Dibujo
Definición
El dibujo es una forma de arte visual en el que una persona usa varios instrumentos de dibujo para marcar papel u otro medio bidimensional. Los instrumentos incluyen lápices de grafito, pluma y tinta, varios tipos de pinturas, pinceles entintados, lápices de cera, lápices de colores, carbón, tiza, pasteles, varios tipos de borradores, marcadores, lápices ópticos y varios metales (como Silverpoint). El "dibujo digital" es el acto de usar una computadora para dibujar. Los métodos comunes de dibujo digital incluyen un lápiz óptico o un dedo en un dispositivo con pantalla táctil, un lápiz táctil, un touch-touchpad o, en algunos casos, un mouse. Hay muchos programas y dispositivos de arte digital.
Un instrumento de dibujo libera una pequeña cantidad de material sobre una superficie, dejando una marca visible. El soporte más común para dibujar es el papel, aunque se pueden usar otros materiales, como cartón, plástico, cuero, lienzo y cartón. Los dibujos temporales se pueden hacer en una pizarra o pizarra o de hecho casi cualquier cosa. El medio ha sido un medio popular y fundamental de expresión pública a través de la historia humana. Es uno de los medios más simples y eficientes de comunicar ideas visuales. La amplia disponibilidad de instrumentos de dibujo hace que dibujar una de las actividades artísticas más comunes.
Además de sus formas más artísticas, el dibujo se usa con frecuencia en ilustración comercial, animación, arquitectura, ingeniería y dibujo técnico. Un dibujo rápido a mano alzada, que generalmente no está destinado a ser un trabajo terminado, a veces se llama boceto. Un artista que practica o trabaja en dibujo técnico puede llamarse dibujante, dibujante o dibujante.Visión de conjunto
El dibujo es una de las principales formas de expresión dentro de las artes visuales. En general, se refiere al marcado de líneas y áreas de tono sobre papel u otro material, donde la representación precisa del mundo visual se expresa sobre una superficie plana. Los dibujos tradicionales eran monocromos, o al menos tenían poco color, mientras que los modernos dibujos de lápices de colores pueden acercarse o cruzar un límite entre el dibujo y la pintura. En la terminología occidental, el dibujo es distinto de la pintura, aunque a menudo se emplean medios similares en ambas tareas. Los medios secos, normalmente asociados con el dibujo, como la tiza, se pueden usar en pinturas al pastel. El dibujo se puede hacer con un medio líquido, aplicado con pinceles o bolígrafos. Los soportes similares también pueden servir para ambos: la pintura generalmente implica la aplicación de pintura líquida sobre lienzos o paneles preparados,
El dibujo es a menudo exploratorio, con un énfasis considerable en la observación, resolución de problemas y composición. El dibujo también se utiliza con regularidad en la preparación de una pintura, ofuscando aún más su distinción. Los dibujos creados para estos fines se llaman estudios
Hay varias categorías de dibujo, que incluyen dibujo de figura, caricatura, garabatos y a mano alzada. También hay muchos métodos de dibujo, como dibujo de líneas, punteado, sombreado, el método surrealista de graphomania entópica (en el que los puntos se hacen en los sitios de impurezas en una hoja de papel en blanco, y luego se hacen líneas entre los puntos), y trazado (dibujando en un papel translúcido, como papel de calcar , alrededor del contorno de formas preexistentes que se muestran a través del papel).
Un dibujo rápido sin refinar se puede llamar boceto .
En los campos fuera del arte, los dibujos técnicos o los planos de edificios, maquinaria, circuitos y otras cosas a menudo se llaman "dibujos" incluso cuando se han transferido a otro medio mediante impresión.
Historia
Dibujando en comunicación
El dibujo es una de las formas más antiguas de expresión humana, con evidencia de que su existencia precede a la de la comunicación escrita. Se cree que el dibujo se usó como una forma especializada de comunicación antes de la invención del lenguaje escrito, demostrado por la producción de pinturas rupestres y rupestres hace unos 30,000 años (Arte del Paleolítico Superior). Estos dibujos, conocidos como pictogramas, representan objetos y conceptos abstractos. Los bocetos y las pinturas producidas por el Neolítico se estilizaron y simplificaron en sistemas de símbolos (protoescritura) y finalmente en sistemas de escritura temprana.
Dibujando en manuscritos
Antes de la amplia disponibilidad de papel, los monjes del siglo XII en los monasterios europeos utilizaban intrincados dibujos para preparar manuscritos ilustrados e iluminados sobre pergamino y vitela. El dibujo también se ha utilizado ampliamente en el campo de la ciencia, como método de descubrimiento, comprensión y explicación.
Dibujando en ciencia
En 1609, el astrónomo Galileo Galilei explicó las fases cambiantes de la luna a través de sus dibujos telescópicos de observación. En 1924, el geofísico Alfred Wegener usó ilustraciones para demostrar visualmente el origen de los continentes.
Dibujar como expresión artística
El dibujo se usa para expresar la propia creatividad y, por lo tanto, ha sido prominente en el mundo del arte. Durante gran parte de la historia, el dibujo fue considerado como la base de la práctica artística. Inicialmente, los artistas usaron y reutilizaron tabletas de madera para la producción de sus dibujos. Después de la disponibilidad generalizada de papel en el siglo XIV, aumentó el uso del dibujo en las artes. En este punto, el dibujo se usaba comúnmente como una herramienta para el pensamiento y la investigación, actuando como un medio de estudio mientras los artistas se preparaban para sus últimas piezas de trabajo. El Renacimiento produjo una gran sofisticación en las técnicas de dibujo, permitiendo a los artistas representar las cosas de forma más realista que antes, y revelando un interés en la geometría y la filosofía.
La invención de la primera forma de fotografía ampliamente disponible llevó a un cambio en la jerarquía de las artes. La fotografía ofrecía una alternativa al dibujo como método para representar con precisión los fenómenos visuales, y la práctica del dibujo tradicional recibía menos énfasis como una habilidad esencial para los artistas, especialmente en la sociedad occidental.
Artistas notables y dibujantes
El dibujo se volvió significativo como una forma de arte a finales del siglo XV, con artistas y maestros grabadores como Albrecht Dürer y Martin Schongauer (hacia 1448-1491), el primer grabador del norte conocido por su nombre. Schongauer vino de Alsacia, y nació en una familia de orfebres. Albrecht Dürer, un maestro de la próxima generación, también era hijo de un orfebre.
Los dibujos maestros antiguos a menudo reflejan la historia del país en el que fueron producidos y las características fundamentales de una nación en ese momento. En Holanda del siglo XVII, un país protestante, casi no había obras de arte religiosas, y, sin un rey o corte, la mayoría del arte se compraba en privado. Los dibujos de paisajes o escenas de género a menudo se veían no como bocetos sino como obras de arte altamente terminadas. Los dibujos italianos, sin embargo, muestran la influencia del catolicismo y la Iglesia, que desempeñó un papel importante en el mecenazgo artístico. Lo mismo ocurre a menudo con los dibujos franceses, aunque en el siglo XVII las disciplinas del clasicismo francés significaban que los dibujos eran menos barrocos que los ejemplares italianos más libres, que transmitían una mayor sensación de movimiento.
En el siglo XX, el Modernismo fomentó la "originalidad imaginativa" y el enfoque de algunos artistas hacia el dibujo se volvió menos literal, más abstracto. Artistas de renombre mundial como Pablo Picasso, Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat ayudaron a desafiar el status quo, con el dibujo en el centro de su práctica y, a menudo, la reinterpretación de la técnica tradicional.
Los dibujos de Basquiat se produjeron en muchos medios diferentes, por lo general tinta, lápiz, rotulador o rotulador, y palo de aceite, y dibujó en cualquier superficie que tuviera a mano, como puertas, ropa, refrigeradores, paredes y cascos de béisbol.
Los artistas de hoy en día, como Tracey Emin, observan el legado y la importancia de las técnicas de dibujo, grabado e impresión en su amplia gama, transmitida a través de milenios.
Los siglos han producido un canon de artistas y dibujantes notables, cada uno con su propio lenguaje distintivo de dibujo, que incluye:
- 14, 15 y 16: Leonardo da Vinci • Alberto Durero • Hans Holbein el más joven • Miguel Ángel • Pisanello • Rafael
- 17º: Claude • Jacques de Gheyn II • Guercino • Nicolas Poussin • Rembrandt • Peter Paul Rubens • Pieter Saenredam
- 18: François Boucher • Jean-Honoré Fragonard • Giovanni Battista Tiepolo • Antoine Watteau
- 19º: Aubrey Beardsley • Paul Cézanne • Jacques-Louis David • Honoré Daumier • Edgar Degas • Théodore Géricault • Francisco Goya • Jean-Auguste-Dominique Ingres • Pierre-Paul Prud'hon • Odilon Redon • John Ruskin • Georges Seurat • Henri de Toulouse-Lautrec • Vincent van Gogh
- 20º: Max Beckmann • Jean Dubuffet • MC Escher • Arshile Gorky • George Grosz • Paul Klee • Oscar Kokoschka • Käthe Kollwitz • Alfred Kubin • André Masson • Alphonse Mucha • Jules Pascin • Pablo Picasso • Egon Schiele • Jean-Michel Basquiat • Andy Warhol • Frank Auerbach
- 21º: Tracey Emin • Banksy • Hayao Miyazaki
Materiales
El medio es el medio por el cual se entregan tinta, pigmento o color sobre la superficie de dibujo. La mayoría de los medios de dibujo son secos (p. Ej., Grafito, carbón, pasteles, Conté, punto plateado) o utilizan un disolvente o soporte fluido (rotulador, lápiz y tinta). Los lápices de acuarela se pueden usar secos como lápices ordinarios, luego se humedecen con un pincel húmedo para obtener diversos efectos pictóricos. Muy rara vez, los artistas dibujan con tinta invisible (generalmente decodificada). El dibujo de Metalpoint generalmente emplea dos metales: plata o plomo. Se usan más raramente oro, platino, cobre, latón, bronce y punta de tinta.
El papel viene en una variedad de diferentes tamaños y calidades, desde papel de periódico hasta papel de alta calidad y relativamente caro vendido como hojas individuales. Los papeles varían en textura, tono, acidez y resistencia cuando están húmedos. El papel suave es bueno para representar detalles finos, pero un papel más "con dientes" retiene mejor el material de dibujo. Por lo tanto, un material más grueso es útil para producir un contraste más profundo.
El papel prensa y el papel mecanografiado pueden ser útiles para la práctica y los bocetos. El papel de calco se usa para experimentar sobre un dibujo a medio terminar y para transferir un diseño de una hoja a otra. El papel de cartucho es el tipo básico de papel de dibujo que se vende en almohadillas. El tablero de Bristol e incluso tableros sin ácido más pesados, con frecuencia con acabados lisos, se utilizan para dibujar detalles finos y no se distorsionan cuando se aplican medios húmedos (tinta, lavados). La vitela es extremadamente suave y adecuada para detalles muy finos. El papel de acuarela prensado en frío puede ser favorecido para el dibujo de tinta debido a su textura.
El papel de calidad de archivo, libre de ácido, mantiene su color y textura mucho más tiempo que el papel basado en pulpa de madera, como el papel de periódico, que se vuelve amarillo y se vuelve quebradizo mucho antes.
Las herramientas básicas son un tablero de dibujo o una mesa, sacapuntas y borrador, y para dibujar con tinta, papel secante. Otras herramientas utilizadas son brújula circular, regla y conjunto cuadrado. Fixative se usa para evitar manchas de lápiz y lápices de colores. La cinta de dibujo se utiliza para asegurar el papel a la superficie de dibujo, y también para enmascarar un área para mantenerla libre de marcas accidentales, como materiales y lavados rociados o salpicados. Se utiliza un caballete o una mesa inclinada para mantener la superficie de dibujo en una posición adecuada, que generalmente es más horizontal que la posición utilizada en la pintura.
Técnica
Casi todos los dibujantes usan sus manos y dedos para aplicar los medios, con la excepción de algunas personas discapacitadas que dibujan con la boca o los pies.
Antes de trabajar en una imagen, el artista generalmente explora cómo funcionan varios medios. Pueden probar diferentes implementos de dibujo en hojas de práctica para determinar el valor y la textura, y cómo aplicar el implemento para producir varios efectos.
La elección del artista de dibujar trazos afecta la apariencia de la imagen. Los dibujos a pluma y tinta a menudo usan sombreado: grupos de líneas paralelas. La eclosión cruzada usa sombreado en dos o más direcciones diferentes para crear un tono más oscuro. La eclosión rota, o líneas con roturas intermitentes, forman tonos más claros, y el control de la densidad de los cortes logra una gradación de tono. El punteado usa puntos para producir tono, textura y sombra. Se pueden lograr diferentes texturas dependiendo del método utilizado para construir el tono.
Los dibujos en medios secos a menudo usan técnicas similares, aunque los lápices y los bastones pueden lograr variaciones continuas en el tono. Normalmente, un dibujo se completa según la mano que el artista prefiera. Un artista diestro dibuja de izquierda a derecha para evitar manchar la imagen. Los borradores pueden eliminar las líneas no deseadas, aclarar los tonos y eliminar las marcas perdidas. En un boceto o dibujo esquemático, las líneas dibujadas a menudo siguen el contorno del sujeto, creando profundidad al parecer sombras proyectadas desde una luz en la posición del artista.
A veces, el artista deja intacta una sección de la imagen mientras llena el resto. La forma del área a preservar se puede pintar con fluido de enmascaramiento o cortar de un frisket y aplicar a la superficie de dibujo, protegiendo la superficie de marcas extraviadas hasta que se quite la máscara.
Otro método para conservar una sección de la imagen es aplicar un fijador de pulverización a la superficie. Esto retiene el material suelto más firmemente en la hoja y evita que se manche. Sin embargo, el atomizador de fijador generalmente usa sustancias químicas que pueden dañar el sistema respiratorio, por lo que debe emplearse en un área bien ventilada, como en el exterior.
Otra técnica es el dibujo substractivo en el que la superficie de dibujo se cubre con grafito o carbón y luego se borra para hacer la imagen.
Tono
El sombreado es la técnica de variar los valores tonales en el papel para representar el tono del material, así como la ubicación de las sombras. La atención cuidadosa a la luz reflejada, las sombras y los reflejos puede dar como resultado una interpretación muy realista de la imagen.
La mezcla usa un implemento para suavizar o extender los trazos de dibujo originales. Blending se hace más fácilmente con un medio que no fija inmediatamente en sí, tal como grafito, tiza, o carbón vegetal, aunque la tinta recién aplicada puede estar manchada, húmedo o seco, para algunos efectos. Para el sombreado y mezcla, el artista puede utilizar un difumino, tejido, un borrador amasado, la punta del dedo, o cualquier combinación de ellos. Una pieza de gamuza es útil para crear texturas suaves y para quitar el material para aclarar el tono. Tono continuo se puede lograr con grafito sobre una superficie lisa sin mezcla, pero la técnica es laboriosa, que implica pequeños movimientos circulares u ovales con un punto algo romo.
Las técnicas de sombreado que también introducen textura al dibujo incluyen sombreado y punteado. Varios otros métodos producen textura. Además de la elección del papel, el material de dibujo y la técnica afectan la textura. Se puede hacer que la textura parezca más realista cuando se dibuja al lado de una textura contrastante; una textura gruesa es más obvia cuando se coloca junto a un área suavemente mezclada. Se puede lograr un efecto similar al dibujar diferentes tonos muy juntos. Un borde liviano al lado de un fondo oscuro se destaca en el ojo, y casi parece flotar sobre la superficie.
Forma y proporción
Medir las dimensiones de un sujeto mientras se bloquea en el dibujo es un paso importante para producir una interpretación realista del sujeto. Las herramientas como una brújula se pueden usar para medir los ángulos de diferentes lados. Estos ángulos se pueden reproducir en la superficie del dibujo y luego volver a verificar para asegurarse de que sean precisos. Otra forma de medición es comparar los tamaños relativos de diferentes partes del sujeto entre sí. Un dedo colocado en un punto a lo largo del implemento de dibujo se puede usar para comparar esa dimensión con otras partes de la imagen. Una regla se puede usar como una regla y un dispositivo para calcular proporciones.
Al intentar dibujar una forma complicada, como una figura humana, al principio es útil representar la forma con un conjunto de volúmenes primitivos. Casi cualquier forma puede ser representada por alguna combinación del cubo, esfera, cilindro y cono. Una vez que estos volúmenes básicos se han ensamblado en una imagen, entonces el dibujo se puede refinar en una forma más precisa y pulida. Las líneas de los volúmenes primitivos se eliminan y se reemplazan por la imagen final. Dibujar la construcción subyacente es una habilidad fundamental para el arte representativo, y se enseña en muchos libros y escuelas. Su aplicación correcta resuelve la mayoría de las incertidumbres sobre detalles más pequeños, y hace que la imagen final parezca consistente.
Un arte más refinado de dibujo figura confía en que el artista posea una comprensión profunda de la anatomía y las proporciones humanas. Un artista entrenado está familiarizado con la estructura del esqueleto, la ubicación de las articulaciones, la colocación de los músculos, el movimiento del tendón y la forma en que las diferentes partes trabajan juntas durante el movimiento. Esto le permite al artista representar poses más naturales que no aparecen artificialmente rígidas. El artista también está familiarizado con la forma en que varían las proporciones según la edad del sujeto, particularmente cuando dibuja un retrato.
Perspectiva
La perspectiva lineal es un método de retratar objetos en una superficie plana para que las dimensiones se reduzcan con la distancia. Cada conjunto de bordes paralelos y rectos de cualquier objeto, ya sea un edificio o una mesa, sigue líneas que finalmente convergen en un punto de fuga. Por lo general, este punto de convergencia está en algún lugar a lo largo del horizonte, ya que los edificios se construyen al nivel de la superficie plana. Cuando las estructuras múltiples se alinean entre sí, como edificios a lo largo de una calle, las partes superiores e inferiores horizontales de las estructuras suelen converger en un punto de fuga.
Cuando se dibujan tanto los frentes como los laterales de un edificio, las líneas paralelas que forman un lado convergen en un segundo punto a lo largo del horizonte (que puede estar fuera del dibujo). Esta es una perspectiva de dos puntos. La convergencia de las líneas verticales a un tercer punto por encima o por debajo del horizonte produce una perspectiva de tres puntos.
La profundidad también se puede representar mediante varias técnicas además del enfoque de perspectiva anterior. Los objetos de tamaño similar deberían aparecer cada vez más pequeños cuanto más lejos estén del espectador. Por lo tanto, la rueda trasera de un carro aparece ligeramente más pequeña que la rueda delantera. La profundidad se puede representar mediante el uso de texturas . A medida que la textura de un objeto se aleja, se vuelve más comprimido y ocupado, adquiriendo un carácter completamente diferente al de si estaba cerca. La profundidad también se puede representar reduciendo el contraste en objetos más distantes y haciendo que sus colores estén menos saturados. Esto reproduce el efecto de la bruma atmosférica y hace que el ojo se centre principalmente en objetos dibujados en primer plano.
Arte
La composición de la imagen es un elemento importante para producir una obra interesante de mérito artístico. El artista planifica la colocación de elementos en el arte para comunicar ideas y sentimientos al espectador. La composición puede determinar el enfoque de la técnica y dar como resultado un todo armónico que sea estéticamente atractivo y estimulante.
La iluminación del sujeto es también un elemento clave en la creación de una pieza artística, y la interacción de la luz y la sombra es un método valioso en la caja de herramientas del artista. La ubicación de las fuentes de luz puede hacer una diferencia considerable en el tipo de mensaje que se está presentando. Múltiples fuentes de luz pueden eliminar las arrugas en la cara de una persona, por ejemplo, y darle una apariencia más juvenil. Por el contrario, una sola fuente de luz, como la luz del día, puede servir para resaltar cualquier textura o características interesantes.
Al dibujar un objeto o figura, el artista experto presta atención tanto al área dentro de la silueta como a lo que se encuentra afuera. El exterior se denomina espacio negativo, y puede ser tan importante en la representación como la figura. Los objetos colocados en el fondo de la figura deben aparecer colocados apropiadamente donde sea que se puedan ver.
Un estudio es un borrador que se realiza en preparación para una imagen final planificada. Los estudios se pueden usar para determinar las apariencias de partes específicas de la imagen completa o para experimentar con el mejor enfoque para lograr el objetivo final. Sin embargo, un estudio bien elaborado puede ser una obra de arte por derecho propio, y se pueden dedicar muchas horas de trabajo cuidadoso a completar un estudio.
Proceso
Los individuos muestran diferencias en su capacidad para producir dibujos visualmente precisos. Un dibujo visualmente preciso se describe como "reconocido como un objeto particular en un momento particular y en un espacio particular, representado con poca adición de detalles visuales que no se pueden ver en el objeto representado o con poca eliminación de detalles visuales".
Los estudios de investigación han tratado de explicar las razones por las cuales algunas personas dibujan mejor que otras. Un estudio postuló cuatro habilidades clave en el proceso de dibujo: la percepción de los objetos que se dibujan, la capacidad de tomar buenas decisiones de representación, las habilidades motoras requeridas para la marca y la percepción del dibujante por parte del dibujante. Siguiendo esta hipótesis, varios estudios han tratado de concluir cuáles de estos procesos son más significativos para afectar la precisión de los dibujos.
- Control del motor
El control del motor es un componente físico importante en la "Fase de producción" del proceso de dibujo. Se ha sugerido que el control motor desempeña un papel en la habilidad del dibujo, aunque sus efectos no son significativos.
- Percepción
Se ha sugerido que la capacidad de un individuo para percibir un objeto que está dibujando es la etapa más importante en el proceso de dibujo. Esta sugerencia es apoyada por el descubrimiento de una relación robusta entre la percepción y la capacidad de dibujo.
Esta evidencia actuó como la base del libro de dibujo práctico de Betty Edwards, Dibujando en el lado derecho del cerebro. Edwards pretendía enseñar a sus lectores a dibujar, basándose en el desarrollo de las capacidades de percepción del lector.
Además, el influyente artista y crítico de arte John Ruskin enfatizó la importancia de la percepción en el proceso de dibujo en su libro The Elements of Drawing . Dijo que "estoy casi convencido de que, una vez que vemos lo suficiente, es muy difícil dibujar lo que vemos".
- Memoria visual
Esto también se ha demostrado que influye en la capacidad de uno para crear dibujos visualmente precisos. La memoria a corto plazo juega un papel importante en el dibujo a medida que la mirada se desplaza entre el objeto que están dibujando y el propio dibujo.
- Toma de decisiones
Algunos estudios que comparan artistas con artistas no artistas han descubierto que los artistas pasan más tiempo pensando estratégicamente mientras dibujan. En particular, los artistas pasan más tiempo en actividades 'metacognitivas', como considerar diferentes planes hipotéticos de cómo pueden progresar con un dibujo.