Música
Definición
| Música | |
|---|---|
 Una pintura en un antiguo jarrón griego representa una lección de música (hacia 510 aC). | |
| Medio | Sonido, silencio, tiempo |
| Cultura de origen | Varios |
| Era de origen | Era Paleolítica |
En su forma más general, las actividades que describen la música como una forma de arte o actividad cultural incluyen la creación de obras de música (canciones, melodías, sinfonías, etc.), la crítica de la música, el estudio de la historia de la música y el examen estético de la música. Los filósofos griegos e indios antiguos definieron la música como tonos ordenados horizontalmente como melodías y verticalmente como armonías. Los dichos comunes como "la armonía de las esferas" y "es música para mis oídos" apuntan a la noción de que la música a menudo es ordenada y agradable de escuchar. Sin embargo, el compositor del siglo XX John Cage pensó que cualquier sonido puede ser música, diciendo, por ejemplo, "No hay ruido, solo sonido".
The creation, performance, significance, and even the definition of music vary according to culture and social context. Indeed, throughout history, some new forms or styles of music have been criticized as "not being music", including Beethoven's Grosse Fuge string quartet in 1825, early jazz in the beginning of the 1900s and hardcore punk in the 1980s. There are many types of music, including popular music, traditional music, art music, music written for religious ceremonies and work songs such as chanteys. Music ranges from strictly organized compositions–such as Classical music symphonies from the 1700s and 1800s, through to spontaneously played improvisational music such as jazz, and avant-garde styles of chance-based contemporary music from the 20th and 21st centuries.
Music can be divided into genres (e.g., country music) and genres can be further divided into subgenres (e.g., country blues and pop country are two of the many country subgenres), although the dividing lines and relationships between music genres are often subtle, sometimes open to personal interpretation, and occasionally controversial. For example, it can be hard to draw the line between some early 1980s hard rock and heavy metal. Within the arts, music may be classified as a performing art, a fine art or as an auditory art. Music may be played or sung and heard live at a rock concert or orchestra performance, heard live as part of a dramatic work (a music theater show or opera), or it may be recorded and listened to on a radio, MP3 player, CD player, smartphone or as film score or TV show.
In many cultures, music is an important part of people's way of life, as it plays a key role in religious rituals, rite of passage ceremonies (e.g., graduation and marriage), social activities (e.g., dancing) and cultural activities ranging from amateur karaoke singing to playing in an amateur funk band or singing in a community choir. People may make music as a hobby, like a teen playing cello in a youth orchestra, or work as a professional musician or singer. The music industry includes the individuals who create new songs and musical pieces (such as songwriters and composers), individuals who perform music (which include orchestra, jazz band and rock band musicians, singers and conductors), individuals who record music (music producers and sound engineers), individuals who organize concert tours, and individuals who sell recordings and sheet music and scores to customers.
Etimología
La palabra deriva del griego μουσική ( mousike , "arte de las musas"). En la mitología griega, las nueve Musas fueron las diosas que inspiraron la literatura, la ciencia y las artes y que fueron la fuente del conocimiento incorporado en la poesía, letras de canciones y mitos en la cultura griega. Según el Diccionario etimológico en línea , el término "música" se deriva de "mediados de 13c., Musike, de Old French musique (12c.) Y directamente de la música latina" el arte de la música ", que también incluye la poesía (también [el ] fuente de español musica , italiano musica , antiguo alto alemán mosica , alemán Musik , holandés muziek , danés musik). Esto se deriva del "... griego mousike (techne) " (arte) de las Musas, "de fem. de mousikos "pertenecientes a las Musas", de Mousa "Musa" (ver musa (n.)). Deletreo moderno [fechas] de [la] 1630s. En la Grecia clásica, [el término "música" se refiere a] cualquier arte en el que las Musas presidieron, pero especialmente la música y la poesía lírica ".
Como una forma de arte o entretenimiento
La música se compone y ejecuta para muchos propósitos, que van desde el placer estético, propósitos religiosos o ceremoniales, o como un producto de entretenimiento para el mercado. Cuando la música solo estaba disponible a través de partituras, como durante las épocas clásica y romántica, los amantes de la música comprarían las partituras de sus canciones y canciones favoritas para que pudieran tocarlas en casa en el piano. Con la llegada de la grabación de sonido, los discos de canciones populares, en lugar de partituras, se convirtieron en la forma dominante en que los melómanos disfrutarían de sus canciones favoritas. Con el advenimiento de las grabadoras caseras en la década de 1980 y la música digital en la década de 1990, los amantes de la música podían hacer cintas o listas de reproducción de sus canciones favoritas y llevarlas consigo en un reproductor portátil de cassettes o reproductor de MP3. Algunos amantes de la música crean cintas mixtas de sus canciones favoritas,
Los músicos aficionados pueden componer o interpretar música para su propio placer, y derivar sus ingresos a otra parte. Los músicos profesionales son empleados por una variedad de instituciones y organizaciones, incluidas las fuerzas armadas (en bandas de música, bandas de conciertos y grupos de música popular), iglesias y sinagogas, orquestas sinfónicas, compañías de radio y televisión y escuelas de música. Los músicos profesionales a veces trabajan como freelancers o músicos de sesión, buscando contratos y compromisos en una variedad de entornos. A menudo hay muchos enlaces entre músicos aficionados y profesionales. Los principiantes músicos aficionados toman lecciones con músicos profesionales. En entornos comunitarios, los músicos aficionados avanzados se presentan con músicos profesionales en una variedad de conjuntos, como bandas de conciertos comunitarios y orquestas comunitarias.
A menudo se hace una distinción entre la música realizada para una audiencia en vivo y la música que se realiza en un estudio para que pueda ser grabada y distribuida a través del sistema minorista de música o el sistema de transmisión. Sin embargo, también hay muchos casos en los que también se graba y distribuye una actuación en vivo frente a una audiencia. Las grabaciones de conciertos en vivo son populares tanto en música clásica como en formas de música popular como el rock, donde los amantes de la música aprecian los conciertos en vivo grabados ilegalmente. En la escena de Jam Band, las sesiones improvisadas en vivo son preferibles a las grabaciones en estudio.
Composición
"Composición" es el acto o la práctica de crear una canción, una pieza de música instrumental, un trabajo con canto e instrumentos u otro tipo de música. En muchas culturas, incluida la música clásica occidental, el acto de componer también incluye la creación de notación musical, como una partitura de partitura, que luego es interpretada por el compositor o por otros cantantes o músicos. En la música popular y la música tradicional, el acto de componer, que normalmente se llama composición, puede incluir la creación de un esquema básico de la canción, llamado la hoja principal, que establece la melodía, las letras y la progresión de acordes. En la música clásica, el compositor suele orquestar sus propias composiciones, pero en el teatro musical y en la música pop, los compositores pueden contratar a un arreglista para hacer la orquestación. En algunos casos, un compositor no puede utilizar la notación en absoluto, y en su lugar componer la canción en su mente y luego reproducirla o grabarla desde la memoria. En el jazz y la música popular, las grabaciones notables de intérpretes influyentes reciben el peso que las partituras escritas tienen en la música clásica.
Incluso cuando la música se anota con relativa precisión, como en la música clásica, hay muchas decisiones que un artista intérprete o ejecutante tiene que hacer, porque la notación no especifica todos los elementos de la música con precisión. El proceso de decidir cómo interpretar música que se ha compuesto y anotado previamente se denomina "interpretación". Las interpretaciones de diferentes intérpretes del mismo trabajo de música pueden variar ampliamente, en términos de los tempos que se eligen y el estilo de reproducción o canto o el fraseo de las melodías. Los compositores y compositores que presentan su propia música interpretan sus canciones, tanto como los que interpretan la música de los demás. El cuerpo estándar de opciones y técnicas presentes en un momento dado y un lugar dado se conoce como práctica de rendimiento,
Aunque una composición musical a menudo usa notación musical y tiene un autor único, este no es siempre el caso. Una obra de música puede tener múltiples compositores, que a menudo ocurre en la música popular cuando una banda colabora para escribir una canción, o en el teatro musical, cuando una persona escribe las melodías, una segunda persona escribe las letras y una tercera persona orquesta las canciones . En algunos estilos de música, como el blues, un compositor / compositor puede crear, interpretar y grabar nuevas canciones o piezas sin escribirlas en notación musical. Una pieza de música también se puede componer con palabras, imágenes o programas de computadora que expliquen o anoten cómo el cantante o músico debe crear sonidos musicales. Los ejemplos van desde la música de vanguardia que usa notación gráfica hasta composiciones de texto como Aus den sieben Tagen., a programas de computadora que seleccionan sonidos para piezas musicales. La música que hace un uso intensivo de la aleatoriedad y el azar se llama música aleatoric y está asociada a compositores contemporáneos activos en el siglo XX, como John Cage, Morton Feldman y Witold Lutosławski. Un ejemplo más comúnmente conocido de música basada en el azar es el sonido de las campanas de viento tintineando en un abrir y cerrar de ojos.
El estudio de la composición ha estado tradicionalmente dominado por el examen de métodos y la práctica de la música clásica occidental, pero la definición de composición es lo suficientemente amplia para incluir la creación de música popular y canciones de música tradicional y piezas instrumentales, así como obras espontáneamente improvisadas como las de libre jazzperformers y percusionistas africanos como los tambores Ewe.
Notación
En la década de 2000, la notación musical generalmente significa la expresión escrita de notas musicales y ritmos en papel usando símbolos. Cuando se escribe música, se anotan los tonos y el ritmo de la música, como las notas de una melodía. La notación musical también suele proporcionar instrucciones sobre cómo interpretar la música. Por ejemplo, la partitura de una canción puede indicar que la canción es un "blues lento" o un "swing rápido", que indica el tempo y el género. Para leer la notación musical, una persona debe comprender la teoría de la música, la armonía y la práctica de ejecución asociada con una canción en particular o el género de una pieza.
Notación escrita varía con el estilo y el período de la música. En la década de 2000, la música anotada se produce como partitura o, para personas con programas de computadora, como una imagen en la pantalla de una computadora. En la antigüedad, la notación musical se colocaba en tabletas de piedra o arcilla. Para realizar música a partir de la notación, un cantante o instrumentista requiere una comprensión de los elementos rítmicos y de afinación incorporados en los símbolos y la práctica de ejecución que se asocia con una pieza de música o un género. En los géneros que requieren improvisación musical, el intérprete toca a menudo desde música donde solo se cambian los acordes y se escribe la forma de la canción, requiriendo que el intérprete tenga una gran comprensión de la estructura de la música, la armonía y los estilos de un género en particular (por ejemplo, jazz o música country).
En la música de arte occidental, los tipos más comunes de notación escrita son puntajes, que incluyen todas las partes de música de una pieza de conjunto y partes, que son la notación musical para los intérpretes o cantantes individuales. En música popular, jazz y blues, la notación musical estándar es la hoja principal, que muestra la melodía, los acordes, las letras (si es una pieza vocal) y la estructura de la música. Los libros falsos también se usan en el jazz; pueden consistir en hojas de plomo o simplemente diagramas de acordes, que permiten a los miembros de la sección rítmica improvisar una parte de acompañamiento de las canciones de jazz. Las partituras y las partes también se utilizan en la música popular y el jazz, especialmente en grandes conjuntos como el jazz "big bands". En la música popular, los guitarristas y los bajistas eléctricos a menudo leen música anotada en tablatura (a menudo abreviada como "pestaña"), que indica la ubicación de las notas que se tocarán en el instrumento usando un diagrama del diapasón de guitarra o bajo. La tabulatura también se usó en la época del Barroco para anotar música para el laúd, un instrumento con cuerdas y trastes.
Improvisación
La improvisación musical es la creación de música espontánea, a menudo dentro de (o se basa en) un marco armónico preexistente o una progresión de acordes. La improvisación es el acto de la composición instantánea de los artistas intérpretes, donde las técnicas de composición se emplean con o sin preparación. La improvisación es una parte importante de algunos tipos de música, como el blues, el jazz y la fusión de jazz, en la que los intérpretes instrumentales improvisan solos, líneas de melodía y partes de acompañamiento. En la tradición de la música de arte occidental, la improvisación fue una habilidad importante durante la época del Barroco y durante la época clásica. En la época del Barroco, los intérpretes improvisaban adornos y los teclados de bajo continuo reproducían acordes de acordes improvisados basados en la notación de bajo figurado. En la época clásica, solistas y cantantes improvisaron cadencias de virtuosos durante conciertos. Sin embargo, en el siglo XX y principios del XXI, como "práctica común", la interpretación de la música occidental se institucionalizó en orquestas sinfónicas, teatros de ópera y ballets, la improvisación jugó un papel menor. Al mismo tiempo, algunos compositores modernos han incluido cada vez más la improvisación en su trabajo creativo. En la música clásica india, la improvisación es un componente central y un criterio esencial de las actuaciones.
Teoría
La teoría musical abarca la naturaleza y los mecanísmos de la musica. A menudo implica identificar patrones que rigen las técnicas de los compositores y examinar el lenguaje y la notación de la música. En un sentido amplio, la teoría musical destila y analiza los parámetros o elementos de la música: ritmo, armonía (función armónica), melodía, estructura, forma y textura. En términos generales, la teoría de la música puede incluir cualquier declaración, creencia o concepción de la música o acerca de ella. Las personas que estudian estas propiedades son conocidas como teóricos de la música. Algunos han aplicado la acústica, la fisiología humana y la psicología a la explicación de cómo y por qué se percibe la música.
Elementos
La música tiene muchos fundamentos o elementos diferentes. Dependiendo de la definición de "elemento" que se use, estos pueden incluir: tono, ritmo o pulso, tempo, ritmo, melodía, armonía, textura, estilo, asignación de voces, timbre o color, dinámica, expresión, articulación, forma y estructura . Los elementos de la música ocupan un lugar destacado en los currículos de música de Australia, el Reino Unido y los Estados Unidos. Los tres currículos identifican el tono, la dinámica, el timbre y la textura como elementos, pero los otros elementos identificados de la música están lejos de ser universalmente acordados. A continuación hay una lista de las tres versiones oficiales de los "elementos de la música":
- Australia: tono, timbre, textura, dinámica y expresión, ritmo, forma y estructura.
- Reino Unido: tono, timbre, textura, dinámica, duración, tempo, estructura.
- EE.UU .: tono, timbre, textura, dinámica, ritmo, forma, armonía, estilo / articulación.
En relación con el plan de estudios del Reino Unido, en 2013 se añadió el término: "notaciones musicales apropiadas" a su lista de elementos y se cambió el título de la lista de "elementos de la música" a "dimensiones interrelacionadas de la música". Las dimensiones interrelacionadas de la música se enumeran como: tono, duración, dinámica, tempo, timbre, textura, estructura y notaciones musicales apropiadas.
La frase "los elementos de la música" se usa en varios contextos diferentes. Los dos contextos más comunes se pueden diferenciar describiéndolos como los "elementos rudimentarios de la música" y los "elementos perceptuales de la música".
Elementos rudimentarios
En el siglo XIX, las frases "los elementos de la música" y "los rudimentos de la música" se usaban indistintamente. Los elementos descritos en estos documentos se refieren a aspectos de la música necesarios para convertirse en músico. Escritores recientes como Estrella parecen estar usando la frase "elementos de la música" de manera similar. Una definición que refleja con más precisión este uso es: "los principios rudimentarios de un arte, ciencia, etc., los elementos de la gramática". El cambio de currículo del Reino Unido a las "dimensiones interrelacionadas de la música" parece ser un retroceso al uso de los elementos rudimentarios de la música.
Elementos perceptivos
Desde la aparición del estudio de la psicoacústica en la década de 1930, la mayoría de las listas de elementos de la música se han relacionado más con la forma en que escuchamos la música que con la forma en que aprendemos a tocarla o estudiarla. CE Seashore, en su libro Psychology of Music , identificó cuatro "atributos psicológicos del sonido". Estos fueron: "tono, volumen, tiempo y timbre" (p.3). Él no los llamó los "elementos de la música", sino que los llamó "componentes elementales" (p.2). Sin embargo, estos componentes elementales se vinculan precisamente con cuatro de los elementos musicales más comunes: "tono" y "timbre" coinciden exactamente, enlaces de "volumen" con dinámicas y vínculos de "tiempo" con los elementos de ritmo, duración y tempo basados en el tiempo. Este uso de la frase " La definición de Webster de un elemento como "una sustancia que no se puede dividir en una forma más simple por métodos conocidos" y las listas de elementos de las instituciones educativas generalmente también se alinean con esta definición.
Aunque los escritores de listas de "elementos rudimentarios de la música" pueden variar sus listas dependiendo de sus prioridades personales (o institucionales), los elementos perceptivos de la música deben consistir en una lista establecida (o comprobada) de elementos discretos que pueden manipularse independientemente para lograr un efecto musical intencionado. Parece en esta etapa que todavía hay investigación por hacer en esta área.
Análisis de estilos
Algunos estilos de música ponen énfasis en algunos de estos fundamentos, mientras que otros ponen menos énfasis en ciertos elementos. Para dar un ejemplo, mientras el jazz de la era Bebop usa acordes muy complejos, incluyendo dominantes alterados y desafiantes progresiones de acordes, con acordes que cambian dos o más veces por barra y teclas que cambian varias veces en una melodía, el funk pone la mayor parte de su énfasis en el ritmo y groove, con canciones enteras basadas en un vampiro en un solo acorde. Mientras que la música clásica de la era romántica desde mediados hasta finales de 1800 hace un gran uso de cambios dramáticos de dinámica, desde susurrantes secciones de pianissimo hasta estruendosas secciones fortissimo, algunas suites de baile barrocas para clavecín de principios del siglo XVIII pueden usar una sola dinámica. Para dar otro ejemplo, mientras que algunas piezas de música artística, como las sinfonías, son muy largas,
Descripción de los elementos
Tono y melodía
El tono es un aspecto de un sonido que podemos escuchar, que refleja si un sonido, nota o tono musical es "más alto" o "más bajo" que otro sonido, nota o tono musical. Podemos hablar de la alteza o bajeza del tono en un sentido más general, como la forma en que un oyente escucha una nota de piccolo agujereadamente alta o un tono de silbido cuando tiene un tono más alto que un golpe profundo de un bombo. También hablamos de tono en el sentido preciso asociado con melodías musicales, líneas de bajo y acordes. El tono preciso solo puede determinarse en sonidos que tienen una frecuencia que es clara y lo suficientemente estable como para distinguirla del ruido. Por ejemplo, es mucho más fácil para los oyentes discernir el tono de una sola nota tocada en un piano que tratar de discernir el tono de un platillo de choque que se golpea.
Una melodía (también llamada "melodía") es una serie de tonos (notas) que suenan en sucesión (uno después del otro), a menudo en un patrón ascendente y descendente. Las notas de una melodía se crean típicamente usando sistemas de tono como escalas o modos. Las melodías también suelen contener notas de los acordes utilizados en la canción. Las melodías en canciones populares simples y canciones tradicionales pueden usar solo las notas de una sola escala, la escala asociada con la nota tónica o la clave de una canción determinada. Por ejemplo, una canción folklórica en clave de C (también conocida como C mayor) puede tener una melodía que usa solo las notas de la escala mayor de C (las notas individuales C, D, E, F, G, A, B y C: estas son las "notas blancas" en el teclado de un piano. Por otro lado,♯ , G ♯ y A ♯ ). Una línea musical baja y profunda interpretada por instrumentos de bajo como contrabajo, bajo eléctrico o tuba se llama línea de bajo.
Armonía y acordes
La armonía se refiere a los sonidos "verticales" de los tonos en la música, lo que significa tonos que se tocan o se cantan al mismo tiempo para crear un acorde. Usualmente esto significa que las notas se tocan al mismo tiempo, aunque la armonía también puede estar implícita en una melodía que traza una estructura armónica (es decir, usando notas de melodía que se tocan una tras otra, delineando las notas de un acorde). En música escrita utilizando el sistema de tonalidad mayor-menor ("teclas"), que incluye la mayoría de la música clásica escrita entre 1600 y 1900 y la mayoría del pop occidental, rock y música tradicional, la clave de una pieza determina la escala utilizada, que se centra en la "nota de inicio" o la tónica de la tecla. Se escriben piezas clásicas simples y muchas canciones de música pop y tradicional para que toda la música esté en una sola tecla. Clásico más complejo, las canciones y piezas de música pop y tradicional pueden tener dos teclas (y en algunos casos tres o más teclas). La música clásica de la época romántica (escrita alrededor de 1820-1900) a menudo contiene múltiples claves, como el jazz, especialmente el jazz Bebop de la década de 1940, en el que la tecla o "nota de inicio" de una canción puede cambiar cada cuatro o incluso cada dos barras.
Ritmo
El ritmo es la disposición de sonidos y silencios en el tiempo. El medidor anima el tiempo en agrupaciones de pulsos regulares, llamadas medidas o barras, que en la música occidental clásica, popular y tradicional a menudo agrupan notas en conjuntos de dos (por ejemplo, 2/4 veces), tres (por ejemplo, 3/4 veces, también conocido como Tiempo de vals, o tiempo de 3/8), o cuatro (por ejemplo, tiempo de 4/4). Los medidores se hacen más fáciles de escuchar porque las canciones y las piezas a menudo (pero no siempre) ponen énfasis en el primer tiempo de cada agrupación. Existen excepciones notables, como el backbeat utilizado en gran parte del pop y rock occidental, en el que una canción que usa una medida que consta de cuatro tiempos (llamada tiempo 4/4 o tiempo común) tendrá acentos en los tiempos dos y cuatro, que son típicamente realizado por el baterista en el tambor, un instrumento de percusión fuerte y distintivo. En pop y rock,
Textura
La textura musical es el sonido general de una pieza de música o canción. La textura de una pieza o canción está determinada por la forma en que los materiales melódicos, rítmicos y armónicos se combinan en una composición, determinando así la naturaleza general del sonido en una pieza. La textura a menudo se describe con respecto a la densidad, o el grosor, y el rango, o ancho, entre los tonos más bajo y más alto, en términos relativos y más específicamente distinguidos según el número de voces o partes, y la relación entre estas voces (ver tipos comunes a continuación). Por ejemplo, una textura gruesa contiene muchas "capas" de instrumentos. Una de estas capas podría ser una sección de cuerda u otro latón. El grosor también se ve afectado por la cantidad y la riqueza de los instrumentos.
- monofonía: una sola melodía (o "melodía") sin acompañamiento instrumental ni una parte de armonía. Una madre cantando una canción de cuna a su bebé sería un ejemplo.
- heterofonía: dos o más instrumentos o cantantes que tocan / cantan la misma melodía, pero con cada intérprete variando ligeramente el ritmo o la velocidad de la melodía o añadiendo diferentes adornos a la melodía. Dos violinistas de bluegrass que tocan la misma melodía fiddle tradicional generalmente variarán un poco la melodía y cada uno agregará adornos diferentes.
- polifonía: múltiples líneas de melodía independientes que se entrelazan, que se cantan o se tocan al mismo tiempo. La música coral escrita en la época de la música renacentista se escribía típicamente con este estilo. Una ronda, que es una canción como "Row, Row, Row Your Boat", que los diferentes grupos de cantantes comienzan a cantar en un momento diferente, es un simple ejemplo de polifonía.
- homofonía: una melodía clara apoyada por el acompañamiento de acordes. La mayoría de las canciones de música popular occidental del siglo XIX en adelante están escritas en esta textura.
La música que contiene una gran cantidad de partes independientes (por ejemplo, un doble concierto acompañado por 100 instrumentos orquestales con muchas líneas melódicas entretejidas) generalmente se dice que tiene una textura "más gruesa" o "más densa" que un trabajo con pocas partes (por ej. melodía de flauta en solitario acompañada de un solo violonchelo).
Timbre o "tono de color"
Timbre, a veces llamado "color" o "color de tono" es la calidad o el sonido de una voz o instrumento. Timbre es lo que hace que un sonido musical en particular sea diferente de otro, incluso cuando tienen el mismo tono y volumen. Por ejemplo, una nota A 440 Hz suena diferente cuando se toca en oboe, piano, violín o guitarra eléctrica. Incluso si diferentes jugadores del mismo instrumento tocan la misma nota, sus notas pueden sonar diferentes debido a las diferencias en la técnica instrumental (por ejemplo, diferentes embocaduras), diferentes tipos de accesorios (por ejemplo, boquillas para instrumentos de viento, lengüetas para oboe y fagot) o cuerdas hechas de diferentes materiales para jugadores de cuerdas (por ejemplo, cuerdas intestinales versus cuerdas de acero).
Las características físicas del sonido que determinan la percepción del timbre incluyen el espectro, la envolvente y los matices de una nota o sonido musical. Para los instrumentos eléctricos desarrollados en el siglo XX, como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico y el piano eléctrico, el intérprete también puede cambiar el tono ajustando los controles del ecualizador, los controles de tono en el instrumento y usando unidades de efectos electrónicos como pedales de distorsión. El tono del órgano Hammond eléctrico se controla ajustando las barras de tiro.
Expresión
Las cualidades expresivas son aquellos elementos de la música que crean cambios en la música sin cambiar los tonos principales o cambiar sustancialmente los ritmos de la melodía y su acompañamiento. Los artistas intérpretes o ejecutantes, incluidos cantantes e instrumentistas, pueden agregar expresión musical a una canción o pieza agregando fraseo, agregando efectos como vibrato (con voz y algunos instrumentos, como guitarra, violín, instrumentos de viento de metal y madera), dinámica (el volumen o blandura de una pieza o una sección de ella), fluctuaciones de tempo (por ej., ritardando o accelerando, que son, respectivamente, ralentizando y acelerando el tempo), al agregar pausas o fermatas en una cadencia, y al cambiar la articulación de las notas ( por ejemplo, hacer notas más pronunciadas o acentuadas, haciendo que las notas sean más legato, lo que significa que se conectan suavemente, o haciendo que las notas sean más cortas).
La expresión se logra mediante la manipulación de tono (como inflexión, vibrato, diapositivas, etc.), volumen (dinámica, acento, trémolo, etc.), duración (fluctuaciones de tempo, cambios rítmicos, cambio de duración de la nota, como con legato y staccato, etc. .), timbre (p. ej., cambio del timbre vocal de una luz a una voz resonante) y, a veces, incluso textura (p. ej. doblar la nota grave para obtener un efecto más rico en una pieza de piano). Por lo tanto, la expresión puede verse como una manipulación de todos los elementos para transmitir "una indicación de estado de ánimo, espíritu, carácter, etc." y como tal no puede incluirse como un elemento perceptivo único de la música, aunque puede considerarse un elemento rudimentario importante de la música.
Formar
En música, la forma describe cómo es la estructura general o el plan de una canción o pieza de música, y describe el diseño de una composición dividida en secciones. A principios del siglo XX, las canciones de Tin Pan Alley y las canciones musicales de Broadway solían estar en formato AABA de 32 compases, en las que las secciones A repetían la misma melodía de ocho compases y la sección B proporcionaba una melodía y armonía opuestas para 8 compases. Desde la década de 1960 en adelante, las canciones pop y rock occidentales a menudo se presentan en coro en verso, que se basa en una secuencia de secciones de verso y coro (estribillo), con nuevas letras para la mayoría de los versos y letras repetidas para los coros. La música popular a menudo hace uso de la forma estrófica, a veces en combinación con el blues de los doce compases.
En la décima edición de The Oxford Companion to Music , Percy Scholes define la forma musical como "una serie de estrategias diseñadas para encontrar una media exitosa entre los extremos opuestos de la repetición sin alivio y la alteración sin alivio". Ejemplos de formas comunes de música occidental incluyen la fuga, la invención, sonata-allegro, canon, estrófico, tema y variaciones, y rondo. Scholes afirma que la música clásica europea solo tenía seis formas independientes: binario simple, ternario simple, binario compuesto, rondo, aire con variaciones y fuga (aunque el musicólogo Alfred Mann enfatizó que la fuga es principalmente un método de composición que a veces ha tomado en ciertas convenciones estructurales.)
Cuando una pieza no puede descomponerse fácilmente en unidades seccionales (aunque puede tomar prestada alguna forma de un poema, cuento o programa), se dice que está compuesta. Tal es a menudo el caso con una fantasía, preludio, rapsodia, etude (o estudio), poema sinfónico, Bagatelle, improvisado, etc. El profesor Charles Keil clasificó las formas y los detalles formales como "seccionales, de desarrollo o variacionales".
- Forma seccional
Esta forma se construye a partir de una secuencia de unidades definidas a las que se puede hacer referencia mediante letras pero que a menudo también tienen nombres genéricos como introducción y coda, exposición, desarrollo y recapitulación, verso, coro o estribillo y puente. Las introducciones y las codas, cuando no son más que eso, con frecuencia se excluyen del análisis formal. Todas esas unidades suelen tener ocho medidas de largo. Los formularios seccionales incluyen:
- Forma estrófica
Esta forma se define por su "repetición sin alivio" ( AAAA ...).
- Popurrí
Medley, popurrí es el extremo opuesto, el de "variación sin alivio": es simplemente una secuencia indefinida de secciones autónomas ( ABCD ...), a veces con repeticiones ( AABBCCDD ...). Los ejemplos incluyen oberturas orquestales, que a veces no son más que una cadena de las mejores canciones del espectáculo de teatro musical o la ópera por venir.
- Forma binaria
Esta forma usa dos secciones ( AB ...), cada una repetida con frecuencia ( AABB ...). En la música clásica occidental del siglo XVIII, la forma "binaria simple" se usaba a menudo para bailes y llevaba consigo la convención de que las dos secciones debían estar en diferentes teclas musicales pero con el mismo ritmo, duración y tono. La alternancia de dos melodías ofrece suficiente variedad para permitir que un baile se extienda por el tiempo que se desee. segundo
- Forma ternaria
Esta forma tiene tres partes. En la música clásica occidental, una forma ternaria simple tiene una tercera sección que es una recapitulación de la primera ( ABA ). A menudo, la primera sección se repite ( AABA ). Este enfoque era popular en la aria operística del siglo XVIII, y se llamaba da capo (es decir, "repite desde arriba"). Más tarde, dio lugar a la canción de 32 compases, con la sección B a menudo denominada "middle eight". Una canción tiene más necesidad que una danza de forma independiente con un principio y un final de curso.
- Forma rondó
Esta forma tiene un tema recurrente que alterna con diferentes secciones (generalmente contrastantes) llamadas "episodios". Puede ser asimétrico ( ABACADAEA ) o simétrico ( ABACABA). Una sección recurrente, especialmente el tema principal, a veces es más completamente variada, o bien un episodio puede ser un "desarrollo" de la misma. Un arreglo similar es la forma ritornello del concierto grosso barroco. La forma de arco ( ABCBA ) se asemeja a un rondo simétrico sin repeticiones intermedias del tema principal. Normalmente se usa en una ronda.
- Forma variacional
Las formas variables son aquellas en las que la variación es un elemento formativo importante.
Tema y variaciones: un tema, que en sí mismo puede ser de cualquier forma más corta (binaria, ternaria, etc.), forma la única "sección" y se repite indefinidamente (como en forma estrófica) pero se varía cada vez (A, B , A, F, Z, A), para hacer una especie de forma de cadena seccional. Una variante importante de esto, muy utilizada en la música británica del siglo XVII y en Passacaglia y Chaconne, fue la del bajo básico: un tema repetitivo de bajo o bajo ostinato basto sobre el cual se desarrolla el resto de la estructura, a menudo, pero no siempre, hilando hilos polifónicos o contrapuntísticos, o improvisando divisiones y decantaciones. Scholes (1977) dice que es la forma por excelencia de la música instrumental solista sin acompañamiento o acompañada. El Rondo se encuentra a menudo con secciones variadas (AABACABA ) o ( ABACABA).
- Forma de desarrollo
Las formas de desarrollo se construyen directamente a partir de unidades más pequeñas, como motivos. Una pieza clásica bien conocida con un motivo es la quinta sinfonía de Beethoven, que comienza con tres notas cortas repetidas y luego una nota larga. En las piezas clásicas que se basan en motivos, el motivo generalmente se combina, varía y se resuelve de diferentes maneras, tal vez con un apuntalamiento simétrico o similar a un arco y un desarrollo progresivo de principio a fin. Con mucho, la forma de desarrollo más importante en la música clásica occidental es la forma Sonata. Esta forma, también conocida como forma sonata , primera forma de movimiento, compuesta binaria, ternaria y una variedad de otros nombres, desarrollada a partir del movimiento de danza formado binariamente descrito anteriormente, pero casi siempre se emite en una forma ternaria mayor que tiene las subdivisiones nominales de Exposición, desarrollo y recapitulación . Por lo general, pero no siempre, las partes "A" (Exposición y Recapitulación, respectivamente) pueden subdividirse en dos o tres temas o grupos de temas que se separan y recombinan para formar la parte "B" (el desarrollo), por ejemplo, ( AabB [desarrollo de a y / o b] Aab + coda). Esta forma de desarrollo generalmente se limita a ciertas secciones de la pieza, en la sección media del primer movimiento de una sonata, aunque los compositores del siglo XIX como Berlioz, Liszt y Wagner hicieron valientes esfuerzos para derivar obras a gran escala pura o principalmente del motivo
Historia
Historia temprana
La música prehistórica solo puede ser teorizada en base a los hallazgos de los sitios arqueológicos del paleolítico. Las flautas a menudo se descubren, talladas de huesos en los cuales se han perforado agujeros laterales; se cree que estos han sido volados en un extremo como el shakuhachi japonés. Se cree que la flauta Divje Babe, tallada en un fémur de oso cavernario, tiene al menos 40,000 años de antigüedad. Instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos de instrumentos de cuerda, como el Ravanahatha, han sido recuperados de los sitios arqueológicos de la civilización del valle del Indo. India tiene una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo: referencias a la música clásica india ( marga) se encuentran en los Vedas, antiguas escrituras de la tradición hindú. La colección más antigua y más grande de instrumentos musicales prehistóricos se encontró en China y data de entre 7000 y 6600 aC. El "Himno de Hurrian a Nikkal", encontrado en tabletas de arcilla que datan aproximadamente del 1400 aC, es la obra de música escrita más antigua que se haya conservado.
Antiguo Egipto
Los antiguos egipcios acreditaron a uno de sus dioses, Thoth, con la invención de la música, con Osiris a su vez, como parte de su esfuerzo por civilizar el mundo. El material más antiguo y la evidencia representativa de los instrumentos musicales egipcios datan del período predinástico, pero la evidencia está más certificada en el Antiguo Reino cuando se tocaban arpas, flautas y clarinetes dobles. Instrumentos de percusión, liras y laúdes fueron añadidos a las orquestas por el Reino Medio. Los platillos acompañan con frecuencia a la música y la danza, al igual que todavía lo hacen en Egipto hoy en día. La música folclórica egipcia, incluidos los rituales tradicionales del dhikr sufí , es el género musical contemporáneo más cercano a la música egipcia antigua, ya que conserva muchas de sus características, ritmos e instrumentos.
Culturas asiáticas
La música clásica india es una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo. La civilización del Valle del Indo tiene esculturas que muestran danza e instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros. Varios tipos de instrumentos de cuerda y tambores han sido recuperados de Harappa y Mohenjo Daro por excavaciones llevadas a cabo por Sir Mortimer Wheeler. El Rigveda tiene elementos de la música india actual, con una notación musical para indicar el metro y el modo de cantar. La música clásica india (marga) es monofónica, y se basa en una sola línea de melodía o raga organizada rítmicamente a través de talas. Silappadhikaram por Ilango Adigal proporciona información sobre cómo se pueden formar nuevas escalas mediante el desplazamiento modal de la tónica desde una escala existente. La música indostaní estaba influenciada por las prácticas persas de los mughals afganos. La música carnática, popular en los estados del sur, es en gran parte devocional; la mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades hindúes. También hay muchas canciones que enfatizan el amor y otras cuestiones sociales.
La música asiática cubre las culturas musicales de Arabia, Asia Central, Asia Oriental, Asia Meridional y el Sudeste Asiático. La música clásica china, el arte tradicional o la música de corte de China, tiene una historia que se extiende a lo largo de unos tres mil años. Tiene sus propios sistemas únicos de notación musical, así como afinación musical y tono, instrumentos musicales y estilos o géneros musicales. La música china es pentatónica-diatónica, tiene una escala de doce notas a una octava (5 + 7 = 12) al igual que la música de influencia europea. La música persa es la música de los países del idioma persa y persa: musiqi , la ciencia y el arte de la música, y muzik , el sonido y la interpretación de la música (Sakata 1983).
Referencias en la Biblia
Los estudiosos de la música y el teatro que estudian la historia y la antropología de la cultura semita y judeocristiana temprana han descubierto vínculos comunes en la actividad teatral y musical entre las culturas clásicas de los hebreos y las de los griegos y romanos posteriores. El área común de actuación se encuentra en un "fenómeno social llamado letanía", una forma de oración que consiste en una serie de invocaciones o súplicas. El Journal of Religion and Theatre señala que, entre las primeras formas de letanía, "la letanía hebrea estuvo acompañada por una rica tradición musical".
- "Si bien Génesis 4.21 identifica a Jubal como el" padre de todos como manejar el arpa y la pipa ", el Pentateuco guarda casi silencio acerca de la práctica y la instrucción de la música en la vida temprana de Israel. Luego, en I Samuel 10 y los textos que sigue, sucede algo curioso. "Uno encuentra en el texto bíblico", escribe Alfred Sendrey, "un surgimiento repentino e inexplicable de grandes coros y orquestas, que consiste en grupos musicales completamente organizados y entrenados, lo que sería virtualmente inconcebible sin largas, metódicas preparación. "Esto ha llevado a algunos estudiosos a creer que el profeta Samuel fue el patriarca de una escuela, que enseñó no solo profetas y hombres santos, sino también músicos de rito sagrado. Esta escuela de música pública, tal vez la más antigua de la historia,no estaba restringido a una clase sacerdotal, que es como el pastor David aparece en la escena como un trovador del Rey Saúl ".
Antigua Grecia
La música era una parte importante de la vida social y cultural en la antigua Grecia. Los músicos y cantantes desempeñaron un papel destacado en el teatro griego. Coros mixtos de género interpretados para entretenimiento, celebración y ceremonias espirituales. Los instrumentos incluían los aulos de doble lengüeta y un instrumento de cuerda pulsada, la lira , principalmente el tipo especial llamado kithara.. La música era una parte importante de la educación, y a los niños se les enseñaba música a partir de los seis años. La alfabetización musical griega creó un florecimiento del desarrollo de la música. La teoría de la música griega incluía los modos musicales griegos, que eventualmente se convirtieron en la base de la música religiosa y clásica occidental. Más tarde, las influencias del Imperio Romano, Europa del Este y el Imperio Bizantino cambiaron la música griega. El epitafio de Seikilos es el ejemplo más antiguo que se conserva de una composición musical completa, incluida la notación musical, de cualquier parte del mundo. El trabajo más antiguo conservado escrito sobre el tema de la teoría musical es Harmonika Stoicheia de Aristoxeno .
Edades medias
La era medieval (476 a 1400), que tuvo lugar durante la Edad Media, comenzó con la introducción del canto monofónico (línea melódica única) en los servicios de la Iglesia Católica Romana. La notación musical se usó desde la antigüedad en la cultura griega, pero en la Edad Media, la iglesia católica introdujo la notación para que las melodías cantadas pudieran escribirse, para facilitar el uso de las mismas melodías para la música religiosa en todo el católico. imperio. El único repertorio medieval europeo que se ha encontrado en forma escrita antes de 800 es el canto liso monofónico litúrgico de la Iglesia Católica Romana, cuya tradición central se llamaba canto gregoriano. Junto a estas tradiciones de música sacra e iglesia, existía una vibrante tradición de canciones seculares (canciones no religiosas).
Renacimiento
La música renacentista (alrededor de 1400 a 1600) estaba más centrada en temas seculares (no religiosos), como el amor cortesano. Alrededor de 1450, se inventó la imprenta, lo que hacía que las partituras impresas fueran mucho menos costosas y más fáciles de producir en masa (antes de la invención de la imprenta, toda la música anotada se copiaba a mano). La mayor disponibilidad de partituras ayudó a difundir los estilos musicales más rápidamente y en un área más amplia. Los músicos y cantantes a menudo trabajaban para la iglesia, los tribunales y las ciudades. Los coros de la iglesia crecieron en tamaño, y la iglesia siguió siendo un importante mecenas de la música. A mediados del siglo XV, los compositores escribieron música sacra profusamente polifónica, en la que diferentes líneas de melodía se entrelazaron simultáneamente. Destacados compositores de esta época incluyen a Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Morley y Orlande de Lassus. A medida que la actividad musical pasó de la iglesia a las cortes aristocráticas, reyes, reinas y príncipes compitieron por los mejores compositores. Muchos importantes compositores importantes vinieron de los Países Bajos, Bélgica y el norte de Francia. Se los llama los compositores franco-flamencos. Mantuvieron posiciones importantes en toda Europa, especialmente en Italia. Otros países con una actividad musical vibrante incluyen Alemania, Inglaterra y España.
Barroco
La época barroca de la música tuvo lugar de 1600 a 1750, cuando el estilo artístico barroco floreció en toda Europa; y durante este tiempo, la música se expandió en su rango y complejidad. La música barroca comenzó cuando se escribieron las primeras óperas (música vocal solista dramática acompañada de orquesta). Durante la época del Barroco, la música contrapuntística polifónica, en la que se utilizaron múltiples líneas de melodía independientes simultáneas, siguió siendo importante (el contrapunto fue importante en la música vocal de la época medieval). Los compositores del Barroco alemán escribieron para pequeños conjuntos, incluyendo cuerdas, metales y instrumentos de viento de madera, así como para coros e instrumentos de teclado, como órgano de tubos, clavecín y clavicordio. Durante este período se definieron varias formas musicales importantes que duraron en períodos posteriores cuando se expandieron y evolucionaron aún más, incluida la fuga, la invención, la sonata y el concierto El estilo barroco tardío era polifónicamente complejo y ricamente ornamentado. Los compositores importantes de la época barroca incluyen Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel, Georg Philipp Telemannand Antonio Lucio Vivaldi.
Clasicismo
La música del período Clásico (1730 a 1820) tuvo como objetivo imitar lo que se consideraban los elementos clave del arte y la filosofía de la antigua Grecia y Roma: los ideales de equilibrio, proporción y expresión disciplinada. (Nota: la música del período clásico no debe confundirse con la música clásica en general, un término que hace referencia a la música de arte occidental desde el siglo V hasta la del 2000, que incluye el período clásico como uno de varios períodos). La música del período Clásico tiene una textura más ligera, clara y considerablemente más simple que la música Barroca que la precedió. El estilo principal fue la homofonía, donde una melodía prominente y una parte de acompañamiento cordal subordinada son claramente distintas. Las melodías instrumentales clásicas tendían a ser casi voicelike y cantables. Se desarrollaron nuevos géneros, y el fortepiano,
Importancia fue dada a la música instrumental. Estaba dominado por un mayor desarrollo de las formas musicales inicialmente definidas en el período barroco: la sonata, el concierto y la sinfonía. Otros tipos principales eran el trío, el cuarteto de cuerda, la serenata y el divertimento. La sonata fue la forma más importante y desarrollada. Aunque los compositores barrocos también escribieron sonatas, el estilo clásico de sonata es completamente distinto. Todas las formas instrumentales principales de la época clásica, desde cuartetos de cuerda hasta sinfonías y conciertos, se basaron en la estructura de la sonata. Los instrumentos utilizados en música de cámara y orquesta se estandarizaron más. En lugar del grupo de bajo continuo de la época barroca, que consistía en clavicémbalo, órgano o laúd, junto con una serie de instrumentos de bajo seleccionados a discreción del líder del grupo (por ejemplo, violín, violonchelo, theorbo, serpiente), los grupos de cámara clásica utilizaban instrumentos estandarizados específicos (por ejemplo, un cuarteto de cuerdas se realizaría con dos violines, una viola y un violonchelo). El acordeón improvisado de la era barroca del tecladista de continuo o laúd fue gradualmente eliminado entre 1750 y 1800.
Uno de los cambios más importantes realizados en el período clásico fue el desarrollo de conciertos públicos. La aristocracia todavía jugó un papel importante en el patrocinio de conciertos y composiciones, pero ahora era posible para los compositores sobrevivir sin ser empleados permanentes de reinas o príncipes. La popularidad creciente de la música clásica llevó a un crecimiento en el número y tipos de orquestas. La expansión de los conciertos orquestales requirió la construcción de grandes espacios públicos de actuación. La música sinfónica, incluidas las sinfonías, el acompañamiento musical al ballet y los géneros mixtos vocales / instrumentales, como la ópera y el oratorio, se hicieron cada vez más populares.
Los compositores más conocidos del clasicismo son Carl Philipp Emanuel Bach, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Franz Schubert. Beethoven y Schubert también se consideran compositores en la última parte de la era clásica, ya que comenzó a moverse hacia el Romanticismo.
Romanticismo
La música romántica (hacia 1810 a 1900) del siglo XIX tenía muchos elementos en común con los estilos románticos en la literatura y la pintura de la época. El romanticismo fue un movimiento artístico, literario e intelectual que se caracterizó por su énfasis en la emoción y el individualismo, así como en la glorificación de todo el pasado y la naturaleza. La música romántica se expandió más allá de los estilos rígidos y las formas de la época clásica en piezas y canciones expresivas más apasionadas y dramáticas. Compositores románticos como Wagner y Brahms intentaron aumentar la expresión emocional y el poder en su música para describir verdades más profundas o sentimientos humanos. Con poemas de tono sinfónico, los compositores intentaron contar historias y evocar imágenes o paisajes utilizando música instrumental. Algunos compositores promovieron el orgullo nacionalista con música orquestal patriótica inspirada en la música folclórica.
Los compositores románticos crecieron en idiosincrasia y fueron más allá en el sincretismo de explorar diferentes formas de arte en un contexto musical (como la literatura), la historia (figuras históricas y leyendas) o la naturaleza misma. El amor o el anhelo romántico era un tema predominante en muchas obras compuestas durante este período. En algunos casos, las estructuras formales del período clásico continuaron siendo utilizadas (por ejemplo, la forma sonata utilizada en cuartetos de cuerda y sinfonías), pero estas formas se expandieron y alteraron. En muchos casos, se exploraron nuevos enfoques para géneros, formas y funciones existentes. Además, se crearon nuevos formularios que se consideraron más adecuados para el nuevo tema. Los compositores continuaron desarrollando la música de ópera y ballet, explorando nuevos estilos y temas.
En los años posteriores a 1800, la música desarrollada por Ludwig van Beethoven y Franz Schubert introdujo un estilo más dramático y expresivo. En el caso de Beethoven, los motivos cortos, desarrollados orgánicamente, reemplazaron a la melodía como la unidad compositiva más significativa (un ejemplo es la característica figura de cuatro notas utilizada en su Quinta Sinfonía). Más tarde, compositores románticos como Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Antonín Dvořák y Gustav Mahler utilizaron acordes más inusuales y más disonancia para crear una tensión dramática. Generaron obras musicales complejas ya menudo mucho más largas. Durante el período tardío del Romanticismo, los compositores exploraron dramáticas alteraciones cromáticas de la tonalidad, como acordes extendidos y acordes alterados, que crearon nuevos "colores" de sonido. El siglo XIX vio una expansión dramática en el tamaño de la orquesta, y la revolución industrial ayudó a crear mejores instrumentos, creando un sonido más poderoso. Los conciertos públicos se convirtieron en una parte importante de la sociedad urbana acomodada. También vio una nueva diversidad en la música de teatro, incluida la opereta y la comedia musical y otras formas de teatro musical.
Música de los siglos XX y XXI
En el siglo XIX, una de las formas clave en que el público conocía nuevas composiciones era mediante la venta de partituras, que los amantes de la música aficionados de clase media tocaban en casa con el piano u otros instrumentos comunes, como el violín. Con la música del siglo XX, la invención de nuevas tecnologías eléctricas como la radiodifusión y la disponibilidad masiva de discos gramófonos significa que las grabaciones sonoras de canciones y piezas escuchadas por los oyentes (ya sea en la radio o en su tocadiscos) se convirtieron en la forma principal para aprender sobre nuevas canciones y piezas. Hubo un gran aumento en la escucha de música a medida que la radio ganó popularidad y se usaron fonógrafos para reproducir y distribuir música, porque mientras que en el siglo XIX, el enfoque en la música de hoja restringió el acceso a música nueva a la clase media y personas de clase alta que podían leer música y que poseían pianos e instrumentos, en el siglo 20, cualquiera con una radio o tocadiscos podía escuchar óperas, sinfonías y grandes bandas justo en su propia sala de estar. Esto permitió a las personas de bajos ingresos, que nunca podrían pagar una ópera o un boleto de concierto sinfónico para escuchar esta música. También significaba que las personas podían escuchar música de diferentes partes del país, o incluso de diferentes partes del mundo, incluso si no podían permitirse el lujo de viajar a estos lugares. Esto ayudó a difundir los estilos musicales. quién nunca podría permitirse una ópera o un boleto de concierto sinfónico para escuchar esta música. También significaba que las personas podían escuchar música de diferentes partes del país, o incluso de diferentes partes del mundo, incluso si no podían permitirse el lujo de viajar a estos lugares. Esto ayudó a difundir los estilos musicales. quién nunca podría permitirse una ópera o un boleto de concierto sinfónico para escuchar esta música. También significaba que las personas podían escuchar música de diferentes partes del país, o incluso de diferentes partes del mundo, incluso si no podían permitirse el lujo de viajar a estos lugares. Esto ayudó a difundir los estilos musicales.
El enfoque de la música artística en el siglo XX se caracterizó por la exploración de nuevos ritmos, estilos y sonidos. Los horrores de la Primera Guerra Mundial influyeron en muchas de las artes, incluida la música, y algunos compositores comenzaron a explorar sonidos más oscuros y más duros. Los compositores utilizaron estilos musicales tradicionales como el jazz y la música popular como fuente de ideas para la música clásica. Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg y John Cage fueron todos compositores influyentes en la música de arte del siglo XX. La invención de la grabación de sonido y la capacidad de editar música dio lugar a un nuevo subgénero de la música clásica, incluidas las escuelas de composición electrónica acusmática y Musique concrète. La grabación de sonido también fue una gran influencia en el desarrollo de los géneros de la música popular, ya que permitió la distribución de grabaciones de canciones y bandas. La introducción del sistema de grabación multipista tuvo una gran influencia en la música rock, porque podía hacer mucho más que grabar el rendimiento de una banda. Usando un sistema de multipistas, una banda y su productor de música podrían sobreescribir muchas capas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una presentación en vivo.
El jazz evolucionó y se convirtió en un género musical importante a lo largo del siglo XX, y durante la segunda mitad de ese siglo, la música rock hizo lo mismo. El jazz es una forma de arte musical estadounidense que se originó a principios del siglo XX en las comunidades afroamericanas del sur de los Estados Unidos a partir de una confluencia de tradiciones musicales africanas y europeas. El pedigrí del estilo del África occidental es evidente en el uso de notas azules, improvisación, polirritmias, síncopas y notas oscuras.
La música rock es un género de música popular que se desarrolló en la década de 1960 a partir del rock and roll de los años cincuenta, el rockabilly, el blues y la música country. El sonido del rock a menudo gira en torno a la guitarra eléctrica o la guitarra acústica, y utiliza un fuerte ritmo hacia atrás establecido por una sección rítmica de bajo eléctrico, batería e instrumentos de teclado como órgano, piano o, desde la década de 1970, analógico sintetizadores y digitales y computadoras desde la década de 1990. Junto con la guitarra o los teclados, el saxofón y la armónica de estilo blues se utilizan como instrumentos solos. En su "forma más pura", "tiene tres acordes, un ritmo fuerte e insistente, y una melodía pegadiza".
Actuación
El rendimiento es la expresión física de la música, que se produce cuando se canta una canción o cuando los músicos tocan una pieza de piano, una melodía de guitarra eléctrica, una sinfonía, un ritmo de tambor u otra parte musical. En la música clásica, una obra musical está escrita en notación musical por un compositor y luego se realiza una vez que el compositor está satisfecho con su estructura e instrumentación. Sin embargo, a medida que se realiza, la interpretación de una canción o pieza puede evolucionar y cambiar. En la música clásica, los intérpretes instrumentales, cantantes o directores pueden hacer cambios gradualmente en el fraseo o el tempo de una pieza. En la música popular y tradicional, los artistas tienen mucha más libertad para hacer cambios en la forma de una canción o pieza. Como tal, en los estilos de música popular y tradicional, incluso cuando una banda toca una canción de tapa,
Una presentación puede ser planificada y ensayada (practicada) -que es la norma en música clásica, con big bands de jazz y muchos estilos de música popular- o improvisada sobre una progresión de acordes (una secuencia de acordes), que es la norma en pequeño grupos de jazz y blues. Los ensayos de orquestas, bandas de conciertos y coros están dirigidos por un director de orquesta. Las bandas de rock, blues y jazz generalmente son dirigidas por el líder de la banda. Un ensayo es una repetición estructurada de una canción o pieza de los intérpretes hasta que se puede cantar y / o reproducir correctamente y, si es una canción o pieza para más de un músico, hasta que las partes estén juntas desde una perspectiva rítmica y afinada . La improvisación es la creación de una idea musical -una melodía u otra línea musical- creada en el lugar, a menudo basada en escalas o riffs melódicos preexistentes.
Muchas culturas tienen fuertes tradiciones de interpretación en solitario (en la que un cantante o instrumentista actúa), como en la música clásica india y en la tradición de la música artística occidental. Otras culturas, como en Bali, incluyen fuertes tradiciones de actuación grupal. Todas las culturas incluyen una mezcla de ambas, y el rendimiento puede ir desde la improvisación en solitario hasta actuaciones altamente planificadas y organizadas, como el concierto de música clásica moderna, procesiones religiosas, festivales de música clásica o concursos de música. La música de cámara, que es música para un conjunto pequeño con solo algunos de cada tipo de instrumento, a menudo se considera más íntima que las grandes obras sinfónicas.
Tradición oral y auditiva
Muchos tipos de música, como el blues tradicional y la música folclórica, no se escribieron en partituras; en su lugar, se conservaron originalmente en la memoria de los artistas intérpretes o ejecutantes, y las canciones se transmitieron oralmente, de un músico o cantante a otro, o auditivamente, en el que un intérprete aprende una canción "de oído". Cuando el compositor de una canción o pieza ya no se conoce, esta música a menudo se clasifica como "tradicional" o como "canción popular". Diferentes tradiciones musicales tienen diferentes actitudes hacia cómo y dónde hacer cambios en el material fuente original, desde bastante estricto, a los que exigen la improvisación o modificación de la música. La historia y las historias de una cultura también pueden transmitirse de oído a través de canciones.
Ornamentación
En música, un "adorno" es una decoración para una melodía, una línea de bajo u otra parte musical. El detalle incluido explícitamente en la notación musical varía entre géneros y períodos históricos. En general, la notación de música artística de los siglos XVII al XIX requería que los intérpretes tuvieran un gran conocimiento contextual sobre los estilos interpretativos. Por ejemplo, en los siglos XVII y XVIII, la música para solistas generalmente indicaba una melodía sencilla y sin adornos. Sin embargo, se esperaba que los artistas supieran cómo agregar adornos estilísticamente apropiados para agregar interés a la música, como trinos y giros.
En el siglo XIX, la música de arte para solistas puede dar una instrucción general como para interpretar la música expresivamente, sin describir en detalle cómo debe hacerlo el intérprete. Se esperaba que el intérprete supiera cómo usar cambios de tempo, acentuación y pausas (entre otros dispositivos) para obtener este estilo de interpretación "expresivo". En el siglo XX, la notación de música artística a menudo se volvió más explícita y usaba una variedad de marcas y anotaciones para indicar a los artistas cómo deberían tocar o cantar la pieza.
Filosofía y estética
La filosofía de la música es un subcampo de la filosofía. La filosofía de la música es el estudio de preguntas fundamentales con respecto a la música. El estudio filosófico de la música tiene muchas conexiones con las cuestiones filosóficas en metafísica y estética. Algunas preguntas básicas en la filosofía de la música son:
- ¿Cuál es la definición de música? (¿Cuáles son las condiciones necesarias y suficientes para clasificar algo como música?)
- ¿Cuál es la relación entre la música y la mente?
- ¿Qué nos revela la historia musical sobre el mundo?
- ¿Cuál es la conexión entre la música y las emociones?
- ¿Qué significa en relación con la música?
En la antigüedad, como en los antiguos griegos, la estética de la música exploró las dimensiones matemática y cosmológica de la organización rítmica y armónica. En el siglo XVIII, la atención se centró en la experiencia de escuchar música y, por lo tanto, en preguntas sobre su belleza y el disfrute humano ( plaisir y goce ) de la música. El origen de este cambio filosófico a veces se atribuye a Baumgarten en el siglo XVIII, seguido de Kant. A través de su escritura, el antiguo término "estética", que significa percepción sensorial, recibió su connotación actual. En la década de 2000, los filósofos han tendido a enfatizar cuestiones además de la belleza y el disfrute. Por ejemplo, la capacidad de la música para expresar emociones ha sido un tema central.
En el siglo XX, Peter Kivy, Jerrold Levinson, Roger Scruton y Stephen Davies hicieron contribuciones importantes. Sin embargo, muchos músicos, críticos musicales y otros no filósofos han contribuido a la estética de la música. En el siglo XIX, surgió un debate importante entre Eduard Hanslick, crítico musical y musicólogo, y el compositor Richard Wagner sobre si la música puede expresar significado. Harry Partch y algunos otros musicólogos, como Kyle Gann, han estudiado y tratado de popularizar la música microtonal y el uso de escalas musicales alternativas. También muchos compositores modernos como La Monte Young, Rhys Chatham y Glenn Branca prestaron mucha atención a una escala llamada solo entonación.
A menudo se piensa que la música tiene la capacidad de afectar nuestras emociones, intelecto y psicología; puede mitigar nuestra soledad o incitar nuestras pasiones. El filósofo Platón sugiere en la República que la música tiene un efecto directo sobre el alma. Por lo tanto, propone que en el régimen ideal la música estaría estrechamente regulada por el estado. (Libro VII)
Ha habido una fuerte tendencia en la estética de la música a enfatizar la importancia primordial de la estructura compositiva; sin embargo, otras cuestiones relacionadas con la estética de la música incluyen el lirismo, la armonía, el hipnotismo, la emotividad, la dinámica temporal, la resonancia, la alegría y el color (véase también el desarrollo musical).
Psicología
La psicología de la música moderna tiene como objetivo explicar y comprender el comportamiento y la experiencia musical. La investigación en este campo y sus subcampos son principalmente empíricos; su conocimiento tiende a avanzar sobre la base de las interpretaciones de los datos recopilados mediante la observación sistemática y la interacción con los participantes humanos. Además de su enfoque en las percepciones fundamentales y los procesos cognitivos, la psicología musical es un campo de investigación con relevancia práctica para muchas áreas, incluyendo la interpretación musical, la composición, la educación, la crítica y la terapia, así como investigaciones de aptitudes humanas, habilidades e inteligencia. , creatividad y comportamiento social.
Neurociencia cognitiva de la música
La neurociencia cognitiva de la música es el estudio científico de los mecanismos basados en el cerebro que participan en los procesos cognitivos subyacentes a la música. Estos comportamientos incluyen escuchar música, realizar, componer, leer, escribir y actividades auxiliares. También se preocupa cada vez más por la base del cerebro para la estética musical y la emoción musical. El campo se distingue por su dependencia de las observaciones directas del cerebro, usando técnicas como la resonancia magnética funcional (fMRI), estimulación magnética transcraneal (TMS), magnetoencefalografía (MEG), electroencefalografía (EEG) y tomografía por emisión de positrones (PET) .
Musicología cognitiva
La musicología cognitiva es una rama de la ciencia cognitiva relacionada con el modelado computacional del conocimiento musical con el objetivo de comprender tanto la música como la cognición. El uso de modelos informáticos proporciona un medio exacto e interactivo en el que formular y probar teorías y tiene raíces en la inteligencia artificial y la ciencia cognitiva.
Este campo interdisciplinario investiga temas como el paralelismo entre el lenguaje y la música en el cerebro. Los modelos de computación inspirados biológicamente a menudo se incluyen en la investigación, como las redes neuronales y los programas evolutivos. Este campo busca modelar cómo se representa, almacena, percibe, interpreta y genera el conocimiento musical. Mediante el uso de un entorno informático bien estructurado, las estructuras sistemáticas de estos fenómenos cognitivos se pueden investigar.
Psicoacústica
La psicoacústica es el estudio científico de la percepción del sonido. Más específicamente, es la rama de la ciencia que estudia las respuestas psicológicas y fisiológicas asociadas con el sonido (incluido el habla y la música). Se puede categorizar además como una rama de la psicofísica.
Musicología evolutiva
La musicología evolutiva se refiere a los "orígenes de la música, la cuestión de la canción de los animales, las presiones de selección subyacentes a la evolución de la música" y la "evolución de la música y la evolución humana". Busca comprender la percepción y la actividad musical en el contexto de la teoría evolutiva. Charles Darwin especuló que la música puede haber tenido una ventaja adaptativa y funcionó como un protolenguaje, una visión que ha engendrado varias teorías rivales sobre la evolución de la música. Una vista alternativa ve la música como un subproducto de la evolución lingüística; un tipo de "tarta de queso auditiva" que agrada a los sentidos sin proporcionar ninguna función adaptativa. Esta visión ha sido contrarrestada directamente por numerosos investigadores de la música.
Cultura en la cognición musical
La cultura u origen étnico de un individuo desempeña un papel en su cognición musical, incluidas sus preferencias, reacción emocional y memoria musical. Las preferencias musicales están sesgadas hacia tradiciones musicales culturalmente familiares que comienzan en la infancia, y la clasificación de los adultos de la emoción de una pieza musical depende de características estructurales culturalmente específicas y universales. Además, las habilidades de memoria musical de los individuos son mayores para la música culturalmente familiar que para la música culturalmente desconocida.
Aspectos sociológicos
Muchos estudios etnográficos demuestran que la música es una actividad participativa y basada en la comunidad. La música es experimentada por individuos en una variedad de entornos sociales que van desde estar solos hasta asistir a un gran concierto, formando una comunidad musical, que no puede entenderse como una función de voluntad o accidente individual; incluye participantes comerciales y no comerciales con un conjunto compartido de valores comunes. Las actuaciones musicales toman diferentes formas en diferentes culturas y entornos socioeconómicos. En Europa y América del Norte, a menudo existe una división entre los tipos de música que se consideran como "alta cultura" y "baja cultura". Los tipos de música de "alta cultura" suelen incluir música de arte occidental como las sinfonías, conciertos y obras solistas del Barroco, el Clásico, el Romanticismo y la era moderna.
Otros tipos de música, como jazz, blues, soul y country, se realizan a menudo en bares, discotecas y teatros, donde el público puede beber, bailar y expresarse animando. Hasta finales del siglo XX, la división entre formas musicales "altas" y "bajas" fue ampliamente aceptada como una distinción válida que separaba mejor calidad, más "música de arte" de los estilos populares de música que se escuchaban en bares y salones de baile.
Sin embargo, en las décadas de 1980 y 1990, los musicólogos que estudiaban esta división percibida entre los géneros musicales "alto" y "bajo" argumentaban que esta distinción no se basa en el valor musical o la calidad de los diferentes tipos de música. Más bien, argumentaron que esta distinción se basaba en gran medida en la posición socioeconómica permanente o en la clase social de los intérpretes o la audiencia de los diferentes tipos de música. Por ejemplo, mientras que el público de los conciertos sinfónicos clásicos suele tener ingresos superiores a la media, el público de un concierto de rap en un área del centro de la ciudad puede tener ingresos por debajo del promedio. Aunque los intérpretes, la audiencia o el lugar donde se realiza la música que no es de "arte" pueden tener un nivel socioeconómico más bajo, la música que se ejecuta, como blues, rap, punk, funk o ska puede ser muy compleja y sofisticada.
Cuando los compositores introducen estilos de música que rompen con las convenciones, puede haber una gran resistencia por parte de los expertos en música académica y la cultura popular. Los últimos cuartetos de cuerda de Beethoven, las partituras de ballet de Stravinsky, el serialismo, el jazz de la era bebop, el hip hop, el punk rock y la electrónica han sido considerados no musicales por algunos críticos cuando se presentaron por primera vez. Tales temas son examinados en la sociología de la música. El estudio sociológico de la música, a veces llamado sociomusicología, a menudo se realiza en los departamentos de sociología, estudios de medios o música, y está estrechamente relacionado con el campo de la etnomusicología.
Papel de las mujeres
Las mujeres han desempeñado un papel importante en la música a lo largo de la historia, como compositores, compositores, intérpretes instrumentales, cantantes, directores de orquesta, estudiosos de la música, educadores musicales, críticos de música / periodistas musicales y otras profesiones musicales. Además, describe movimientos de música, eventos y géneros relacionados con las mujeres, las cuestiones de las mujeres y el feminismo. En la década de 2010, mientras que las mujeres representan una proporción significativa de cantantes de música popular y música clásica, y una proporción significativa de compositores (muchos de ellos son cantautores), hay pocas mujeres productoras de discos, críticos de rock e instrumentistas de rock. Aunque ha habido un gran número de mujeres compositoras en la música clásica, desde el período medieval hasta el presente, las mujeres compositoras están significativamente subrepresentadas en el repertorio de música clásica interpretada comúnmente, libros de texto de historia musical y enciclopedias musicales; por ejemplo, en el Concise Oxford History of Music , Clara Schumann es una de las pocas compositoras femeninas que se menciona.
Las mujeres representan una proporción significativa de solistas instrumentales en la música clásica y el porcentaje de mujeres en las orquestas va en aumento. Sin embargo, un artículo de 2015 sobre solistas de conciertos en las principales orquestas canadienses indicó que el 84% de los solistas de la Orquesta Sinfónica de Montreal eran hombres. En 2012, las mujeres todavía constituían solo el 6% de la orquesta filarmónica de Viena mejor clasificada. Las mujeres son menos comunes como intérpretes instrumentales en los géneros de la música popular, como el rock y el heavy metal, aunque ha habido varias instrumentistas femeninas notables y bandas exclusivamente femeninas. Las mujeres están particularmente poco representadas en los géneros de metal extremo. En la escena de la música pop de la década de 1960, "[l] ike la mayoría de los aspectos del ... negocio de la música, [en la década de 1960], la composición de canciones era un campo dominado por los hombres. Aunque había muchas cantantes femeninas en la radio, mujeres ... .
Las mujeres también están subrepresentadas en la dirección de orquesta, la crítica musical / el periodismo musical, la producción de música y la ingeniería de sonido. Mientras que las mujeres se desalentaron a componer en el siglo XIX, y hay pocas mujeres musicólogas, las mujeres se involucraron en la educación musical "... a tal grado que las mujeres dominaron [este campo] durante la segunda mitad del siglo XIX y hasta bien entrado el siglo 20."
De acuerdo con Jessica Duchen, una escritora de música para The Independent de Londres , las mujeres músicas en la música clásica son "... a menudo juzgadas por sus apariencias, en lugar de por su talento" y se enfrentan a la presión "... para verse sexy en el escenario y en las fotos". Duchen afirma que si bien "[t] a hay músicos mujeres que se niegan a jugar con su apariencia, ... los que sí tienden a ser más exitosos materialmente". Según la editora de Radio 3 del Reino Unido, Edwina Wolstencroft, la industria de la música ha estado abierta durante mucho tiempo a tener mujeres en papeles de desempeño o entretenimiento, pero las mujeres son menos propensas a tener cargos de autoridad, como ser la líder de una orquesta. En la música popular, si bien hay muchas cantantes que graban canciones, hay muy pocas mujeres detrás de la consola de audio que actúen como productoras de música, las personas que dirigen y administran el proceso de grabación.
Medios y tecnología
La música que hacen los compositores se puede escuchar a través de varios medios; la forma más tradicional es escucharla en vivo, en presencia de los músicos (o como uno de los músicos), en un espacio exterior o interior como un anfiteatro, sala de conciertos, sala de cabaret o teatro. Desde el siglo XX, la música en vivo también se puede transmitir por radio, televisión o Internet, o grabarse y escucharse en un reproductor de CD o Mp3. Algunos estilos musicales se centran en producir un sonido para una actuación, mientras que otros se enfocan en producir una grabación que mezcla sonidos que nunca se tocaron "en vivo". La grabación, incluso de estilos esencialmente en vivo como el rock, a menudo utiliza la capacidad de editar y empalmar para producir grabaciones que se pueden considerar "mejores" que el rendimiento real.
La tecnología ha tenido una influencia en la música desde la prehistoria, cuando las personas de las cuevas usaban herramientas simples para hacer agujeros en las flautas de hueso hace 41,000 años. La tecnología siguió influyendo en la música a lo largo de la historia de la música, ya que permitió el uso de nuevos instrumentos y sistemas de reproducción de notación musical. Uno de los momentos decisivos en la notación musical fue la invención de la imprenta en el siglo XV, lo que significó puntuaciones musicales más tiempo tuvo que ser copiado a mano. En el siglo XIX, la tecnología musical condujo al desarrollo de un piano más potente y ruidoso y condujo al desarrollo de nuevas válvulas de instrumentos de metal. A principios del siglo XX (a fines de la década de 1920), a medida que aparecían las imágenes habladas a principios del siglo XX, con sus canciones musicales pregrabadas, un creciente número de músicos de orquestas de salas de cine se encontraron sin trabajo. Durante la década de 1920, las actuaciones musicales en vivo de orquestas, pianistas y organistas de teatro eran comunes en los teatros de primera carrera. Con la llegada de las películas en movimiento, esas actuaciones destacadas fueron en gran parte eliminadas. La Federación Estadounidense de Músicos (AFM, por sus siglas en inglés) sacó anuncios en los periódicos que protestaban por el reemplazo de músicos en vivo por dispositivos de reproducción mecánica. Un anuncio de 1929 que apareció en el Pittsburgh Press presenta una imagen de una lata etiquetada como "música enlatada / marca de gran ruido / garantizada para no producir ninguna reacción intelectual o emocional".
Desde la promulgación de legislación para ayudar a proteger a los artistas intérpretes o ejecutantes, compositores, editores y productores, incluida la Ley de grabación casera de audio de 1992 en los Estados Unidos, y el Convenio revisado de 1979 para la protección de obras literarias y artísticas en el Reino Unido, grabaciones y actuaciones en vivo también se han vuelto más accesibles a través de computadoras, dispositivos e Internet en una forma que comúnmente se conoce como Music-On-Demand.
En muchas culturas, hay menos distinción entre tocar y escuchar música, ya que prácticamente todo el mundo está involucrado en algún tipo de actividad musical, a menudo comunitaria. En los países industrializados, escuchar música a través de una forma grabada, como grabar un sonido o ver un video musical, se volvió más común que experimentar la actuación en vivo, aproximadamente a mediados del siglo XX.
A veces, las actuaciones en vivo incorporan sonidos pregrabados. Por ejemplo, un disc jockey usa discos para rascar, y algunas obras del siglo XX tienen un solo para un instrumento o voz que se ejecuta junto con música pregrabada en una cinta. Las computadoras y muchos teclados se pueden programar para producir y reproducir música de la Interfaz Digital de Instrumentos Musicales (MIDI). Las audiencias también pueden convertirse en artistas participando en karaoke, una actividad de origen japonés centrada en un dispositivo que reproduce versiones eliminadas de voz de canciones conocidas. La mayoría de las máquinas de karaoke también tienen pantallas de video que muestran las letras de las canciones que se interpretan; los artistas pueden seguir las letras mientras cantan sobre las pistas instrumentales.
Internet
El advenimiento de Internet y el amplio acceso de banda ancha de alta velocidad ha transformado la experiencia de la música, en parte gracias a la mayor facilidad de acceso a las grabaciones de música a través de la transmisión de video y a la enorme variedad de música para los consumidores. Chris Anderson, en su libro The Long Tail: Por qué el futuro de los negocios está vendiendo menos de más, sugiere que si bien el modelo económico tradicional de oferta y demanda describe la escasez, el modelo minorista de Internet se basa en la abundancia. Los costos de almacenamiento digital son bajos, por lo que una empresa puede permitirse hacer que todo su inventario de grabación esté disponible en línea, brindando a los clientes tantas opciones como sea posible. Por lo tanto, es económicamente viable ofrecer grabaciones musicales en las que muy pocas personas estén interesadas. La creciente conciencia de los consumidores sobre su mayor elección resulta en una asociación más cercana entre los gustos auditivos y la identidad social, y la creación de miles de nichos de mercado.
Otro efecto de Internet surgió con comunidades en línea y sitios web de redes sociales como YouTube y Facebook, un servicio de redes sociales. Estos sitios facilitan que los cantantes aspirantes y las bandas de aficionados distribuyan videos de sus canciones, se conecten con otros músicos y ganen interés entre la audiencia. Los músicos profesionales también usan YouTube como editor gratuito de material promocional. Los usuarios de YouTube, por ejemplo, ya no solo descargan y escuchan MP3, sino que también crean activamente el suyo propio. Según Don Tapscott y Anthony D. Williams, en su libro Wikinomics , ha habido un cambio desde un rol de consumidor tradicional a lo que ellos llaman un rol de "prosumidor", un consumidor que crea contenido y consume. Las manifestaciones de esto en la música incluyen la producción de mezclas, remixes y videos musicales por parte de los fanáticos.
Negocio
La industria de la música se refiere a las empresas relacionadas con la creación y venta de música. Consiste en compositores y compositores que crean nuevas canciones y piezas musicales, productores de música e ingenieros de sonido que graban canciones y piezas, sellos discográficos y editores que distribuyen productos de música grabados y partituras internacionales y que a menudo controlan los derechos de esos productos. Algunas etiquetas de música son "independientes", mientras que otras son subsidiarias de entidades corporativas más grandes o grupos de medios internacionales. En la década de 2000, la creciente popularidad de escuchar música como archivos de música digital en reproductores de MP3, iPod o computadoras y de intercambiar música en sitios web para compartir archivos o comprarla en línea en forma de archivos digitales tuvo un gran impacto en la música tradicional. negocio. Muchas tiendas de CD independientes más pequeñas cerraron sus negocios debido a que los compradores de música disminuyeron sus compras de CD, y muchas etiquetas tuvieron una menor venta de CD. Sin embargo, algunas compañías hicieron bien con el cambio a un formato digital, como iTunes de Apple, una tienda de música en línea que vende archivos digitales de canciones a través de Internet.
Leyes de propiedad intelectual
A pesar de algunos tratados internacionales de derechos de autor, determinar qué música es de dominio público se complica por la variedad de leyes nacionales de derecho de autor que pueden aplicarse. La ley estadounidense de derechos de autor protegía anteriormente la música impresa publicada después de 1923 por 28 años y con renovación por otros 28 años, pero la Ley de Copyright de 1976 hizo la renovación automática, y la Ley de Derechos de Autor Digital Millennium cambió el cálculo del término de copyright a 70 años después de la muerte del creador El sonido grabado cae bajo licencia mecánica, a menudo cubierto por un confuso mosaico de leyes estatales; la mayoría de las versiones de portada están autorizadas a través de la Agencia Harry Fox. Los derechos de interpretación pueden ser obtenidos por los artistas intérpretes o ejecutantes o por el lugar del espectáculo; las dos principales organizaciones de licencias son BMI y ASCAP.
Educación
No profesional
La incorporación de un poco de música o entrenamiento de canto en la educación general desde la educación preescolar hasta la educación postsecundaria es común en América del Norte y Europa. Se cree que la participación en tocar y cantar música enseña habilidades básicas como la concentración, el conteo, la escucha y la cooperación, al mismo tiempo que promueve la comprensión del lenguaje, mejora la capacidad de recordar información y crea un ambiente más propicio para el aprendizaje en otras áreas. las escuelas, los niños a menudo aprenden a tocar instrumentos como la grabadora, cantan en pequeños coros y aprenden sobre la historia de la música de arte occidental y la música tradicional. Algunos niños de escuela primaria también aprenden sobre estilos musicales populares. En las escuelas religiosas, los niños cantan himnos y otra música religiosa. En las escuelas secundarias (y menos comúnmente en las escuelas primarias), los estudiantes pueden tener la oportunidad de tocar en algunos tipos de conjuntos musicales, como coros (un grupo de cantantes), bandas de música, bandas de conciertos, bandas de jazz u orquestas. En algunos sistemas escolares, se pueden proporcionar lecciones de música sobre cómo tocar los instrumentos. Algunos estudiantes también toman clases privadas de música después de la escuela con un profesor de canto o de instrumento. Los músicos aficionados generalmente aprenden los rudimentos musicales básicos (por ejemplo, aprender sobre la notación musical para escalas y ritmos musicales) y el canto de principiante a intermedio o las técnicas para tocar instrumentos. Algunos estudiantes también toman clases privadas de música después de la escuela con un profesor de canto o de instrumento. Los músicos aficionados generalmente aprenden los rudimentos musicales básicos (por ejemplo, aprender sobre la notación musical para escalas y ritmos musicales) y el canto de principiante a intermedio o las técnicas para tocar instrumentos. Algunos estudiantes también toman clases privadas de música después de la escuela con un profesor de canto o de instrumento. Los músicos aficionados generalmente aprenden los rudimentos musicales básicos (por ejemplo, aprender sobre la notación musical para escalas y ritmos musicales) y el canto de principiante a intermedio o las técnicas para tocar instrumentos.
En el nivel universitario, los estudiantes de la mayoría de los programas de artes y humanidades pueden recibir créditos por tomar algunos cursos de música, que generalmente toman la forma de un curso general sobre la historia de la música, o un curso de apreciación musical que se enfoca en escuchar música y aprender sobre diferentes estilos musicales. Además, la mayoría de las universidades norteamericanas y europeas tienen algunos tipos de conjuntos musicales en los que los estudiantes de artes y humanidades pueden participar, como coros, bandas de música, bandas de conciertos u orquestas. El estudio de la música de arte occidental es cada vez más común fuera de América del Norte y Europa, como el Instituto Indonesio de las Artes en Yogyakarta, Indonesia, o los programas de música clásica que están disponibles en países asiáticos como Corea del Sur, Japón y China. Al mismo tiempo,
Entrenamiento profesional
Las personas que aspiran a convertirse en músicos profesionales, cantantes, compositores, compositores, profesores de música y profesionales de otras profesiones relacionadas con la música como profesores de historia de la música, ingenieros de sonido, etc., estudian en programas especializados postsecundarios ofrecidos por colegios, universidades y conservatorios de música . Algunas instituciones que capacitan a individuos para carreras en música ofrecen capacitación en una amplia gama de profesiones, como es el caso de muchas de las principales universidades de EE. UU., Que ofrecen títulos en interpretación musical (incluidos instrumentos de canto e interpretación), historia de la música, teoría musical. composición musical, educación musical (para individuos que aspiran a convertirse en maestros de música de primaria o secundaria) y, en algunos casos, dirección. Por otro lado, algunas universidades pequeñas solo pueden ofrecer capacitación en una sola profesión (por ejemplo, grabación de sonido).
Si bien la mayoría de los programas de música para conservatorios y universitarios se enfocan en la formación de estudiantes de música clásica, hay varias universidades que entrenan a músicos para carreras como jazz o músicos y compositores de música popular, con ejemplos notables de EE. UU. Como Manhattan School of Music y Berklee. Colegio de Música. Dos importantes escuelas en Canadá que ofrecen formación profesional de jazz son McGill University y Humber College. Las personas que aspiran a carreras en algunos tipos de música, como la música heavy metal, la música country o el blues tienen menos probabilidades de convertirse en profesionales completando títulos o diplomas en institutos o universidades. En cambio, típicamente aprenden sobre su estilo de música cantando y / o tocando en muchas bandas (a menudo comenzando en bandas de aficionados, bandas de covers y bandas de tributo), estudiando grabaciones disponibles en CD, DVD e Internet y trabajando con profesionales ya establecidos en su estilo de música, ya sea a través de mentores informales o lecciones regulares de música. Desde la década de 2000, la creciente popularidad y disponibilidad de los foros de Internet y videos de "cómo hacer" de YouTube han permitido a muchos cantantes y músicos de metal, blues y géneros similares mejorar sus habilidades. Muchos cantantes de pop, rock y country se entrenan informalmente con entrenadores vocales y maestros de canto.
De licenciatura
Los títulos universitarios de pregrado en música, incluido el Bachelor of Music, el Bachelor of Music Education y el Bachelor of Arts (con especialización en música) suelen tardar unos cuatro años en completarse. Estos títulos proporcionan a los estudiantes una base en la teoría de la música y la historia de la música, y muchos estudiantes también estudian un instrumento o aprenden técnicas de canto como parte de su programa. Los graduados de programas de música de pregrado pueden buscar empleo o continuar estudiando en programas de postgrado de música. Los graduados de licenciatura también son elegibles para postularse a algunos programas de posgrado y escuelas profesionales fuera de la música (por ejemplo, administración pública, administración de empresas, ciencias bibliotecarias y, en algunas jurisdicciones, facultades, facultades de derecho o facultades de medicina).
Graduado
Los títulos de música para graduados incluyen el Master of Music, el Master of Arts (en musicología, teoría musical u otro campo musical), el Doctor of Philosophy (Ph.D.) (por ejemplo, en musicología o teoría musical), y más recientemente, el Doctor en Artes Musicales, o DMA. El título de Maestría en Música, que toma de uno a dos años para completarse, generalmente se otorga a los estudiantes que estudian la interpretación de un instrumento, educación, voz (canto) o composición. El título de Maestría en Artes, que requiere de uno a dos años para completarse y, a menudo requiere una tesis, generalmente se otorga a los estudiantes que estudian musicología, historia de la música, teoría musical o etnomusicología.
El doctorado, que se requiere para los estudiantes que desean trabajar como profesores universitarios en musicología, historia de la música o teoría musical, requiere de tres a cinco años de estudio después de la maestría, tiempo durante el cual el estudiante completará cursos avanzados y emprenderá investigaciones para una tesis. El DMA es un grado relativamente nuevo que se creó para proporcionar una credencial para los artistas o compositores profesionales que desean trabajar como profesores universitarios en la actuación o composición musical. El DMA toma de tres a cinco años después de una maestría, e incluye cursos avanzados, proyectos y actuaciones. En la época medieval, el estudio de la música era uno de los Quadrivium de las siete Artes Liberales y se consideraba vital para el aprendizaje superior. Dentro del Quadrivium cuantitativo, la música o, más exactamente, los armónicos,
Musicología
La musicología, el estudio académico de la asignatura de música, se estudia en universidades y conservatorios de música. Las primeras definiciones del siglo XIX definieron tres subdisciplinas de musicología: musicología sistemática, musicología histórica y musicología comparada o etnomusicología. En la beca de la era 2010, es más probable encontrar una división de la disciplina en la teoría de la música, la historia de la música y la etnomusicología. La investigación en musicología a menudo se ha enriquecido con el trabajo interdisciplinario, por ejemplo en el campo de la psicoacústica. El estudio de la música de culturas no occidentales y el estudio cultural de la música se llama etnomusicología. Los estudiantes pueden cursar estudios de pregrado de musicología, etnomusicología, historia de la música y teoría musical a través de diferentes tipos de títulos, incluidos los títulos de licenciatura, maestría.
Teoría musical
La teoría musical es el estudio de la música, generalmente de una manera muy técnica fuera de otras disciplinas. En términos más generales, se refiere a cualquier estudio de música, generalmente relacionado de alguna forma con cuestiones de composición, y puede incluir matemáticas, física y antropología. Lo que se enseña más comúnmente en las clases de teoría musical inicial son las pautas para escribir en el estilo del período de práctica común o la música tonal. La teoría, incluso la música del período de práctica común, puede tomar muchas otras formas. La teoría de conjuntos musicales es la aplicación de la teoría de conjuntos matemáticos a la música, aplicada por primera vez a la música atonal. La teoría de la música especulativa , en contraste con la teoría de la música analítica , está dedicada al análisis y la síntesis de materiales musicales, por ejemplo, sistemas de afinación, generalmente como preparación para la composición.
Zoomusicología
La zoomusicología es el estudio de la música de animales no humanos, o los aspectos musicales de los sonidos producidos por animales no humanos. Como preguntó George Herzog (1941), "¿los animales tienen música?" Musique, mythe, nature, ou les Dauphins d'Arion (1983) de François-Bernard Mâche , un estudio de "ornitho-musicology" utilizando una técnica de Langage, musique, poésie de Nicolas Ruwet (1972) análisis de segmentación paradigmático, muestra que las canciones de aves se organizan de acuerdo con un principio de repetición-transformación. Jean-Jacques Nattiez (1990) argumenta que "en último análisis, es un ser humano quien decide qué es y qué no es musical, incluso cuando el sonido no es de origen humano. Si reconocemos que el sonido no está organizado y conceptualizado (es decir, hecho para formar música) simplemente por su productor, pero por la mente que lo percibe, entonces la música es exclusivamente humana ".
Etnomusicología
En Occidente, gran parte de la historia de la música que se enseña trata de la música de arte de la civilización occidental, que se conoce como música clásica. La historia de la música en culturas no occidentales ("world music" o el campo de "etnomusicology"), que normalmente abarca la música de África y Asia también se enseña en las universidades occidentales. Esto incluye las tradiciones clásicas documentadas de los países asiáticos fuera de la influencia de Europa occidental, así como la música popular o indígena de varias otras culturas. Los estilos musicales populares o populares en los países no occidentales variaban ampliamente de una cultura a otra y de un período a otro. Las diferentes culturas enfatizaron diferentes instrumentos, técnicas, estilos de canto y usos para la música. La música se ha utilizado para el entretenimiento, ceremonias, rituales, propósitos religiosos y para la comunicación práctica y artística. La música no occidental también se ha utilizado con fines de propaganda, como fue el caso de la ópera china durante la Revolución Cultural.
Hay una gran cantidad de clasificaciones de música para la música no occidental, muchas de las cuales están atrapadas en la discusión sobre la definición de música. Entre los más grandes se encuentra la división entre música clásica (o música de "arte") y música popular (o música comercial, incluidos estilos no occidentales de rock, country y estilos relacionados con la música pop). Algunos géneros no encajan perfectamente en una de estas "dos grandes" clasificaciones (como la música folk, la música del mundo o la música relacionada con el jazz).
A medida que las culturas del mundo han entrado en un mayor contacto global, sus estilos musicales indígenas a menudo se han fusionado con otros estilos, lo que produce nuevos estilos. Por ejemplo, el estilo de bluegrass de los Estados Unidos contiene elementos de las tradiciones instrumentales y vocales anglo-irlandesas, escocesas, irlandesas, alemanas y africanas, que fueron capaces de fusionarse en la sociedad multiétnica de "crisol de culturas" de los Estados Unidos. Algunos tipos de música del mundo contienen una mezcla de estilos indígenas no occidentales con elementos de la música pop occidental. Los géneros de la música están determinados tanto por la tradición y la presentación como por la música real. Algunas obras, como Rhapsody in Blue deGeorge Gershwin , son reivindicadas tanto por jazz como por música clásica, mientras que Porgy and Bess de Gershwin y West Side Story de Leonard Bernstein son reclamados tanto por la ópera como por la tradición musical de Broadway. Muchos festivales de música actuales para la música no occidental incluyen bandas y cantantes de un género musical en particular, como la música del mundo.
La música india, por ejemplo, es uno de los tipos de música más antiguos y de mayor duración, y aún se escucha y se ejecuta en el sur de Asia, así como a nivel internacional (especialmente desde la década de 1960). La música india tiene principalmente tres formas de música clásica, hindustani, carnática y dhrupad. También tiene un gran repertorio de estilos, que incluyen solo música de percusión, como las actuaciones talavadya famosas en el sur de la India.
Terapia musical
La musicoterapia es un proceso interpersonal en el que un terapeuta capacitado utiliza la música y todas sus facetas, físicas, emocionales, mentales, sociales, estéticas y espirituales, para ayudar a los clientes a mejorar o mantener su salud. En algunos casos, las necesidades del cliente se abordan directamente a través de la música; en otros, se abordan a través de las relaciones que se desarrollan entre el cliente y el terapeuta. La musicoterapia se usa con personas de todas las edades y con una variedad de afecciones, que incluyen: trastornos psiquiátricos, problemas médicos, discapacidades físicas, deficiencias sensoriales, discapacidades del desarrollo, problemas de abuso de sustancias, trastornos de la comunicación, problemas interpersonales y envejecimiento. También se utiliza para mejorar el aprendizaje, desarrollar la autoestima, reducir el estrés, apoyar el ejercicio físico y facilitar una serie de otras actividades relacionadas con la salud.
Una de las menciones más antiguas de la musicoterapia se encuentra en el tratado de Al-Farabi (c. 872-950), El significado del intelecto , que describe los efectos terapéuticos de la música en el alma. La música se ha usado durante mucho tiempo para ayudar a las personas a lidiar con sus emociones. En el siglo XVII, la anatomía de la melancolía del erudito Robert Burton argumentó que la música y la danza eran fundamentales para tratar las enfermedades mentales, especialmente la melancolía. Señaló que la música tiene un "poder excelente ... para expulsar muchas otras enfermedades" y lo llamó "un remedio soberano contra la desesperación y la melancolía". Señaló que en la Antigüedad, Canus, un violinista de Rodas, usaba la música para "hacer feliz a un hombre melancólico, ... un amante más enamorado, un hombre religioso más devoto". En el Imperio Otomano, las enfermedades mentales fueron tratadas con música. En noviembre de 2006, el Dr. Michael J. Crawford y sus colegas también descubrieron que la musicoterapia ayudaba a los pacientes esquizofrénicos.
Albert Einstein tenía un amor de por vida a la música (particularmente las obras de Bach y Mozart), una vez que decía que la vida sin tocar música sería inconcebible para él. En algunas entrevistas, Einstein incluso atribuyó mucha de su intuición científica a la música, con su hijo Hans contando que "cada vez que sentía que había llegado al final del camino o a una situación difícil en su trabajo, se refugiaba en la música, y eso generalmente resolvería todas sus dificultades ". Algo en la música, según Michele y Robert Root-Bernstein en Psychology Today, "guiaría sus pensamientos en direcciones nuevas y creativas". Se ha dicho que Einstein consideraba que la música de Mozart revelaba una armonía universal que Einstein creía que existía en el universo, "como si el gran Wolfgang Amadeus no 'creara' su música hermosamente clara en absoluto, sino que simplemente la descubriera ya hecha. tiene paralelos, notablemente, los puntos de vista de Einstein sobre la simplicidad máxima de la naturaleza y su explicación y declaración a través de expresiones matemáticas esencialmente simples ". Una revisión sugiere que la música puede ser efectiva para mejorar la calidad subjetiva del sueño en adultos con síntomas de insomnio.
Obtenido de: https://en.wikipedia.org/wiki/Music