Teatro
Definición
Teatro o teatro es una forma colaborativa de bellas artes que utiliza artistas en vivo, generalmente actores o actrices, para presentar la experiencia de un evento real o imaginado ante un público en vivo en un lugar específico, a menudo un escenario. Los artistas pueden comunicar esta experiencia a la audiencia a través de combinaciones de gestos, habla, canciones, música y danza. Los elementos del arte, como el escenario pintado y el arte escénico, como la iluminación, se utilizan para mejorar la fisicalidad, la presencia y la inmediatez de la experiencia. El lugar específico de la representación también se nombra con la palabra "teatro" como derivado del griego antiguo θέατρον (théatron, "un lugar para ver"), de θεάομαι (theáomai, "ver", "mirar", " para observar").
El teatro occidental moderno proviene, en gran medida, del drama griego antiguo, del cual toma prestada terminología técnica, clasificación en géneros, y muchos de sus temas, personajes comunes y elementos de la trama. El artista teatral Patrice Pavis define la teatralidad, el lenguaje teatral, la escritura escénica y la especificidad del teatro como expresiones sinónimas que diferencian el teatro de las otras artes escénicas, la literatura y las artes en general.
El teatro moderno incluye representaciones de obras de teatro y teatro musical. Las formas de arte del ballet y la ópera también son teatro y usan muchas convenciones como la actuación, el vestuario y la puesta en escena. Fueron influyentes para el desarrollo del teatro musical; ver esos artículos para más información.
Historia
Grecia clásica y helenística
La ciudad-estado de Atenas es donde se originó el teatro occidental. Era parte de una cultura más amplia de teatralidad y performance en la Grecia clásica que incluía festivales, rituales religiosos, política, leyes, atletismo y gimnasia, música, poesía, bodas, funerales y simposios .
La participación en los numerosos festivales de la ciudad-estado, y la asistencia obligatoria a City Dionysia como miembro del público (o incluso como participante en las producciones teatrales) en particular, fue una parte importante de la ciudadanía. La participación cívica también implicó la evaluación de la retórica de los oradores evidenciados en actuaciones en el tribunal de justicia o en la asamblea política, ambos entendidos como análogos al teatro y que llegaron a absorber cada vez más su vocabulario dramático. Los griegos también desarrollaron los conceptos de crítica dramática y arquitectura teatral. Los actores eran aficionados o, en el mejor de los casos, semiprofesionales. El teatro de la antigua Grecia consistía en tres tipos de drama: tragedia, comedia y el juego satírico.
Los orígenes del teatro en la antigua Grecia, según Aristóteles (384-322 a. C.), el primer teórico del teatro, se encuentran en los festivales que honraron a Dionisio. Las representaciones se realizaron en auditorios semicirculares tallados en laderas, capaces de albergar entre 10,000 y 20,000 personas. El escenario consistió en una pista de baile (orquesta), vestuario y área de construcción de escenas (skene). Dado que las palabras fueron la parte más importante, una buena acústica y una entrega clara fueron primordiales. Los actores (siempre hombres) usaban máscaras apropiadas para los personajes que representaban, y cada uno podía interpretar varias partes.
La tragedia ateniense -la forma de tragedia más antigua que se conserva- es un tipo de danza-drama que formaba parte importante de la cultura teatral de la ciudad-estado. Habiendo surgido en algún momento durante el siglo VI a. C., floreció durante el siglo V aC (desde el final del cual comenzó a extenderse por todo el mundo griego) y continuó siendo popular hasta el comienzo del período helenístico.
No hubo tragedias desde el siglo VI aC y solo 32 de las más de mil que se realizaron en el siglo V aC han sobrevivido. Tenemos textos completos conservados por Esquilo, Sófocles y Eurípides. Los orígenes de la tragedia siguen siendo oscuros, aunque en el siglo V aC se institucionalizó en competiciones ( agon) celebrada como parte de las festividades que celebran Dionisio (el dios del vino y la fertilidad). Como concursantes en la competencia de la City Dionysia (el más prestigioso de los festivales para dramatizar) los dramaturgos debían presentar una tetralogía de obras de teatro (aunque las obras individuales no estaban necesariamente conectadas por historia o tema), que generalmente consistía en tres tragedias y una juego satyr. La realización de tragedias en la ciudad de Dionysia puede haber comenzado ya en el 534 a. los registros oficiales ( didaskaliai ) comienzan en 501 aC, cuando se introdujo el juego satírico.
La mayoría de las tragedias atenienses dramatizan eventos de la mitología griega, aunque The Persians, que presenta la respuesta persa a las noticias de su derrota militar en la Batalla de Salamina en 480 a. C., es la excepción notable en el drama sobreviviente. Cuando Esquilo ganó el primer premio en la City Dionysia en 472 a. C., había estado escribiendo tragedias durante más de 25 años, sin embargo, su tratamiento trágico de la historia reciente es el primer ejemplo de drama para sobrevivir. Más de 130 años más tarde, el filósofo Aristóteles analizó la tragedia ateniense del siglo V en la obra más antigua que sobrevivió de la teoría dramática: sus Poéticas (hacia el 335 aC).
La comedia ateniense se divide convencionalmente en tres períodos, "Old Comedy", "Middle Comedy" y "New Comedy". Old Comedy sobrevive hoy en gran parte en la forma de las once obras supervivientes de Aristófanes, mientras que Middle Comedy se pierde en gran medida (conservado solo en fragmentos relativamente cortos en autores como Ateneo de Naucratis). La nueva comedia se conoce principalmente de los fragmentos de papiro sustanciales de Menander. Aristóteles definió la comedia como una representación de gente risible que implica algún tipo de error o fealdad que no causa dolor o desastre.
Además de las categorías de comedia y tragedia en City Dionysia, el festival también incluyó el Satyr Play. Encontrando sus orígenes en los rituales rurales y agrícolas dedicados a Dionisio, la obra satyr eventualmente encontró su camino a Atenas en su forma más conocida. Los propios sátiros estaban atados al dios Dionisio como sus leales compañeros del bosque, a menudo participando en juergas de borrachos y travesuras a su lado. El juego satyr se clasificó como tragicomedia, errando del lado de las tradiciones burlescas más modernas de principios del siglo XX. Las líneas argumentales de las obras de teatro solían estar relacionadas con los tratos del panteón de los dioses y su participación en los asuntos humanos, respaldados por el coro de los sátiros. Sin embargo, según Webster,
Teatro romano
El teatro occidental se desarrolló y se expandió considerablemente bajo los romanos. El historiador romano Livio escribió que los romanos experimentaron por primera vez el teatro en el siglo IV aC, con una actuación de actores etruscos. Beacham argumenta que habían estado familiarizados con las "prácticas pre-teatrales" durante algún tiempo antes de ese contacto registrado. El teatro de la antigua Roma era una forma de arte próspera y diversa, que abarca desde festivales de teatro callejero, baile desnudo y acrobacias hasta la puesta en escena de las comedias de situación ampliamente atractivas de Plauto, a las tragedias elaboradas verbalmente y de gran estilo de Séneca. Aunque Roma tenía una tradición nativa de rendimiento, La helenización de la cultura romana en el siglo III a. C. tuvo un efecto profundo y vigorizador en el teatro romano y estimuló el desarrollo de la literatura latina de la más alta calidad para el escenario. Las únicas tragedias romanas sobrevivientes, de hecho las únicas obras de teatro del Imperio Romano, son diez dramas, nueve de ellos pallilara, atribuidos a Lucuis Annaeus Séneca (4 aC-65 dC), el filósofo estoico nacido en Corduba y tutor de Nerón .
Teatro indio
Los fragmentos más antiguos que sobreviven del drama sánscrito datan del siglo I d. La gran cantidad de evidencia arqueológica de periodos anteriores no ofrece ninguna indicación de la existencia de una tradición de teatro. Los antiguos Vedas (himnos del 1500 al 1000 aC que se encuentran entre los primeros ejemplos de literatura en el mundo) no contienen indicios de ello (aunque un pequeño número se compone en una forma de diálogo) y los rituales del período védico no parece haberse desarrollado en teatro. El Mahābhāṣya por Patañjali contiene la referencia más temprana a lo que pudo haber sido las semillas del drama sánscrito. Este tratado de gramática del 140 a. C. proporciona una fecha factible para los comienzos del teatro en la India.
La principal fuente de evidencia para el teatro sánscrito es Un tratado sobre el teatro ( Nātyaśāstra ), un compendio cuya fecha de composición es incierta (las estimaciones oscilan entre 200 a. C. y 200 d. C.) y cuya autoría se atribuye a Bharata Muni. El tratado es la obra de dramaturgia más completa del mundo antiguo. Aborda la actuación, la danza, la música, la construcción dramática, la arquitectura, el vestuario, el maquillaje, los accesorios, la organización de empresas, el público, las competiciones y ofrece un relato mitológico del origen del teatro. Al hacerlo, proporciona indicaciones sobre la naturaleza de las prácticas teatrales reales. El teatro sánscrito se realizó en un terreno sagrado por sacerdotes que habían sido entrenados en las habilidades necesarias (danza, música y recitación) en un [proceso hereditario]. Su objetivo era tanto educar como entretener.
Bajo el patrocinio de las cortes reales, los artistas pertenecían a compañías profesionales que estaban dirigidas por un director de escena ( sutradhara ), que también podía haber actuado. Se pensó que esta tarea era análoga a la de un titiritero: el significado literal de " sutradhara " es "titular de las cuerdas o hilos". Los artistas fueron entrenados rigurosamente en técnicas vocales y físicas. No hubo prohibiciones contra las artistas femeninas; las empresas eran todas masculinas, femeninas y mixtas. Sin embargo, ciertos sentimientos fueron considerados inapropiados para que los hombres actuaran, y se pensó que eran más adecuados para las mujeres. Algunos intérpretes interpretaron personajes de su misma edad, mientras que otros interpretaron edades diferentes a las suyas (ya sean jóvenes o mayores). De todos los elementos del teatro, presta la mayor atención a la actuación ( abhinaya ), que consta de dos estilos: realista ( lokadharmi ) y convencional ( natyadharmi ), aunque el enfoque principal se centra en este último.
Su drama es considerado como el más alto logro de la literatura sánscrita. Utilizaba personajes comunes, como el héroe ( nayaka ), la heroína ( nayika ) o el payaso ( vidusaka ). Los actores pueden haberse especializado en un tipo particular. Kālidāsa en el siglo I aC, se puede decir que es considerado el dramaturgo sánscrito más antiguo de la India. Tres obras románticas famosas escritas por Kālidāsa son Mālavikāgnimitram ( Mālavikā y Agnimitra ), Vikramuurvashiiya ( Perteneciente a Vikrama y Urvashi ) y Abhijñānaśākuntala ( El reconocimiento de Shakuntala ). El último fue inspirado por una historia en el Mahabharata y es el más famoso. Fue el primero en ser traducido al inglés y al alemán. Śakuntalā (en traducción inglesa) influyó en el Fausto de Goethe (1808-1832).
El siguiente gran dramaturgo hindú fue Bhavabhuti (hacia el siglo VII dC). Se dice que escribió las siguientes tres obras: Malati-Madhava , Mahaviracharita y Uttar Ramacharita . Entre estos tres, los dos últimos cubren entre ellos toda la epopeya de Ramayana . Al poderoso emperador indio Harsha (606-648) se le atribuye haber escrito tres obras de teatro: la comedia Ratnavali , Priyadarsika y el drama budista Nagananda .
Teatro chino
Hay referencias a entretenimientos teatrales en China ya en la dinastía Shang; a menudo implicaban felicidad, mimos y exhibiciones acrobáticas. La dinastía Tang a veces se conoce como "La Era de los 1000 Entretenimientos". Durante esta era, Ming Huang formó una escuela de actuación conocida como The Pear Garden para producir una forma de drama que era principalmente musical. Es por eso que a los actores se les llama comúnmente "Hijos del jardín de peras". Durante la Dinastía de la Emperatriz Ling, la marioneta de sombras surgió por primera vez como una forma reconocida de teatro en China. Había dos formas distintas de títeres de sombras, Pekingese (norte) y cantonés (sur). Los dos estilos se diferenciaron por el método de hacer los títeres y el posicionamiento de las varillas en los títeres, en oposición al tipo de juego realizado por los títeres.
Las marionetas sombra cantonesas eran las más grandes de las dos. Fueron construidos con cuero grueso que creó sombras más sustanciales. El color simbólico también era muy frecuente; una cara negra representaba honestidad, una valentía roja. Las barras usadas para controlar las marionetas cantonesas se unieron perpendicularmente a las cabezas de los títeres. Por lo tanto, no fueron vistas por el público cuando se creó la sombra. Los títeres pequinés eran más delicados y más pequeños. Fueron creados de cuero delgado y translúcido (usualmente tomado del vientre de un burro). Fueron pintados con pinturas vibrantes, por lo que proyectan una sombra muy colorida. Las barras delgadas que controlaban sus movimientos estaban unidas a un collar de cuero en el cuello de la marioneta. Las varillas corrieron paralelas a los cuerpos de la marioneta y luego giraron en un ángulo de noventa grados para conectarse al cuello. Si bien estas barras eran visibles cuando se proyectaba la sombra, se extendían fuera de la sombra de la marioneta; por lo tanto, no interfirieron con la apariencia de la figura. Las varillas unidas en los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezas con un solo cuerpo. Cuando las cabezas no se usaban, se almacenaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se quitaban por la noche. Esto estaba de acuerdo con la vieja superstición de que si se dejaba intacto, los títeres cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros fueron tan lejos como para almacenar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar títeres. Se dice que el títere de sombras alcanzó su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno. por lo tanto, no interfirieron con la apariencia de la figura. Las varillas unidas en los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezas con un solo cuerpo. Cuando las cabezas no se usaban, se almacenaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se quitaban por la noche. Esto estaba de acuerdo con la vieja superstición de que si se dejaba intacto, los títeres cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros fueron tan lejos como para almacenar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar títeres. Se dice que el títere de sombras alcanzó su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno. por lo tanto, no interfirieron con la apariencia de la figura. Las varillas unidas en los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezas con un solo cuerpo. Cuando las cabezas no se usaban, se almacenaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se quitaban por la noche. Esto estaba de acuerdo con la vieja superstición de que si se dejaba intacto, los títeres cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros fueron tan lejos como para almacenar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar títeres. Se dice que el títere de sombras alcanzó su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno. se almacenaron en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se quitaban por la noche. Esto estaba de acuerdo con la vieja superstición de que si se dejaba intacto, los títeres cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros fueron tan lejos como para almacenar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar títeres. Se dice que el títere de sombras alcanzó su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno. se almacenaron en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se quitaban por la noche. Esto estaba de acuerdo con la vieja superstición de que si se dejaba intacto, los títeres cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros fueron tan lejos como para almacenar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar títeres. Se dice que el títere de sombras alcanzó su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.
En la dinastía Song, hubo muchas obras de teatro populares que incluían acrobacias y música. Estos se desarrollaron en la dinastía Yuan en una forma más sofisticada conocida como zaju , con una estructura de cuatro o cinco actos. El drama yuan se extendió por toda China y se diversificó en numerosas formas regionales, una de las más conocidas es la ópera de Beijing, que sigue siendo popular hoy en día.
Xiangsheng es una cierta actuación de comedia tradicional china en las formas de monólogo o diálogo.
Teatro postclásico en Occidente
El teatro adquirió muchas formas alternativas en Occidente entre los siglos XV y XIX, incluida la commedia dell'arte y el melodrama. La tendencia general estaba lejos del drama poético de los griegos y el Renacimiento y hacia un estilo de diálogo en prosa más naturalista, especialmente después de la Revolución Industrial.
El teatro tomó una gran pausa durante 1642 y 1660 en Inglaterra debido al Interregno puritano. El teatro fue visto como algo pecaminoso y los puritanos hicieron todo lo posible por expulsarlo de su sociedad. Este período de estancamiento terminó una vez que Carlos II regresó al trono en 1660 en la Restauración. El teatro (entre otras artes) explotó, con influencia de la cultura francesa, ya que Carlos había sido exiliado en Francia en los años previos a su reinado.
Uno de los grandes cambios fue la nueva casa de teatro. En lugar del tipo de la época isabelina, como el Globe Theatre, que no tiene lugar para que los actores realmente se preparen para el próximo acto y sin "modales teatrales", la casa del teatro se transformó en un lugar de refinamiento, con un el escenario al frente y el asiento del estadio frente a él. Como los asientos ya no estaban alrededor del escenario, se priorizó: algunos asientos eran obviamente mejores que otros. El rey tendría el mejor asiento de la casa: la mitad del teatro , que obtuvo la vista más amplia del escenario, así como la mejor manera de ver el punto de vista y el punto de fuga en que se construyó el escenario. Philippe Jacques de Loutherbourg fue uno de los escenógrafos más influyentes de la época debido a su uso de espacio y escenario.
Debido a la agitación anterior a este momento, todavía había cierta controversia sobre lo que debería y no debía ponerse en el escenario. Jeremy Collier, un predicador, fue uno de los jefes en este movimiento a través de su obra Una breve visión de la inmoralidad y la perversidad del escenario inglés . Las creencias en este documento fueron sostenidas principalmente por los asistentes al teatro y el resto de los puritanos y muy religioso de la época. La pregunta principal era si ver algo inmoral en el escenario afecta el comportamiento en las vidas de aquellos que lo miran, una controversia que todavía se desarrolla hoy en día.
El siglo XVII también introdujo a las mujeres al escenario, lo que se consideró inadecuado antes. Estas mujeres fueron consideradas como celebridades (también un concepto más nuevo, gracias a las ideas sobre el individualismo que surgieron a raíz del humanismo renacentista), pero por otro lado, todavía era muy nuevo y revolucionario que estaban en el escenario, y algunos dijeron eran poco femeninos y los miraban con desprecio. A Carlos II no le gustaba que los hombres jóvenes interpretaran a las mujeres jóvenes, por lo que pidió a las mujeres que interpretaran sus propias piezas. Debido a que a las mujeres se les permitía subir al escenario, los dramaturgos tenían más libertad con los giros de la trama, como las mujeres vistiéndose como hombres, y escapando de situaciones moralmente rígidas como formas de comedia.
Las comedias estaban llenas de jóvenes y muy en boga, con la historia siguiendo sus vidas amorosas: comúnmente un héroe pícaro joven que profesa su amor a la casta y libre mente heroína cerca del final de la obra, al igual que La escuela del escándalo deSheridan . Muchas de las comedias fueron creadas según la tradición francesa, principalmente Molière, nuevamente volviendo a la influencia francesa traída por el Rey y los Reales después de su exilio. Molière fue uno de los mejores dramaturgos cómicos de la época, revolucionando la forma en que se escribió y se interpretó la comedia combinando la commedia dell'arte italiana y la comedia neoclásica francesa para crear algunas de las comedias satíricas más duraderas e influyentes. Las tragedias fueron igualmente victoriosas en su sentido de enderezar el poder político, especialmente conmovedoras debido a la reciente Restauración de la Corona. También fueron imitaciones de la tragedia francesa, aunque los franceses tenían una distinción más grande entre la comedia y la tragedia, mientras que los ingleses se burlaban ocasionalmente de las líneas y ponían algunas partes de la comedia en sus tragedias. tragédie bourgeoise , o tragedia doméstica, es decir, la tragedia de la vida en común, fueron más populares en Inglaterra porque apelaron más a las sensibilidades inglesas.
Mientras que las compañías de teatro solían viajar, la idea del teatro nacional ganó apoyo en el siglo XVIII, inspirada por Ludvig Holberg. El principal promotor de la idea del teatro nacional en Alemania, y también de los poetas Sturm und Drang , fue Abel Seyler, propietario de Hamburgische Entreprise y Seyler Theatre Company.
Durante el siglo XIX, las formas teatrales populares del Romanticismo, el melodrama, el burlesque victoriano y las obras bien hechas de Scribe y Sardou dieron paso a los juegos problemáticos del Naturalismo y el Realismo; las farsas de Feydeau; Gesamtkunstwerk operístico de Wagner ; teatro musical (incluidas las óperas de Gilbert y Sullivan); Comedias de la sala de estar de FC Burnand, WS Gilbert y Oscar Wilde; Simbolismo; proto-expresionismo en los últimos trabajos de August Strindberg y Henrik Ibsen; y comedia musical eduardiana.
Estas tendencias continuaron durante el siglo XX en el realismo de Stanislavski y Lee Strasberg, el teatro político de Erwin Piscator y Bertolt Brecht, el llamado Teatro del Absurdo de Samuel Beckettand Eugène Ionesco, musicales estadounidenses e ingleses, las creaciones colectivas de las empresas de actores y directores como el Taller de Teatro de Joan Littlewood, el teatro experimental y posmoderno de Robert Wilson y Robert Lepage, el teatro poscolonial de August Wilson o Tomson Highway, y el Teatro de los Oprimidos de Augusto Boal.
Tradiciones teatrales orientales
La primera forma de teatro indio fue el teatro sánscrito. Comenzó después del desarrollo del teatro griego y romano y antes del desarrollo del teatro en otras partes de Asia. Surgió en algún momento entre el siglo II AC y el siglo I EC y floreció entre el siglo I EC y el 10, que fue un período de relativa paz en la historia de la India durante el cual se escribieron cientos de obras de teatro. Las formas japonesas de Kabuki, Nō y Kyōgen se desarrollaron en el siglo XVII. El teatro en el mundo islámico medieval incluía el teatro de marionetas (que incluía marionetas de mano, obras de teatro y producciones de marionetas) y juegos de pasiones en vivo conocidos como ta'ziya , donde los actores recrean episodios de la historia musulmana. En particular, las obras islámicas chiítas giraron en torno a Shaheed (martirio) de los hijos de Ali, Hasan ibn Ali y Husayn ibn Ali. Las obras seculares eran conocidas como akhraja , grabadas en la literatura adab medieval , aunque eran menos comunes que el teatro de títeres y ta'ziya .
Tipos
Drama
El drama es el modo específico de ficción representado en el rendimiento. El término proviene de una palabra griega que significa "acción", que se deriva del verbo δράω, dráō , "hacer" o "actuar". La representación del drama en el teatro, interpretada por actores en un escenario ante un público, presupone modos de producción colaborativos y una forma colectiva de recepción. La estructura de los textos dramáticos, a diferencia de otras formas de literatura, está directamente influenciada por esta producción colaborativa y recepción colectiva. La tragedia moderna temprana Hamlet (1601) de Shakespeare y la clásica tragedia ateniense Edipo Rey (hacia 429 aC) por Sófocles se encuentran entre las obras maestras del arte dramático. Un ejemplo moderno es Long Day's Journey into Night por Eugene O'Neill (1956).
Considerado como un género de poesía en general, el modo dramático ha sido contrastado con los modos épico y lírico desde la Poética de Aristóteles (c. 335 a. C.) -la obra más temprana de la teoría dramática. El uso de "drama" en el sentido estricto para designar un tipo específico de juego data del siglo XIX. El drama en este sentido se refiere a una obra de teatro que no es ni una comedia ni una tragedia; por ejemplo, Zola's Thérèse Raquin (1873) o Chekhov's Ivanov (1887). Sin embargo, en la Antigua Grecia, la palabra drama abarcaba todas las obras teatrales, trágicas, cómicas o cualquier cosa intermedia.
El drama a menudo se combina con la música y la danza: el drama en la ópera generalmente se canta en todas partes; los musicales generalmente incluyen tanto el diálogo hablado como las canciones; y algunas formas de drama tienen música incidental o acompañamiento musical que subraya el diálogo (melodrama y Nō japonés, por ejemplo). En ciertos períodos de la historia (el antiguo romano y el romántico moderno), algunos dramas han sido escritos para ser leídos en lugar de interpretados. En la improvisación, el drama no preexiste al momento de la presentación; los intérpretes diseñan un guión dramático espontáneamente ante una audiencia.
Teatro musical
La música y el teatro han tenido una estrecha relación desde la antigüedad: la tragedia ateniense, por ejemplo, fue una forma de danza-drama que empleó un coro cuyas partes fueron cantadas (con el acompañamiento de un aulos, un instrumento comparable al clarinete moderno). como fueron algunas de las respuestas de los actores y sus 'canciones solistas' (monodias). El teatro musical moderno es una forma de teatro que también combina música, diálogo hablado y danza. Surgió de los géneros de la ópera cómica (especialmente Gilbert y Sullivan), variedad, vaudeville y music hall de finales del siglo XIX y principios del XX. Después de la comedia musical eduardiana que comenzó en la década de 1890, los musicales Princess Theatre de principios del siglo 20 y comedias en los años 1920 y 1930 (como las obras de Rodgers y Hammerstein), con Oklahoma! (1943), los musicales se movieron en una dirección más dramática. Famosos musicales durante las décadas siguientes incluyen My Fair Lady (1956), West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1980), Into the Woods (1986). ), y The Phantom of the Opera (1986), así como éxitos contemporáneos como Rent (1994), The Lion King (1997), Wicked (2003) y Hamilton (musical) (2015).
El teatro musical se puede producir en una escala íntima de Off-Broadway, en teatros regionales y en otros lugares, pero a menudo incluye espectáculos. Por ejemplo, los musicales de Broadway y West End a menudo incluyen disfraces lujosos y sets apoyados por presupuestos multimillonarios.
Comedia
Las producciones de teatro que usan el humor como vehículo para contar una historia califican como comedias. Esto puede incluir una farsa moderna como Boeing Boeing o una obra clásica como As You Like It . El teatro que expresa un tema sombrío, controvertido o tabú de una manera deliberadamente cómica se conoce como comedia negra. Black Comedy puede tener varios géneros como el humor slapstick, la comedia oscura y sarcástica.
Tragedia
La frase de Aristóteles "varios tipos que se encuentran en partes separadas de la obra" es una referencia a los orígenes estructurales del drama. En él las partes habladas fueron escritas en el dialecto ático mientras que las corales (recitadas o cantadas) en el dialecto dórico, estas discrepancias reflejan los diferentes orígenes religiosos y metros poéticos de las partes que se fusionaron en una nueva entidad, el drama teatral .
La tragedia se refiere a una tradición específica de drama que históricamente ha desempeñado un papel único e importante en la autodefinición de la civilización occidental. Esa tradición ha sido múltiple y discontinua, sin embargo, el término se ha utilizado a menudo para invocar un poderoso efecto de identidad cultural y continuidad histórica: "los griegos y los isabelinos, en una forma cultural, helenos y cristianos, en una actividad común", como Raymond Williams lo dice. Desde sus oscuros orígenes en los teatros de Atenas hace 2.500 años, de los que sobrevive solo una fracción del trabajo de Esquilo, Sófocles y Eurípides, a través de sus singulares articulaciones en las obras de Shakespeare, Lope de Vega, Racine y Schiller, hasta la tragedia naturalista más reciente de Strindberg, las meditaciones modernistas de Beckett sobre la muerte, la pérdida y el sufrimiento, y Müller ' En la reelaboración posmodernista del trágico canon, la tragedia ha seguido siendo un sitio importante de experimentación cultural, negociación, lucha y cambio. En la estela de Aristóteles Poética (335 AEC), la tragedia se ha utilizado para hacer distinciones de género, ya sea a escala de poesía en general (donde lo trágico se divide contra épica y lírica) o en la escala del drama (donde la tragedia se opone a la comedia). En la era moderna, la tragedia también se ha definido contra el drama, el melodrama, el teatro tragicómico y el teatro épico.
Improvisación
La improvisación ha sido una característica constante del teatro, con la Commedia dell'arte en el siglo XVI siendo reconocida como la primera forma de improvisación. Popularizado por el Premio Nobel El ganador Dario Fo y compañías como el teatro de improvisación Upright Citizens Brigade continúa evolucionando con muchas corrientes y filosofías diferentes. Keith Johnstone y Viola Spolin son reconocidos como los primeros maestros de la improvisación en los tiempos modernos, con Johnstone explorando la improvisación como una alternativa al teatro guionado y Spolin y sus sucesores explorando la improvisación principalmente como una herramienta para desarrollar trabajos o habilidades dramáticas o como una forma comedia. Spolin también se interesó en cómo el proceso de aprendizaje de la improvisación era aplicable al desarrollo del potencial humano. El hijo de Spolin, Paul Sillspopularizó el teatro de improvisación como una forma de arte teatral cuando fundó. como su primer director, la segunda ciudad en Chicago.
Teorías
Después de haber sido una parte importante de la cultura humana durante más de 2.500 años, el teatro ha desarrollado una amplia gama de diferentes teorías y prácticas. Algunos están relacionados con ideologías políticas o espirituales, mientras que otros se basan puramente en preocupaciones "artísticas". Algunos procesos se centran en una historia, algunos en el teatro como un evento, y algunos en el teatro como catalizador para el cambio social. El filósofo griego clásico Aristóteles, en su tratado seminal, Poética (c. 335 AEC) es el ejemplo más antiguo que sobrevive y sus argumentos han influido en las teorías del teatro desde entonces. En él, él ofrece un relato de lo que él llama "poesía" (un término que en griego significa literalmente "hacer" y en este contexto incluye drama-comedia, tragedia y el juego de sátiro, así como poesía lírica, poesía épica, y el ditirambo). Examina sus "primeros principios" e identifica sus géneros y elementos básicos; su análisis de la tragedia constituye el núcleo de la discusión.
Aristóteles argumenta que la tragedia consiste en seis partes cualitativas, que son (en orden de importancia) mythos o "trama", ethos o "carácter", dianoia o "pensamiento", léxico o "dicción", melos o "canción", y opsis o "espectáculo". "Aunque la Poética de Aristóteles es universalmente reconocido en la tradición crítica occidental ", explica Marvin Carlson," casi todos los detalles sobre su obra seminal han suscitado opiniones divergentes ". Importantes profesionales del teatro del siglo XX incluyen a Konstantin Stanislavski, Vsevolod Meyerhold, Jacques Copeau, Edward Gordon Craig, Bertolt Brecht, Antonin Artaud, Joan Littlewood, Peter Brook, Jerzy Grotowski, Augusto Boal, Eugenio Barba, Dario Fo, Viola Spolin, Keith Johnstone y Robert Wilson (director).
Stanislavski trató el teatro como una forma de arte que es autónoma de la literatura y una en la que la contribución del dramaturgo debe ser respetada como la de uno solo de un conjunto de artistas creativos. Su contribución innovadora a la teoría de la actuación moderna se ha mantenido en el centro de la formación occidental de alto rendimiento durante gran parte del siglo pasado. Que muchos de los preceptos de su sistema de entrenamiento de actores parezcan ser de sentido común y evidentes a sí mismos es prueba de su éxito hegemónico. Los actores frecuentemente emplean sus conceptos básicos sin saber que lo hacen. Gracias a su promoción y elaboración por parte de profesores en funciones que fueron antiguos alumnos y de las numerosas traducciones de sus escritos teóricos, el "sistema" de Stanislavski adquirió una capacidad sin precedentes para cruzar fronteras culturales y desarrollarse a nivel internacional, debates dominantes sobre la actuación en Europa y los Estados Unidos. Muchos actores rutinariamente equiparan su "sistema" con el Método de América del Norte, aunque las técnicas exclusivamente psicológicas de este último contrastan fuertemente con el enfoque multivariante, holístico y psicofísico de Stanislavski, que explora el carácter y la acción tanto desde adentro como afuera. trata la mente y el cuerpo del actor como partes de un continuo.
Aspectos técnicos
El teatro presupone modos de producción colaborativos y una forma colectiva de recepción. La estructura de los textos dramáticos, a diferencia de otras formas de literatura, está directamente influenciada por esta producción colaborativa y recepción colectiva. La producción de obras suele incluir contribuciones de un dramaturgo, director, un elenco de actores y un equipo de producción técnica que incluye un escenógrafo o escenógrafo, diseñador de iluminación, diseñador de vestuario, diseñador de sonido, director de escena, gerente de producción y director técnico. Dependiendo de la producción, este equipo también puede incluir un compositor, dramaturgo, diseñador de video o director de lucha.
Stagecraft es un término genérico que se refiere a los aspectos técnicos de la producción teatral, cinematográfica y de video. Incluye, pero no se limita a, la construcción y el montaje de escenarios, colgantes y focos de iluminación, diseño y adquisición de vestuario, maquillaje, adquisición de accesorios, gestión de escenarios y grabación y mezcla de sonido. Stagecraft es distinto del término general más amplio de escenografía. Considerado un campo técnico más que artístico, se relaciona principalmente con la implementación práctica de la visión artística de un diseñador.
En su forma más básica, el arte escénico es manejado por una sola persona (a menudo el director de escena de una producción más pequeña) que arregla todos los escenarios, vestuario, iluminación y sonido, y organiza el reparto. En un nivel más profesional, por ejemplo, en las casas modernas de Broadway, la escenografía está dirigida por cientos de carpinteros, pintores, electricistas, tramoyistas, grapadoras, peluqueros y demás. Esta forma moderna de escenografía es altamente técnica y especializada: comprende muchas subdisciplinas y un vasto tesoro de historia y tradición. La mayoría de las piezas escénicas se encuentran entre estos dos extremos. Los teatros regionales y los teatros comunitarios más grandes generalmente tendrán un director técnico y un complemento de diseñadores, cada uno de los cuales tiene una participación directa en sus respectivos diseños.
Subcategorías y organización
Hay muchos movimientos modernos de teatro que producen teatro de varias maneras. Las empresas teatrales varían enormemente en sofisticación y propósito. Las personas involucradas varían desde principiantes y aficionados (en el teatro comunitario) hasta profesionales (en Broadway y producciones similares). El teatro se puede realizar con un presupuesto reducido o en gran escala con presupuestos multimillonarios. Esta diversidad se manifiesta en la abundancia de subcategorías de teatro, que incluyen:
- Teatro de Broadway y teatro del West End
- Teatro comunitario
- Cena de teatro
- Teatro Fringe
- Fuera de Broadway y fuera del West End
- Off-Off-Broadway
- Teatro regional en los Estados Unidos
- Teatro stock de verano
Compañías de repertorio
Mientras que la mayoría de las compañías teatrales modernas ensayan una pieza de teatro a la vez, interpretan esa pieza para una "corrida", retiran la pieza y comienzan a ensayar un nuevo espectáculo, las compañías de repertorio ensayan múltiples espectáculos a la vez. Estas compañías pueden realizar estas diversas piezas bajo pedido y con frecuencia realizan trabajos durante años antes de retirarlos. La mayoría de las compañías de danza operan en este sistema de repertorio. El Royal National Theatre en Londres actúa en un sistema de repertorio.
El teatro de repertorio generalmente involucra a un grupo de actores consumados de manera similar, y se basa más en la reputación del grupo que en un actor estrella individual. También suele depender menos del control estricto de un director y menos de la adhesión a las convenciones teatrales, ya que los actores que han trabajado juntos en múltiples producciones pueden responder el uno al otro sin depender tanto de la convención o la dirección externa.
Producir vs. presentar
Para montar una pieza de teatro, se necesita una compañía teatral y un teatro. Cuando una compañía de teatro es la única compañía en residencia en un lugar de teatro, este teatro (y su compañía de teatro correspondiente) se denominan teatro residente o teatro de producción, porque el lugar produce su propio trabajo. Otras compañías de teatro, así como compañías de danza, que no tienen su propia sala de teatro, actúan en teatros de alquiler o en teatros. Tanto los teatros de alquiler como los de presentación no tienen compañías residentes de tiempo completo. Sin embargo, a veces tienen una o más empresas residentes a tiempo parcial, además de otras compañías asociadas independientes que hacen arreglos para usar el espacio cuando está disponible. Un teatro de alquiler permite a las compañías independientes buscar el espacio,
Algunos grupos de actuación actúan en espacios no teatrales. Tales actuaciones pueden tener lugar fuera o dentro, en un espacio de actuación no tradicional, e incluyen teatro de calle y teatro de sitio específico. Los lugares no tradicionales se pueden usar para crear entornos más inmersivos o significativos para el público. A veces pueden modificarse más que los locales de teatro tradicionales, o pueden acomodar diferentes tipos de equipos, iluminación y decorados.
Una compañía de turismo es una compañía de teatro o danza independiente que viaja, a menudo a nivel internacional, presentándose en un teatro diferente en cada ciudad.
Sindicatos
Hay muchas uniones teatrales que incluyen: Actors 'Equity Association (para actores y directores de escena), Stage Directors y Coreógrafos Society (SDC), y la Alianza Internacional de Empleados de Escenarios Teatrales (IATSE, para diseñadores y técnicos). Muchos teatros requieren que su personal sea miembro de estas organizaciones.
Obtenido de: https://en.wikipedia.org/wiki/Theatre