masculina) y privada (femenina)" en la música ". los estudiosos han argumentado que los hombres excluyen a las mujeres de las bandas o de los ensayos, grabaciones, representaciones y otras actividades sociales de las bandas "." Las mujeres son principalmente consideradas como pasivas y consumidoras privadas de música pop supuestamente resbaladiza, prefabricada y, por lo tanto, inferior. .
"La rebelión de la música rock fue en gran medida una rebelión masculina, las mujeres, a menudo en las décadas de 1950 y 1960, en su adolescencia, en el rock generalmente cantaban canciones como personas ... totalmente dependientes de sus novios machistas ...". Philip Auslander dice que "aunque había muchas mujeres en el rock a fines de la década de 1960, la mayoría solo se presentaban como cantantes, una posición tradicionalmente femenina en la música popular". Aunque algunas mujeres tocaron instrumentos en bandas de garage de rock estadounidenses exclusivamente femeninas, ninguna de estas bandas logró más que el éxito regional. Por lo tanto, "no proporcionaron plantillas viables para la participación continua de las mujeres en el rock". En relación con la composición de género de las bandas de heavy metal, se ha dicho que "[h] eavy metal performers son casi exclusivamente masculinos" "... al menos hasta mediados de la década de 1980" aparte de "... músico ... y este es un punto del que estoy extremadamente preocupado ... podría jugar tan bien si no mejor que los chicos ".
Una banda totalmente femenina es un grupo musical en géneros como el rock y el blues que está compuesto exclusivamente por mujeres músicas. Esto es distinto de un grupo de chicas, en el que los miembros femeninos son exclusivamente vocalistas, aunque esta terminología no se aplica universalmente.