Danza
Definición
| Baile | |
|---|---|
 Danza moderna | |
| Cultura de origen | Varios |
| Era de origen | Prehistoria-antigüedad |
La danza es una forma de arte escénica que consiste en secuencias de movimiento humano seleccionadas a propósito. Este movimiento tiene un valor estético y simbólico, y es reconocido como baile por artistas y observadores dentro de una cultura en particular. La danza se puede categorizar y describir por su coreografía, por su repertorio de movimientos, o por su período histórico o lugar de origen.
Se debe establecer una distinción importante entre los contextos de la danza teatral y la participativa, aunque estas dos categorías no siempre están completamente separadas; ambos pueden tener funciones especiales, ya sean sociales, ceremoniales, competitivas, eróticas, marciales o sagradas / litúrgicas. A veces se dice que otras formas de movimiento humano tienen una cualidad de baile, como artes marciales, gimnasia, porristas, patinaje artístico, natación sincronizada, bandas de música y muchas otras formas de atletismo.
Rendimiento y participación
La danza teatral, también llamada performance o dance de concierto, está pensada principalmente como un espectáculo, por lo general una actuación sobre un escenario de bailarines virtuosos. A menudo cuenta una historia, tal vez usando mímica, vestuario y escenografía, o simplemente puede interpretar el acompañamiento musical, que a menudo está especialmente compuesto. Los ejemplos son el ballet occidental y la danza moderna, la danza india clásica y los dramas de canciones y danzas chinas y japonesas. La mayoría de las formas clásicas se centran únicamente en la danza, pero la danza interpretativa también puede aparecer en la ópera y otras formas de teatro musical.
Por otro lado, se lleva a cabo una danza participativa, ya sea una danza folclórica, una danza social, una danza grupal como una línea, círculo, cadena o cuadratura, o una danza de pareja como la que se practica en el oeste occidental. principalmente para un propósito común, como la interacción social o el ejercicio, de los participantes en lugar de espectadores. Tal baile rara vez tiene una narrativa. Una danza de grupo y un cuerpo de baile , un baile de pareja social y un pas de deux, difieren profundamente Incluso una danza en solitario se puede realizar únicamente para la satisfacción del bailarín. Los bailarines participativos a menudo emplean los mismos movimientos y pasos, pero, por ejemplo, en la cultura rave de la música dance electrónica, las grandes multitudes pueden participar en la danza libre, descoordinada con quienes les rodean. Por otro lado, algunas culturas establecen reglas estrictas en cuanto a los bailes particulares en los que, por ejemplo, pueden o deben participar hombres, mujeres y niños.
Orígenes
La evidencia arqueológica para la danza temprana incluye pinturas de 9,000 años de antigüedad en la India en los refugios rocosos de Bhimbetka, y pinturas de tumbas egipcias que representan figuras danzantes, con fecha de c. 3300 aC Se ha propuesto que antes de la invención de las lenguas escritas, la danza era una parte importante de los métodos orales y de actuación de transmitir historias de generación en generación. El uso de la danza en estados de éxtasis trance y rituales de curación (como se observa hoy en muchas culturas "primitivas" contemporáneas, desde la selva brasileña hasta el desierto de Kalahari) se cree que fue otro factor temprano en el desarrollo social de la danza.
Las referencias a la danza se pueden encontrar en la historia grabada muy temprano; La danza griega ( horos ) es referida por Platón, Aristóteles, Plutarco y Luciano. La Biblia y el Talmud se refieren a muchos eventos relacionados con la danza, y contienen más de 30 diferentes términos de baile. En la cerámica china, ya en el período neolítico, se representa a grupos de personas bailando en una línea tomada de la mano, y la palabra china más antigua para "danza" se encuentra escrita en los huesos del oráculo. La danza se describe con más detalle en el Lüshi Chunqiu . La danza primitiva en la China antigua se asoció con la brujería y los rituales chamánicos.
Durante el primer milenio aC en la India, se redactaron muchos textos que intentaron codificar aspectos de la vida cotidiana. El Natyashastra de Bharata Muni (literalmente "el texto de la dramaturgia" ) es uno de los textos anteriores. Se trata principalmente de drama, en el que la danza juega un papel importante en la cultura india. Clasifica la danza en cuatro tipos: secular, ritual, abstracto e interpretativo, y en cuatro variedades regionales. El texto elabora varios gestos con las manos ( mudras) y clasifica los movimientos de las diversas extremidades, pasos, etc. Desde entonces, continúa una fuerte y continua tradición de danza en la India, hasta los tiempos modernos, donde continúa desempeñando un papel en la cultura, el ritual y, en particular, en la industria del entretenimiento de Bollywoo. Muchas otras formas de danza contemporánea también se remontan a la danza histórica, tradicional, ceremonial y étnica.
Danza y música
La danza generalmente, aunque no exclusivamente, se realiza con el acompañamiento de la música y puede o no realizarse a tiempo para dicha música. Algunos bailes (como el claqué) pueden proporcionar su propio acompañamiento audible en lugar de (o además de) la música. Muchas formas tempranas de música y danza se crearon el uno para el otro y con frecuencia se realizan juntas. Los ejemplos notables de acoplamientos tradicionales de la danza / música incluyen la plantilla, el vals, el tango, la discoteca y la salsa. Algunos géneros musicales tienen una forma de danza paralela, como la música barroca y la danza barroca; otras variedades de danza y música pueden compartir nomenclatura pero se desarrollan por separado, como la música clásica y el ballet clásico.
Danza y ritmo
El ritmo y la danza están profundamente vinculados en la historia y la práctica. El bailarín estadounidense Ted Shawn escribió; "La concepción del ritmo que subyace en todos los estudios de la danza es algo sobre lo que podríamos hablar para siempre, y aún no terminar". Un ritmo musical requiere dos elementos principales; primero, un pulso regularmente repetido (también llamado "latido" o "tactus") que establece el tempo y, segundo, un patrón de acentos y silencios que establece el carácter del medidor o patrón rítmico básico. El pulso básico es aproximadamente igual en duración a un simple paso o gesto.
Las danzas generalmente tienen un tempo característico y un patrón rítmico. El tango, por ejemplo, generalmente se baila en 2
4 veces a aproximadamente 66 latidos por minuto. El paso lento básico, llamado "lento", dura un tiempo, por lo que un paso completo "derecha-izquierda" equivale a una medida de 2
4 . El paseo básico hacia delante y hacia atrás del baile se cuenta de esta manera: "lento-lento", mientras que muchas figuras adicionales se cuentan "lento, rápido y rápido".
4 veces a aproximadamente 66 latidos por minuto. El paso lento básico, llamado "lento", dura un tiempo, por lo que un paso completo "derecha-izquierda" equivale a una medida de 2
4 . El paseo básico hacia delante y hacia atrás del baile se cuenta de esta manera: "lento-lento", mientras que muchas figuras adicionales se cuentan "lento, rápido y rápido".
Así como los ritmos musicales se definen por un patrón de latidos fuertes y débiles, los movimientos repetitivos del cuerpo a menudo dependen de movimientos musculares alternos "fuertes" y "débiles". Dada esta alternancia de izquierda a derecha, de adelante hacia atrás y de subida y bajada, junto con la simetría bilateral del cuerpo humano, es natural que muchas danzas y mucha música estén en doble y cuádruple metro. Sin embargo, dado que algunos de estos movimientos requieren más tiempo en una fase que en la otra, como el mayor tiempo requerido para levantar un martillo que para golpear, algunos ritmos de baile caen con la misma naturalidad en triple metro. Ocasionalmente, como en las danzas folklóricas de los Balcanes, las tradiciones de danza dependen en gran medida de ritmos más complejos. Promover,
El mismo acto de bailar, los propios pasos, generan un "esqueleto inicial de ritmos rítmicos" que debe haber precedido a cualquier acompañamiento musical por separado, mientras que la danza en sí misma, tanto como la música, requiere tiempo, así como movimientos repetitivos utilitarios como caminar, El acarreo y la excavación adquieren, a medida que se refinan, algo de la calidad de la danza.
Por lo tanto, el acompañamiento musical surgió en la danza más antigua, de modo que los antiguos egipcios atribuyeron el origen de la danza al divino Athotus, del que se decía que la música que acompañaba a los rituales religiosos hacía que los participantes se movieran rítmicamente y que tradujeron estos movimientos en medida proporcional. La misma idea, que la danza surge del ritmo musical, todavía se encuentra en la Europa renacentista en las obras del maestro del baile Guglielmo Ebreo da Pesaro, que habla de la danza como un movimiento físico que surge y expresa hacia adentro, el movimiento espiritual está de acuerdo con las "medidas y concordancias perfectas de armonía "que caen sobre el oído humano, mientras que, antes, Mechthild of Magdeburg, aprovechando la danza como símbolo de la vida santa prefigurada en el dicho de Jesús:" He canalizado y no has bailado ", escribe;
La celebrada orquestación del tratado de baile del siglo XVI de Thoinot Arbeau , de hecho, comienza con definiciones de más de ochenta ritmos distintos de tambores.
Como se ha demostrado anteriormente, la danza ha sido representada a través de las edades como emergente como respuesta a la música, sin embargo, como Lincoln Kirstein explicó, es al menos tan probable que la música primitiva surgió de la danza. Shawn está de acuerdo, declarando que la danza "fue el primer arte de la raza humana y la matriz de la cual crecieron todas las demás artes" y que incluso el "metro en nuestra poesía de hoy es el resultado de los acentos necesarios para el movimiento corporal, como el bailando y recitando se realizaron simultáneamente "- una afirmación algo apoyada por el uso común del término" pie "para describir las unidades rítmicas fundamentales de la poesía.
Scholes, no un bailarín sino un músico, ofrece apoyo para este punto de vista, afirmando que las medidas constantes de la música, de dos, tres o cuatro compases al compás, sus frases iguales y equilibradas, cadencias regulares, contrastes y repeticiones, pueden ser todos atribuido a la influencia "incalculable" de la danza sobre la música.
Émile Jaques-Dalcroze, principalmente músico y profesor, relata cómo un estudio de los movimientos físicos de los pianistas lo llevó "al descubrimiento de que las sensaciones musicales de naturaleza rítmica requieren la respuesta muscular y nerviosa de todo el organismo" para desarrollarse " un entrenamiento especial diseñado para regular las reacciones nerviosas y efectuar una coordinación de músculos y nervios "y, finalmente, para buscar las conexiones entre" el arte de la música y el arte de la danza ", que formuló en su sistema de eurítmicas. Concluyó que "el ritmo musical es solo la transposición al sonido de movimientos y dinamismos que expresan emoción de forma espontánea e involuntaria".
Por lo tanto, aunque sin duda, como afirma Shawn, "es muy posible desarrollar el baile sin música y ... la música es perfectamente capaz de pararse sobre sus propios pies sin la ayuda de la danza", sin embargo, las "dos artes siempre serán relacionado y la relación puede ser rentable tanto para el baile como para la música ", la precedencia de un arte sobre el otro es un punto discutible. Las baladas comunes de himnos y canciones folclóricas toman su nombre de la danza, al igual que el villancico, originalmente una danza circular. Muchas piezas puramente musicales han sido llamadas "vals" o "minuet", por ejemplo, mientras que muchas danzas de concierto se han producido basadas en piezas musicales abstractas, como 2 y 3 partes inventos, Adams Violin Concerto y Andantino. Del mismo modo, los poemas a menudo se estructuran y nombran después de danzas o obras musicales, mientras que la danza y la música han dibujado su concepción de "medida" o "metro" de la poesía.
Shawn cita con aprobación la afirmación de Dalcroze de que, si bien el arte del ritmo musical consiste en diferenciar y combinar tiempos de duración, pausas y acentos "de acuerdo con la ley fisiológica", el de "ritmo plástico" (es decir, danza) "es designar movimiento en espacio, para interpretar los valores de tiempo largos por movimientos lentos y cortos por movimientos rápidos, regular pausas por sus sucesiones de buceadores y expresar acentuaciones sonoras en sus múltiples matices mediante adiciones de peso corporal, por medio de la inervación muscular ".
Sin embargo, Shawn señala que el sistema del tiempo musical es una "cosa artificial hecha por el hombre ... una herramienta manufacturada, mientras que el ritmo es algo que siempre ha existido y no depende del hombre en absoluto", siendo "el tiempo continuo que fluye" que nuestras mentes humanas cortan en unidades convenientes ", sugiriendo que la música podría ser revivificada por un retorno a los valores y la percepción del tiempo de la danza.
La bailarina estadounidense de principios del siglo XX, Helen Moller, afirmó simplemente que "es el ritmo y la forma más que la armonía y el color lo que, desde el principio, ha unido la música, la poesía y el baile en una unión que es indisoluble".
Enfoques para bailar
Baile de concierto
La danza de concierto, como la ópera, generalmente depende de su estructura a gran escala sobre una estructura dramática narrativa. Los movimientos y gestos de la coreografía están destinados principalmente a imitar la personalidad y los objetivos de los personajes y su parte en la trama. Dichos requisitos teatrales tienden hacia movimientos más largos y más libres que los habituales en los estilos de danza no narrativos. Por otro lado, el ballet blanc , desarrollado en el siglo XIX, permite interludios de danza rítmica que se convirtieron en ballets completamente "sin par" en el siglo XX y que permitieron pasos de baile rápidos y rítmicos como los del pequeño allegro . Un ejemplo bien conocido es The Cygnets 'Dance en el segundo acto de El lago de los cisnes .
El ballet se desarrolló a partir de producciones dramáticas cortesanas de Francia e Italia de los siglos XVI y XVII y durante algún tiempo los bailarines interpretaron bailes desarrollados a partir de los familiares del conjunto musical, todos definidos por ritmos definidos estrechamente identificados con cada baile. Estos aparecieron como bailes de personajes en la era del nacionalismo romántico.
El ballet alcanzó una gran popularidad en la época romántica, acompañado por una orquesta más grande y grandes concepciones musicales que no se prestaban fácilmente a la claridad rítmica y por la danza que enfatizaba el mimo dramático. Se necesitaba un concepto más amplio del ritmo, lo que Rudolf Laban denomina el "ritmo y forma" del movimiento que comunica carácter, emoción e intención, mientras que solo ciertas escenas requerían la sincronización exacta del paso y la música esenciales para otros estilos de danza, de modo que para Labán, los europeos modernos parecían totalmente incapaces de captar el significado de "movimientos rítmicos primitivos", una situación que comenzó a cambiar en el siglo XX con producciones como The Rite of Spring de Igor Stravinsky con su nuevo lenguaje rítmico que evoca sentimientos primitivos de un primitivo pasado.
Los estilos de danza clásica india, como el ballet, a menudo tienen una forma dramática, de modo que existe una complementariedad similar entre la expresión narrativa y la danza "pura". En este caso, sin embargo, los dos se definen por separado, aunque no siempre se realizan por separado. Los elementos rítmicos, que son abstractos y técnicos, se conocen como nritta . Sin embargo, tanto esto como la danza expresiva (nritya) están estrechamente vinculados al sistema rítmico ( tala ). Los maestros han adaptado el sistema mnemónico rítmico hablado llamado bol a las necesidades de los bailarines.
Los estilos de teatro de danza clásica japonesa, como Kabuki y Noh, como el drama indio de danza, distinguen entre producciones de danza narrativa y abstracta. Las tres categorías principales de kabuki son jidaimono (histórico), sewamono (doméstico) y shosagoto (piezas de baile). De manera similar, Noh distingue entre Geki Noh , basado en el avance de la trama y la narración de acción, y Furyū Noh , piezas de baile que involucran acrobacias, propiedades escénicas, personajes múltiples y elaborada acción escénica.
Danza participativa y social
Las danzas sociales, aquellas destinadas a la participación más que a un público, pueden incluir diversas formas de mímica y narrativa, pero típicamente se ajustan mucho más al patrón rítmico de la música, por lo que términos como vals y polca se refieren tanto a piezas musicales como al baile en sí. El ritmo de los pies de los bailarines puede incluso formar una parte esencial de la música, como en el claqué. La danza africana, por ejemplo, tiene sus raíces en pasos básicos fijos, pero también puede permitir un alto grado de interpretación rítmica: los pies o el tronco marcan el pulso básico mientras los ritmos cruzados son recogidos por los hombros, las rodillas o la cabeza, con el las mejores bailarinas dan simultáneamente expresión plástica a todos los elementos del patrón polirrítmico.
Tradiciones culturales
África
"Kuduro" (danza angoleña)
La danza en África está profundamente integrada en la sociedad y los principales eventos en una comunidad se reflejan con frecuencia en los bailes: los bailes se realizan para nacimientos y funerales, bodas y guerras. Las danzas tradicionales imparten moral cultural, incluidas las tradiciones religiosas y las normas sexuales; dar rienda suelta a las emociones reprimidas, como el dolor; motivar a los miembros de la comunidad a cooperar, ya sea combatiendo guerras o moliendo grano; promulgar rituales espirituales; y contribuir a la cohesión social.
Miles de danzas se realizan en todo el continente. Estos pueden dividirse en estilos tradicionales, neotradicionales y clásicos: danzas folclóricas de una sociedad en particular, danzas creadas más recientemente en imitación de estilos tradicionales y danzas transmitidas de manera más formal en las escuelas o clases privadas. La danza africana ha sido alterada por muchas fuerzas, como los misioneros europeos y los gobiernos colonialistas, que a menudo reprimían las tradiciones locales de baile como licenciosas o que distraían. La danza en las culturas africanas contemporáneas todavía cumple sus funciones tradicionales en nuevos contextos; la danza puede celebrar la inauguración de un hospital, construir una comunidad para inmigrantes rurales en ciudades desconocidas, y ser incorporado a las ceremonias de la iglesia cristiana.
Asia
Todas las danzas clásicas indias tienen, en diversos grados, raíces en el Natyashastra y, por lo tanto, comparten características comunes: por ejemplo, los mudra (posiciones de las manos), algunas posiciones corporales y la inclusión de la actuación dramática o expresiva o abhinaya. La música clásica india proporciona acompañamiento y los bailarines de casi todos los estilos llevan campanas alrededor de los tobillos para contrapuntear y complementar la percusión.
En la actualidad hay muchas variedades regionales de danza clásica india. Danzas como "Odra Magadhi" , que después de décadas de debate, se remonta a la forma actual de baile de Odissi (Orissi) de Mithila, región de Odisha, indican la influencia de las danzas en las interacciones culturales entre las diferentes regiones.
El área de Punjab que se superpone a India y Pakistán es el lugar de origen de Bhangra. Es ampliamente conocido como un estilo de música y un baile. Se relaciona principalmente con celebraciones de cosecha antiguas, amor, patriotismo o problemas sociales. Su música está coordinada por un instrumento musical llamado 'Dhol'. Bhangra no es solo música sino también un baile, una celebración de la cosecha en la que la gente golpea el dhol (tambor), canta Boliyaan (letras) y baila. Se desarrolló aún más con el festival Vaisakhi de los Sikhs.
Las danzas de Sri Lanka incluyen las danzas del diablo ( yakun natima ), un ritual cuidadosamente elaborado que se remonta al pasado prebudista de Sri Lanka y que combina los conceptos antiguos "ayurvédicos" de la causalidad con la manipulación psicológica y combina muchos aspectos incluyendo la cosmología cingalesa. Su influencia se puede ver en las danzas clásicas de Sri Lanka.
Las danzas de Oriente Medio suelen ser las formas tradicionales de danza circular que se modernizan en cierta medida. Incluyen dabke, tamzara, danza folclórica asiria, danza kurda, danza armenia y danza turca, entre otros. Todas estas formas de danzas normalmente involucrarían a los participantes entre sí tomándose de las manos o los brazos (dependiendo del estilo de la danza). Hacían movimientos rítmicos con sus piernas y hombros mientras se curvaban alrededor de la pista de baile. El jefe del baile generalmente sostenía un bastón o un pañuelo.
Europa y América del Norte
Las danzas folclóricas varían en toda Europa y pueden remontarse a cientos o miles de años, pero muchas tienen características en común, como la participación grupal liderada por una persona que llama, la celebración o la vinculación entre participantes, y formas musicales fijas conocidas como caroles. Algunos, como el baile de mayo, son comunes a muchas naciones, mientras que otros, como el céilidh y la polka, están profundamente arraigados en una sola cultura. Algunas danzas folclóricas europeas como la danza cuadrada fueron llevadas al Nuevo Mundo y posteriormente se convirtieron en parte de la cultura estadounidense.
El ballet se desarrolló primero en Italia y luego en Francia a partir de lujosos espectáculos de corte que combinaban música, drama, poesía, canciones, disfraces y danza. Los miembros de la nobleza cortesana participaron como artistas. Durante el reinado de Luis XIV, él mismo un bailarín, la danza se volvió más codificada. Los bailarines profesionales comenzaron a tomar el lugar de los aficionados a la corte, y los maestros de ballet obtuvieron la licencia del gobierno francés. La primera academia de baile de ballet fue la Académie Royale de Danse (Royal Dance Academy), inaugurada en París en 1661. Poco después, se formó la primera compañía de ballet institucionalizada, asociada con la Academia; esta compañía comenzó como un conjunto completamente masculino, pero en 1681 se abrió para incluir a las mujeres también.
La danza de concierto del siglo XX trajo una explosión de innovación en el estilo de baile que se caracteriza por una exploración de la técnica más libre. Los primeros pioneros de lo que se conoció como danza moderna incluyen a Loie Fuller, Isadora Duncan, Mary Wigman y Ruth St. Denis. La relación de la música con la danza sirve de base para Eurhythmics, ideado por Emile Jaques-Dalcroze, que influyó en el desarrollo de la danza moderna y el ballet moderno a través de artistas como Marie Rambert. Eurythmy, desarrollado por Rudolf Steiner y Marie Steiner-von Sivers, combina elementos formales que recuerdan a la danza tradicional con el nuevo estilo más libre e introdujo un vocabulario nuevo y complejo para bailar. En la década de 1920, importantes fundadores del nuevo estilo como Martha Graham y Doris Humphrey comenzaron a trabajar. Desde esta vez, se ha desarrollado una gran variedad de estilos de baile;
La danza afroamericana se desarrolló en espacios cotidianos, en lugar de en estudios de danza, escuelas o empresas. Tap dance, disco, jazz dance, swing dance, hip hop dance, lindy hop con su relación con rock and roll y rock and roll han tenido una influencia global. Los estilos de baile que fusionan la técnica del ballet clásico con la danza afroamericana también han aparecido en el siglo XXI, incluida Hiplet.
America latina
La danza es central en la vida y cultura social de América Latina. La samba brasileña, el tango argentino y la salsa cubana son danzas asociadas internacionalmente populares, y otras danzas nacionales -merengue, cueca, plena, jarabe, joropo, marinera, cumbia y otras- son componentes importantes de las culturas de sus respectivos países. Festivales tradicionales de carnaval incorpora estos y otros bailes en enormes celebraciones.
La danza ha jugado un papel importante en forjar una identidad colectiva entre los muchos grupos culturales y étnicos de América Latina. La danza sirvió para unir a muchos pueblos africanos, europeos e indígenas de la región. Ciertos géneros de baile, como la capoeira y los movimientos corporales, especialmente la característica quebrada o el columpio de la pelvis, han sido diversamente prohibidos y celebrados en toda la historia de América Latina.
Estados Unidos
Hip Hop se originó en Nueva York, específicamente en el área conocida como el Bronx. Fue creado para aquellos que lucharon en la sociedad y no parecían tener voz en la comunidad que los rodeaba debido a su falta de riqueza. Ayudó a quienes se encuentran en la misma situación a reunirse y hablar sobre temas difíciles mediante el uso de movimiento y sentimiento.
Educación de baile
Los estudios de danza se ofrecen a través de los programas de artes y humanidades de muchas instituciones de educación superior. Algunas universidades ofrecen Licenciatura en Artes y grados académicos superiores en Danza. Un currículo de estudio de danza puede abarcar una amplia gama de cursos y temas, que incluyen la práctica de danza y el rendimiento, coreografía, etnocoreología, kinesiología, notación de danza y terapia de baile.
Ocupaciones
Los bailarines profesionales generalmente se emplean en un contrato o para representaciones o producciones particulares. La vida profesional de un bailarín generalmente es una situación de trabajo constantemente cambiante, fuerte presión competitiva y bajo salario. En consecuencia, los bailarines profesionales a menudo deben complementar sus ingresos para lograr la estabilidad financiera. En los Estados Unidos, muchos bailarines profesionales pertenecen a sindicatos (como el Gremio Estadounidense de Artistas Musicales, Screen Actors Guild y Actors 'Equity Association) que establecen condiciones de trabajo y salarios mínimos para sus miembros. Los bailarines profesionales deben poseer grandes cantidades de atletismo. Para llevar una carrera exitosa, es ventajoso ser versátil en muchos estilos de baile, tener una sólida formación técnica y utilizar otras formas de entrenamiento físico para mantenerse en forma y saludable.
Los maestros de danza generalmente se enfocan en enseñar el desempeño de la danza o entrenar bailarines competitivos, o ambos. Por lo general, tienen experiencia en el desempeño en los tipos de baile que enseñan o entrenan. Por ejemplo, los profesores y entrenadores de danncesport suelen ser bailarines de torneos o ex bailarines de dancesport. Los profesores de danza pueden ser autónomos o empleados de escuelas de baile o instituciones de educación general con programas de baile. Algunos trabajan para programas universitarios u otras escuelas que están asociadas con la danza clásica profesional (por ejemplo, ballet) o compañías de danza moderna. Otros son empleados de escuelas de baile privadas más pequeñas que ofrecen entrenamiento de baile y entrenamiento de actuación para varios tipos de baile.
Los coreógrafos a menudo tienen formación universitaria y suelen trabajar para proyectos particulares o, más raramente, pueden trabajar bajo contrato como coreógrafo residente de una compañía de danza específica.
Competiciones
Una competencia de baile es un evento organizado en el que los concursantes realizan bailes ante un juez o jueces para obtener premios y, en algunos casos, premios monetarios. Hay varios tipos principales de competiciones de baile, que se distinguen principalmente por el estilo o los estilos de danzas interpretados. Los principales tipos de competiciones de baile incluyen:
- Baile competitivo , en el que se permite una variedad de estilos de danza teatral, como acro, ballet, jazz, hip-hop, lírica y tap.
- Concursos abiertos , que permiten una gran variedad de estilos de baile. Un ejemplo de esto es el programa de televisión So You Think You Can Dance .
- Dancesport , que se centra exclusivamente en el baile de salón y el baile latino. Ejemplos de esto son los programas de televisión Dancing with the Stars y Strictly Come Dancing .
- Concursos de estilo único , tales como; Highland Dance, Dance Team y Irish Dance, que solo permiten un estilo de baile único.
Además, hay numerosos concursos de danza que se presentan en televisión y otros medios de comunicación.
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