Película
Definición
Una película , también llamada imágenes en movimiento, película de teatro, o photoplay, es una serie de imágenes fijas que, cuando se muestra en una pantalla, crean la ilusión de imágenes en movimiento. (Consulte el glosario de términos de películas).
Esta ilusión óptica hace que el público perciba el movimiento continuo entre objetos separados vistos en rápida sucesión. El proceso de filmar es tanto un arte como una industria. Una película se crea fotografiando escenas reales con una cámara en movimiento, fotografiando dibujos o modelos en miniatura utilizando técnicas de animación tradicionales, mediante CGI y animación por computadora, o mediante una combinación de algunas o todas estas técnicas, y otros efectos visuales .
La palabra " cine ", abreviatura de cinematografía, se utiliza a menudo para referirse a la realización cinematográfica y la industria del cine, y al arte del cine en sí. La definición contemporánea del cine es el arte de simular experiencias para comunicar ideas, historias, percepciones, sentimientos, belleza o atmósfera mediante imágenes en movimiento grabadas o programadas junto con otras estimulaciones sensoriales.
Las películas se grabaron originalmente en una película de plástico a través de un proceso fotoquímico y luego se mostraron a través de un proyector de películas en una pantalla grande. Las películas contemporáneas son a menudo totalmente digitales durante todo el proceso de producción, distribución y exhibición, mientras que las películas grabadas en una forma fotoquímica tradicionalmente incluyen una banda sonora óptica análoga (una grabación gráfica de las palabras habladas, música y otros sonidos que acompañan a las imágenes corre a lo largo de una parte de la película reservada exclusivamente para ella, y no está proyectada).
Las películas son artefactos culturales creados por culturas específicas. Reflejan esas culturas y, a su vez, las afectan. Se considera que el cine es una forma de arte importante, una fuente de entretenimiento popular y un medio poderoso para educar o adoctrinar a los ciudadanos. La base visual de la película le otorga un poder universal de comunicación. Algunas películas se han convertido en atracciones populares en todo el mundo mediante el uso de doblaje o subtítulos para traducir el diálogo a otros idiomas. Algunos han criticado la glorificación de la violencia de la industria cinematográfica y han percibido en ella la prevalencia de una actitud negativa hacia las mujeres.
Las imágenes individuales que componen una película se llaman marcos. En la proyección de películas de celuloide tradicionales, un obturador giratorio produce intervalos de oscuridad cuando cada fotograma, a su vez, se mueve a su posición para proyectarse, pero el espectador no nota las interrupciones debido a un efecto conocido como persistencia de la visión, por el cual ojo conserva una imagen visual por una fracción de segundo después de que su fuente desaparece. La percepción del movimiento se debe a un efecto psicológico llamado fenómeno phi.
El nombre "película" proviene del hecho de que la película fotográfica (también llamada película) históricamente ha sido el medio para grabar y mostrar imágenes en movimiento. Existen muchos otros términos para un movimiento de imagen individual, incluyendo la imagen , demostración de la imagen , imagen en movimiento , photoplay y película . El término más común en los Estados Unidos es el cine , mientras que en Europa se prefiere el cine . Los términos comunes para el campo en general incluyen la pantalla grande , la pantalla plateada , las películas y el cine; el último de estos se usa comúnmente, como un término general, en textos académicos y ensayos críticos. En los primeros años, a veces se usaba la hoja de palabras en lugar de la pantalla .
Historia
Tecnologías anteriores
Antes de la película en origen por miles de años, los primeros juegos y bailes tenían elementos comunes al cine: guiones, decorados, vestuario, producción, dirección, actores, audiencias, guiones gráficos y partituras. Gran parte de la terminología utilizada más tarde en la teoría del cine y la crítica se aplican, como mise en scène (más o menos, toda la imagen visual en un momento dado). Debido a la falta de tecnología para hacerlo, las imágenes y los sonidos en movimiento no se pudieron grabar para reproducirlos como en una película.
La linterna mágica, probablemente creada por Christiaan Huygens en la década de 1650, podría usarse para proyectar animación, que se logró mediante varios tipos de diapositivas mecánicas. Típicamente, dos portaobjetos de vidrio, uno con la parte estacionaria de la imagen y el otro con la parte que se movería, se colocarían uno sobre el otro y se proyectarían juntos, luego el deslizador móvil sería operado manualmente, ya sea directamente o por medio de una palanca u otro mecanismo. Las diapositivas cromotropas, que producían deslumbrantes despliegues de patrones y colores geométricos abstractos en ciclos continuos, se operaban mediante una pequeña manivela y una polea que giraban un disco de vidrio.
A mediados del siglo XIX, inventos como el fenaquistóscope de Joseph Plateau y el zoótropo posterior demostraron que una secuencia de dibujos cuidadosamente diseñada, que muestra las fases de la apariencia cambiante de los objetos en movimiento, parecería mostrar los objetos que realmente se mueven si se muestran uno después del otro a una velocidad suficientemente rápida. Estos dispositivos se basaban en el fenómeno de la persistencia de la visión para hacer que la pantalla pareciera continua a pesar de que la vista del observador estaba realmente bloqueada ya que cada dibujo rotaba en la ubicación donde se había vislumbrado su predecesor. Cada secuencia se limitaba a un pequeño número de dibujos, por lo general doce, por lo que solo podía mostrar movimientos cíclicos que se repiten sin fin. A fines de la década de 1880, el último gran dispositivo de este tipo, el praxinoscopio,
El uso de secuencias de fotografías en tales dispositivos se limitó inicialmente a algunos experimentos con sujetos fotografiados en una serie de posturas porque las emulsiones disponibles no eran lo suficientemente sensibles como para permitir las cortas exposiciones necesarias para fotografiar sujetos que realmente se estaban moviendo. La sensibilidad se mejoró gradualmente y, a fines de la década de 1870, Eadweard Muybridge creó las primeras secuencias de imágenes animadas fotografiadas en tiempo real. Se utilizó una fila de cámaras, cada una de las cuales capturaba una imagen en una placa de vidrio fotográfica, por lo que el número total de imágenes en cada secuencia estaba limitado por el número de cámaras, como máximo dos docenas. Muybridge usó su sistema para analizar los movimientos de una gran variedad de sujetos animales y humanos. Las imágenes pintadas a mano basadas en las fotografías fueron proyectadas como imágenes en movimiento por medio de su zoopraxiscope.
Primeras imágenes en movimiento
A finales de la década de 1880, la introducción de largos de película fotográfica de celuloide y la invención de cámaras cinematográficas, que podían fotografiar una secuencia rápida e indefinidamente larga de imágenes usando solo una lente, permitieron capturar y almacenar varios minutos de acción en un rollo compacto de película simple. Algunas películas tempranas se hicieron para ser vistas por una persona a la vez a través de un dispositivo de "peep show" como el Kinetoscopio y el mutoscopio. Otros estaban destinados a un proyector mecánicamente similar a la cámara y, a veces, la misma máquina, que se utilizaba para iluminar intensamente la película procesada e impresa y una lente de proyección para que estas "imágenes en movimiento" pudieran mostrarse tremendamente ampliadas. en una pantalla para ver por una audiencia completa.
Las primeras proyecciones públicas de películas en las que se acusó recibo fueron hechas en 1895 por el estadounidense Woodville Latham y sus hijos, utilizando películas producidas por su compañía, y por los, posiblemente, más conocidos, hermanos franceses Auguste y Louis Lumière con diez de los suyos. producciones. Proyecciones privadas habían precedido a estos por varios meses, con Latham es ligeramente anterior a los hermanos Lumière '. Otra opinión es que la primera exhibición pública de proyecciones de películas en Estados Unidos fue en el Brooklyn Institute en la ciudad de Nueva York el 9 de mayo de 1893.
Evolución temprana
Las primeras películas eran simplemente una toma estática que mostraba un evento o acción sin edición u otras técnicas cinemáticas. Alrededor del cambio de siglo, las películas comenzaron a unir varias escenas para contar una historia. Las escenas se dividieron posteriormente en múltiples tomas fotografiadas desde diferentes distancias y ángulos. Otras técnicas, como el movimiento de la cámara, se desarrollaron como formas efectivas de contar una historia con una película. Hasta que la película de sonido se volvió comercialmente práctica a fines de la década de 1920, las películas eran un arte puramente visual, pero estas innovadoras películas mudas se habían ganado la imaginación del público. En lugar de dejar al público solo con el ruido del proyector como acompañamiento, los propietarios de teatros contrataron a un pianista u organista o, en los grandes teatros urbanos, una orquesta completa para tocar música que se ajustara al ambiente de la película en un momento dado.
Un clip de la película muda de Charlie Chaplin The Bond (1918)
El auge del cine europeo fue interrumpido por el estallido de la Primera Guerra Mundial, mientras que la industria del cine en los Estados Unidos floreció con el ascenso de Hollywood, tipificado más prominente por el trabajo innovador de DW Griffith en The Birth of a Nation (1915) y Intolerancia (1916). Sin embargo, en la década de 1920, los cineastas europeos como Sergei Eisenstein, FW Murnau y Fritz Lang, inspirados en gran medida por el meteórico progreso de la película en tiempos de guerra a través de Griffith, junto con las contribuciones de Charles Chaplin, Buster Keaton y otros, rápidamente alcanzaron Cinematografía estadounidense y continuó avanzando más en el medio.
Sonar
En la década de 1920, el desarrollo de tecnologías de grabación de sonido electrónico hizo práctico incorporar una banda sonora de voz, música y efectos de sonido sincronizados con la acción en la pantalla. Las películas sonoras resultantes se distinguieron inicialmente de las "imágenes en movimiento" o "películas" silenciosas habituales al llamarlas "imágenes parlantes" o "películas sonoras". La revolución que ellos forjaron fue rápida. En 1930, la película muda estaba prácticamente extinta en los EE. UU. Y ya se la llamaba "el viejo medio".
Color
Otro desarrollo tecnológico importante fue la introducción del "color natural", que significaba el color que se grababa fotográficamente de la naturaleza en lugar de añadirlo a las copias en blanco y negro mediante coloreado manual, coloreado de estarcido u otros procedimientos arbitrarios, aunque los procesos más antiguos suelen ser produjo colores que estaban lejos de ser "naturales" en apariencia. Si bien el advenimiento de las películas sonoras hizo que las películas mudas y los músicos de teatro se volvieran obsoletos, el color reemplazó al blanco y negro de forma mucho más gradual. La innovación fundamental fue la introducción de la versión en tres tiras del proceso Technicolor, primero utilizado para dibujos animados en 1932, luego también para cortometrajes de acción real y secuencias aisladas en algunas películas, y luego para un largometraje completo, Becky Agudo, en 1935. El costo del proceso fue desalentador, pero una respuesta pública favorable en forma de mayores ingresos de taquilla usualmente justificó el costo adicional. La cantidad de películas hechas en color aumentó lentamente año tras año.
Desarrollos de 1950
A principios de la década de 1950, la proliferación de la televisión en blanco y negro comenzó a deprimir seriamente la asistencia al teatro norteamericano. En un intento por atraer al público nuevamente a los cines, se instalaron pantallas más grandes, se lanzaron procesos de pantalla ancha, proyección polarizada en 3D y sonido estereofónico, y se hicieron más películas en color, que pronto se convirtieron en la regla y no en la excepción. Algunas películas importantes de Hollywood todavía se estaban haciendo en blanco y negro a mediados de la década de 1960, pero marcaron el final de una era. Los receptores de televisión en color habían estado disponibles en los EE. UU. Desde mediados de la década de 1950, pero al principio eran muy caros y pocas emisiones eran en color. Durante la década de 1960, los precios bajaron gradualmente, las transmisiones en color se volvieron comunes y las ventas se dispararon. El abrumador veredicto público a favor del color fue claro.
1960 y más tarde
Las décadas que siguieron al declive del sistema de estudio en la década de 1960 vieron cambios en la producción y el estilo de la película. Varios movimientos de Nueva Ola (incluyendo la Nueva Ola francesa, Nueva Ola india, Nueva Ola japonesa y Nueva Hollywood) y el surgimiento de cineastas independientes educados en escuelas de cine contribuyeron a los cambios que experimentó el medio en la segunda mitad del siglo XX. La tecnología digital ha sido la fuerza impulsora del cambio a lo largo de la década de 1990 y en la década de 2000. La proyección digital en 3D reemplazó en gran medida a los sistemas de película 3D propensos a problemas anteriores y se hizo popular a principios de la década de 2010.
Teoría del cine
La "teoría del cine" busca desarrollar conceptos concisos y sistemáticos que se apliquen al estudio del cine como arte. El concepto de cine como una forma de arte comenzó con El nacimiento del sexto arte de Ricciotto Canudo . La teoría del cine formalista, dirigida por Rudolf Arnheim, Béla Balázs y Siegfried Kracauer, enfatizaba cómo la película difería de la realidad y, por lo tanto, podía considerarse una obra de arte válida. André Bazin reaccionó contra esta teoría argumentando que la esencia artística de la película residía en su capacidad de reproducir mecánicamente la realidad, no en sus diferencias con la realidad, y esto dio lugar a la teoría realista. El análisis más reciente impulsado por el psicoanálisis de Jacques Lacan y la semiótica de Ferdinand de Saussure, entre otras cosas, ha dado lugar a la teoría del cine psicoanalítico, la teoría del cine estructuralista, la teoría del cine feminista y otros. Por otro lado, los críticos de la tradición de la filosofía analítica, influenciados por Wittgenstein, intentan aclarar conceptos erróneos utilizados en estudios teóricos y producir análisis del vocabulario de una película y su vínculo con una forma de vida.
Idioma
Se considera que la película tiene su propio idioma. James Monaco escribió un texto clásico sobre teoría cinematográfica, titulado "Cómo leer una película", que trata sobre esto. El director Ingmar Bergman dijo flemáticamente: "Andrei Tarkovsky para mí es el director más grande, el que inventó un nuevo idioma, fiel a la naturaleza del cine, ya que capta la vida como un reflejo, la vida como un sueño. "Un ejemplo del lenguaje es una secuencia de imágenes de ida y vuelta del perfil izquierdo de un actor que habla, seguido del perfil correcto de otro actor que habla, luego una repetición de esto, que es un lenguaje que la audiencia entiende como una conversación. Esto describe otra teoría del cine, la regla de 180 grados, como un dispositivo visual de narración de cuentos con la capacidad de ubicar al espectador en un contexto de estar psicológicamente presente a través del uso de la composición visual y la edición. El "estilo de Hollywood" incluye esta teoría narrativa, debido a la abrumadora práctica de la regla de los estudios de cine con sede en Hollywood, California, durante la era clásica de la película.Otro ejemplo de lenguaje cinematográfico es tener una toma que se acerca a la frente de un actor con una expresión de reflejo silencioso que corta un plano de un actor más joven que se asemeja vagamente al primer actor, indicando que la primera persona está recordando un yo pasado , una edición de composiciones que causa una transición de tiempo.
Montaje
El montaje es la técnica mediante la cual se seleccionan, editan y, luego, se combinan piezas de película para crear una nueva sección de la película. Una escena podría mostrar a un hombre yendo a la batalla, con flashbacks a su juventud y a su vida hogareña y con efectos especiales añadidos, colocados en la película después de que la filmación esté completa. Como todos fueron filmados por separado, y tal vez con diferentes actores, la versión final se llama montaje. Los directores desarrollaron una teoría del montaje, comenzando con Eisenstein y la compleja yuxtaposición de imágenes en su película Battleship Potemkin . La incorporación de contrapunto musical y visual, y el desarrollo de escenas a través de puesta en escena, edición y efectos ha llevado a técnicas más complejas comparables a las utilizadas en la ópera y el ballet.
Crítica cinematográfica
La crítica cinematográfica es el análisis y la evaluación de las películas. En general, estas obras se pueden dividir en dos categorías: la crítica académica de los estudiosos del cine y la crítica periodística del cine que aparece regularmente en los periódicos y otros medios. Los críticos de cine que trabajan para periódicos, revistas y medios de difusión principalmente revisan los nuevos lanzamientos. Normalmente solo ven una película determinada una vez y solo tienen un día o dos para formular sus opiniones. A pesar de esto, los críticos tienen un impacto importante en la respuesta del público y la asistencia a las películas, especialmente las de ciertos géneros. Las películas de acción, terror y comedia que se comercializan en serie no suelen verse muy afectadas por el criterio general de una película sobre un crítico. El resumen de la trama y la descripción de una película y la evaluación de los guionistas y del director El trabajo que conforma la mayoría de las críticas de la mayoría de las películas todavía puede tener un impacto importante sobre si las personas deciden ver una película. Para películas de prestigio como la mayoría de los dramas y películas de arte, la influencia de las críticas es importante. Las malas críticas de los principales críticos en los principales periódicos y revistas a menudo reducirán el interés y la asistencia de la audiencia.
El impacto de un revisor en el rendimiento de taquilla de una película determinada es un tema de debate. Algunos observadores afirman que el marketing de películas en la década de 2000 es tan intenso, bien coordinado y bien financiado que los críticos no pueden evitar que un éxito de taquilla mal escrito o filmado logre el éxito en el mercado. Sin embargo, la catastrófica falla de algunas películas muy promocionadas que fueron duramente revisadas, así como el éxito inesperado de películas independientes elogiadas por críticos, indica que las reacciones críticas extremas pueden tener una influencia considerable. Otros observadores señalan que las críticas positivas de las películas han despertado el interés en películas poco conocidas. Por el contrario, ha habido varias películas en las que las compañías cinematográficas tienen tan poca confianza en que se nieguen a darles a los revisores una visión avanzada para evitar una panorámica generalizada de la película. Sin embargo, esto por lo general resulta contraproducente, ya que los revisores son prudentes con la táctica y advierten al público que la película no vale la pena verla y que las películas a menudo no funcionan bien como resultado. A los críticos de cine de los periodistas a veces se les llama críticos de cine. Críticos que adoptan un enfoque más académico de las películas, publicando en revistas de cine y escribiendo libros sobre películas que usan la teoría del cine o enfoques de estudios cinematográficos, estudian cómo funcionan las técnicas de filmación y cinematografía y qué efecto tienen en las personas. En lugar de publicar sus reseñas en periódicos o aparecer en televisión, sus artículos se publican en revistas académicas o en revistas especializadas. También tienden a estar afiliados a colegios o universidades como profesores o instructores. Como los críticos son prudentes con la táctica y advierten al público que la película no vale la pena ver y las películas a menudo no funcionan bien como resultado. A los críticos de cine de los periodistas a veces se les llama críticos de cine. Críticos que adoptan un enfoque más académico de las películas, publicando en revistas de cine y escribiendo libros sobre películas que usan la teoría del cine o enfoques de estudios cinematográficos, estudian cómo funcionan las técnicas de filmación y cinematografía y qué efecto tienen en las personas. En lugar de publicar sus reseñas en periódicos o aparecer en televisión, sus artículos se publican en revistas académicas o en revistas especializadas. También tienden a estar afiliados a colegios o universidades como profesores o instructores. Como los críticos son prudentes con la táctica y advierten al público que la película no vale la pena ver y las películas a menudo no funcionan bien como resultado. A los críticos de cine de los periodistas a veces se les llama críticos de cine. Críticos que adoptan un enfoque más académico de las películas, publicando en revistas de cine y escribiendo libros sobre películas que usan la teoría del cine o enfoques de estudios cinematográficos, estudian cómo funcionan las técnicas de filmación y cinematografía y qué efecto tienen en las personas. En lugar de publicar sus reseñas en periódicos o aparecer en televisión, sus artículos se publican en revistas académicas o en revistas especializadas. También tienden a estar afiliados a colegios o universidades como profesores o instructores. publicando en revistas de cine y escribiendo libros sobre películas que usan la teoría del cine o enfoques de estudios cinematográficos, estudia cómo funcionan las técnicas de filmación y cinematografía, y qué efecto tienen en las personas. En lugar de publicar sus reseñas en periódicos o aparecer en televisión, sus artículos se publican en revistas académicas o en revistas especializadas. También tienden a estar afiliados a colegios o universidades como profesores o instructores. publicando en revistas de cine y escribiendo libros sobre películas que usan la teoría del cine o enfoques de estudios cinematográficos, estudia cómo funcionan las técnicas de filmación y cinematografía, y qué efecto tienen en las personas. En lugar de publicar sus reseñas en periódicos o aparecer en televisión, sus artículos se publican en revistas académicas o en revistas especializadas. También tienden a estar afiliados a colegios o universidades como profesores o instructores.
Industria
La creación y exhibición de películas se convirtió en una fuente de ganancias casi tan pronto como se inventó el proceso. Al ver el éxito de su nueva invención, y su producto, en su Francia natal, los Lumières emprendieron rápidamente una gira por el continente para exhibir las primeras películas en privado a la realeza y públicamente a las masas. En cada país, normalmente agregarían escenas locales nuevas a su catálogo y, lo suficientemente rápido, encontraron empresarios locales en los diversos países de Europa para comprar sus equipos y fotografiar, exportar, importar y proyectar productos adicionales comercialmente. El Oberammergau Passion Play de 1898 fue la primera película comercial producida. Otras imágenes pronto siguieron, y las películas se convirtieron en una industria separada que eclipsó el mundo del vodevil. Teatros dedicados y compañías formadas específicamente para producir y distribuir películas, mientras que los actores cinematográficos se convirtieron en celebridades importantes y comisionaron honorarios enormes por sus actuaciones. Para 1917, Charlie Chaplin tenía un contrato que exigía un salario anual de un millón de dólares. Desde 1931 hasta 1956, la película también fue el único sistema de reproducción y reproducción de imágenes para programación de televisión hasta la introducción de grabadoras de video.
En los Estados Unidos, gran parte de la industria del cine se centra en Hollywood, California. Existen otros centros regionales en muchas partes del mundo, como Bollywood centrado en Mumbai, el cine hindi de la industria cinematográfica india, que produce la mayor cantidad de películas en el mundo. Aunque el gasto que supone la realización de películas ha llevado a la producción cinematográfica a concentrarse bajo los auspicios de los estudios cinematográficos, los recientes avances en equipos asequibles de producción cinematográfica han permitido que florezcan las producciones cinematográficas independientes.
El beneficio es una fuerza clave en la industria, debido a la naturaleza costosa y arriesgada de la realización cinematográfica; muchas películas tienen grandes sobrecostos, un ejemplo de Waterworld de Kevin Costner . Sin embargo, muchos cineastas se esfuerzan por crear obras de importancia social duradera. Los Premios de la Academia (también conocidos como "los Oscar") son los premios cinematográficos más importantes en los Estados Unidos, otorgando reconocimiento cada año a las películas, en función de sus méritos artísticos. También existe una gran industria para películas educativas e instructivas realizadas en lugar o además de conferencias y textos. Los ingresos en la industria a veces son volátiles debido a la dependencia de películas de gran éxito lanzadas en cines. El aumento del entretenimiento hogareño alternativo ha suscitado dudas sobre el futuro de la industria cinematográfica, y el empleo en Hollywood se ha vuelto menos confiable, particularmente para películas de bajo y mediano presupuesto.
Campos asociados
Los campos de estudio académicos derivados pueden interactuar y desarrollarse independientemente de la realización cinematográfica, como en la teoría y el análisis de películas. Se han creado campos de estudio académico derivados o dependientes de la existencia del cine, como la crítica cinematográfica, la historia del cine, divisiones de propaganda cinematográfica en gobiernos autoritarios o efectos subliminales psicológicos (por ejemplo, una lata de refresco intermitente durante una proyección) ) Estos campos pueden crear campos derivados, como una sección de revisión de películas en un periódico o una guía de televisión. Las subindustrias pueden separarse del cine, como los fabricantes de palomitas de maíz y los juguetes relacionados con películas (por ejemplo, las figuras de Star Wars ). Las subindustrias de industrias preexistentes pueden tratar específicamente con películas, como la colocación de productos y otra publicidad dentro de las películas.
Terminología
La terminología utilizada para describir las imágenes en movimiento varía considerablemente entre inglés británico y estadounidense. En el uso británico, el nombre del medio es "película". La palabra "película" se entiende pero rara vez se usa. Además, "las imágenes" (en plural) se usa de forma semi-frecuente para referirse al lugar donde se exhiben las películas, mientras que en inglés americano esto se puede llamar "las películas", pero se está quedando obsoleto. En otros países, el lugar donde se exhiben las películas se puede llamar cine o cine. Por el contrario, en los Estados Unidos, "película" es la forma predominante. Aunque las palabras "película" y "película" a veces se usan indistintamente, "película" se utiliza con más frecuencia cuando se consideran aspectos artísticos, teóricos o técnicos. El término "películas" más a menudo se refiere al entretenimiento o aspectos comerciales, como a dónde ir para una noche divertida en una cita. Por ejemplo, un libro titulado "Cómo entender una película" probablemente sea sobre la estética o la teoría del cine, mientras que un libro titulado "Vamos a las películas" probablemente sea sobre la historia del entretenimiento de películas y éxitos de taquilla.
Se utiliza una terminología adicional para distinguir varias formas y medios utilizados en la industria del cine. Las "imágenes en movimiento" y las "imágenes en movimiento" se utilizan con frecuencia para las producciones cinematográficas y cinematográficas destinadas específicamente a la exhibición teatral, como, por ejemplo, Batman.. "DVD" y "cinta de video" son formatos de video que pueden reproducir una película fotoquímica. Una reproducción basada en tal se llama "transferencia". Después del advenimiento de la película teatral como industria, la industria de la televisión comenzó a usar cintas de video como medio de grabación. Durante muchas décadas, la cinta fue únicamente un medio analógico en el que se podían grabar o transferir imágenes en movimiento. "Película" y "filmación" se refieren al medio fotoquímico que graba químicamente una imagen visual y el acto de grabar, respectivamente. Sin embargo, el acto de tomar imágenes con otros medios visuales, como con una cámara digital, todavía se llama "filmación" y los trabajos resultantes a menudo se denominan "películas" como intercambiables a "películas", a pesar de no filmarse en una película. "Películas mudas" No es necesario que sea completamente silencioso, pero son películas y películas sin un diálogo audible, incluidas las que tienen un acompañamiento musical. La palabra "Talkies" se refiere a las primeras películas de sonido creadas para tener un diálogo audible grabado para su reproducción junto con la película, independientemente de un acompañamiento musical. "Cine" abarca tanto películas como películas, o es más o menos sinónimo de cine y exhibición teatral, y ambas se escriben con mayúscula al referirse a una categoría de arte. La "pantalla plateada" se refiere a la pantalla de proyección utilizada para exhibir películas y, por extensión, también se usa como una metonimia para toda la industria del cine. se refiere a las primeras películas de sonido creadas para tener un diálogo audible grabado para su reproducción junto con la película, independientemente de un acompañamiento musical. "Cine" abarca tanto películas como películas, o es más o menos sinónimo de cine y exhibición teatral, y ambas se escriben con mayúscula al referirse a una categoría de arte. La "pantalla plateada" se refiere a la pantalla de proyección utilizada para exhibir películas y, por extensión, también se usa como una metonimia para toda la industria del cine. se refiere a las primeras películas de sonido creadas para tener un diálogo audible grabado para su reproducción junto con la película, independientemente de un acompañamiento musical. "Cine" abarca tanto películas como películas, o es más o menos sinónimo de cine y exhibición teatral, y ambas se escriben con mayúscula al referirse a una categoría de arte. La "pantalla plateada" se refiere a la pantalla de proyección utilizada para exhibir películas y, por extensión, también se usa como una metonimia para toda la industria del cine.
"Pantalla ancha" se refiere a un ancho mayor al alto en el marco, en comparación con las relaciones de aspecto históricas anteriores. Una "película de largometraje" o "película de largometraje" tiene una longitud total convencional, generalmente de 60 minutos o más, y puede comercializarse por sí misma sin otras películas en una proyección con boleto. Un "corto" es una película que no es tan larga como una película de largometraje, a menudo filmada con otros cortos, o precediendo a una película de largometraje. Un "independiente" es una película hecha fuera de la industria cinematográfica convencional.
En el uso de los Estados Unidos, se habla de una "proyección" o "proyección" de una película o video en una pantalla en un "teatro" público o privado. En inglés británico, una "proyección de película" sucede en un cine (nunca un "teatro", que es un medio y lugar diferente). Un cine generalmente se refiere a un estadio diseñado específicamente para exhibir películas, donde la pantalla está fijada a una pared, mientras que un teatro generalmente se refiere a un lugar donde la acción en vivo, no grabada o combinación de eso ocurre desde un podio u otro tipo de escenario. incluyendo el anfiteatro. Los teatros aún pueden filmar películas en ellos, aunque el teatro se modernizará para hacerlo. Uno podría proponer "ir al cine" cuando se refiere a la actividad, o a veces "a las imágenes" en inglés británico, mientras que la expresión estadounidense suele ser "ir al cine". Por lo general, un cine muestra una película comercializada en serie utilizando un proceso de pantalla de proyección frontal con un proyector de película o, más recientemente, con un proyector digital. Pero los cines también pueden mostrar películas teatrales de sus transferencias de video doméstico que incluyen Blu-ray Disc, DVD y videocassette cuando poseen suficiente calidad de proyección o según la necesidad, como películas que solo existen en su estado transferido, que pueden deberse a la pérdida o deterioro del director de la película y las copias de la película original. Debido a la llegada de la producción y distribución de películas digitales, la película física podría estar ausente por completo. Una "característica doble" es una proyección de dos largometrajes independientes comercializados de forma independiente. Una "visión" es ver una película. "
Cualquier película también puede tener una "secuela", que retrata los acontecimientos que siguen a los de la película. La novia de Frankenstein es un ejemplo temprano. Cuando hay más películas que una con los mismos personajes, arcos de la historia o temas temáticos, estas películas se convierten en una "serie", como la serie de James Bond. Y, al existir fuera de una línea de tiempo de historia específica por lo general, no excluye que una película sea parte de una serie. Una película que retrata eventos que ocurrieron anteriormente en una línea de tiempo con los de otra película, pero que se lanza después de esa película, a veces se denomina "precuela", como Butch y Sundance: The Early Days .
Los "créditos" o "créditos finales" son una lista que da crédito a las personas involucradas en la producción de una película. Las películas de antes de la década de 1970 por lo general comienzan una película con créditos, que a menudo terminan con solo una tarjeta de título, diciendo "The End" o algún equivalente, a menudo un equivalente que depende del idioma de la producción. De ahí en adelante, los créditos de una película generalmente aparecen al final de la mayoría de las películas. Sin embargo, las películas con créditos que terminan una película a menudo repiten algunos créditos al comienzo de una película y aparecen dos veces, como los protagonistas de la película, mientras que con menor frecuencia aparecen algunos al principio o solo al principio, no en el final, que a menudo sucede con el crédito del director. Los créditos que aparecen en o cerca del comienzo de una película generalmente se llaman "títulos" o "títulos". Ferris Bueller's Day Off tiene una escena de post-crédito en la que Ferris le dice a la audiencia que la película ha terminado y que deberían irse a casa.
El "elenco" de una película se refiere a una colección de actores y actrices que aparecen, o "estrellas", en una película. Una estrella es un actor o actriz, a menudo una popular, y en muchos casos, una celebridad que interpreta a un personaje central en una película. Ocasionalmente, la palabra también se puede usar para referirse a la fama de otros miembros de la tripulación, como un director u otra personalidad, como Martin Scorsese. Un "equipo" generalmente se interpreta como las personas involucradas en la construcción física de una película fuera de la participación del elenco, y podría incluir directores, editores de películas, fotógrafos, pinzas, gaffers, decoradores, maestros de utilería y diseñadores de vestuario. Una persona puede ser parte del elenco y el equipo de la película, como Woody Allen, que dirigió y protagonizó Take the Money and Run .
Un "aficionado al cine", "aficionado al cine" o "fanático del cine" es una persona a la que le gusta o suele asistir películas y películas, y cualquiera de estos, aunque con mayor frecuencia este último, también podría verse a sí mismo como un estudiante de películas y películas o el proceso fílmico. El intenso interés en las películas, la teoría del cine y la crítica cinematográfica se conoce como cinefilia. Un entusiasta de la película es conocido como cinéfilo o cineasta.
Avance
Una presentación preliminar se refiere a la proyección de una película a un público selecto, por lo general con fines de promoción corporativa, antes del estreno de la película pública. Las vistas previas se utilizan a veces para juzgar la reacción de la audiencia, que si es inesperadamente negativa, puede resultar en recortar o incluso volver a filtrar ciertas secciones en función de la respuesta de la audiencia. Un ejemplo de una película que se cambió después de una respuesta negativa de la prueba de detección es First Blood de 1982 . Después de que el público de pruebas respondiera negativamente a la muerte del protagonista John Rambo, un veterano de Vietnam, al final de la película, la compañía escribió y volvió a filmar un nuevo final en el que el personaje sobrevive.
Los avances o avances son anuncios de películas que se mostrarán en 1 a 3 meses en un cine. En los primeros días del cine, con teatros que tenían solo una o dos pantallas, solo se mostraban ciertos trailers para las películas que se iban a mostrar allí. Más tarde, cuando los cines agregaron más pantallas o se construyeron nuevos teatros con muchas pantallas, se mostraron todos los trailers diferentes, incluso si no iban a reproducir esa película en ese teatro. Los estudios cinematográficos se dieron cuenta de que mientras más trailers se mostraran (incluso si no se mostrarían en ese cine en particular), más clientes irían a un teatro diferente para ver la película cuando se estrenó. El término "trailer" proviene de haber sido originalmente mostrado al final de un programa de cine. Esa práctica no duró mucho porque los clientes tendían a abandonar el teatro después de que las películas terminaran, pero el nombre se ha estancado. Los avances se muestran ahora antes de que comience la película (o la "Película A" en un programa doble). Los avances de películas también son comunes en DVD y discos Blu-ray, así como en Internet y dispositivos móviles. Los tráilers se crean para atraer e interesar a los espectadores. Como resultado, en la era de Internet, los espectadores a menudo buscan trailers para verlos. De los diez mil millones de videos vistos en línea anualmente en 2008, los tráilers de películas ocuparon el tercer lugar, después de las noticias y los videos creados por los usuarios. Los avances son una vista previa mucho más corta o una publicidad que dura solo de 10 a 30 segundos. Los teasers se utilizan para entusiasmar a los clientes con la presentación de una película en los próximos seis a doce meses. Los avances pueden producirse incluso antes de que se complete la producción de la película.
Educación y propaganda
La película se usa para una variedad de objetivos, incluida la educación y la propaganda. Cuando el propósito es principalmente educativo, una película se llama "película educativa". Los ejemplos son grabaciones de conferencias académicas y experimentos, o una película basada en una novela clásica. La película puede ser propaganda, en todo o en parte, como las películas hechas por Leni Riefenstahl en la Alemania nazi, los tráilers de la película de guerra de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, o las películas artísticas hechas bajo Stalin por Eisenstein. También pueden ser obras de protesta política, como en las películas de Andrzej Wajda, o más sutilmente, las películas de Andrei Tarkovsky. La misma película puede ser considerada educativa por algunos, y la propaganda por otros ya que la categorización de una película puede ser subjetiva.
Producción
En esencia, los medios para producir una película dependen del contenido que el realizador desea mostrar, y del aparato para mostrarlo: el zootropo simplemente requiere una serie de imágenes en una tira de papel. La producción de películas puede, por lo tanto, tomar tan poco como una persona con una cámara (o incluso sin una cámara, como en la película de Stan Brakhage de 1963 Mothlight ), o miles de actores, extras y miembros de la tripulación para una acción en vivo, largometraje épico.
Los pasos necesarios para casi cualquier película pueden reducirse a concepción, planificación, ejecución, revisión y distribución. Mientras más involucrada esté la producción, más significativo se vuelve cada uno de los pasos. En un ciclo de producción típico de una película al estilo de Hollywood, estas etapas principales se definen como desarrollo, preproducción, producción, postproducción y distribución.
Este ciclo de producción suele tomar tres años. El primer año está ocupado con el desarrollo . El segundo año comprende preproducción y producción . El tercer año, post-producción y distribución . Cuanto mayor es la producción, más recursos se necesitan y más importante se vuelve el financiamiento; la mayoría de los largometrajes son trabajos artísticos desde la perspectiva de los creadores (por ejemplo, director de cine, director de fotografía, guionista) y entidades comerciales con fines de lucro para las compañías de producción.
Tripulación
Un equipo de filmación es un grupo de personas contratadas por una compañía cinematográfica, empleadas durante la fase de "producción" o "fotografía", con el propósito de producir una película o película. Crew se distingue del elenco , que son los actores que aparecen frente a la cámara o proporcionan voces para los personajes de la película. La tripulación interactúa pero también es distinta del personal de producción , formado por productores, gerentes, representantes de la compañía, sus asistentes y aquellos cuya responsabilidad principal recae en las fases de preproducción o postproducción, como los guionistas y los editores de películas. Comunicación entre producción y tripulacióngeneralmente pasa por el director y su equipo de asistentes. Los equipos medianos y grandes generalmente se dividen en departamentos con jerarquías bien definidas y estándares de interacción y cooperación entre los departamentos. Además de actuar, la tripulación maneja todo en la fase de fotografía: accesorios y vestuario, disparos, sonido, electricidad (es decir, luces), sets y efectos especiales de producción. Las empresas de catering (conocidas en la industria cinematográfica como "servicios artesanales") generalmente no se consideran parte de la tripulación.
Tecnología
El material de película consiste en celuloide transparente, acetato o base de poliéster recubiertos con una emulsión que contiene productos químicos sensibles a la luz. El nitrato de celulosa fue el primer tipo de base de película utilizada para grabar imágenes en movimiento, pero debido a su flamabilidad fue eventualmente reemplazado por materiales más seguros. Los anchos de stock y el formato de película para las imágenes en el carrete han tenido una rica historia, aunque la mayoría de las películas comerciales grandes todavía se graban (y se distribuyen en teatros) como copias de 35 mm. Originalmente, la película en movimiento se filmó y se proyectó a varias velocidades utilizando cámaras y proyectores de manivela; aunque 1000 cuadros por minuto (16⅔ cuadro / s) generalmente se cita como una velocidad silenciosa estándar, La investigación indica que la mayoría de las películas fueron filmadas entre 16 fotogramas por segundo y 23 fotogramas por segundo y proyectadas desde 18 fotogramas por segundo (a veces los carretes incluyen instrucciones sobre qué tan rápido se debe mostrar cada escena). Cuando se introdujo la película de sonido a fines de la década de 1920, se requirió una velocidad constante para la cabeza del sonido. Se eligieron 24 fotogramas por segundo porque era la velocidad más lenta (y, por lo tanto, la más barata) lo que permitía una calidad de sonido suficiente. Las mejoras desde finales del siglo XIX incluyen la mecanización de las cámaras, lo que les permite grabar a una velocidad constante, diseño silencioso de la cámara, permitiendo que el sonido grabado en el set sea utilizable sin requerir grandes "blimps" para encerrar la cámara, la invención de sistemas más sofisticados películas y lentes, permitiendo a los directores filmar en condiciones cada vez más tenues, y el desarrollo de sonido sincronizado, permitiendo que el sonido se grabe a exactamente la misma velocidad que su acción correspondiente. La banda sonora se puede grabar por separado de la filmación de la película, pero para las imágenes en vivo, muchas partes de la banda sonora generalmente se graban simultáneamente.
Como medio, la película no se limita a las películas, ya que la tecnología se desarrolló como base para la fotografía. Se puede usar para presentar una secuencia progresiva de imágenes fijas en forma de presentación de diapositivas. El cine también se ha incorporado a presentaciones multimedia y, a menudo, tiene importancia como documentación histórica principal. Sin embargo, las películas históricas tienen problemas en términos de preservación y almacenamiento, y la industria cinematográfica está explorando muchas alternativas. La mayoría de las películas sobre base de nitrato de celulosa han sido copiadas en películas de seguridad modernas. Algunos estudios ahorran películas en color mediante el uso de patrones de separación: tres negativos en blanco y negro, cada uno expuesto a través de filtros rojos, verdes o azules (esencialmente un reverso del proceso de Technicolor). Los métodos digitales también se han utilizado para restaurar películas, aunque su continuo ciclo de obsolescencia los convierte (a partir de 2006) en una mala elección para la conservación a largo plazo. La preservación de películas en película en descomposición es una cuestión que preocupa tanto a los historiadores y archiveros de películas como a las compañías interesadas en preservar sus productos existentes para ponerlos a disposición de las generaciones futuras (y por lo tanto aumentar los ingresos). La preservación generalmente es una preocupación mayor para las películas de nitrato y de color de una sola tira, debido a sus altas tasas de descomposición; las películas en blanco y negro sobre bases de seguridad y las películas en color conservadas en las impresiones de imbibición Technicolor tienden a mantenerse mucho mejor, asumiendo una manipulación y almacenamiento adecuados. La preservación de películas en película en descomposición es una cuestión que preocupa tanto a los historiadores y archiveros de películas como a las compañías interesadas en preservar sus productos existentes para ponerlos a disposición de las generaciones futuras (y por lo tanto aumentar los ingresos). La preservación generalmente es una preocupación mayor para las películas de nitrato y de color de una sola tira, debido a sus altas tasas de descomposición; las películas en blanco y negro sobre bases de seguridad y las películas en color conservadas en las impresiones de imbibición Technicolor tienden a mantenerse mucho mejor, asumiendo una manipulación y almacenamiento adecuados. La preservación de películas en película en descomposición es una cuestión que preocupa tanto a los historiadores y archiveros de películas como a las compañías interesadas en preservar sus productos existentes para ponerlos a disposición de las generaciones futuras (y por lo tanto aumentar los ingresos). La preservación generalmente es una preocupación mayor para las películas de nitrato y de color de una sola tira, debido a sus altas tasas de descomposición; las películas en blanco y negro sobre bases de seguridad y las películas en color conservadas en las impresiones de imbibición Technicolor tienden a mantenerse mucho mejor, asumiendo una manipulación y almacenamiento adecuados.
Algunas películas en las últimas décadas han sido grabadas usando tecnología de video analógico similar a la utilizada en la producción de televisión. Las modernas cámaras de video digitales y proyectores digitales también están ganando terreno. Estos enfoques son preferidos por algunos cineastas, especialmente porque las secuencias filmadas con cine digital se pueden evaluar y editar con sistemas de edición no lineales (NLE) sin esperar a que se procese la película. La migración fue gradual y, a partir de 2005, la mayoría de las películas más importantes se filmaron en película.
Independiente
El cine independiente a menudo tiene lugar fuera de Hollywood u otros sistemas de estudio importantes. Una película independiente (o película independiente) es una película producida inicialmente sin financiación o distribución de un estudio cinematográfico importante. Las razones creativas, empresariales y tecnológicas han contribuido al crecimiento de la escena cinematográfica independiente a fines del siglo XX y principios del siglo XXI. Por el lado de los negocios, los costos de las películas de estudio de gran presupuesto también conducen a elecciones conservadoras en el elenco y la tripulación. Existe una tendencia en Hollywood hacia la cofinanciación (más de dos tercios de las películas lanzadas por Warner Bros. en 2000 fueron empresas conjuntas, un aumento del 10% en 1987). A un director esperanzado casi nunca se le da la oportunidad de conseguir un trabajo en una película de estudio de gran presupuesto, a menos que tenga una experiencia importante en el cine o la televisión. También,
Antes del advenimiento de las alternativas digitales, el costo de los equipos y existencias de películas profesionales también era un obstáculo para poder producir, dirigir o protagonizar una película de estudio tradicional. Pero la llegada de las videocámaras de consumo en 1985 y, lo que es más importante, la llegada del video digital de alta resolución a principios de la década de 1990, han reducido significativamente la barrera tecnológica para la producción de películas. Los costos de producción y posproducción se han reducido significativamente; en la década de 2000, el hardware y el software para postproducción se pueden instalar en una computadora personal basada en productos básicos. Las tecnologías como los DVD, las conexiones FireWire y una amplia variedad de software de edición de video profesional y de consumo hacen que la producción de películas sea relativamente asequible.
Desde la introducción de la tecnología de video digital DV, los medios de producción se han democratizado. Los cineastas pueden disparar una película con una cámara de video digital y editar la película, crear y editar el sonido y la música, y mezclar el corte final en una computadora hogareña de alta gama. Sin embargo, si bien los medios de producción pueden democratizarse, el financiamiento, la distribución y la comercialización siguen siendo difíciles de lograr fuera del sistema tradicional. La mayoría de los cineastas independientes confían en los festivales de cine para que sus películas sean notadas y vendidas para su distribución. La llegada de sitios web de videos basados en Internet como YouTube y Veoh ha cambiado aún más el panorama cinematográfico, permitiendo a los cineastas independientes poner sus películas a disposición del público.
Película de contenido abierto
Una película de contenido abierto se parece mucho a una película independiente, pero se produce a través de colaboraciones abiertas; su material fuente está disponible bajo una licencia que es lo suficientemente permisiva como para permitir que otras partes creen fanfiction o trabajos derivados, que un copyright tradicional. Al igual que el cine independiente, el cine de código abierto tiene lugar fuera de Hollywood u otros sistemas de estudio importantes.
Película de fans
Una película de fans es una película o video inspirado en una película, programa de televisión, cómic o una fuente similar, creada por admiradores en lugar de por los titulares de derechos de autor o creadores de la fuente. Los cineastas aficionados tradicionalmente han sido aficionados, pero algunas de las películas más notables han sido producidas por realizadores profesionales como proyectos de clase de la escuela de cine o como carretes de demostración. Las películas de los fanáticos varían enormemente en longitud, desde los trailers de falso efecto corto para las imágenes en movimiento inexistentes hasta las imágenes en movimiento de larga duración más raras.
Distribución
La distribución de películas es el proceso a través del cual una película está disponible para que la vea un público. Esta es normalmente la tarea de un distribuidor profesional de películas, que determinaría la estrategia de marketing de la película, los medios por los cuales una película se exhibirá o estará disponible para su visualización, y puede establecer la fecha de lanzamiento y otros asuntos. La película se puede exhibir directamente al público ya sea a través de un cine (históricamente la forma principal en que se distribuyeron las películas) o televisión para visualización personal en el hogar (incluso en DVD-Video o Blu-ray Disc, video a pedido, descarga en línea, programas de televisión a través de difusión, etc.). Otras formas de distribuir una película incluyen el alquiler o la compra personal de la película en una variedad de medios y formatos, como cinta VHS o DVD, o la descarga de Internet de la reproducción de video en una computadora.
Animación
La animación es una técnica en la que cada fotograma de una película se produce individualmente, ya sea generado como un gráfico de computadora, o fotografiando una imagen dibujada, o haciendo pequeños cambios repetidamente a una unidad modelo (ver animación de arcilla y stop motion) y luego fotografiando el resultado con una cámara de animación especial. Cuando los marcos se unen y la película resultante se ve a una velocidad de 16 o más fotogramas por segundo, hay una ilusión de movimiento continuo (debido al fenómeno phi). Generar una película así es muy laborioso y tedioso, aunque el desarrollo de la animación por computadora ha acelerado enormemente el proceso. Debido a que la animación lleva mucho tiempo y es muy costosa de producir, la mayoría de las animaciones para televisión y películas provienen de estudios de animación profesional. Sin embargo, el campo de la animación independiente ha existido al menos desde la década de 1950, con la animación producida por estudios independientes (y, a veces, por una sola persona). Varios productores independientes de animación han ingresado a la industria de la animación profesional.
La animación limitada es una forma de aumentar la producción y disminuir los costos de la animación mediante el uso de "atajos" en el proceso de animación. Este método fue iniciado por UPA y popularizado por Hanna-Barbera en los Estados Unidos, y por Osamu Tezuka en Japón, y adaptado por otros estudios como caricaturas trasladadas de cines a la televisión. Aunque la mayoría de los estudios de animación ahora usan tecnologías digitales en sus producciones, existe un estilo específico de animación que depende de la película. La animación sin cámara, hecha famosa por los cineastas como Norman McLaren, Len Lye y Stan Brakhage, se pinta y dibuja directamente en pedazos de película, y luego se ejecuta a través de un proyector.
Obtenido de: https://en.wikipedia.org/wiki/Film