Escultura
Definición
La escultura es la rama de las artes visuales que opera en tres dimensiones. Es una de las artes plásticas. Los procesos escultóricos duraderos originalmente utilizaban tallado (remoción de material) y modelado (adición de material, como arcilla), en piedra, metal, cerámica, madera y otros materiales pero, desde el Modernismo, ha habido una libertad casi total de materiales y proceso. Se puede trabajar una amplia variedad de materiales por eliminación, tal como tallado, ensamblado por soldadura o modelado, o moldeado o fundido.
La escultura en piedra sobrevive mucho mejor que las obras de arte en materiales perecederos, y a menudo representa la mayoría de las obras supervivientes (distintas de la cerámica) de las culturas antiguas, aunque a la inversa las tradiciones de escultura en madera pueden haber desaparecido casi por completo. Sin embargo, la mayoría de las esculturas antiguas fueron pintadas con colores brillantes, y esto se ha perdido.
La escultura ha sido central en la devoción religiosa en muchas culturas, y hasta los últimos siglos, las grandes esculturas, demasiado caras para que las crearan los particulares, solían ser una expresión de religión o política. Aquellas culturas cuyas esculturas han sobrevivido en cantidades incluyen las culturas del antiguo Mediterráneo, India y China, así como muchas en América del Sur y África.
La tradición occidental de la escultura comenzó en la antigua Grecia, y Grecia es ampliamente vista como productora de grandes obras maestras en el período clásico. Durante la Edad Media, la escultura gótica representaba las agonías y las pasiones de la fe cristiana. El renacimiento de los modelos clásicos en el Renacimiento produjo esculturas famosas como el David de Miguel Ángel . La escultura modernista se alejó de los procesos tradicionales y el énfasis en la representación del cuerpo humano, con la fabricación de la escultura construida y la presentación de los objetos encontrados como obras de arte terminadas.
Tipos
Una distinción básica es entre la escultura en la redonda, la escultura independiente, como las estatuas, no unidas (excepto posiblemente en la base) a cualquier otra superficie, y los diversos tipos de relieve, que están al menos parcialmente unidos a una superficie de fondo . El relieve a menudo se clasifica por el grado de proyección desde la pared hacia bajo o bajo relieve, alto relieve y, a veces, un medio relieve intermedio. Sunk-relief es una técnica restringida al antiguo Egipto. El relieve es el medio escultórico habitual para grandes grupos de figuras y temas narrativos, que son difíciles de lograr en la ronda, y es la técnica típica utilizada tanto para la escultura arquitectónica, que se adjunta a los edificios, como para la escultura a pequeña escala que decora otros objetos. como en mucha cerámica, orfebrería y joyería. La escultura en relieve también puede decorar estelas, losas verticales,
Otra distinción básica es entre las técnicas de talla sustractiva, que eliminan el material de un bloque existente o masa, por ejemplo de piedra o madera, y las técnicas de modelado que conforman o construyen el trabajo a partir del material. Técnicas tales como fundición, estampado y moldeado usan una matriz intermedia que contiene el diseño para producir el trabajo; muchos de estos permiten la producción de varias copias.
El término "escultura" a menudo se utiliza principalmente para describir grandes obras, que a veces se llaman esculturas monumentales, lo que significa que una o ambas esculturas son grandes o están unidas a un edificio. Pero el término cubre adecuadamente muchos tipos de obras pequeñas en tres dimensiones utilizando las mismas técnicas, que incluyen monedas y medallas, tallas de piedra dura, un término para pequeñas tallas en piedra que pueden requerir un trabajo detallado.
La estatua muy grande o "colosal" ha tenido un atractivo perdurable desde la antigüedad; el más grande registrado en 128 m (420 pies) es el 2002 Chinese Spring Temple Buddha. Otra gran forma de escultura de retrato es la estatua ecuestre de un jinete a caballo, que se ha vuelto rara en las últimas décadas. Las formas más pequeñas de escultura de retrato de tamaño natural son la "cabeza", que muestra exactamente eso, o el busto, una representación de una persona desde el pecho hacia arriba. Las pequeñas formas de escultura incluyen la estatuilla, normalmente una estatua que no es más de 18 pulgadas (46 cm) de alto, y para los relieves la placa, la medalla o la moneda.
El arte moderno y contemporáneo ha agregado una serie de formas no tradicionales de escultura, incluyendo escultura sonora, escultura de luz, arte ambiental, escultura ambiental, escultura de arte callejero, escultura cinética (que involucra aspectos del movimiento físico), land art y sitio específico art. La escultura es una forma importante de arte público. Una colección de escultura en un jardín puede llamarse un jardín de esculturas.
Propósitos y temas
Uno de los propósitos más comunes de la escultura es la asociación con la religión. Las imágenes de culto son comunes en muchas culturas, aunque a menudo no son las estatuas colosales de las deidades que caracterizaron el arte griego antiguo, como la Estatua de Zeus en Olimpia. Las imágenes reales de culto en los santuarios más recónditos de los templos egipcios, de las cuales ninguna ha sobrevivido, eran evidentemente más bien pequeñas, incluso en los templos más grandes. Lo mismo ocurre a menudo en el hinduismo, donde la forma más simple y antigua del lingam es la más común. El budismo trajo la escultura de figuras religiosas al este de Asia, donde parece no haber existido una tradición equivalente anterior, aunque de nuevo formas simples como el bi y el cong probablemente tenían un significado religioso.
Pequeñas esculturas como objetos personales se remontan al arte prehistórico más antiguo, y el uso de una escultura muy grande como arte público, especialmente para impresionar al espectador con el poder de un gobernante, se remonta al menos a la Gran Esfinge de hace unos 4.500 años. En arqueología e historia del arte se considera de gran importancia la aparición y, a veces, la desaparición de esculturas grandes o monumentales en una cultura, aunque rastrear el surgimiento a menudo se complica por la presunta existencia de esculturas en madera y otros materiales perecederos de los que no se tiene registro permanece; el tótem es un ejemplo de una tradición de escultura monumental en madera que no dejaría rastros para la arqueología. La capacidad de convocar a los recursos para crear esculturas monumentales, transportando materiales generalmente muy pesados y haciendo arreglos para el pago de lo que generalmente se considera como escultores a tiempo completo, se considera una marca de una cultura relativamente avanzada en términos de organización social. Recientes descubrimientos inesperados de antiguas figuras chinas de la edad de bronce en Sanxingdui, más del doble del tamaño humano, han perturbado muchas ideas acerca de la civilización china primitiva, ya que solo se conocían bronces mucho más pequeños. Ciertas culturas indudablemente avanzadas, como la civilización del valle del Indo, parecen no tener ninguna escultura monumental, aunque producen estatuillas y sellos muy sofisticados. La cultura de Mississipp parece haber progresado hacia su uso, con pequeñas figuras de piedra, cuando colapsó. Otras culturas, como el antiguo Egipto y la cultura de la Isla de Pascua,
La recolección de esculturas, incluida la de periodos anteriores, se remonta a unos 2.000 años en Grecia, China y Mesoamérica, y muchas colecciones estaban disponibles en forma semipública mucho antes de que se inventara el museo moderno. A partir del siglo XX, la gama relativamente restringida de temas que se encuentran en las esculturas grandes se expandió enormemente, con temas abstractos y el uso o la representación de cualquier tipo de tema ahora común. Hoy en día, se fabrican muchas esculturas para exhibiciones intermitentes en galerías y museos, y la capacidad de transportar y almacenar las obras cada vez más grandes es un factor en su construcción. Pequeñas figurillas decorativas, más a menudo en cerámica, son tan populares hoy en día (aunque extrañamente descuidadas por el arte moderno y contemporáneo) como lo fueron en el Rococó, o en la antigua Grecia cuando las figurillas Tanagra eran una industria importante, o en arte de Asia oriental y precolombina. Los pequeños adornos esculpidos para muebles y otros objetos se remontan a la antigüedad, como en los marfiles de Nimrud, los marfiles de Begram y los hallazgos de la tumba de Tutankamón.
La escultura de retrato comenzó en Egipto, donde la paleta de Narmer muestra un regente del siglo 32 aC, y Mesopotamia, donde tenemos 27 estatuas sobrevivientes de Gudea, que gobernó Lagash c. 2144 - 2124 BCE. En la antigua Grecia y Roma, la erección de una estatua de retrato en un lugar público era casi la más alta marca de honor, y la ambición de la élite, que también podría ser representada en una moneda. En otras culturas, como Egipto y el Cercano Oriente, las estatuas públicas eran casi exclusivas del gobernante, y otras personas ricas solo se retrataban en sus tumbas. Los gobernantes suelen ser los únicos que muestran retratos en culturas precolombinas, comenzando con las cabezas colosales olmecas de hace unos 3.000 años. La escultura del retrato de Asia oriental era completamente religiosa, y se conmemoraba a los principales clérigos con estatuas, especialmente a los fundadores de los monasterios, pero no gobernantes, o antepasados. La tradición mediterránea revivió, inicialmente solo para efigies y monedas de tumbas, en la Edad Media, pero se expandió considerablemente en el Renacimiento, que inventó nuevas formas, como la medalla de retrato personal.
Los animales son, con la figura humana, el primer tema de escultura, y siempre han sido populares, a veces realistas, pero a menudo monstruos imaginarios; en China, los animales y los monstruos son casi los únicos temas tradicionales para la escultura de piedra fuera de las tumbas y los templos. El reino de las plantas solo es importante en joyería y relieves decorativos, pero estos forman casi todas las grandes esculturas de arte bizantino y arte islámico, y son muy importantes en la mayoría de las tradiciones eurasiáticas, donde motivos tales como la palmeta y el pergamino han pasado al este y al oeste por más de dos milenios.
Una forma de escultura encontrada en muchas culturas prehistóricas de todo el mundo es una versión especialmente ampliada de herramientas ordinarias, armas o vasijas creadas con materiales preciosos poco prácticos, ya sea para algún tipo de uso ceremonial o exhibición o como ofrendas. Jade u otros tipos de piedra verde se utilizaron en China, México olmeca y Europa neolítica, y en la temprana Mesopotamia se produjeron grandes figuras de cerámica en piedra. El bronce se usó en Europa y China para grandes hachas y cuchillas, como el Oxborough Dirk.
Materiales y técnicas
Los materiales utilizados en la escultura son diversos y cambian a lo largo de la historia. Los materiales clásicos, con durabilidad excepcional, son de metal, especialmente bronce, piedra y cerámica, con madera, hueso y cornamenta menos duraderas pero con opciones más económicas. Los materiales preciosos como el oro, la plata, el jade y el marfil a menudo se usan para pequeñas obras de lujo, y algunas veces en las más grandes, como en las estatuas criselefantinas. Se usaron materiales más comunes y menos costosos para la escultura para un consumo más amplio, incluidas maderas duras (como roble, caja / boj y lima / tilo); terracota y otras cerámicas, cera (un material muy común para los modelos de fundición y que reciben las impresiones de sellos de cilindros y gemas grabadas) y metales fundidos como peltre y zinc (spelter). Pero una gran cantidad de otros materiales se han utilizado como parte de las esculturas,
Las esculturas a menudo se pintan, pero comúnmente pierden su pintura a tiempo, o restauradores. Se han utilizado muchas técnicas de pintura diferentes para hacer esculturas, como el temple, la pintura al óleo, el dorado, la pintura para el hogar, el aerosol, el esmalte y el chorro de arena.
Muchos escultores buscan nuevas formas y materiales para hacer arte. Una de las esculturas más famosas de Pablo Picasso incluye piezas de bicicleta. Alexander Calder y otros modernistas hicieron un uso espectacular del acero pintado. Desde la década de 1960, los acrílicos y otros plásticos se han utilizado también. Andy Goldsworthy hace sus esculturas inusualmente efímeras de materiales casi totalmente naturales en entornos naturales. Algunas esculturas, como esculturas de hielo, esculturas de arena y esculturas de gas, son deliberadamente efímeras. Escultores recientes han utilizado vidrios de colores, herramientas, partes de máquinas, hardware y envases para el consumidor para diseñar sus obras. Los escultores a veces usan objetos encontrados, y las rocas de los eruditos chinos han sido apreciadas por muchos siglos.
Piedra
La escultura de piedra es una actividad antigua en la que las piezas de piedra natural rugosa se modelan mediante la eliminación controlada de la piedra. Debido a la permanencia del material, se puede encontrar evidencia de que incluso las primeras sociedades se entregan a algún tipo de trabajo en piedra, aunque no todas las áreas del mundo tienen tanta abundancia de piedra buena para tallar como Egipto, Grecia, India y la mayor parte de Europa. . Los petroglifos (también llamados grabados rupestres) son quizás la forma más antigua: imágenes creadas al eliminar parte de la superficie de una roca que permanece in situ., incidiendo, picoteando, tallando y raspando. La escultura monumental cubre grandes obras, y la escultura arquitectónica, que se adjunta a los edificios. El tallado en piedra dura es el tallado con fines artísticos de piedras semipreciosas tales como jade, ágata, ónix, cristal de roca, sardina o cornalina, y un término general para un objeto hecho de esta manera. El yeso de alabastro o mineral es un mineral blando que es fácil de tallar para trabajos más pequeños y aún relativamente duradero. Las gemas grabadas son pequeñas gemas talladas, incluidos los camafeos, originalmente utilizados como anillos de sello.
La copia de una estatua original en piedra, que era muy importante para las antiguas estatuas griegas, que casi todos se conocen a partir de copias, se lograba tradicionalmente mediante el "señalamiento", junto con más métodos a mano alzada. Señalar implicaba configurar una cuadrícula de cuadrados de cuerda en un marco de madera que rodeaba el original, y luego medir la posición en la cuadrícula y la distancia entre cuadrícula y estatua de una serie de puntos individuales, y luego usar esta información para tallar en el bloque de que la copia está hecha.
Metal
El bronce y las aleaciones de cobre relacionadas son los metales más antiguos y aún más populares para las esculturas de metal fundido; una escultura de bronce fundido a menudo se llama simplemente un "bronce". Las aleaciones de bronce comunes tienen la característica inusual y deseable de expandirse ligeramente justo antes de fraguar, llenando así los detalles más finos de un molde. Su fuerza y falta de fragilidad (ductilidad) es una ventaja cuando se deben crear figuras en acción, especialmente cuando se comparan con varios materiales cerámicos o de piedra (véase la escultura de mármol para varios ejemplos). El oro es el metal más suave y más precioso, y muy importante en joyería; con plata es lo suficientemente suave para ser trabajado con martillos y otras herramientas, así como el yeso; repujado y persecución son algunas de las técnicas utilizadas en el oro y la platería.
La fundición es un grupo de procesos de fabricación mediante el cual un material líquido (bronce, cobre, vidrio, aluminio, hierro) se vierte (normalmente) en un molde, que contiene una cavidad hueca de la forma deseada, y luego se deja solidificar. El molde sólido se expulsa o rompe para completar el proceso, aunque puede seguir una etapa final de "trabajo en frío" en el modelo final. La colada puede usarse para formar metales líquidos calientes o diversos materiales que se endurecen en frío después de mezclar los componentes (como resinas epoxídicas, hormigón, yeso y arcilla). La fundición se usa con más frecuencia para hacer formas complejas que de otra forma serían difíciles o antieconómicas por otros métodos. El casting sobreviviente más antiguo es una rana mesopotámica de cobre del 3200 aC Las técnicas específicas incluyen fundición a la cera perdida, molde de yeso y fundición en arena.
Vaso
El vidrio se puede utilizar para la escultura a través de una amplia gama de técnicas de trabajo, aunque el uso de la misma para obras grandes es un desarrollo reciente. Puede ser tallado, con considerable dificultad; la Copa Lycurgus romana es casi única. La colada en caliente se puede hacer vertiendo el vidrio fundido en moldes que se han creado presionando las formas en arena, grafito tallado o moldes detallados de yeso / sílice. El vidrio de colado del horno consiste en calentar trozos de vidrio en un horno hasta que estén líquidos y fluir a un molde de espera debajo de él en el horno. El vidrio también puede ser soplado y / o esculpido en caliente con herramientas manuales, ya sea como una masa sólida o como parte de un objeto soplado. Las técnicas más recientes implican cincelar y unir vidrio de placa con silicatos de polímero y luz ultravioleta.
cerámica
La cerámica es uno de los materiales más antiguos para la escultura, y la arcilla es el medio en el que muchas esculturas moldeadas en metal se modelaron originalmente para fundición. Los escultores a menudo construyen pequeños trabajos preliminares llamados maquetas de materiales efímeros como yeso de París, cera, arcilla sin cocer o plastilina. Muchas culturas han producido cerámica que combina una función como un recipiente con una forma escultórica, y las figurillas pequeñas a menudo han sido tan populares como lo son en la cultura occidental moderna. Los sellos y moldes fueron utilizados por la mayoría de las civilizaciones antiguas, desde la antigua Roma y Mesopotamia hasta China.
Talla de madera
El tallado en madera se ha practicado ampliamente, pero sobrevive mucho menos que los otros materiales principales, y es vulnerable a la descomposición, el daño por insectos y el fuego. Por lo tanto, constituye un importante elemento oculto en la historia del arte de muchas culturas. La escultura de madera al aire libre no dura mucho en la mayor parte del mundo, por lo que tenemos poca idea de cómo se desarrolló la tradición del tótem. Muchas de las esculturas más importantes de China y Japón en particular son de madera, y la gran mayoría de las esculturas africanas y de Oceanía y otras regiones.
La madera es liviana, por lo que es adecuada para máscaras y otras esculturas destinadas a ser llevadas, y puede tomar muy finos detalles. También es mucho más fácil trabajar que piedra. Se ha pintado a menudo después de tallar, pero la pintura se desgasta menos que la madera, y a menudo falta en las piezas supervivientes. La madera pintada a menudo se describe técnicamente como "madera y policromía". Normalmente, se aplica una capa de yeso o yeso a la madera, y luego se aplica la pintura a eso.
Estado social de los escultores
En todo el mundo, los escultores han sido generalmente comerciantes cuyo trabajo no está firmado; en algunas tradiciones, por ejemplo en China, donde la escultura no comparte el prestigio de la pintura literaria, esto ha afectado el estado de la escultura en sí misma. Incluso en la antigua Grecia, donde los escultores como Fidias se hicieron famosos, parecen haber conservado el mismo estatus social que otros artesanos, y tal vez no hay recompensas financieras mucho mayores, aunque algunos firmaron sus obras. En la Edad Media, artistas como el siglo XII, Gislebertus a veces firmaban su obra y eran buscados por diferentes ciudades, especialmente desde el Trecento en Italia, con figuras como Arnolfo di Cambio y Nicola Pisano y su hijo Giovanni. Orfebres y joyeros, que se ocupan de materiales preciosos y que a menudo se duplican como banqueros, Pertenecía a poderosos gremios y tenía un estatus considerable, a menudo con un cargo cívico. Muchos escultores también practicaron en otras artes; Andrea del Verrocchio también pintó, y Giovanni Pisano, Michelangelo y Jacopo Sansovino fueron arquitectos. Algunos escultores mantuvieron grandes talleres. Incluso en el Renacimiento, la naturaleza física de la obra fue percibida por Leonardo da Vinci y otros como una forma de reducir el estatus de la escultura en las artes, aunque la reputación de Miguel Ángel tal vez puso fin a esta idea tan arraigada.
Desde el Alto Renacimiento, artistas como Miguel Ángel, León Leoni y Giambologna pudieron enriquecerse, ennoblecerse e ingresar al círculo de los príncipes, después de un período de duras discusiones sobre el estatus relativo de la escultura y la pintura. Gran parte de la escultura decorativa en los edificios siguió siendo un oficio, pero los escultores que producían piezas individuales fueron reconocidos al mismo nivel que los pintores. Desde el siglo 18 o escultura anterior también atrajo a estudiantes de clase media, aunque fue más lento para hacerlo que la pintura. Las mujeres escultoras tardaron más en aparecer que las mujeres pintores, y fueron menos prominentes hasta el siglo XX.
Movimientos anti-escultura
El aniconismo permaneció restringido al judaísmo, que no aceptó la escultura figurativa hasta el siglo XIX, antes de expandirse al cristianismo primitivo, que inicialmente aceptó grandes esculturas. En el cristianismo y el budismo, la escultura se volvió muy significativa. La ortodoxia cristiana cristiana nunca ha aceptado la escultura monumental, y el Islam ha rechazado consistentemente casi todas las esculturas figurativas, excepto figuras muy pequeñas en relieves y algunas figuras de animales que cumplen una función útil, como los famosos leones que sostienen una fuente en la Alhambra. Muchas formas de protestantismo tampoco aprueban la escultura religiosa. Ha habido mucha iconoclasia de la escultura por motivos religiosos, desde los primeros cristianos, la Tormenta de Beel de la Reforma Protestante hasta la destrucción de los Budas de Bamyan en 2001 por los talibanes.
Historia de la escultura
Períodos prehistóricos
Los primeros ejemplos indiscutibles de la escultura pertenecen a la cultura Aurignacian, que se encuentra en Europa y el sudoeste asiático y está activo al comienzo del Paleolítico superior. Además de producir algunos de los primeros arte rupestres conocidos, las personas de esta cultura desarrollaron herramientas de piedra finamente elaboradas, fabricando colgantes, brazaletes, cuentas de marfil y flautas de hueso, así como figurillas tridimensionales.
El Löwenmensch de 30 cm de alto que se encuentra en el área de Hohlenstein Stadel en Alemania es una figura antropomórfica de un hombre león tallada en marfil de mamut lanudo. Se ha fechado a aproximadamente 35-40,000 BP, haciéndolo, junto con la Venus de Hohle Fels, el ejemplo más viejo conocido sin oposición del arte figurativo.
Gran parte del arte prehistórico que se conserva son pequeñas esculturas portátiles, con un pequeño grupo de figurillas Venus femeninas, como la Venus de Willendorf (24-26,000 aC ), que se encuentran en Europa central. El reno de natación de hace aproximadamente 13,000 años es uno de los mejores tallados magdalenienses en hueso o cornamenta de animales en el arte del Paleolítico superior, aunque son superados en número por piezas grabadas, que a veces se clasifican como esculturas. Dos de las esculturas prehistóricas más grandes se pueden encontrar en las cuevas de Tuc d'Audobert en Francia, donde hace unos 12-17,000 años un maestro escultor usó una herramienta de piedra con espátula y dedos para modelar un par de bisontes grandes en arcilla contra una piedra caliza rock.
Con el comienzo del Mesolítico en Europa, la escultura figurativa se redujo notablemente y siguió siendo un elemento menos común en el arte que la decoración en relieve de objetos prácticos hasta la época romana, a pesar de algunas obras como el caldero Gundestrup de la Edad de Hierro europea y la Edad de Bronce Trundholm carro de sol.
Löwenmensch, de Hohlenstein-Stadel, ahora en el Museo Ulmer, Ulm, Alemania, la estatuilla antropomórfica animal-humana más antigua conocida, era Aurignacian, c. 35-40,000 BP
Venus de Willendorf, c. 24,000-26,000 BP
Caballo Magdaleniense , c. 17,000 BP Musée d'Archéologie Nationale, Francia
Creeping Hyena, c. 12-17,000 BP, marfil de mamut, encontrado en La Madeleine, Francia
Reno de natación c. 13,000 BP, reno de natación femenino y masculino - período Magdaleniense tardío, encontrado en Montastruc, Tarn et Garonne, Francia
El carro solar de Trundholm, quizás 1800-1500 a. este lado está dorado, el otro es "oscuro".
Venus de Laussel c. 27,000 BP, una escultura del Paleolítico Superior, museo de Burdeos, Francia
Una estatua de Jōmon, Japón
Antiguo Cercano Oriente
El período de Protoliterate en Mesopotamia, dominado por Uruk, vio la producción de obras sofisticadas como Warka Vase y sellos de cilindro. La leona de Guennol es una pequeña figura caliza excepcional de Elam de aproximadamente 3000-2800 aC, parte humana y parte leona. Un poco más tarde hay una serie de figuras de sacerdotes y adoradores de ojos grandes, principalmente en alabastro y de hasta un pie de alto, que asistieron a las imágenes de culto del templo de la deidad, pero muy pocos de ellos han sobrevivido. Las esculturas del período sumerio y acadio generalmente tenían grandes ojos y largas barbas sobre los hombres. También se han encontrado muchas obras maestras en el Cementerio Real de Ur (hacia 2650 aC), que incluyen las dos figuras de un Carnero en un matorral , el Toro de Cobre y una cabeza de toro en una de las Lirios de Ur.
De los muchos períodos subsiguientes antes de la ascendencia del Imperio neoasirio en el siglo X aC, el arte mesopotámico sobrevive en varias formas: sellos cilíndricos, figuras relativamente pequeñas en la redonda y relieves de varios tamaños, incluidas placas baratas de cerámica moldeada. para el hogar, algunos religiosos y otros aparentemente no. El Alivio de Burney es una placa de terracota inusualmente elaborada y relativamente grande (20 x 15 pulgadas, 50 x 37 cm) de una diosa alada desnuda con los pies de un ave de rapiña, y lechuzas y leones asistentes. Procede de los siglos XVIII y XIX AEC, y también puede ser moldeado. Las estelas de piedra, las ofrendas votivas, o las que probablemente conmemoran victorias y muestran fiestas, también se encuentran en los templos, que a diferencia de los más oficiales carecen de inscripciones que los explicarían;
La conquista de toda Mesopotamia y mucho territorio circundante por los asirios creó un estado más grande y más rico de lo que la región había conocido antes, y arte muy grandioso en palacios y lugares públicos, sin duda en parte destinados a igualar el esplendor del arte de la vecino imperio egipcio. A diferencia de los estados anteriores, los asirios podían usar piedras talladas fácilmente del norte de Iraq, y lo hicieron en gran cantidad. Los asirios desarrollaron un estilo de esquemas extremadamente grandes de bajorrelieves narrativos muy finamente detallados en piedra para palacios, con escenas de guerra o de caza; el Museo Británico tiene una colección excepcional, que incluye la Caza del León de Ashurbanipal y los relieves de Lachish mostrando una campaña. Produjeron muy poca escultura en la ronda, a excepción de las figuras guardianas colosales del lamassu de cabeza humana, que están esculpidas en alto relieve en dos lados de un bloque rectangular, con las cabezas efectivamente en la ronda (y también cinco patas, de modo que ambas vistas parecen completas). Incluso antes de dominar la región, continuaron la tradición del sello del cilindro con diseños que a menudo son excepcionalmente enérgicos y refinados.
Leona de Guennol, tercer milenio aC, 3,25 pulgadas (8,3 cm) de altura
Una de las 18 Estatuas de Gudea, una regla alrededor de 2090 a.
El Alivio de Burney, antiguo babilonio, alrededor de 1800 a.
Parte de la caza del león de Ashurbanipal , c. 640 aC, Nínive
Antiguo Egipto
La escultura monumental del antiguo Egipto es famosa en todo el mundo, pero existen pequeñas obras refinadas y delicadas en cantidades mucho mayores. Los egipcios usaban la técnica distintiva de alivio hundido, que es muy adecuada para la luz solar muy brillante. Las figuras principales en relieves se adhieren a la misma convención de figuras que en la pintura, con las piernas separadas (donde no están sentadas) y la cabeza desde un costado, pero el torso desde el frente y un conjunto estándar de proporciones que componen la figura. "puños" para ir desde el suelo hasta la línea de cabello en la frente. Esto aparece ya en la Paleta Narmer de la dinastía I. Sin embargo, como en otros lugares, la convención no se usa para figuras menores que participan en alguna actividad, como los cautivos y los cadáveres. Otras convenciones hacen que las estatuas de hombres sean más oscuras que las femeninas.
Los faraones egipcios siempre fueron vistos como deidades, pero otras deidades son mucho menos comunes en las estatuas grandes, excepto cuando representan al faraón como otra deidad; sin embargo, las otras deidades se muestran con frecuencia en pinturas y relieves. La famosa fila de cuatro estatuas colosales fuera del templo principal de Abu Simbel muestra cada una a Rameses II, un esquema típico, aunque aquí excepcionalmente grande. Pequeñas figuras de deidades, o sus personificaciones animales, son muy comunes y se encuentran en materiales populares como la cerámica. La escultura más grande sobrevive de los templos o tumbas egipcias; por Dinastía IV (2680-2565 a. C.) a más tardar, la idea de la estatua de Ka estaba firmemente establecida. Estos fueron puestos en tumbas como un lugar de descanso para el ka parte del alma, y así tenemos un buen número de estatuas menos convencionales de administradores adinerados y sus esposas, muchas en madera, ya que Egipto es uno de los pocos lugares en el mundo donde el clima permite que la madera sobreviva durante milenios. Los llamados jefes de reserva, cabezas lisas sin pelo, son especialmente naturalistas. Las primeras tumbas también contenían pequeños modelos de esclavos, animales, edificios y objetos, como barcos necesarios para que el difunto continuara su estilo de vida en el otro mundo, y más tarde figuras de Ushabti .
Facsímil de la Paleta Narmer, c. 3100 aC, que ya muestra la vista canónica del perfil egipcio y las proporciones de la figura
Menkaura (Mycerinus) y reina, Reino Antiguo, Dinastía 4, 2490-2472 antes de Cristo. La formalidad de la pose se ve reducida por el brazo de la reina alrededor de su esposo
Modelos de tumbas de madera, Dynasty XI; un alto administrador cuenta su ganado
La máscara de Tutankamón, c. finales de la XVIII dinastía, Museo Egipcio
The Younger Memnon c. 1250 aC, Museo Británico
Osiris en un pilar de lapislázuli en el centro, flanqueado por Horus a la izquierda, e Isis a la derecha, 22ª dinastía, Louvre
La estatua del ka proporciona un lugar físico para que el ka se manifieste. Museo Egipcio, El Cairo
Bloque estatua de Pa-Ankh-Ra, maestro de la nave, con una estatua de Ptah. Período tardío, ca. 650-633 aC, gabinete de las medianas
Europa
Antigua Grecia
El primer estilo distintivo de la escultura griega antigua se desarrolló en el período de las Cícladas de la Edad del Bronce Antiguo (tercer milenio aC), donde las figuras de mármol, generalmente femeninas y pequeñas, están representadas en un estilo geométrico elegantemente simplificado. Lo más típico es una pose de pie con los brazos cruzados al frente, pero otras figuras se muestran en diferentes poses, incluida una figura complicada de un arpista sentado en una silla.
Las posteriores culturas minoica y micénica desarrollaron aún más la escultura, bajo la influencia de Siria y de otros lugares, pero es en el período arcaico posterior alrededor del 650 a. C. que se desarrollaron los kouros. Estas son grandes estatuas de jóvenes desnudos, que se encuentran en templos y tumbas, con el kore como el equivalente femenino vestido, con el pelo elaborado; ambos tienen la "sonrisa arcaica". Parecen haber cumplido una serie de funciones, tal vez a veces representando deidades y, a veces la persona enterrada en una tumba, como con los Kroisos Kouros. Están claramente influenciados por los estilos egipcio y sirio, pero los artistas griegos estaban mucho más dispuestos a experimentar dentro del estilo.
Durante el siglo VI, la escultura griega se desarrolló rápidamente, volviéndose más naturalista, y con poses de figuras mucho más activas y variadas en escenas narrativas, aunque todavía dentro de convenciones idealizadas. Se añadieron frontones esculpidos a los templos, incluido el Partenón en Atenas, donde los restos del frontón de alrededor de 520 usando figuras en la ronda fueron afortunadamente utilizados como relleno para nuevos edificios después del saqueo persa en 480 a. C. y se recuperaron a partir de 1880 en condición fresca sin tocar. Otros restos significativos de la escultura arquitectónica provienen de Paestum en Italia, Corfú, Delfos y el Templo de Aphaea en Egina (ahora en Múnich). La mayoría de las esculturas griegas originalmente incluían al menos algún color; el Museo Ny Carlsberg Glyptotek en Copenhague, Dinamarca, ha realizado una extensa investigación y recreación de los colores originales.
Estatua de las Cícladas 2700-2300 aC Cabeza de la figura de una mujer, H. 27 centímetros (11 pulgadas)
Figura femenina de las Cícladas, c. 2500-2400 AEC, 41,5 cm (16,3 in) de altura
Micenas, 1600-1500 aC Ritón plateado con cuernos dorados y roseta en la frente
Lifesize New York Kouros, c. 590-580 BCE, Museo Metropolitano de Arte
La "Esfinge naxiana" de Delphi, 570-560 aC, la figura de 222 cm (87 in) de altura
Peplos Kore , c. 530 aC, Atenas, Museo de la Acrópolis
Guerrero arcaico tardío desde el frontón este del Templo de Aphaea, c. 500
El sarcófago de Amathus, de Amathus, Chipre, 2do cuarto del arcaico del siglo V a. C., Museo Metropolitano de Arte
Clásico
Hay menos restos originales de la primera fase del período Clásico, a menudo llamado estilo Severo; las estatuas independientes ahora estaban hechas en su mayoría en bronce, que siempre tenía valor como chatarra. El estilo severo duró desde alrededor de 500 en relieves, y poco después de 480 en estatuas, hasta aproximadamente 450. Las poses relativamente rígidas de figuras relajadas, y las posiciones asimétricas de giro y las vistas oblicuas se volvieron comunes y deliberadamente buscadas. Esto se combinó con una mejor comprensión de la anatomía y la estructura armoniosa de las figuras esculpidas, y la búsqueda de la representación naturalista como objetivo, que no había estado presente antes. Las excavaciones en el Templo de Zeus, Olimpia desde 1829 han revelado el grupo más grande de restos, de alrededor de 460, de los cuales muchos están en el Louvre.
El período "High Classical" duró solo unas pocas décadas, de aproximadamente 450 a 400, pero ha tenido una influencia trascendental en el arte, y conserva un prestigio especial, a pesar de un número muy limitado de supervivencias originales. Las obras más conocidas son los Mármoles del Partenón, tradicionalmente (desde Plutarco) ejecutados por un equipo dirigido por el famoso escultor griego Fidias, activo desde aproximadamente 465-425, que en sus días era más famoso por su colosal estatua criselefantina de Zeus. en Olimpia (c. 432), una de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo, su Athena Parthenos (438), la imagen de culto del Partenón y Atenea Promachos, una colosal figura de bronce que estaba al lado del Partenón; todos estos se pierden pero se conocen de muchas representaciones. También se le acredita como el creador de algunas estatuas de bronce de tamaño natural, conocidas solo de copias posteriores cuya identificación es controvertida, incluido el Ludovisi Hermes .
El estilo High Classical continuó desarrollando realismo y sofisticación en la figura humana, y mejoró la representación de cortinas (vestimenta), usándola para aumentar el impacto de las poses activas. Las expresiones faciales generalmente eran muy moderadas, incluso en escenas de combate. La composición de grupos de figuras en relieves y en frontones combinó la complejidad y la armonía de una manera que tuvo una influencia permanente en el arte occidental. El alivio podría ser muy alto, como en la ilustración del Partenón a continuación, donde la mayor parte de la pierna del guerrero está completamente separada del fondo, al igual que las partes faltantes; Relieve estas esculturas altas hechas más sujetas a daños. El estilo Late Classical desarrolló la estatua desnudo femenina independiente, supuestamente una innovación de Praxiteles, y desarrolló posturas cada vez más complejas y sutiles que eran interesantes cuando se las veía desde varios ángulos, así como con caras más expresivas; ambas tendencias debían tomarse mucho más en el período helenístico.
Helenístico
El período helenístico se fecha convencionalmente desde la muerte de Alejandro Magno en 323 aC, y termina con la conquista final de las tierras centrales griegas por Roma en el año 146 aC o con la derrota final del último estado sucesor del imperio de Alejandro después del Batalla de Actium en 31 aC, que también marca el final de la Roma republicana. Es por lo tanto mucho más largo que los períodos anteriores, e incluye al menos dos fases principales: un estilo de experimentación "Pergaménico", exuberancia y algo de sentimentalismo y vulgaridad, y en el siglo II a. C. un retorno clasicista a una simplicidad y elegancia más austera; más allá de estas generalizaciones, las citas suelen ser muy inciertas, especialmente cuando solo se conocen copias posteriores, como suele ser el caso. El estilo inicial de Pergamene no estaba especialmente asociado con Pergamon, Laocoon y sus Hijos en los Museos del Vaticano, un ejemplo tardío, y el original de bronce de The Dying Gaul (ilustrado en la parte superior), que sabemos que fue parte de un grupo realmente encargado para Pergamon alrededor del 228 aC, del cual la Galia Ludovisi también una copia. El grupo llamado Farnese Bull, posiblemente un original de mármol del siglo II, es aún más grande y más complejo,
La escultura helenística amplió enormemente la gama de temas representados, en parte como resultado de una mayor prosperidad general, y la aparición de una clase muy rica que tenía grandes casas decoradas con esculturas, aunque sabemos que algunos ejemplos de temas que parecen más adecuados para el hogar , como niños con animales, de hecho fueron colocados en templos u otros lugares públicos. Para un mercado de decoración del hogar mucho más popular había figurillas Tanagra, y las de otros centros donde se producían pequeñas figuras de alfarería a escala industrial, algunas religiosas pero otras mostrando animales y damas elegantemente vestidas. Los escultores se volvieron más hábiles técnicamente en la representación de expresiones faciales que transmiten una amplia variedad de emociones y el retrato de personas, y representan diferentes edades y razas. Los relieves del mausoleo son bastante atípicos en ese sentido; la mayoría del trabajo fue independiente, y las composiciones grupales con varias figuras se pueden ver en la ronda, como el Laocoonte y el grupo de Pérgamo celebrando la victoria sobre los galos se hicieron populares, ya que habían sido raros antes. El Barberini Faun, que muestra a un sátiro dormido, presumiblemente después de beber, es un ejemplo de la relajación moral del período y la disposición a crear esculturas grandes y caras de temas que no alcanzan lo heroico.
Después de las conquistas de la cultura helenística de Alejandro, predominaba en los tribunales de casi todo el Cercano Oriente y parte de Asia Central, y cada vez más las elites europeas, especialmente en Italia, donde las colonias griegas controlaban inicialmente la mayor parte del Sur. El arte helenístico y los artistas se extendieron ampliamente y fueron especialmente influyentes en la expansión de la República romana y cuando encontraron el budismo en las extensiones más orientales del área helenística. El masivo llamado Sarcófago de Alejandro encontrado en Sidón en el Líbano moderno, probablemente fue hecho allí al comienzo del período por artistas griegos expatriados para un gobernador persa helenizado. La riqueza del período llevó a una producción muy aumentada de formas de lujo de pequeñas esculturas, incluyendo gemas y camafeos grabados, joyas y orfebrería.
Los bronces de Riace, figuras de bronce muy raras recuperadas del mar, c. 460-430
Hermes y el Niño Dionysos , posiblemente un original de Praxiteles, siglo IV
Dos elegantes damas, figuritas de cerámica, 350-300
Estatuilla de bronce de un caballo, finales del siglo II a. C. Museo Metropolitano de Arte
La victoria alada de Samotracia , c. 190 aC, Louvre
Venus de Milo , c. 130 - 100 aC, griego, el Louvre
Laocoonte y sus Hijos , griego, (Hellenismo tardío), tal vez una copia, entre 200 aC y 20 dC, mármol blanco, Museo del Vaticano
Leochares, Apollo Belvedere , c. 130 - 140 AD. Copia romana después de un original de bronce griego de 330-320 aC Museos del Vaticano
Europa después de los griegos
Escultura romana
El arte romano temprano fue influenciado por el arte de Grecia y el de los etruscos vecinos, ellos mismos muy influenciados por sus socios comerciales griegos. Una especialidad etrusca era una efigie de tumba cerca del tamaño natural en terracota, usualmente sobre la tapa de un sarcófago apoyada sobre un codo en la pose de un comensal en ese período. A medida que la República Romana en expansión comenzó a conquistar el territorio griego, al principio en el sur de Italia y luego en todo el mundo helenístico excepto en el lejano oriente parto, la escultura oficial y patricia se convirtió en gran medida en una extensión del estilo helenístico, del cual desenredar, sobre todo porque tanta escultura griega sobrevive solo en copias de la época romana. En el siglo II aC, "la mayoría de los escultores que trabajaban en Roma" eran griegos, a menudo esclavizados en conquistas como el de Corinto (146 AEC), y los escultores siguen siendo en su mayoría griegos, a menudo esclavos, cuyos nombres raramente se registran. Un gran número de estatuas griegas fueron importadas a Roma, ya sea como botín o como resultado de la extorsión o el comercio, y los templos a menudo fueron decorados con obras griegas reutilizadas.
Un estilo nativo italiano se puede ver en los monumentos de la tumba, que muy a menudo presentaban bustos de retratos, de romanos prósperos de clase media, y el retrato es posiblemente la principal fortaleza de la escultura romana. No hay vestigios de la tradición de máscaras de antepasados que se llevaron en procesiones en los funerales de las grandes familias y se exhiben en el hogar, pero muchos de los bustos que sobreviven deben representar figuras ancestrales, tal vez de las grandes tumbas familiares como el Tumba de los Escipiones o el mausoleo posterior fuera de la ciudad. La famosa cabeza de bronce supuestamente de Lucius Junius Brutus data muy diversamente, pero se toma como una supervivencia muy rara del estilo itálico bajo la República, en el medio preferido de bronce. De manera similar, se ven cabezas severas y poderosas en las monedas de la República Tardía, y en el período imperial, las monedas y los bustos enviados alrededor del Imperio para colocarse en las basílicas de las ciudades provinciales fueron la principal forma visual de la propaganda imperial; incluso Londinium tenía una estatua casi colosal de Nerón, aunque mucho más pequeña que el Coloso de Nerón de 30 metros de alto en Roma, ahora perdida.
Los romanos generalmente no intentaron competir con las obras griegas autónomas de hazañas heroicas de la historia o la mitología, pero desde el principio produjeron obras históricas en relieve, que culminaron en las grandes columnas triunfales romanas con continuos relieves narrativos a su alrededor, de los cuales conmemorando a Trajano (CE 113) y Marco Aurelio (por 193) sobreviven en Roma, donde el Ara Pacis ("Altar de la Paz", 13 AEC) representa el estilo grecorromano oficial en su forma más clásica y refinada. Entre otros ejemplos importantes están los relieves reutilizados anteriores en el Arco de Constantino y la base de la columna de Antonino Pío (161), los relieves de Campana eran versiones de cerámica más baratas de relieves de mármol y el gusto por el relieve era del período imperial ampliado al sarcófago. Todas las formas de escultura pequeña de lujo continuaron siendo condescendientes, y la calidad podría ser extremadamente alta, como en la Copa de Warren de plata, Copa Lycurgus de vidrio y grandes camafeos como Gemma Augustea, Gonzaga Cameo y el "Gran Camafeo de Francia". Para una sección mucho más amplia de la población, la decoración moldeada en relieve de vasijas de cerámica y figuritas pequeñas se producía en gran cantidad y a menudo con una calidad considerable.
Después de pasar por una fase "barroca" de finales del siglo II, en el siglo III, el arte romano abandonó en gran medida, o simplemente no pudo producir, la escultura en la tradición clásica, un cambio cuyas causas siguen siendo muy discutidas. Incluso los monumentos imperiales más importantes ahora mostraban figuras achaparradas y de ojos grandes en un duro estilo frontal, en composiciones simples que enfatizaban el poder a expensas de la gracia. El contraste está ilustrado de forma famosa en el Arco de Constantino de 315 en Roma, que combina secciones en el nuevo estilo con redondeles en el anterior estilo greco-romano completo tomado de otros lugares, y los Cuatro Tetrarcas (c.305) de la nueva capital de Constantinopla, ahora en Venecia. Ernst Kitzinger encontró en ambos monumentos las mismas "proporciones regordetas, movimientos angulares, un orden de las partes a través de la simetría y la repetición y una representación de las características y los pliegues de las cortinas a través de incisiones en lugar de modelado ... El sello del estilo donde aparece consiste en una dureza enfática, pesadez y angularidad, en resumen, un rechazo casi completo de la tradición clásica ".
Esta revolución en el estilo pronto precedió al período en que el cristianismo fue adoptado por el estado romano y la gran mayoría de la gente, lo que llevó al final de la gran escultura religiosa, con grandes estatuas que ahora solo se usan para los emperadores. Sin embargo, los cristianos ricos siguieron exigiendo alivios para los sarcófagos, como en el sarcófago de Junius Bassus, y los cristianos continuaron con una escultura muy pequeña, especialmente en marfil, basándose en el estilo del díptico consular.
Sarcófago etrusco, siglo III aC
El "Brutus Capitolino", datado del siglo III o I aC
Augusto de Prima Porta , estatua del emperador Augusto, siglo I EC. Museos del Vaticano
Alivio de tumbas del Decii, 98-117 CE
Busto del emperador Claudio, c. 50 CE, (revisado de un busto del emperador Calígula), fue encontrado en la llamada basílica de Otricoli en Lanuvium, Italia, Museos Vaticanos
Cómodo disfrazado de Hércules, c. 191 CE, en el último estilo imperial "barroco"
Los cuatro tetrarcas , c. 305, que muestra el nuevo estilo anticlásico, en pórfido, ahora San Marco, Venecia
La gema del camafeo conocida como el "Gran Camafeo de Francia", c. 23 CE, con una alegoría de Augusto y su familia
Medieval temprano y bizantino
Los primeros cristianos se oponían a la escultura religiosa monumental, aunque continuaban las tradiciones romanas en bustos de retratos y relieves de sarcófagos, así como objetos más pequeños, como el díptico consular. Tales objetos, a menudo en materiales valiosos, también fueron las principales tradiciones escultóricas (hasta donde se sabe) de las civilizaciones bárbaras del período de la migración, como se ve en los objetos encontrados en el tesoro funerario del siglo VI en Sutton Hoo, y las joyas del arte escita y las producciones híbridas de estilo cristiano y animal del arte insular. Siguiendo la tradición bizantina continua, el arte carolingio revivió el tallado en marfil, a menudo en paneles para las encuadernaciones de tesoros de grandes manuscritos iluminados, así como cabezas de báculo y otros accesorios pequeños.
El arte bizantino, aunque producía soberbios relieves de marfil y tallas arquitectónicas decorativas, nunca regresó a la escultura monumental, ni siquiera a muchas esculturas pequeñas en redondo. Sin embargo, en Occidente, durante los períodos carolingio y otoniano, comenzó la producción de estatuas monumentales en los tribunales y las principales iglesias. Esto se extendió gradualmente; a finales del siglo X y XI hay registros de varias esculturas aparentemente de tamaño natural en iglesias anglosajonas, probablemente de metales preciosos alrededor de un marco de madera, como la Madonna Dorada de Essen. Ningún ejemplo anglosajón ha sobrevivido, y las supervivencias de grandes esculturas no arquitectónicas de antes de 1,000 son excepcionalmente raras. Mucho la mejor es la Cruz de Gero, de 965-70, que es un crucifijo, que evidentemente era el tipo de escultura más común; Carlomagno había establecido uno en la Capilla Palatina en Aachen alrededor de 800. Estos siguieron creciendo en popularidad, especialmente en Alemania e Italia. Las piedras rúnicas del mundo nórdico, las piedras pictas de Escocia y posiblemente los altos relieves cruzados de la Gran Bretaña cristiana, fueron tradiciones escultóricas del norte que unieron el período de cristianización.
Archangel Ivory , 525-550, Constantinopla
Panel de marfil carolingio tardío, probablemente destinado para una portada de libro
El tríptico de Harbaville, bizantino, de mediados del siglo X
Detalle de Cristo en la Cruz de Gero, Colonia 965-970, el primer gran ejemplo del renacimiento de la gran escultura
románico
Desde aproximadamente 1000 hubo un renacimiento general de la producción artística en toda Europa, liderado por el crecimiento económico general en la producción y el comercio, y el nuevo estilo del arte románico fue el primer estilo medieval que se usó en toda Europa occidental. Las nuevas catedrales e iglesias de peregrinos fueron cada vez más decoradas con relieves de piedra arquitectónicos, y se desarrollaron nuevos enfoques para la escultura, como el tímpano sobre las puertas de las iglesias en el siglo XII, y la capital habitada con figuras y escenas a menudo narrativas. Destacadas iglesias abaciales con esculturas incluyen en Francia Vézelay y Moissac y en España Silos.
El arte románico se caracterizó por un estilo muy vigoroso tanto en escultura como en pintura. Los capiteles de las columnas nunca fueron más emocionantes que en este período, cuando a menudo estaban tallados con escenas completas con varias figuras. El gran crucifijo de madera fue una innovación alemana justo al comienzo del período, al igual que las estatuas independientes de la Virgen entronizada, pero el alto relieve fue sobre todo el modo escultórico de la época. Las composiciones usualmente tenían poca profundidad y debían ser flexibles para apretarse en las formas de capiteles y tímpanos de las iglesias; la tensión entre un marco fuertemente cerrado, del que a veces escapa la composición, es un tema recurrente en el arte románico. Las figuras todavía variaban en tamaño en relación con su importancia. El retrato apenas existía.
Los objetos en materiales preciosos como el marfil y el metal tenían un estatus muy alto en el período, mucho más que la escultura monumental: conocemos los nombres de más fabricantes de estos que pintores, iluminadores o arquitectos albañiles. La metalistería, incluida la decoración en esmalte, se volvió muy sofisticada, y muchos santuarios espectaculares hechos para contener reliquias han sobrevivido, de los cuales el más conocido es el Santuario de los Tres Reyes en la Catedral de Colonia, de Nicholas of Verdun. El candelabro de bronce Gloucester y la fuente de bronce de 1108-17 ahora en Lieja son excelentes ejemplos, muy diferentes en estilo, de fundición de metales, el primero altamente intrincado y enérgico, basándose en la pintura manuscrita, mientras que la fuente muestra el estilo Mosan en su máxima expresión. clásico y majestuoso Las puertas de bronce, una columna triunfal y otros accesorios en la Catedral de Hildesheim, las Puertas de Gniezno, y las puertas de la Basílica de San Zeno en Verona son otras supervivencias sustanciales. El aguamanil, un recipiente para el agua con la que se puede lavar, parece haber sido introducido en Europa en el siglo XI, y con frecuencia tomó fantásticas formas zoomórficas; los ejemplos que sobreviven son principalmente de latón. Muchas impresiones de cera de sellos impresionantes sobreviven en cartas y documentos, aunque las monedas románicas generalmente no son de gran interés estético.
La Cruz del Claustro es un crucifijo de marfil inusualmente grande, con tallas complejas que incluyen muchas figuras de profetas y otros, que ha sido atribuido a uno de los relativamente pocos artistas cuyo nombre se conoce, el Maestro Hugo, quien también iluminó manuscritos. Como muchas piezas, originalmente estaba parcialmente en color. Las piezas de ajedrez de Lewis son ejemplos bien conservados de pequeños marfiles, de los cuales quedan muchas piezas o fragmentos de croziers, placas, cruces pectorales y objetos similares.
Fuente bautismal en la iglesia de San Bartolomé, Lieja, Bautismo de Cristo , 1107-1118
El tímpano de Vézelay Abbey, Borgoña, Francia, 1130s
Fachada, Catedral de Ourense 1160, España
Pórtico da Gloria , Catedral de Santiago de Compostela, Galicia, España, c. Siglos XII-XIII
gótico
El período gótico se define esencialmente por la arquitectura gótica, y no encaja del todo con el desarrollo del estilo en la escultura, ya sea en su inicio o final. Las fachadas de las grandes iglesias, especialmente alrededor de las puertas, continuaron teniendo grandes tímpanos, pero también filas de figuras esculpidas que se extendían a su alrededor. Las estatuas en el Portal Occidental (Real) de la Catedral de Chartres (hacia 1145) muestran una elongación columnar elegante pero exagerada, pero las del portal del crucero sur, de 1215 a 1220, muestran un estilo más naturalista y un mayor desprendimiento de la pared detrás y cierta conciencia de la tradición clásica. Estas tendencias continuaron en el portal oeste de la Catedral de Reims, unos años más tarde, donde las figuras son casi discontínuas, como es habitual en la época gótica en toda Europa.
En Italia, Nicola Pisano (1258-1278) y su hijo Giovanni desarrollaron un estilo que a menudo se llama Proto-Renacimiento, con una influencia inconfundible de sarcófagos romanos y composiciones sofisticadas y atestadas, incluyendo un manejo simpático de la desnudez, en paneles de relieve en su púlpito de La Catedral de Siena (1265-1268), la Fontana Maggiorein Perugia y el púlpito de Giovanni en Pistoia de 1301. Otro renacimiento del estilo clásico se ve en la obra gótica internacional de Claus Sluter y sus seguidores en Borgoña y Flandes alrededor de 1400. Escultura gótica tardía continúa en el norte, con una moda para grandes retablos esculpidos de madera con tallas cada vez más virtuosas y grandes números agitados figuras expresivas; la mayoría de los ejemplos que sobreviven están en Alemania, después de mucha iconoclasia en otros lugares. Tilman Riemenschneider,
Las efigies de tumbas de tamaño natural en piedra o alabastro se hicieron populares entre los ricos, y las grandes tumbas de varios niveles evolucionaron, con las Tumbas Scaliger de Verona tan grandes que tuvieron que ser trasladadas fuera de la iglesia. En el siglo XV había una industria que exportaba relieves de altar de alabastro de Nottingham en grupos de paneles sobre gran parte de Europa para parroquias económicas que no podían permitirse los retablos de piedra. Las esculturas pequeñas, para un mercado principalmente laico ya menudo femenino, se convirtieron en una industria considerable en París y en algunos otros centros. Los tipos de marfiles incluían pequeños polípticos devocionales, figuras únicas, especialmente de la Virgen, estuches de espejo, peines y cofres elaborados con escenas de Romances, usados como regalos de compromiso. Los muy adinerados coleccionaban extravagantemente elaboradas piezas de metal con piedras preciosas y esmaltadas, tanto seculares como religiosas, como el Duc de Berry.
Portal del oeste de la catedral de Chartres (hacia 1145)
Portal sur de la Catedral de Chartres (1215-20)
Portal oeste en la Catedral de Reims, grupo de Anunciación
Nicola Pisano, Natividad y Adoración de los Magos desde el púlpito del Baptisterio de Pisa
El Caballero de Bamberg 1237, cerca de una estatua ecuestre de piedra de tamaño real, la primera de este tipo desde la antigüedad.
La tapa del cofre de Walters, con el asedio del castillo de amor a la izquierda, y las justas. París, 1330-1350
Sitio del Castillo del Amor en una caja de espejo en el Louvre, 1350-1370; las mujeres están perdiendo.
Pietà de Alemania Central, 1330-40
Claus Sluter, David y un profeta del pozo de Moisés
Base del Relicario de Espina Santa, una Resurrección de los Muertos en oro, esmalte y gemas
Sección de un retablo con paneles con Resurrección de Cristo , inglés, 1450-90, alabastro de Nottingham con restos de color
Detalle de la Última Cena del Altar de la Santa Sangre de Tilman Riemenschneider , 1501-05, Rothenburg ob der Tauber, Baviera
Renacimiento
La escultura renacentista propiamente dicha suele tomarse para comenzar con la famosa competencia por las puertas del Baptisterio de Florencia en 1403, de la cual sobreviven los modelos de prueba presentados por el ganador, Lorenzo Ghiberti y Filippo Brunelleschi. Las puertas de Ghiberti siguen en su lugar, pero fueron eclipsadas indudablemente por su segunda pareja para la otra entrada, las llamadas "Puertas del Paraíso", que lo llevaron de 1425 a 1452, y son composiciones clasicistas deslumbrantes y confidenciales con variadas profundidades de alivio que permiten fondos extensos. En los años intermedios, el temprano asistente de Ghiberti, Donatello, se desarrolló con estatuas seminales, incluyendo sus Davids. en mármol (1408-09) y bronce (1440), y su estatua ecuestre de Gattamelata, así como relieves. Una figura destacada en el período posterior fue Andrea del Verrocchio, mejor conocido por su estatua ecuestre de Bartolomeo Colleoni en Venecia; su alumno Leonardo da Vinci diseñó una escultura equina en 1482 The Horse for Milan, pero solo logró hacer un modelo de arcilla de 24 pies (7.3 m) que fue destruido por los arqueros franceses en 1499, y sus otros ambiciosos planes escultóricos nunca se completaron.
El período estuvo marcado por un gran aumento en el patrocinio de la escultura por parte del estado para el arte público y por los ricos para sus hogares; especialmente en Italia, la escultura pública sigue siendo un elemento crucial en la aparición de los centros históricos de las ciudades. La escultura de la iglesia generalmente se movía adentro justo cuando los monumentos públicos exteriores se volvían comunes. La escultura de retrato, generalmente en bustos, se hizo popular en Italia alrededor de 1450, con el napolitano Francesco Laurana especializado en mujeres jóvenes en poses meditativas, mientras que Antonio Rossellino y otros describieron con más frecuencia hombres de negocios con cara de pocos amigos, pero también niños pequeños. La medalla de retrato inventada por Pisanello también a menudo representaba mujeres; las plaquetas de relieve eran otra forma nueva de escultura en metal fundido.
Miguel Ángel fue un escultor activo desde aproximadamente 1500 hasta 1520, y sus grandes obras maestras, como su David , Piedad , Moisés y piezas para la Tumba del Papa Julio II y la Capilla de los Medici no pudieron ser ignoradas por los escultores posteriores. Su icónico David (1504) tiene una pose de contrapunto , tomada de la escultura clásica. Se diferencia de las representaciones anteriores del tema en que se representa a David antes de su batalla con Goliat y no después de la derrota del gigante. En lugar de mostrarse victorioso, como habían hecho Donatello y Verocchio, David parece tenso y listo para la batalla.
Lorenzo Ghiberti, panel del Sacrificio de Isaac de las puertas del Baptisterio de Florencia; vista oblicua aquí
Luca della Robbia, detalle de Cantoria , c. 1438, Museo dell'Opera del Duomo, Florencia
Donatello, David c. 1440, Museo Bargello, Florencia
Donatello, Judith y Holofernes , c. 1460, Palazzo Vecchio, Florencia
Francesco Laurana, busto femenino (elenco)
Verrocchio, Doubting Thomas , 1467-83, Orsanmichele, Florencia
Miguel Ángel, David , c. 1504, Galleria dell'Accademia, Florencia
Miguel Ángel, Esclavo moribundo , c. 1513-1516
Manierista
Como en la pintura, la escultura manierista italiana primitiva fue en gran medida un intento de encontrar un estilo original que coronara el logro del Alto Renacimiento, que en escultura significaba en esencia Miguel Ángel, y gran parte de la lucha para lograrlo se cumplió en encargos para llenar otros lugares en la Piazza della Signoria en Florencia, al lado del David de Miguel Ángel . Baccio Bandinelli se hizo cargo del proyecto de Hércules y Caco del propio maestro, pero era poco más popular de lo que es ahora, y Benvenuto Cellini lo comparó maliciosamente con "un saco de melones", aunque tuvo un efecto duradero al introducir paneles de alivio en el pedestal de las estatuas. Al igual que otras obras de él y otros manieristas, elimina mucho más del bloque original de lo que Michelangelo habría hecho. El Perseo debronce de Cellini con la cabeza de Medusa es sin duda una obra maestra, diseñado con ocho ángulos de visión, otra característica manierista, pero de hecho es educado en comparación con el David.s de Michelangelo y Donatello. Originalmente un orfebre, su famosa bodega de oro y esmalte Salt Cellar (1543) fue su primera escultura, y muestra su talento en su mejor momento. Como muestran estos ejemplos, el período amplió el rango de temas seculares para grandes obras más allá de los retratos, con figuras mitológicas especialmente favorecidas; anteriormente, estos se habían encontrado principalmente en pequeñas obras.
Pequeñas figuras de bronce para gabinetes de coleccionista, a menudo temas mitológicos con desnudos, fueron una forma renacentista popular en la que Giambologna, originalmente flamenca, pero con sede en Florencia, se destacó en la última parte del siglo, también creando esculturas de tamaño natural, de los cuales dos se unieron al colección en la Piazza della Signoria. Él y sus seguidores idearon elegantes y alargados ejemplos de la figura serpentinata , a menudo de dos figuras entrelazadas, que eran interesantes desde todos los ángulos.
Puerta de estuco en Fontainebleau, probablemente diseñada por Primaticcio, que pintó el recuadro ovalado, 1530 o 1540
Benvenuto Cellini, Perseo con la cabeza de Medusa , 1545-1554
Giambologna, Samson matando a un filisteo , hacia 1562
Giambologna, El rapto de las sabinas , 1583, Florencia, Italia, 13 '6 "(4,1 m) de altura, mármol
Barroco y rococó
En la escultura barroca, los grupos de figuras adquirieron una importancia nueva, y hubo un movimiento dinámico y la energía de las formas humanas: giraron en espiral alrededor de un vórtice central vacío o se extendieron hacia el espacio circundante. La escultura barroca a menudo tenía múltiples ángulos de visión ideales, y reflejaba una continuación general del movimiento renacentista del relieve a la escultura creada en redondo, y diseñada para colocarse en el medio de un espacio grande: fuentes elaboradas como la Fontana dei Quattro de Bernini. Fiumi (Roma, 1651), o aquellos en los Jardines de Versalles eran una especialidad barroca. El estilo barroco se adaptaba perfectamente a la escultura, con Gian Lorenzo Bernini como la figura dominante de la época en obras como The Ecstasy of St Theresa (1647-1652). La escultura mucho barroca agregó elementos extraesculturales, por ejemplo, iluminación oculta, fuentes de agua o esculturas y arquitectura fusionadas para crear una experiencia transformadora para el espectador. Los artistas se veían a sí mismos como en la tradición clásica, pero admiraban la escultura helenística y más tarde la romana, en lugar de la de los períodos más "clásicos" tal como se ven hoy en día.
La Reforma Protestante trajo una parada casi total a la escultura religiosa en gran parte del norte de Europa, y aunque la escultura secular, especialmente para los bustos de retratos y monumentos de tumbas, continuó, la Edad de Oro holandesa no tiene un componente escultórico significativo fuera de la orfebrería. En parte en reacción directa, la escultura fue tan prominente en el catolicismo como en la Baja Edad Media. Las estatuas de los gobernantes y la nobleza se hicieron cada vez más populares. En el siglo XVIII, muchas esculturas continuaron en líneas barrocas: la Fontana de Trevi solo se completó en 1762. El estilo rococó se adaptó mejor a las obras más pequeñas, y posiblemente encontró su forma escultórica ideal en la porcelana europea primitiva y los esquemas decorativos interiores en madera o yeso como aquellos en interiores domésticos franceses y iglesias de peregrinación austriacas y bávaras.
Busto de Luis XIV, 1686, por Antoine Coysevox
Pierre Paul Puget, Perseo y Andrómeda , 1715, Musée du Louvre
Pedro Roldán, Entierro de Cristo , 1670
Franz Anton Bustelli, grupo de Porcelana RococóNymphenburg
Neoclásico
El estilo neoclásico que llegó a fines del siglo XVIII dio gran énfasis a la escultura. Jean-Antoine Houdon ejemplifica la escultura de retrato penetrante que el estilo podría producir, y los desnudos de Antonio Canova el aspecto idealista del movimiento. El período neoclásico fue una de las grandes eras de la escultura pública, aunque sus prototipos "clásicos" tenían más probabilidades de ser copias romanas de esculturas helenísticas. En escultura, los representantes más conocidos son el italiano Antonio Canova, el inglés John Flaxman y el danés Bertel Thorvaldsen. La manera neoclásica europea también se arraigó en los Estados Unidos, donde su pináculo se produjo un poco más tarde y se ejemplifica en las esculturas de Hiram Powers.
Jean-Antoine Houdon, Busto de Benjamin Franklin , 1778, Museo Metropolitano de Arte
Bertel Thorvaldsen: Jason y el vellocino de oro (1803)
John Flaxman, Memorial en la iglesia de Badger, Shropshire, c. 1780s
Hiram Powers, 1851, El esclavo griego , Galería de arte de la Universidad de Yale
Asia
Escultura greco-budista y Asia
El arte greco-budista es la manifestación artística del greco-budismo, un sincretismo cultural entre la cultura griega clásica y el budismo, que se desarrolló durante un período de casi 1000 años en Asia Central, entre las conquistas de Alejandro Magno en el siglo IV a. , y las conquistas islámicas del siglo VII EC. El arte greco-budista se caracteriza por el fuerte realismo idealista del arte helenístico y las primeras representaciones del Buda en forma humana, que han ayudado a definir el canon artístico (y particularmente escultórico) para el arte budista en todo el continente asiático hasta el presente. Aunque la datación es incierta, parece que los estilos fuertemente helenísticos perduraron en Oriente durante varios siglos después de que habían disminuido en todo el Mediterráneo, incluso en el siglo V de nuestra era. Algunos aspectos del arte griego fueron adoptados mientras que otros no se extendieron más allá del área greco-budista; en particular, la figura de pie, a menudo con una postura relajada y una pierna flexionada, y los cupidos voladores o victorias, que se hicieron populares en toda Asia como apsaras. La decoración de follaje griego también fue influyente, con la aparición de versiones indias de la capital corintia.
Los orígenes del arte greco-budista se encuentran en el reino greco-bactriano helenístico (250 aC - 130 aC), ubicado en el Afganistán de hoy, desde el cual la cultura helenística irradiaba hacia el subcontinente indio con el establecimiento del pequeño reino indo-griego (180 aC-10 aC). Bajo los indo-griegos y luego los Kushans, la interacción de la cultura griega y budista floreció en el área de Gandhara, en el norte de Pakistán, antes de extenderse a la India, influenciando el arte de Mathura, y luego el arte hindú del imperio Gupta. , que se extendería al resto de Asia sudoriental. La influencia del arte greco-budista también se extendió hacia el norte hacia Asia Central, afectando fuertemente el arte de la Cuenca Tarim y las Cuevas Dunhuang, y finalmente la figura esculpida en China, Corea y Japón.
Friso de Gandhara con devotos, sosteniendo hojas de plátano, en estilo puramente helenístico, dentro de las columnas corintias, siglo I-II d. C. Buner, Swat, Pakistán. Museo Victoria and Albert
Fragmento del dios del viento Boreas, Hadda, Afganistán.
Moneda de Demetrio I de Bactria, que reinó alrededor del año 200-180 aC e invadió el norte de la India
Cabeza de Buda de Hadda, Afganistán, siglos III-IV
Gandhara Poseidon (Museo de Oriente Antiguo)
Los dioses budistas Pancika (izquierda) y Hariti (derecha), siglo III, Gandhara
Taller Buddha de Bamiyan, c. 547 AD., En 1963 y en 2008 después de que fueron dinamitados y destruidos en marzo de 2001 por los talibanes
Estatua de un monasterio budista 700 AD, Afganistán
China
Los bronces rituales chinos de las dinastías Shang y Western Zhou provienen de un período de más de mil años desde c. 1500 aC, y han ejercido una influencia continua sobre el arte chino. Tienen una decoración compleja con motivos y zoomorfos, pero evitan la figura humana, a diferencia de las enormes figuras descubiertas recientemente en Sanxingdui. El espectacular ejército de terracota fue ensamblado para la tumba de Qin Shi Huang, el primer emperador de una China unificada desde 221 hasta el 210 a. C., como una gran versión imperial de las figuras colocadas en tumbas para permitir al difunto disfrutar del mismo estilo de vida en el después de la vida como cuando está vivo, reemplazando los sacrificios reales de períodos muy tempranos. Las figuras más pequeñas en cerámica o madera se colocaron en tumbas durante muchos siglos después, alcanzando un pico de calidad en las figuras de la tumba de la dinastía Tang. La tradición de figuras de cerámica inusualmente grandes persistió en China, a través de las figuras de la tumba de Tang sancai hasta las estatuas budistas posteriores, como el conjunto de casi tamaño natural de luohans de cerámica esmaltada de Yixian y figuras posteriores de templos y tumbas. Estos vinieron a reemplazar equivalentes anteriores en madera.
Las religiones nativas chinas generalmente no usan imágenes de culto de deidades, ni siquiera las representan, y las grandes esculturas religiosas son casi todas budistas, datan principalmente del siglo IV al XIV e inicialmente utilizan modelos greco-budistas que llegan por la Ruta de la Seda. El budismo es también el contexto de todas las esculturas de retratos grandes; en contraste total con algunas otras áreas, en la China medieval, incluso las imágenes pintadas del emperador se consideraban privadas. Las tumbas imperiales tienen avenidas espectaculares de aproximación alineadas con animales reales y mitológicos en una escala que combina con Egipto, y las versiones más pequeñas decoran templos y palacios.
Pequeñas figuras y grupos budistas se produjeron con una calidad muy alta en una variedad de medios, al igual que la decoración en relieve de todo tipo de objetos, especialmente en metalistería y jade. En los primeros períodos, se cortaban grandes cantidades de esculturas de la roca viva en complejos de cuevas de peregrinación, y como relieves rocosos exteriores. Estos fueron en su mayoría pintados originalmente. En notable contraste con los pintores literarios, los escultores de todo tipo fueron considerados como artesanos y se registran muy pocos nombres. Desde la dinastía Ming en adelante, se produjeron estatuillas de figuras religiosas y seculares en porcelana china y otros medios, que se convirtieron en una exportación importante.
Un ding de bronce de la dinastía Shang (siglo XII aC-X aC)
Un guardián de la tumba generalmente se coloca dentro de las puertas de la tumba para proteger o guiar al alma, período de los Estados Combatientes, ca. Siglo 3 AEC
Calvalryman de tamaño natural del Ejército de terracota, dinastía Qin, ca. Siglo III aC
Ciervo dorado con cabeza de águila, Xiongnutomb en la frontera mongol, 4º-3º siglo aC
Figura de la tumba de la bailarina, dinastía Han (202 aC-220 dC)
Recipiente de bronce de cowrie con yaks, de la tradición del reino de Dian (siglo IV aC - 109 aC)
Dinastía Wei del Norte Maitreya (386-534)
Figura de la tumba de la dinastía Tang en la cerámica, el caballo y el novio del esmalte sancai(618-907)
Buda sentado, dinastía Tang ca. 650.
El Buda gigante de Leshan, dinastía Tang, se completó en 803.
Un Bodhisattva de madera de la dinastía Song (960-1279)
Copa china de jade con asas de dragón, dinastía Song, siglo XII
Bodhisattva Guanyin en Blanc de Chine (porcelana de Dehua) , por He Chaozong, dinastía Ming, a principios del siglo XVII
Estatua de underglaze azul de un hombre con su pipa, de Jingdezhen, período de Ming Wanli (1573-1620)
Un león guardián chino fuera del templo Yonghe, Beijing, dinastía Qing, ca. 1694
El bodhisattva de madera gigante del templo Puning, Chengde, Hebeiprovince, construido en 1755 bajo el emperador Qianlong
Japón
Hacia el final del largo período Jōmon Neolítico, algunos recipientes de cerámica fueron "bordeados con llama" con extensiones extravagantes al borde que solo pueden llamarse esculturales, y se produjeron figuras de dogu de cerámica muy estilizadas, muchas con el característico "anteojo de nieve" ojos. Durante el período Kofun de los siglos III al VI dC, se construyeron figuras de terracota haniwa de humanos y animales en un estilo simplista fuera de las tumbas importantes. La llegada del budismo en el siglo VI trajo consigo sofisticadas tradiciones en escultura, estilos chinos mediados por Corea. El Hōryū-ji del siglo VII y su contenido han sobrevivido más intactos que cualquier templo budista de Asia oriental de su fecha, con obras que incluyen una trinidad de Shaka de 623 en bronce, que muestra el Buda histórico flanqueado por dos bodhisattvas y también los Reyes Guardianes de las Cuatro Direcciones.
La imagen de madera (siglo IX) de Shakyamuni, el Buda "histórico", consagrado en un edificio secundario en el Murō-ji, es típico de la escultura Heian temprana, con su cuerpo pesado, cubierto por espesos pliegues de cortinas talladas en el hompán. estilo shiki (onda ondulada) y su expresión facial austera y retraída. La escuela de escultores Kei, particularmente Unkei, creó un nuevo estilo de escultura más realista.
Casi todas las esculturas grandes significativas posteriores en Japón eran budistas, con algunos equivalentes sintoístas, y después de que el budismo declinara en Japón en el siglo XV, la escultura monumental se convirtió en gran parte en decoración arquitectónica y menos significativa. Sin embargo, el trabajo escultórico en las artes decorativas se desarrolló a un nivel notable de logro técnico y refinamiento en objetos pequeños como inro y netsuke en muchos materiales, y metal tosogu o montajes de espada japoneses. En el siglo XIX hubo industrias de exportación de pequeñas esculturas de bronce de extremo virtuosismo, figurillas de marfil y porcelana, y otros tipos de pequeñas esculturas, que hacían cada vez más hincapié en los logros técnicos.
Dogū con ojos de "gafas de nieve", 1000-400 aC
Figura haniwa del siglo VI
Kongo Rishiki (Deidad Guardiana) en la Puerta Central de Hōryū-ji
Sacerdote Ganjin (Jianzhen), período de Nara, siglo VIII
Unkei, Seitaka Doji , período de Kamakura, 1197, Kongōbu-ji
Espada Tsuba con un "Conejo viendo la luna de otoño", bronce, oro y plata, entre 1670 y 1744
Izumiya Tomotada, netsuke en forma de un perro, de finales del siglo XVIII
Yamada Chōzaburō, dios del viento en hierro repujado, c. 1915
India
La primera escultura conocida en el subcontinente indio es de la civilización del valle del Indo (3300-1700 aC), que se encuentra en los sitios de Mohenjo-daro y Harappa en la actual Pakistán. Estos incluyen la famosa pequeña bailarina de bronce. Sin embargo, tales figuras en bronce y piedra son raras y en gran medida superadas en número por figurillas de cerámica y sellos de piedra, a menudo de animales o deidades muy bien representadas. Después del colapso de la civilización del Valle del Indo, hay pocos registros de escultura hasta la era budista, aparte de un cúmulo de figuras de cobre (algo controvertido) c. 1500 aC de Daimabad. Así, la gran tradición de la escultura monumental india en piedra parece comenzar, en relación con otras culturas, y el desarrollo de la civilización india, relativamente tarde, con el reinado de Asoka del 270 al 232 a. y los Pilares de Ashoka erigieron alrededor de la India, llevando sus edictos y coronados por famosas esculturas de animales, en su mayoría leones, de los cuales sobreviven seis. Grandes cantidades de escultura figurativa, mayormente en relieve, sobreviven de las stupas de peregrinación budistas tempranas, sobre todo de Sanchi; estos probablemente se desarrollaron a partir de una tradición que usa madera que también abrazó el hinduismo.
Las esculturas hindúes, jainistas y budistas de arenisca rosa de Mathura del siglo I al III dC reflejaron las tradiciones indias nativas y las influencias occidentales recibidas a través del arte greco-budista de Gandhara, y establecieron las bases para la posterior escultura religiosa india. El estilo fue desarrollado y difundido en la mayor parte de la India bajo el Imperio Gupta (320-550), que sigue siendo un período "clásico" para la escultura india, cubriendo las antiguas Cuevas de Ellora, aunque las Cuevas Elephanta probablemente sean un poco más tarde. Más tarde, la escultura a gran escala sigue siendo casi exclusivamente religiosa, y en general bastante conservadora, a menudo volviendo a las posturas simples de pie frontal para las deidades, aunque los espíritus acompañantes como apsaras y yakshi a menudo tienen posturas sensualmente curvas. El tallado a menudo es muy detallado, con un intrincado respaldo detrás de la figura principal en alto relieve. Los célebres bronces de la dinastía Chola (hacia 850-1250) del sur de la India, muchos diseñados para ser llevados en procesiones, incluyen la forma icónica de Shiva como Nataraja, con las enormes tallas de granito de Mahabalipuram que datan de la dinastía Pallava anterior.
La "bailarina de Mohenjo Daro", 3.er milenio aC (réplica)
Ashoka Pillar, Vaishali, Bihar, c. 250 a. C.
Pasarela Stupa en Sanchi, c. 100 CE o quizás antes, con relieves densamente empaquetados
Buda de Sarnath, siglo 5-6 CE
El trimurti colosal en las cuevas de Elephanta
Templos de roca en Ellora
Santuario Jain con Rishabhanatha, Parshvanatha, Neminatha y Mahavira, siglo VI
Hindú, período de Chola, 1000
Estatua típica de pie frontal medieval de Vishnu, 950-1150
Templo de Khajuraho
Escultura de mármol de yakshi hembra en típica pose curva, c. 1450, Rajasthan
Gopuram del templo de Thillai Nataraja, Chidambaram, Tamil Nadu, densamente lleno de hileras de estatuas pintadas
Escultura de Guardian a la entrada del Mandapam del Templo Sri Jalagandeeswarar, Vellore, Tamil Nadu
El sudeste de Asia
La escultura de la región tiende a caracterizarse por un alto grado de ornamentación, como se ve en los grandes monumentos de la escultura hindú y budista Khmer (siglos IX al XIII) en Angkor Wat y en otros lugares, el enorme complejo budista del siglo IX en Borobudur en Java y los monumentos hindúes de Bali. Ambos incluyen muchos relieves y figuras en la ronda; Borobudur tiene 2,672 paneles de relieve, 504 estatuas de Buda, muchas estupas semiocultas en calado y muchas figuras de guardias grandes.
En Tailandia y Laos, la escultura era principalmente de imágenes de Buda, a menudo doradas, tanto grandes para templos y monasterios, como pequeñas estatuillas para casas particulares. La escultura tradicional en Myanmar surgió antes del período de Bagan. Como en otras partes de la región, la mayoría de las esculturas de madera de los períodos Bagan y Ava se han perdido. En periodos posteriores predominaron la influencia china en Vietnam, Laos y Camboya, y más esculturas de madera sobreviven en toda la región.
Pedestal de Apsara y Gandarva, Trà Kiệu, arte de Cham, Vietnam, siglo VII-VIII
Escultura en relieve de Borobudurtemple, Indonesia, c. 760-830
Vairocana Buddha de Borobudurtemple, Indonesia, c. 760-830
Torso Avalokiteshvara de bronce de Chaiya, sur de Tailandia, arte Srivijayan, c. Siglo VIII
Bronce Avalokiteshvara de Bidor, Perak, Malasia, c. Siglos VIII-IX
Vishnu de Prasat Rup Arak, Kulen, arte Khmer, Camboya, c. 800-875
Jefe de Jayavarman VII, arte Khmer, Camboya, c. finales del siglo XII
Buda en el templo de Ananda, Bagan, Myanmar, c. 1105
Bajorrelieve de piedra de apsaras del templo de Bayon, Camboya, c. 1200
Arte Prajnaparamita Singhasari, Java Oriental, Indonesia, c. siglo 13
Phra Achana, Wat Si Chum, imagen del Gran Buda en Sukhothai, Tailandia, c. siglo 14
"el Buda llamando a la tierra para que testifique", las manos del Buda están en la posición bhūmisparsa mudrā (subyugando a Māra). Templo de Ho Phra Kaeo, Vientiane, Laos
islam
El Islam es famoso anicónico, por lo que la gran mayoría de la escultura es una decoración arabesca en relieve o calado, basada en motivos vegetales, pero que tiende a formas geométricas abstractas. En la muy temprana Fachada Mshatta (740s), ahora principalmente en Berlín, hay animales dentro de los densos arabescos en alto relieve, y figuras de animales y hombres en su mayoría de bajo relieve se encuentran junto con la decoración de muchas piezas posteriores en diversos materiales, incluyendo metalistería, marfil y cerámica.
Las figuras de animales en la ronda eran a menudo aceptables para obras usadas en contextos privados si el objeto era claramente práctico, entonces el arte islámico medieval contiene muchos animales de metal que son aguamaniles, quemadores de incienso o partidarios de fuentes, como en los leones de piedra que sostienen al famoso en la Alhambra, que culmina en la figura animal islámica medieval más grande conocida, el Pisa Griffin. De la misma manera, las tallas de piedra dura de lujo como las empuñaduras de daga y las copas se pueden formar como animales, especialmente en el arte de Mughal. El grado de aceptabilidad de tales relajaciones de reglas islámicas estrictas varía entre períodos y regiones, con la España islámica, Persia e India a menudo liderando la relajación, y es típicamente más alta en contextos cortesanos.
La fachada de Mshatta, de un palacio cerca de Damasco, 740
El Grifo de Pisa, 107 cm de altura, probablemente del siglo XI
Parte de un panel de cerámica del siglo 15 de Samarcanda con caligrafía en blanco sobre un fondo azul arabesco.
Daga mogol con empuñadura en jade, oro, rubíes y esmeraldas. Hoja de acero damasquinada con incrustaciones de oro.
África
Históricamente, con la excepción de algunas monumentales esculturas egipcias, la mayoría de las esculturas africanas se crearon en madera y otros materiales orgánicos que no han sobrevivido desde hace unos pocos siglos; figuras de alfarería más antiguas se encuentran en una serie de áreas. Las máscaras son elementos importantes en el arte de muchos pueblos, junto con figuras humanas, a menudo muy estilizadas. Existe una gran variedad de estilos, que a menudo varían dentro del mismo contexto de origen dependiendo del uso del objeto, pero son evidentes las amplias tendencias regionales; la escultura es más común entre los "grupos de cultivadores establecidos en las áreas drenadas por los ríos Níger y Congo" en África Occidental. Las imágenes directas de las deidades son relativamente infrecuentes, pero las máscaras en particular son o fueron hechas a menudo para ceremonias religiosas; hoy muchos están hechos para turistas como "arte aeroportuario".
El reino nubio de Kush en el Sudán moderno estaba en contacto estrecho ya menudo hostil con Egipto, y produjo una escultura monumental derivada principalmente de estilos al norte. En el oeste de África, las primeras esculturas conocidas provienen de la cultura Nok, que prosperó entre 500 aC y 500 dC en la Nigeria moderna, con figuras de arcilla con cuerpos alargados y formas angulares. Más tarde, las culturas de África Occidental desarrollaron fundición de bronce para relieves para decorar palacios como los famosos Bronces de Benín, y cabezas reales naturalistas muy finas de todo el pueblo de Ife en Yoruba en terracota y metal de los siglos XII-XIV. Los pesos de oro de Akan son una forma de pequeñas esculturas de metal producidas durante el período 1400-1900, algunos aparentemente representan proverbios y por lo tanto con un elemento narrativo raro en la escultura africana.
Muchas figuras de África Occidental se utilizan en rituales religiosos y a menudo están cubiertas con materiales colocados sobre ellas para ofrendas ceremoniales. Los pueblos de habla mande de la misma región hacen pedazos de madera con superficies anchas y planas, y los brazos y las piernas tienen la forma de cilindros. En África Central, sin embargo, las principales características distintivas incluyen caras en forma de corazón que se curvan hacia adentro y muestran patrones de círculos y puntos.
Las poblaciones en los Grandes Lagos africanos no son conocidas por su escultura. Sin embargo, un estilo de la región son las esculturas de poste, talladas en formas humanas y decoradas con formas geométricas, mientras que las partes superiores están talladas con figuras de animales, personas y diversos objetos. Estos polos son, entonces, colocados al lado de las tumbas y están asociados con la muerte y el mundo ancestral. La cultura conocida en el Gran Zimbabwe dejó construcciones más impresionantes que la escultura, pero las ocho esteatitas Las aves de Zimbabwe parecen haber tenido un significado especial y fueron montadas sobre monolitos. Los escultores modernos de Zimbabwe en esteatita han alcanzado un éxito internacional considerable. Las figuras de arcilla más antiguas que se conocen en África meridional datan de 400 a 600 d. C. y tienen cabezas cilíndricas con una mezcla de rasgos humanos y animales.
Terracota Nok, siglo VI aC-VI dC
Cabeza Ife, terracota, probablemente siglos XII-XIV CE
Escultura de cabeza de bronce Yoruba, Ife, Nigeria c. Siglo 12
Escultura de una "Reina Madre" de Benin, siglo XVI.
Máscara de marfil del siglo XVI de Benin
Uno de los Bronces de Benin, siglos XVI-XVIII, Nigeria.
Máscara de Burkina Faso, siglo XIX
Figura de Mambila, Nigeria
Etiopía y Eritrea
La creación de esculturas en Etiopía y Eritrea se remonta a su antiguo pasado con los reinos de D'mt y Aksum. El arte cristiano se estableció en Etiopía con la conversión del paganismo al cristianismo en el siglo IV dC, durante el reinado del rey Ezana de Axum. Las imágenes cristianas decoraron las iglesias durante el período Asksumite y las eras posteriores. Por ejemplo, en Lalibela, se tallaban santos de tamaño real en la Iglesia de Bet Gólgota; por tradición, estos fueron hechos durante el reinado del gobernante de Zagwe Gebre Mesqel Lalibela en el siglo XII, pero fueron más probablemente elaborados en el siglo XV durante la dinastía salomónica. Sin embargo, la iglesia de San Jorge, Lalibela, uno de varios ejemplos de la arquitectura de corte de roca en Lalibela que contiene tallas intrincadas, fue construida en los siglos 10 a 13 como lo demuestra la arqueología.
Estatua de piedra de Addi-Galamo, provincia de Tigray, siglos VI-V aC
Un pico de jarra desde el comienzo del Reino de Aksum
El Obelisco de Axum, siglo IV dC
Una cruz procesional, dinastía de Zagwe, siglo XII
Iglesia de San Jorge, Lalibela, siglos X-XII AD
Uno de los siete santos de tamaño natural esculpido en el muro de la Iglesia de Bet Gólgota, Lalibela, del siglo XV (tradicionalmente se cree que se hizo durante el reinado de Gebre Mesqel Lalibela)
Sudán
En la antigua Sudán, el desarrollo de la escultura se extiende desde la simple alfarería de la cultura Kerma que comenzó alrededor del año 2500 aC hasta la monumental estatuaria y arquitectura del Reino de Kush, su última fase -el período meroítico- que finalizó alrededor del 350 DC (con su conquista Aksum de Etiopía). Más allá de los artículos de cerámica, la cultura Kerma también fabricaba muebles que contenían esculturas, como pezuñas de ganado dorado como patas de camas. La escultura durante el Reino de Kush incluía estatuas de tamaño completo (especialmente de reyes y reinas), figuritas más pequeñas (más comúnmente representando a sirvientes reales) y relieves en piedra, que fueron influenciados por la tradición escultórica egipcia contemporánea.
Una jarra de cerámica de la cultura Kerma
Un shabti del rey nubio Taharqa, de una pirámide de Nuri, Sudán, vigésima quinta dinastía de Egipto, 690-664 aC
Estatua del Kushite Faraón Aspelta, período de Napata (aproximadamente 620-580 aC)
Columna y elefante: parte del complejo del templo en Musawwarat es-Sufra, siglo III aC
Huellas de pintura en un relieve que representa al príncipe Arikhankharer golpeando a sus enemigos, del período meroítico del Reino de Kush, a principios del siglo I d.
Alivio de un gobernante, una Candace de Meroënamed llamada Kandake Amanitore, siglo I d.
Las Americas
La escultura en lo que hoy es América Latina se desarrolló en dos áreas separadas y distintas, Mesoamérica en el norte y Perú en el sur. En ambas áreas, la escultura fue inicialmente de piedra, y más tarde de terracota y metal a medida que las civilizaciones en estas áreas se volvieron más competentes tecnológicamente. La región mesoamericana produjo más esculturas monumentales, desde las enormes construcciones en bloque de las culturas olmeca y tolteca, hasta los soberbios bajorrelieves que caracterizan a las culturas mayas y aztecas. En la región andina, las esculturas eran típicamente pequeñas, pero a menudo muestran habilidades excelentes.
Precolombino
Figura de bebé olmeca 1200-900 a.
Máscara de jadeíta Olmec 1000-600 a.
Cabeza Colosal Olmeca No. 3 1200-900 a.
La Mojarra Stela 1 Siglo II CE
Chalchiuhtlicue de Teotihuacán 200-500 CE
Teotihuacan mask 200-600 CE
Teotihuacan- Detalle del Templo de la Serpiente Emplumada 200-250 CE
Una urna funeraria en forma de un "dios murciélago" o un jaguar, Oaxaca, 300-650 EC
Vasija de retratos de Moche con caño de estribo, Perú, 100 a. C.-700 CE
K'inich Janaab Pakal I de Palenque, Maya, 603-683 CE
Ahkal Mo 'Naab III de Palenque, siglo VIII EC
Upakal K'inich AD del siglo VIII, Palenque
Figura tipo Jaina Island (Maya) 650-800 CE
La cultura clásica de Veracruz enfrenta 600-900 CE
Atlante de Tula, c. 1000 CE
Serpiente de dos cabezas , mosaico turquesa, rojo y blanco sobre madera, mixteco azteca (posiblemente), c. 1400-1521,
Avanzando hacia el arte moderno
Norteamérica
En América del Norte, la madera fue esculpida para tótems, máscaras, utensilios, canoas de guerra y una variedad de otros usos, con distintas variaciones entre las diferentes culturas y regiones. Los estilos más desarrollados son los de la costa noroeste del Pacífico, donde se desarrolló un grupo de estilos formales elaborados y altamente estilizados que forman la base de una tradición que continúa en la actualidad. Además de los famosos tótems, los frentes de las casas pintados y tallados se complementaban con postes tallados por dentro y por fuera, así como figuras mortuorias y otros elementos. Entre los esquimales del extremo norte, los estilos tradicionales de talla en marfil y esteatita continúan.
La llegada de la cultura católica europea adaptó fácilmente las habilidades locales al estilo barroco reinante, produciendo retablos enormemente elaborados y otras esculturas de iglesias en gran parte en una variedad de estilos híbridos. El más famoso de estos ejemplos en Canadá es el área del altar de la basílica de Notre Dame en Montreal, Quebec, que fue tallada por el campesino habitant trabajadores. Más tarde, los artistas formados en la tradición académica occidental siguieron los estilos europeos hasta que a finales del siglo XIX comenzaron a recurrir nuevamente a las influencias indígenas, sobre todo en el estilo grotesco barroco mexicano conocido como churrigueresco. Los pueblos aborígenes también adaptaron la escultura de la iglesia en variaciones sobre Carpenter Gothic; un ejemplo famoso es la Iglesia de la Santa Cruz en Skookumchuck Hot Springs, Columbia Británica.
La historia de la escultura en los Estados Unidos después de la llegada de los europeos refleja la fundación del país en el siglo XVIII en los valores cívicos republicanos romanos y el cristianismo protestante. En comparación con las áreas colonizadas por los españoles, la escultura tuvo un comienzo extremadamente lento en las colonias británicas, con casi ningún lugar en las iglesias, y solo se vio impulsada por la necesidad de afirmar la nacionalidad después de la independencia. La escultura estadounidense de mediados y finales del siglo XIX era a menudo clásica, a menudo romántica, pero mostraba inclinación por un realismo dramático, narrativo y casi periodístico. Los edificios públicos durante el último cuarto del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX a menudo proporcionaron un escenario arquitectónico para la escultura, especialmente en relieve. En la década de 1930 se hizo popular el estilo internacional de arquitectura y diseño y art decó, caracterizado por el trabajo de Paul Manshipand, Lee Lawrie y otros. En la década de 1950, la educación tradicional en escultura casi sería reemplazada por una preocupación influenciada por la Bauhaus para el diseño abstracto. La escultura minimalista reemplazó a la figura en escenarios públicos y los arquitectos casi detuvieron el uso de la escultura en sus diseños. Los escultores modernos (siglo XXI) usan diseños inspirados tanto clásicos como abstractos. A partir de la década de 1980, hubo un vuelco hacia la escultura pública figurativa; para el año 2000, muchas de las nuevas piezas públicas en los Estados Unidos tenían un diseño figurativo. la educación escultórica tradicional casi sería completamente reemplazada por una preocupación influenciada por la Bauhaus para el diseño abstracto. La escultura minimalista reemplazó a la figura en escenarios públicos y los arquitectos casi detuvieron el uso de la escultura en sus diseños. Los escultores modernos (siglo XXI) usan diseños inspirados tanto clásicos como abstractos. A partir de la década de 1980, hubo un vuelco hacia la escultura pública figurativa; para el año 2000, muchas de las nuevas piezas públicas en los Estados Unidos tenían un diseño figurativo. la educación escultórica tradicional casi sería completamente reemplazada por una preocupación influenciada por la Bauhaus para el diseño abstracto. La escultura minimalista reemplazó a la figura en escenarios públicos y los arquitectos casi detuvieron el uso de la escultura en sus diseños. Los escultores modernos (siglo XXI) usan diseños inspirados tanto clásicos como abstractos. A partir de la década de 1980, hubo un vuelco hacia la escultura pública figurativa; para el año 2000, muchas de las nuevas piezas públicas en los Estados Unidos tenían un diseño figurativo.
Gutzon Borglum y su hijo, Lincoln Borglum, Mount Rushmore , 1927-1941. LR, George Washington, Thomas Jefferson, Theodore Roosevelt y Abraham Lincoln.
Robert Gould Shaw Memorial de Augustus Saint-Gaudens, 1884-1897, versión en yeso
Lee Lawrie, The Sower , 1928 Art Deco, alivio en Beaumont Tower, Michigan State University
Daniel Chester French, Abraham Lincoln (1920) en el Lincoln Memorial, Washington, DC
El K'alyaan tótem del Tlingit Kiks.ádi clan, erigido en Sitka National Historical Park para conmemorar las vidas perdidas en el 1804 Batalla de Sitka
Frederic Remington, The Bronco Buster , 1895, edición limitada # 17 de 20, 1909.
Paul Manship, Dancer y Gazelles , 1916, Smithsonian American Art Museum, Washington, DC
Gertrude Vanderbilt Whitney, The Scout , 1924, conmemorando Buffalo Bill en Cody, Wyoming
Siglo XIX-principios del siglo XX, modernismo temprano y realismo continuo
François Rude, un romántico Jeanne d 'Arc , 1852, Louvre
Jean-Baptiste Carpeaux, Ugolino and His Sons , 1857-1860, Museo Metropolitano de Arte
Edgar Degas, pequeño bailarín de catorce años , fundido en 1922 a partir de una escultura de medios mixtos modelada ca. 1879-80, Bronce, parcialmente teñido, con algodón
Auguste Rodin Los burgueses de Calais 1889, Calais, Francia
Alfred Gilbert, el llamado Eros , 1893, la primera estación de aluminio del mundo, Piccadilly Circus, Londres
Detalle de la tumba de Cyprian Kamil Norwid en la catedral de Wawel, Krakówby Czesław Dźwigaj
Escultura en la edad de los descubrimientos y navegantes portugueses en Lisboa, Portugal
Antoine Bourdelle, día y noche , mármol, 1903, Museo Bourdelle, París
Jan Štursa, Before the Bath, 1906, Galería Nacional de Praga
Constantin Brâncuşi, Retrato de mademoiselle Pogany 1912, mármol blanco; bloque de piedra caliza, Museo de Arte de Filadelfia. Expuesto en el Armory Show de 1913
Amedeo Modigliani, Cabeza de mujer , 1911/1912, Tate
Aristide Maillol, La noche, 1920, Stuttgart
El clasicismo moderno contrastó en muchos sentidos con la escultura clásica del siglo XIX caracterizada por compromisos con el naturalismo (Antoine-Louis Barye) -el sentimentalismo melodramático (François Rude) (Jean-Baptiste Carpeaux) - o una especie de grandiosidad señorial ( Lord Leighton). Varias direcciones diferentes en la tradición clásica se tomaron a medida que el siglo cambió, pero el estudio del modelo en vivo y la tradición post-renacentista todavía era fundamental para ellos. Auguste Rodin fue el escultor europeo más famoso de principios del siglo XX. A menudo se lo considera un impresionista escultural, al igual que sus alumnos, incluidos Camille Claudel y Hugo Rheinhold, que intentan modelar un momento fugaz de la vida ordinaria. El clasicismo moderno mostró un menor interés en el naturalismo y un mayor interés en la estilización formal. Se prestó mayor atención a los ritmos de volúmenes y espacios, así como a una mayor atención a las cualidades contrastantes de la superficie (abierta, cerrada, plana, rota, etc.) mientras se prestaba menos atención a la narración de historias y detalles convincentes de la anatomía o el vestuario. . Se prestó mayor atención al efecto psicológico que al realismo físico, y se utilizaron influencias de estilos anteriores en todo el mundo.
Los primeros maestros del clasicismo moderno incluyeron: Aristide Maillol, Alexander Matveyev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Constantin Brâncuşi. A medida que avanzaba el siglo, el clasicismo moderno se adoptó como el estilo nacional de los dos grandes imperios totalitarios europeos: la Alemania nazi y la Rusia soviética, que cooptaron el trabajo de artistas anteriores como Kolbe y Wilhelm Lehmbruck en Alemania y Matveyev en Rusia. Durante los 70 años de la URSS, se formaron y eligieron nuevas generaciones de escultores dentro de su sistema, y se desarrolló un estilo distinto, el realismo socialista, que volvió al énfasis del siglo XIX en el melodrama y el naturalismo.
La formación clásica se extrajo de la educación artística en Europa occidental (y América) en 1970 y las variantes clásicas del siglo XX quedaron marginadas en la historia del modernismo. Pero el clasicismo continuó como la base de la educación artística en las academias soviéticas hasta 1990, proporcionando una base para el arte figurativo expresivo en toda Europa del Este y partes del Medio Oriente. En el año 2000, la tradición clásica europea conserva un amplio atractivo para el público, pero espera una tradición educativa para revivir su desarrollo contemporáneo.
Algunos de los clásicos modernos se volvieron más decorativos / art decó (Paul Manship, José de Creeft, Carl Milles) o más abstractamente estilizados o más expresivos (y góticos) (Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini) o se volvieron más al Renacimiento (Giacomo Manzù, Venanzo Crocetti) o se quedó igual (Charles Despiau, Marcel Gimond).
Modernismo
Los movimientos de la escultura modernista incluyen cubismo, abstracción geométrica, De Stijl, suprematismo, constructivismo, dadaísmo, surrealismo, futurismo, expresionismo abstracto formalista, arte pop, minimalismo, arte de la tierra e instalación, entre otros.
En los primeros días del siglo XX, Pablo Picasso revolucionó el arte de la escultura cuando comenzó a crear sus construcciones formadas combinando objetos y materiales dispares en una pieza de escultura construida; el equivalente escultórico del collage en arte bidimensional. El advenimiento del surrealismo llevó a que algunas cosas se describieran ocasionalmente como "esculturas" que no lo hubieran sido anteriormente, como la "escultura involuntaria" en varios sentidos, incluido el coulage. En los últimos años, Picasso se convirtió en un alfarero prolífico, liderando, con interés en la alfarería histórica de todo el mundo, a un renacimiento del arte de cerámica, con figuras como George E. Ohr y posteriormente Peter Voulkos, Kenneth Price y Robert Arneson. Marcel Duchamp originó el uso del "objeto encontrado" (francés: readymade con piezas como Fountain (1917).
Del mismo modo, la obra de Constantin Brâncuşi a principios de siglo allanó el camino para la escultura abstracta posterior. En rebelión contra el naturalismo de Rodin y sus contemporáneos de finales del siglo XIX, Brâncuşi destiló a los sujetos a sus esencias como se ilustra en las formas elegantemente refinadas de su serie Bird in Space (1924).
El impacto de Brâncuşi, con su vocabulario de reducción y abstracción, se ve a lo largo de los años 1930 y 1940, y ejemplificado por artistas como Gaston Lachaise, Sir Jacob Epstein, Henry Moore, Alberto Giacometti, Joan Miró, Julio González, Pablo Serrano, Jacques Lipchitz y hacia la década de 1940, la escultura abstracta fue impactada y expandida por Alexander Calder, Len Lye, Jean Tinguely y Frederick Kiesler, quienes fueron pioneros del arte cinético.
Los escultores modernistas perdieron en gran parte el gran auge del arte público debido a la demanda de monumentos bélicos para las dos guerras mundiales, pero desde la década de 1950 el público y los comisionados se sintieron más cómodos con la escultura modernista y grandes comisiones públicas, tanto abstractas como figurativas. . Picasso recibió el encargo de hacer una maqueta para una gran escultura pública de 50 pies (15 m) de altura, el llamado Chicago Picasso (1967). Su diseño fue ambiguo y algo polémico, y lo que la figura representa no es claro; podría ser un pájaro, un caballo, una mujer o una forma totalmente abstracta.
A finales de la década de 1950 y en la década de 1960, los escultores abstractos comenzaron a experimentar con una amplia gama de materiales nuevos y diferentes enfoques para crear su trabajo. Las imágenes surrealistas, la abstracción antropomórfica, los nuevos materiales y combinaciones de nuevas fuentes de energía y superficies y objetos variados se convirtieron en características de muchas de las nuevas esculturas modernistas. Los proyectos colaborativos con paisajistas, arquitectos y arquitectos paisajistas ampliaron el sitio al aire libre y la integración contextual. Artistas como Isamu Noguchi, David Smith, Alexander Calder, Jean Tinguely, Richard Lippold, George Rickey, Louise Bourgeois y Louise Nevelson llegaron a caracterizar el aspecto de la escultura moderna.
En la década de 1960, predominaron el expresionismo abstracto, la abstracción geométrica y el minimalismo, que reducen la escultura a sus rasgos más esenciales y fundamentales. Algunas obras del período son: las obras de Cubi de David Smith, y las de acero soldado de Sir Anthony Caro, así como las esculturas soldadas por una gran variedad de escultores, el trabajo a gran escala de John Chamberlain y las escalas de instalación ambiental. por Mark di Suvero. Otros minimalistas incluyen a Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Anne Truitt, Giacomo Benevelli, Arnaldo Pomodoro, Richard Serra, Dan Flavin, Carl Andre y John Safer, quienes agregaron movimiento y monumentalidad al tema de la pureza de la línea.
Durante las décadas de 1960 y 1970, artistas figurativos tales como Leonard Baskin, Ernest Trova, George Segal, Marisol Escobar, Paul Thek, Robert Graham en un estilo articulado clásico y Fernando Botero llevaron su obra de gran tamaño a la pintura figurativa. figuras en esculturas monumentales.
Galería de escultura modernista
Henri Matisse, The Back Series , bronce, de izquierda a derecha: The Back I, 1908-09, The Back II, 1913, The Back III 1916, The Back IV, c. 1931, todo el Museo de Arte Moderno, Nueva York
Joseph Csaky, Groupe de femmes (Groupe de trois femmes, Groupe de trois personnages) , 1911-12, yeso, perdido
Alexander Archipenko, La Vie Familiale ( Vida familiar ), 1912
Otto Gutfreund, violonchelista , 1912-13
Jacob Epstein, Día y noche , tallado para la sede del subterráneo de Londres, 1928.
Käthe Kollwitz, Los padres afligidos , 1932, memorial de la Primera Guerra Mundial (para su hijo Peter), cementerio de guerra alemán de Vladslo
Jacques Lipchitz, Nacimiento de las musas , 1944-1950
Barbara Hepworth, Monolith-Empyrean , 1953
John Chamberlain, S , 1959, Hirshhorn Museum y Sculpture Garden, Washington, DC.
Henry Moore, figura reclinada tres piezas n. ° 1 , 1961, Yorkshire
Marcel Duchamp, Fuente , 1917; Copia autorizada por el artista en 1964 hecha por el comerciante del artista, Arturo Schwarz, basada en una fotografía de Alfred Stieglitz. Porcelana, Tate Modern, Londres
Pablo Picasso, Chicago Picasso , 1967, Chicago, Illinois
Isamu Noguchi, Heimar , 1968, en el Billy Rose Sculpture Garden, Museo de Israel, Jerusalén, Israel
George Rickey, Four Squares in Geviert, 1969, terraza de la New National Gallery, Berlín, Alemania, Rickey es considerado un escultor cinético
Alexander Calder, Crinkly avec disc rouge , 1973, Schlossplatz, Stuttgart
Louise Nevelson, Atmósfera y Medio Ambiente XII , 1970-1973, Museo de Arte de Filadelfia
Sir Anthony Caro, Black Cover Flat , 1974, acero, Museo de Arte de Tel Aviv
Joan Miró, Mujer y pájaro , 1982, Barcelona, España
George Segal, Street Crossing , 1992, instalado permanentemente en una acera pública en Montclair State University, en Montclair, Nueva Jersey
Mark di Suvero, Aurora , 1992-1993
Louise Bourgeois, Maman , 1999, fuera del Museo Guggenheim
Movimientos contemporáneos
Las obras de arte específicas del sitio y ambientales están representadas por artistas: Andy Goldsworthy, Walter De María, Richard Long, Richard Serra, Robert Irwin, George Rickey y Christo y Jeanne-Claude llevaron la escultura abstracta contemporánea en nuevas direcciones. Los artistas crearon esculturas ambientales en sitios extensos del grupo de proyectos "land art in the American West". Estas obras de escultura a escala ambiental de land art o 'earth art' ejemplificadas por artistas como Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell (Roden Crater). Eva Hesse, Sol LeWitt, Jackie Winsor, Keith Sonnier, Bruce Nauman y Dennis Oppenheim, entre otros, fueron pioneros de la escultura postminimalista.
También durante las décadas de 1960 y 1970, artistas tan diversos como Eduardo Paolozzi, Chryssa, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz, Nam June Paik, Wolf Vostell, Duane Hanson y John DeAndrea exploraron la abstracción, las imágenes y la figuración a través del videoarte, el medioambiente y la luz. escultura e instalación de arte de nuevas maneras.
El arte conceptual es un arte en el cual los conceptos o las ideas involucradas en el trabajo tienen prioridad sobre las preocupaciones estéticas y materiales tradicionales. Las obras incluyen One and Three Chairs , 1965, es de Joseph Kosuth, y Un roble de Michael Craig-Martin, y los de Joseph Beuys, James Turrell y Jacek Tylicki.
Minimalismo
Tony Smith, Free Ride, 1962, 6'8 x 6'8 x 6'8 (la altura de una abertura estándar de la puerta de EE. UU.), Museo de Arte Moderno, Nueva York
Larry Bell, Sin título 1964, bismuto, cromo, oro y rodio en latón chapado en oro; Museo de Hirshhorn y jardín de esculturas
Anne Truitt, Una pared para los albaricoques, 1968, Museo de Arte de Baltimore, Baltimore
Tony Smith, Light Up, 1971, Hillman Library en la Universidad de Pittsburgh
John McCracken, Untitled slab painting , 1981, escultura de resina y fibra de vidrio, Smithsonian American Art Museum
Donald Judd, Sin título 1977, Münster, Alemania
Richard Serra, Fulcrum 1987, escultura independiente de 55 pies de altura de acero Cor-ten cerca de la estación de Liverpool Street, Londres
Donald Judd, Sin título, 1991, Israel Museum Art Garden, Jerusalén
Postminimalismo
Bruce Nauman, Human / Need / Desire , 1983, escultura de neón
Richard Long, South Bank Circle, 1991 Tate Liverpool, Inglaterra
Jean-Yves Lechevallier, ala Fettered . 1991
Anish Kapoor, girando el mundo al revés , Museo de Israel, 2010
Damien Hirst, La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien que vive . 1991
Rachel Whiteread, Monumento del Holocausto 2000 Judenplatz, Viena
Guardianes del tiempo , escultura de luz de Manfred Kielnhofer en la Bienal de Arte de Luz Austria 2010
The Spire of Dublin oficialmente tituló el Monumento de la Luz , acero inoxidable, 121.2 metros (398 pies), la escultura más alta del mundo
Géneros contemporáneos
Algunas formas de escultura modernas se practican ahora al aire libre, como arte ambiental y escultura ambiental, a menudo a la vista de los espectadores. La escultura ligera, la escultura de arte callejero y el arte específico del sitio también suelen hacer uso del medio ambiente. La escultura de hielo es una forma de escultura efímera que usa hielo como materia prima. Es popular en China, Japón, Canadá, Suecia y Rusia. Las esculturas de hielo se presentan decorativamente en algunas cocinas, especialmente en Asia. Las esculturas cinéticas son esculturas diseñadas para moverse, que incluyen móviles. Las esculturas de nieve generalmente están talladas en un solo bloque de nieve de aproximadamente 6 a 15 pies (1.8 a 4.6 m) en cada lado y pesan alrededor de 20-30 toneladas. La nieve está densamente empaquetada en una forma después de haber sido producida por medios artificiales o recogida del suelo después de una nevada. Las esculturas sonoras toman la forma de instalaciones de sonido interiores, instalaciones al aire libre como arpas eólicas, autómatas, o se acercan más o menos a instrumentos musicales convencionales. La escultura de sonido a menudo es específica del sitio. Los juguetes artísticos se han convertido en otro formato para artistas contemporáneos desde finales de la década de 1990, como los producidos por Takashi Murakami y Kid Robot, diseñados por Michael Lau, o hechos a mano por Michael Leavitt (artista).
Conservación
Las esculturas son sensibles a las condiciones ambientales, como la temperatura, la humedad y la exposición a la luz y la luz ultravioleta. La lluvia ácida también puede causar daños a ciertos materiales de construcción y monumentos históricos. Esto se produce cuando el ácido sulfúrico en la lluvia reacciona químicamente con los compuestos de calcio en las piedras (piedra caliza, arenisca, mármol y granito) para crear yeso, que luego se desprende.
En cualquier momento, muchas esculturas contemporáneas han estado generalmente en exhibición en lugares públicos; el robo no fue un problema ya que las piezas se reconocieron al instante. A principios del siglo XXI, el valor del metal aumentó a tal punto que el robo de una escultura de bronce macizo por el valor del metal se convirtió en un problema; escultura que vale millones es robada y fundida por el valor relativamente bajo del metal, una pequeña fracción del valor de la obra de arte.
Obtenido de: https://en.wikipedia.org/wiki/Sculpture