Artes escénicas
Definición
Las artes escénicas son una forma de arte en la cual los artistas usan sus voces, cuerpos u objetos inanimados para transmitir una expresión artística. Es diferente de las artes visuales, que es cuando los artistas usan pintura, lienzo o varios materiales para crear objetos de arte físicos o estáticos. Las artes escénicas incluyen una variedad de disciplinas que se realizan frente a una audiencia en vivo.
Teatro, música, danza y manipulación de objetos, y otros tipos de espectáculos están presentes en todas las culturas humanas. La historia de la música y la danza data de tiempos prehistóricos, mientras que las habilidades del circo datan, al menos, del Antiguo Egipto. Muchas artes escénicas se realizan profesionalmente. El rendimiento puede ser en edificios construidos especialmente, como teatros y teatros de ópera, en escenarios al aire libre en festivales, en escenarios en tiendas de campaña como circos y en la calle.
Las actuaciones en vivo ante un público son una forma de entretenimiento. El desarrollo de la grabación de audio y video ha permitido el consumo privado de las artes escénicas.
Las artes escénicas a menudo apuntan a expresar las emociones y los sentimientos de uno.
Ejecutantes
Los artistas que participan en las artes escénicas frente a una audiencia se llaman intérpretes. Ejemplos de estos incluyen actores, comediantes, bailarines, magos, artistas de circo, músicos y cantantes. Las artes escénicas también son apoyadas por los trabajadores en campos relacionados, como la composición de canciones, la coreografía y el arte escénico.
Un artista intérprete o ejecutante que se destaca en la actuación, el canto y el baile se conoce comúnmente como una amenaza triple . Ejemplos bien conocidos de artistas históricos de triple amenaza incluyen a Gene Kelly, Fred Astaire y Judy Garland.
Los artistas intérpretes o ejecutantes a menudo se adaptan a su apariencia, como con vestuario y maquillaje de escenario, iluminación de escenario y sonido.
Tipos
Las artes escénicas pueden incluir danza, música, ópera, teatro y teatro musical, magia, ilusión, mímica, palabra hablada, títeres, artes circenses, arte escénico.
También hay una forma especializada de bellas artes, en la cual los artistas realizan su trabajo en vivo para una audiencia. Esto se llama arte de performance. La mayoría del arte de performance también involucra alguna forma de arte plástico, tal vez en la creación de accesorios. La danza a menudo se conoce como arte plástico durante la era de la danza moderna.
Teatro
El teatro es la rama de las artes escénicas; preocupado por representar historias frente a un público, usando una combinación de discurso, gesto, música, baile, sonido y espectáculo. Cualquiera o más de estos elementos son artes escénicas. Además del estilo de diálogo narrativo estándar de las obras de teatro. El teatro adopta formas tales como obras de teatro, musicales, ópera, ballet, ilusión, mimo, danza india clásica, kabuki, obras de teatro para mimos, teatro de improvisación, comedia de pie, pantomima y formas no convencionales o contemporáneas como el teatro posmoderno, el teatro posdramático o arte de performance
Baile
En el contexto de las artes escénicas, la danza generalmente se refiere al movimiento humano, típicamente rítmico y a la música, utilizado como una forma de entretenimiento de la audiencia en una función de interpretación. Las definiciones de lo que constituye la danza dependen de las limitaciones sociales, culturales, estéticas, artísticas y morales, y van desde el movimiento funcional (como la danza popular) hasta las técnicas codificadas y virtuosas, como el ballet.
Hay otra forma moderna de danza que surgió en los siglos XIX y XX con el nombre de estilo de danza libre. Esta forma de danza se estructuró para crear una personalidad armoniosa que incluía características como la libertad física y espiritual. Isadora Duncan fue la primera bailarina que discutió sobre la "mujer del futuro" y desarrolló un nuevo vector de coreografía utilizando la idea de Nietzsche de "mente suprema en la mente libre".
La danza es un impulso poderoso, pero el arte de la danza es ese impulso canalizado por hábiles intérpretes hacia algo que se vuelve intensamente expresivo y que puede deleitar a los espectadores que no desean bailar. Estos dos conceptos del arte de la danza-danza como un poderoso impulso y la danza como un arte hábilmente coreografiado practicado en gran parte por un pequeño profesional-son las dos ideas más importantes que conectan con cualquier consideración del tema. En la danza, la conexión entre los dos conceptos es más fuerte que en otras artes, y ninguna puede existir sin la otra.
La coreografía es el arte de hacer bailes, y la persona que practica este arte se llama coreógrafo.
Música
La música es una forma de arte que combina tono, ritmo y dinámica para crear sonido. Se puede realizar utilizando una variedad de instrumentos y estilos y se divide en géneros como folk, jazz, hip hop, pop y rock, etc. Como forma de arte, la música puede presentarse en formatos en vivo o grabados, y se puede planificar o improvisado
Como la música es un arte proteico, se coordina fácilmente con las palabras para las canciones como lo hacen los movimientos físicos en la danza. Además, tiene la capacidad de dar forma a los comportamientos humanos ya que impacta nuestras emociones.
Historia
Historia de las artes escénicas occidentales
Comenzando en el siglo VI a. C., el período clásico de arte escénico comenzó en Grecia, iniciado por los poetas trágicos como Sófocles. Estos poetas escribieron obras que, en algunos casos, incorporaron la danza (véase Eurípides). El período helenístico comenzó el uso generalizado de la comedia.
Sin embargo, en el siglo VI dC, las artes escénicas occidentales habían terminado en gran parte, cuando comenzó la Edad Oscura. Entre el siglo IX y el siglo XIV, el arte escénico en Occidente se limitó a representaciones históricas religiosas y representaciones de moralidad, organizadas por la Iglesia en celebración de días santos y otros eventos importantes.
Renacimiento
En el siglo XV, las artes escénicas, junto con las artes en general, experimentaron un resurgimiento a medida que el Renacimiento comenzaba en Italia y se extendía por Europa, algunas de las cuales incorporaron danza, que se representaron y Domenico da Piacenza acreditó con el primer uso del término. ballo (en De Arte Saltandi et Choreas Ducendi ) en lugar de danza (baile) para su baletti o balli . El término finalmente se convirtió en Ballet . Se cree que el primer Ballet per se es el Ballet Comique de la Reine de Balthasar de Beaujoyeulx (1581).
A mediados del siglo XVI, la Commedia Dell'arte se hizo popular en Europa, introduciendo el uso de la improvisación. Este período también introdujo la máscara isabelina, con música, danza y disfraces elaborados, así como compañías teatrales profesionales en Inglaterra. Las obras de William Shakespeare a fines del siglo XVI se desarrollaron a partir de esta nueva clase de actuación profesional.
En 1597, se realizó la primera ópera, Dafne, y durante todo el siglo XVII, la ópera se convertiría rápidamente en el entretenimiento preferido de la aristocracia en la mayor parte de Europa y, finalmente, para un gran número de personas que viven en ciudades de toda Europa.
Era moderna
La introducción del arco del proscenio en Italia durante el siglo XVII estableció la forma de teatro tradicional que persiste hasta nuestros días. Mientras tanto, en Inglaterra, los puritanos prohibieron actuar, deteniendo las artes escénicas que duraron hasta 1660. Después de eso, las mujeres comenzaron a aparecer en obras de teatro en francés e inglés. Los franceses introdujeron una instrucción de baile formal a fines del siglo XVII.
También es durante este tiempo que las primeras obras se representaron en las colonias americanas.
Durante el siglo XVIII, la introducción de la popular ópera buffa trajo la ópera a las masas como una forma accesible de representación. De Mozart Las bodas de Fígaro y Don Giovanni son hitos de la tarde de ópera del siglo 18.
A comienzos del siglo XIX, Beethoven y el movimiento romántico dieron paso a una nueva era que condujo primero a los espectáculos de la gran ópera y luego a los dramas musicales de Giuseppe Verdi y la Gesamtkunstwerk (obra de arte total) de las óperas de Richard. Wagner conduce directamente a la música del siglo XX.
El siglo XIX fue un período de crecimiento de las artes escénicas para todas las clases sociales, avances técnicos como la introducción de la luz de gas en los teatros, el burlesque, el baile de minstrel y el teatro de variedades. En el ballet, las mujeres progresan mucho en el arte anteriormente dominado por los hombres.
La danza moderna comenzó a finales del siglo XIX y principios del XX en respuesta a las restricciones del ballet tradicional.
El "Sistema" de Konstantin Stanislavski revolucionó la actuación a principios del siglo XX y continúa teniendo una gran influencia en los actores del escenario y la pantalla hasta el día actual. Tanto el impresionismo como el realismo moderno se introdujeron en el escenario durante este período.
La llegada de Ballets Russes (1909-1929) de Sergei Diaghilev revolucionó el ballet y las artes escénicas en general en todo el mundo occidental, sobre todo a través del énfasis de colaboración de Diaghilev, que reunió coreógrafos, bailarines, escenógrafos / artistas, compositores y músicos para revitalizar y revolucionar el ballet Es extremadamente complejo.
Con la invención de la película a finales del siglo XIX por Thomas Edison y el crecimiento de la industria cinematográfica en Hollywood a principios del siglo XX, el cine se convirtió en un medio de actuación dominante a lo largo de los siglos XX y XXI.
El rhythm and blues, un fenómeno cultural de la América negra, adquirió importancia a principios del siglo XX; influenciando una gama de estilos de música popular más tarde a nivel internacional.
En la década de 1930, Jean Rosenthal introdujo lo que se convertiría en iluminación escénica moderna, cambiando la naturaleza del escenario a medida que el musical de Broadway se convirtió en un fenómeno en los Estados Unidos.
Rendimiento de posguerra
Las artes escénicas posteriores a la Segunda Guerra Mundial se destacaron por el resurgimiento del ballet y la ópera en el mundo occidental.
La postmodernidad en las artes escénicas dominó la década de 1960 en gran medida.
Historia de las artes escénicas orientales
medio este
El primer evento teatral grabado se remonta al 2000 aC con los juegos de pasión del Antiguo Egipto. Esta historia del dios Osiris se realiza anualmente en festivales de toda la civilización, marcando el comienzo conocido de una larga relación entre el teatro y la religión.
Las formas más populares de teatro en el mundo islámico medieval fueron el teatro de marionetas (que incluía marionetas, obras de teatro y producciones de marionetas) y juegos de pasiones en vivo conocidos como ta'ziya , donde los actores recrean episodios de la historia musulmana. En particular, las obras islámicas chiitas giraban en torno al Shaheed (martirio) de los hijos de Ali, Hasan ibn Ali y Husayn ibn Ali. Las obras seculares en vivo eran conocidas como akhraja , grabadas en la literatura adab medieval , aunque eran menos comunes que el teatro de títeres y ta'ziya .
Corrí
En Irán hay otras formas de eventos teatrales como Naghali (narración de historias), Ru-Howzi , Siah-Bazi , Parde-Khani, ' Mareke giri .
India y Pakistán
El teatro popular y la dramaturgia se remontan al ritualismo religioso de los pueblos védicos en el segundo milenio antes de Cristo. Este teatro popular del pasado brumoso se mezcló con danza, comida, ritualismo, más una representación de los acontecimientos de la vida cotidiana. El último elemento lo convirtió en el origen del teatro clásico de los últimos tiempos. Muchos historiadores, notablemente DD Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya, etc. se han referido a la prevalencia del ritualismo entre las tribus indo-arias en el que algunos miembros de la tribu actuaban como si fuesen animales salvajes y algunos otros eran los cazadores. Aquellos que actuaban como mamíferos como cabras, búfalos, renos, monos, etc., fueron perseguidos por aquellos que desempeñaban el papel de cazadores.
Bharata Muni (versos 5º-2º aC) fue un antiguo escritor indio más conocido por escribir el Natya Shastra de Bharata , un tratado teórico sobre artes escénicas indias, que incluye teatro, danza, actuación y música, que ha sido comparado con el de Aristóteles. Poética . Bharata es a menudo conocido como el padre de las artes escénicas indias. Su Natya Shastra parece ser el primer intento de desarrollar la técnica o más bien el arte, el drama de una manera sistemática. El Natya Shastra nos dice no solo qué se retratará en un drama, sino cómo se hará la representación. El drama, como dice Bharata Muni, es la imitación de los hombres y sus actos ( loka-vritti) Como los hombres y sus actos deben ser respetados en el escenario, el drama en sánscrito también se conoce con el término roopaka , que significa representación.
El Ramayana y el Mahabharata pueden considerarse las primeras obras de teatro reconocidas que se originaron en la India. Estas epopeyas proporcionaron la inspiración a los primeros dramaturgos indios y lo hacen incluso hoy en día. Los dramaturgos indios como Bhāsa en el siglo II aC escribieron obras de teatro inspiradas en gran medida por el Ramayana y el Mahabharata .
Kālidāsa en el siglo I a. C., se puede decir que es considerado el mayor dramaturgo de la India antigua. Tres obras románticas famosas escritas por Kālidāsa son Mālavikāgnimitram ( Mālavikā y Agnimitra ), Vikramōrvaśīyam ( Perteneciente a Vikrama y Urvashi ) y Abhijñānaśākuntala ( El reconocimiento de Shakuntala ). El último fue inspirado por una historia en el Mahabharata y es el más famoso. Fue el primero en ser traducido al inglés y al alemán. En comparación con Bhāsa, quien se inspiró fuertemente en las epopeyas, Kālidāsa puede considerarse un dramaturgo original.
El siguiente gran dramaturgo indio fue Bhavabhuti (hacia el siglo VII). Se dice que escribió las siguientes tres obras: Malati-Madhava , Mahaviracharita y Uttar Ramacharita . Entre estos tres, los dos últimos cubren entre ellos, toda la epopeya de Ramayana . Al poderoso emperador indio Harsha (606-648) se le atribuye haber escrito tres obras de teatro: la comedia Ratnavali , Priyadarsika y el drama budista Nagananda . Muchos otros dramaturgos siguieron durante la Edad Media.
Había muchas formas de arte escénico en la parte sur de la India, Kerala es un estado con diferentes formas de arte como Koodiyattam, Nangyarkoothu, Kathakali, Chakyar koothu, Thirayattam y había muchos artistas prominentes como Painkulam Raman Chakyar y otros.
China
Hay referencias a entretenimientos teatrales en China ya en 1500 aC durante la dinastía Shang; a menudo incluían música, clown y exhibiciones acrobáticas.
La dinastía Tang a veces se conoce como "La Era de los 1000 Entretenimientos". Durante esta época, el emperador Xuanzong formó una escuela de actuación conocida como Children of the Pear Garden para producir una forma de drama que era principalmente musical.
Durante la dinastía Han, el teatro de sombras surgió por primera vez como una forma reconocida de teatro en China. Había dos formas distintas de títeres de sombras, el cantonés del sur y el pekinés del norte. Los dos estilos se diferenciaron por el método de hacer los títeres y el posicionamiento de las varillas en los títeres, en oposición al tipo de juego realizado por los títeres. Ambos estilos generalmente realizaban representaciones de grandes aventuras y fantasía, raramente esta forma de teatro muy estilizada se usaba para la propaganda política. Las marionetas sombra cantonesas eran las más grandes de las dos. Fueron construidos usando cuero grueso que creó sombras más sustanciales. El color simbólico también era muy frecuente; una cara negra representaba honestidad, una valentía roja. Las barras usadas para controlar las marionetas cantonesas se unieron perpendicularmente a las cabezas de los títeres. Así, no fueron vistos por el público cuando se creó la sombra. Los títeres pequinés eran más delicados y más pequeños. Fueron creados de cuero delgado y translúcido, usualmente tomado del vientre de un burro. Fueron pintados con pinturas vibrantes, por lo que proyectan una sombra muy colorida. Las barras delgadas que controlaban sus movimientos estaban unidas a un collar de cuero en el cuello de la marioneta. Las varillas corrieron paralelas a los cuerpos de la marioneta y luego giraron en un ángulo de noventa grados para conectarse al cuello. Si bien estas barras eran visibles cuando se proyectaba la sombra, se extendían fuera de la sombra de la marioneta; por lo tanto, no interfirieron con la apariencia de la figura. Las varillas unidas en los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezas con un solo cuerpo. Cuando las cabezas no se usaban, se almacenaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se quitaban por la noche. Esto estaba de acuerdo con la vieja superstición de que si se dejaba intacto, los títeres cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros fueron tan lejos como para almacenar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar títeres. Se dice que el teatro de sombras ha alcanzado su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.
En la dinastía Song, hubo muchas obras de teatro populares que incluían acrobacias y música. Estos se desarrollaron en la dinastía Yuan en una forma más sofisticada con una estructura de cuatro o cinco actos. El drama yuan se extendió por China y se diversificó en numerosas formas regionales, la más conocida de las cuales es la Ópera de Beijing, que todavía es popular hoy en día.
Tailandia
En Tailandia, ha sido una tradición desde la Edad Media escenificar obras basadas en tramas extraídas de epopeyas indias. En particular, la versión teatral de la epopeya nacional de Tailandia Ramakien , una versión del indio Ramayana , sigue siendo popular en Tailandia incluso hoy en día.
Camboya
En Camboya, en la antigua capital, Angkor Wat, se han tallado en las paredes de los templos y palacios historias de las epopeyas indias Ramayana y Mahabharata . Relieves similares se encuentran en Borobudur en Indonesia.
Japón
Durante el siglo XIV, había pequeñas compañías de actores en Japón que realizaban comedias cortas, a veces vulgares. Un director de una de estas compañías, Kan'ami (1333-1384), tuvo un hijo, Zeami Motokiyo (1363-1443), considerado uno de los mejores actores infantiles de Japón. Cuando la compañía de Kan'ami se presentó para Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), el Shogun de Japón, imploró a Zeami que tuviera una educación en la corte para sus artes. Después de que Zeami sucedió a su padre, continuó actuando y adaptando su estilo a lo que hoy es Noh. Una mezcla de pantomima y acrobacias vocales, este estilo ha fascinado a los japoneses durante cientos de años.
Japón, después de un largo período de guerras civiles y desorden político, se unificó y en paz principalmente debido al shogun Tokugawa Ieyasu (1600-1668). Sin embargo, alarmado por el creciente crecimiento cristiano, cortó el contacto de Japón con Europa y China y proscribió el cristianismo. Cuando llegó la paz, un florecimiento de influencia cultural y una creciente clase mercantil exigió su propio entretenimiento. La primera forma de teatro en florecer fue Ningyō jōruri (comúnmente conocido como Bunraku). El fundador y principal colaborador de Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), convirtió su forma de teatro en una verdadera forma de arte. Ningyō jōruri es una forma de teatro muy estilizada que usa marionetas, hoy de aproximadamente 1 / 3d del tamaño de un ser humano. Los hombres que controlan a los títeres entrenan sus vidas enteras para convertirse en maestros titiriteros, cuando pueden operar el títere. s cabeza y brazo derecho y elige mostrar sus rostros durante la actuación. Los otros titiriteros, que controlan las extremidades menos importantes de la marioneta, se cubren a sí mismos y a sus caras en un traje negro, para implicar su invisibilidad. El diálogo es manejado por una sola persona, que usa diversos tonos de voz y maneras de hablar para simular diferentes personajes. Chikamatsu escribió miles de obras de teatro durante su vida, la mayoría de las cuales todavía se usan hoy en día.
Kabuki comenzó poco después de Bunraku, según la leyenda de una actriz llamada Okuni, que vivió a fines del siglo XVI. La mayor parte del material de Kabuki proviene de Nõ y Bunraku, y sus movimientos erráticos de tipo baile también son un efecto de Bunraku. Sin embargo, Kabuki es menos formal y más distante que Nõ, pero muy popular entre el público japonés. Los actores están entrenados en muchas cosas variadas, incluyendo baile, canto, pantomima e incluso acrobacias. Kabuki primero fue interpretado por niñas jóvenes, luego por niños pequeños, y para fines del siglo XVI, las compañías Kabuki consistían en todos los hombres. Los hombres que representaban a las mujeres en el escenario fueron entrenados específicamente para obtener la esencia de una mujer en sus movimientos y gestos sutiles.
Frecuencia cardíaca durante las actuaciones
Durante diferentes tipos de actuaciones, la frecuencia cardíaca varía significativamente. Por ejemplo, se han realizado estudios que muestran que la frecuencia cardíaca varía a lo largo de las diferentes etapas de un discurso, lo que incluye llevar a un papel de hablante (la frecuencia cardíaca más alta se produce durante esta etapa), durante el papel de orador y después del papel de orador . Cambios similares en la frecuencia cardíaca también ocurren durante la actuación, en relación con el estrés. Los altos ritmos cardíacos se pueden atribuir al estrés causado por la anticipación. Durante una presentación con una audiencia, el actor experimenta altos niveles de estrés durante la presentación, ya que empuja a los actores mentalmente. Sin embargo, este estrés ayuda al actor a tener un mejor rendimiento. Cambios similares en la frecuencia cardíaca ocurren para los músicos durante su actuación. Aunque su ritmo cardíaco es más alto mientras se desempeñan musicalmente, su frecuencia cardíaca es más alta durante la fase de preejecución, que durante la fase posterior a la ejecución, que se atribuye al estrés causado por la anticipación. La anticipación que conduce a un rendimiento hace que aumente la frecuencia cardíaca, mientras que el alivio después de una actuación hace que disminuya la frecuencia cardíaca.
Obtenido de: https://en.wikipedia.org/wiki/Performing_arts