Música clásica
Definición
La música clásica es música artística producida o enraizada en las tradiciones de la cultura occidental, que incluye música litúrgica (religiosa) y secular. Mientras que un término más preciso también se utiliza para referirse al período comprendido entre 1750 y 1820 (el período clásico), este artículo trata sobre el amplio lapso de tiempo desde antes del siglo VI aC hasta la actualidad, que incluye el período clásico y varios otros períodos Las normas centrales de esta tradición se codificaron entre 1550 y 1900, lo que se conoce como el período de práctica común. Las principales divisiones de tiempo de la música de arte occidental son las siguientes:
- el período de la música antigua, antes de 500 DC
- el período de la música antigua, que incluye
- el Medieval (500-1400) incluyendo
- el ars antiqua (1170-1310)
- el ars nova (1310-1377)
- el ars subtilior (1360-1420)
- el Renacimiento (1400-1600) eras.
- Barroco (1600-1750)
- el período de la música galant (1720s-1770s)
- el Medieval (500-1400) incluyendo
- el período de práctica común, que incluye
- Barroco (1600-1750)
- el período de la música galant (1720s-1770s)
- Clásico (1750-1820)
- Eras románticas (c.1780-1910)
- los siglos 20 y 21 (1901-presente) que incluye:
- el moderno (1890-1930) que se superpone desde finales del siglo XIX,
- impresionismo (1875 o 1890-1925) que también se superpone desde finales del siglo XIX
- neoclasicismo (1920-1950), predominantemente en el período de entreguerras
- el alto moderno (1930-presente)
- las eras postmodernas (1930-presente)
- el experimental (1950-presente)
- contemporáneo (1945 o 1975-presente)
La música artística europea se distingue en gran medida de muchas otras formas musicales no europeas clásicas y algunas populares por su sistema de notación del personal, en uso desde aproximadamente el siglo XI. Los monjes católicos desarrollaron las primeras formas de notación musical europea moderna para estandarizar la liturgia en toda la Iglesia mundial. Los compositores utilizan la notación del pentagrama occidental para indicar al intérprete los tonos (que forman las melodías, las líneas de bajo y los acordes), el tempo, el compás y los ritmos de una pieza de música. Esto puede dejar menos espacio para prácticas como la improvisación y ad libitum ornamentación, que se escuchan con frecuencia en la música de arte no europea y en los estilos de música popular como el jazz y el blues. Otra diferencia es que mientras que los estilos más populares adoptan la forma de canción (estrófica) o una derivación de esta forma, la música clásica se ha destacado por su desarrollo de formas altamente sofisticadas de música instrumental como la sinfonía, el concierto, la fuga, la sonata y la música mixta. estilos vocales e instrumentales como ópera, cantata y misa.
El término "música clásica" no apareció hasta principios del siglo XIX, en un intento de canonizar claramente el período de Johann Sebastian Bach a Ludwig van Beethoven como una edad de oro. La referencia más antigua a "música clásica" registrada por el Oxford English Dictionary es de alrededor de 1829.
Características
Dada la amplia gama de estilos en la música clásica europea, desde el canto llano medieval cantada por monjes hasta las sinfonías clásicas y románticas para orquesta de los años 1700 y 1800 hasta composiciones atonales de vanguardia para piano solo del siglo XX, es difícil enumerar las características que pueden ser atribuido a todos los trabajos de ese tipo. Sin embargo, hay características que contiene la música clásica que pocos o ningún otro género de música contienen, como el uso de la notación musical y la interpretación de formas complejas de obras instrumentales solistas (por ejemplo, la fuga). Además, aunque la sinfonía no existía antes de finales del siglo XVIII, el conjunto sinfónico -y las obras escritas para él- se han convertido en una característica definitoria de la música clásica.
Literatura
La característica clave de la música clásica europea que la distingue de la música popular y la música popular es que el repertorio tiende a escribirse en notación musical, creando una parte musical o partitura. Este puntaje típicamente determina detalles de ritmo, tono y, cuando dos o más músicos (ya sean cantantes o instrumentistas) están involucrados, cómo se coordinan las diversas partes. La calidad escrita de la música ha permitido un alto nivel de complejidad dentro de ellos: las fugas, por ejemplo, logran un matrimonio notable de líneas melódicas audazmente distintivas que se entrelazan en contrapunto y crean una lógica armónica coherente que sería difícil de lograr en el calor de la vida improvisación. El uso de la notación escrita también conserva un registro de las obras y permite a los músicos clásicos interpretar música de hace muchos siglos.
Dicho eso, el puntaje le permite al intérprete tomar decisiones sobre cómo realizar un trabajo histórico. Por ejemplo, si el tempo se escribe con una instrucción italiana (por ej., Allegro), no se sabe exactamente qué tan rápido debe reproducirse la pieza. Además, en la época del Barroco, muchas obras que fueron diseñadas para el acompañamiento de bajo continuo no especifican qué instrumentos deben tocar el acompañamiento o exactamente cómo deben tocar los acordes los acordes (clave, laúd, etc.), que no están anotados en la parte (solo un símbolo de bajo figurado en la parte de bajo se usa para guiar al ejecutante de acordes). El intérprete y el conductor tienen una gama de opciones para la expresión musical y la interpretación de una pieza puntuada, incluyendo el fraseo de las melodías, el tiempo tomado durante las fermatas (notas sostenidas) o pausas,
Aunque la música clásica en la década de 2000 ha perdido la mayor parte de su tradición de improvisación musical, desde la época del Barroco hasta la época romántica, hay ejemplos de artistas que podrían improvisar en el estilo de su época. En la época del Barroco, los intérpretes de órgano improvisaban preludios, los intérpretes de teclados tocando el clavecín improvisaban acordes de los símbolos de bajo figurados debajo de las notas de bajo de la parte de bajo continuo y los intérpretes vocales e instrumentales improvisaban adornos musicales. Johann Sebastian Bach fue particularmente conocido por sus complejas improvisaciones. Durante la época clásica, el compositor y ejecutante Mozart se destacó por su capacidad de improvisar melodías en diferentes estilos. Durante la época clásica, algunos solistas virtuosos improvisaban las secciones de cadenza de un concierto. Durante la era romántica, Beethoven improvisaría al piano. Para obtener más información, vea Improvisación.
Instrumentación y prácticas vocales
Los instrumentos actualmente utilizados en la mayoría de la música clásica se inventaron en gran parte antes de mediados del siglo XIX (a menudo mucho antes) y se sistematizaron en los siglos XVIII y XIX. Consisten en los instrumentos que se encuentran en una orquesta o en una banda de concierto, junto con varios otros instrumentos solistas (como el piano, el clavicémbalo y el órgano). La orquesta sinfónica es el medio más conocido para la música clásica e incluye miembros de las familias de cuerdas, instrumentos de viento de madera, metales y percusión. La banda de conciertos está compuesta por miembros de las familias de instrumentos de viento, metal y percusión. Generalmente tiene una mayor variedad y cantidad de instrumentos de viento y metal que la orquesta, pero no tiene una sección de cuerda. Sin embargo, muchas bandas de conciertos usan un contrabajo. Las prácticas vocales cambiaron durante el período clásico,
Música medieval
Muchos de los instrumentos utilizados para interpretar música medieval todavía existen, pero en diferentes formas. Los instrumentos medievales incluían la flauta, la grabadora y los instrumentos de cuerda desplumados como el laúd. Además, existían versiones tempranas del órgano y el violín (o violín). Los instrumentos medievales en Europa solían usarse solos, a menudo acompañados de una nota de drones, u ocasionalmente en partes. Desde por lo menos desde el siglo XIII hasta el siglo XV, hubo una división de instrumentos en haut ( instrumentos estridentes, chillones, al aire libre) y bajo (instrumentos más tranquilos, más íntimos). Durante el período medieval anterior, la música vocal del género litúrgico, predominantemente el canto gregoriano, era monofónica, utilizando una única línea de melodía vocal no acompañada. Los géneros vocales polifónicos, que utilizaron múltiples melodías vocales independientes, comenzaron a desarrollarse durante la alta época medieval, prevaleciendo a finales del siglo XIII y principios del XIV.
Música renacentista
Muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento; otros eran variaciones o mejoras en los instrumentos que existían anteriormente. Algunos han sobrevivido hasta el día de hoy; otros han desaparecido, solo para volver a crearse con el fin de realizar música en instrumentos de época. Como en la actualidad, los instrumentos se pueden clasificar como latón, cuerdas, percusión y viento de madera. Instrumentos de bronce en el Renacimiento fueron tradicionalmente interpretados por profesionales que eran miembros de Gremios e incluyeron la trompeta de diapositivas, la corneta de madera, la trompeta sin válvulas y el saco. Los instrumentos de cuerda incluían la viola, el rebec, la lira con forma de arpa, la zanfona, el laúd, la guitarra, el cittern, la bandora y el orpharion. Los instrumentos de teclado con cuerdas incluyen el clavecín y las virginales. Los instrumentos de percusión incluyen el triángulo, el arpa del judío, la pandereta, las campanas, la olla ruidosa y varios tipos de tambores. Los instrumentos de instrumentos de viento de madera incluyeron la doble túnica de caña, la caña de junco, la gaita, la flauta travesera, la grabadora, la dulciana y el crumhorn. La música vocal en el Renacimiento se caracteriza por el florecimiento de un estilo polifónico cada vez más elaborado. Las principales formas litúrgicas que perduraron a lo largo de todo el Renacimiento fueron las masas y los motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas seculares (como el madrigal) para sus propios diseños. Hacia el final del período, se ven los primeros precursores dramáticos de la ópera como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio. Alrededor de 1597, el compositor italiano Jacopo Peri escribió y varios tipos de tambores. Los instrumentos de instrumentos de viento de madera incluyeron la doble túnica de caña, la caña de junco, la gaita, la flauta travesera, la grabadora, la dulciana y el crumhorn. La música vocal en el Renacimiento se caracteriza por el florecimiento de un estilo polifónico cada vez más elaborado. Las principales formas litúrgicas que perduraron a lo largo de todo el Renacimiento fueron las masas y los motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas seculares (como el madrigal) para sus propios diseños. Hacia el final del período, se ven los primeros precursores dramáticos de la ópera como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio. Alrededor de 1597, el compositor italiano Jacopo Peri escribió y varios tipos de tambores. Los instrumentos de instrumentos de viento de madera incluyeron la doble túnica de caña, la caña de junco, la gaita, la flauta travesera, la grabadora, la dulciana y el crumhorn. La música vocal en el Renacimiento se caracteriza por el florecimiento de un estilo polifónico cada vez más elaborado. Las principales formas litúrgicas que perduraron a lo largo de todo el Renacimiento fueron las masas y los motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas seculares (como el madrigal) para sus propios diseños. Hacia el final del período, se ven los primeros precursores dramáticos de la ópera como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio. Alrededor de 1597, el compositor italiano Jacopo Peri escribió la flauta transversal, la grabadora, la dulciana y la crumhorn. La música vocal en el Renacimiento se caracteriza por el florecimiento de un estilo polifónico cada vez más elaborado. Las principales formas litúrgicas que perduraron a lo largo de todo el Renacimiento fueron las masas y los motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas seculares (como el madrigal) para sus propios diseños. Hacia el final del período, se ven los primeros precursores dramáticos de la ópera como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio. Alrededor de 1597, el compositor italiano Jacopo Peri escribió la flauta transversal, la grabadora, la dulciana y la crumhorn. La música vocal en el Renacimiento se caracteriza por el florecimiento de un estilo polifónico cada vez más elaborado. Las principales formas litúrgicas que perduraron a lo largo de todo el Renacimiento fueron las masas y los motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas seculares (como el madrigal) para sus propios diseños. Hacia el final del período, se ven los primeros precursores dramáticos de la ópera como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio. Alrededor de 1597, el compositor italiano Jacopo Peri escribió Las principales formas litúrgicas que perduraron a lo largo de todo el Renacimiento fueron las masas y los motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas seculares (como el madrigal) para sus propios diseños. Hacia el final del período, se ven los primeros precursores dramáticos de la ópera como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio. Alrededor de 1597, el compositor italiano Jacopo Peri escribió Las principales formas litúrgicas que perduraron a lo largo de todo el Renacimiento fueron las masas y los motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas seculares (como el madrigal) para sus propios diseños. Hacia el final del período, se ven los primeros precursores dramáticos de la ópera como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio. Alrededor de 1597, el compositor italiano Jacopo Peri escribió Dafne , el primer trabajo que se llama una ópera hoy. También compuso Euridice, la primera ópera que ha sobrevivido hasta nuestros días.
Música barroca
Los instrumentos barrocos incluyen algunos instrumentos de los períodos anteriores (por ejemplo, la zanfona y el registrador) y una serie de instrumentos nuevos (por ejemplo, el oboe, el fagot, el chelo, el contrabajo y el fortepiano). Algunos instrumentos de eras anteriores cayeron en desuso, como el shawm y la corneta de madera. Los principales instrumentos barrocos para cuerdas incluían violín, viola, viola d'amore, violonchelo, contrabajo, laúd, theorbo (que a menudo tocaba las partes de bajo continuo), mandolina, cittern, guitarra barroca, arpa y zanfona. Los instrumentos de viento de madera incluyen la flauta barroca, el oboe barroco, el rackett, el grabador y el fagot. Los instrumentos de latón incluían la corneta, el cuerno natural, la trompeta barroca, la serpiente y el trombón. Los instrumentos de teclado incluían el clavicordio, el clavicémbalo, el órgano de tubos y, más tarde en el período, el fortepiano (una versión temprana del piano).
Una diferencia importante entre la música barroca y la época clásica que siguió es que los tipos de instrumentos utilizados en los conjuntos barrocos estaban mucho menos estandarizados. Mientras que un cuarteto de cuerda de época clásica consiste casi exclusivamente en dos violines, una viola y un violonchelo, un grupo de la época barroca o clásica que acompaña a un solista u ópera podría incluir uno de varios tipos diferentes de instrumentos de teclado (p. Ej. Órgano de tubos, clavicémbalo o clavicordio) ), instrumentos de cordal de cuerda adicionales (por ejemplo, un laúd) y un número no especificado de instrumentos de bajo que ejecutan el bajo continuo, incluyendo cuerdas arqueadas, instrumentos de viento e instrumentos de metal (por ejemplo, violonchelo, contrabajo, viola, fagot, serpiente, etc.).
Los desarrollos vocales en la época del Barroco incluyeron el desarrollo de tipos de óperas como la ópera seria y la opéra comique, y formas relacionadas como oratorios y cantatas.
Música clásica
El término "música clásica" tiene dos significados: el significado más amplio incluye toda la música de arte occidental desde la era medieval hasta la década de 2000, y el significado específico se refiere a la música artística desde la década de 1750 hasta principios de la década de 1820: Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven. Esta sección es sobre el significado más específico. Los músicos de la era clásica continuaron utilizando muchos instrumentos de la época barroca, como el chelo, el contrabajo, el grabador, el trombón, el timbal, el fortepiano (el precursor del piano moderno) y el órgano. Mientras que algunos instrumentos barrocos cayeron en desuso (por ejemplo, Theorbo y Rackett), muchos instrumentos barrocos se cambiaron a las versiones que todavía están en uso hoy en día, como el violín barroco (que se convirtió en el violín), el oboe barroco (que se convirtió en el oboe) y la trompeta barroca, que pasó a la trompeta con válvula regular. Durante la era clásica, los instrumentos de cuerda utilizados en orquesta y música de cámara, como cuartetos de cuerda, se estandarizaron como los cuatro instrumentos que forman la sección de cuerda de la orquesta: el violín, la viola, el violonchelo y el contrabajo. Los instrumentos de cuerda de la época barroca, como las violas arqueadas y con trastes, fueron eliminados progresivamente. Los instrumentos de viento de madera incluyeron el basset clarinet, basset horn, clarinette d'amour, el clarinete clásico, el chalumeau, la flauta, el oboe y el fagot. Los instrumentos de teclado incluyen el clavicordio y el fortepiano. Mientras que el clavicémbalo todavía se usaba en el acompañamiento de bajo continuo en las décadas de 1750 y 1760, dejó de usarse a finales de siglo. Instrumentos de latón incluyen el buccin, el ophicleide (un reemplazo para la serpiente bajo,
Musica romantica
En la época romántica, el piano moderno, con un tono más potente y sostenido y una gama más amplia sustituyó al fortepiano de sonido más delicado. En la orquesta, se conservaron los instrumentos y secciones clásicas existentes (sección de cuerda, instrumentos de viento de madera, metales y percusión), pero estas secciones se expandieron normalmente para obtener un sonido más completo y más grande. Por ejemplo, mientras que una orquesta barroca puede haber tenido dos contrabajistas, una orquesta romántica podría tener hasta diez. "A medida que la música se volvió más expresiva, la paleta orquestal estándar simplemente no era lo suficientemente rica para muchos compositores románticos". Se agregaron nuevos instrumentos de viento de madera, como contrabassoon, clarinete bajo y piccolo y se agregaron nuevos instrumentos de percusión, incluidos xilófonos, tambores, celestas (un instrumento de teclado con forma de campana), campanas y triángulos, grandes arpas de orquesta e incluso máquinas de viento para efectos de sonido. Los saxofones aparecen en algunos puntajes desde finales del siglo XIX en adelante. Aunque aparece solo como instrumentos solistas destacados en algunas obras, por ejemplo, la orquestación de Maurice Ravel de Modest Mussorgsky's Pictures at a Exhibition y Sergey Rachmaninoff's Symphonic Dances , el saxofón se incluye en otras obras, como Ravel's Boléro , Sergei Prokofiev Romeo y Juliet Suites 1 y 2 y muchas otras obras como miembro del conjunto orquestal. El bombardino aparece en algunas obras románticas tardías y del siglo XX, por lo general tocando partes marcadas como "tenor tuba", incluidos Los planetas , de Gustav Holst , y Ein Heldenleben , de Richard Strauss .
La tuba Wagner, un miembro modificado de la familia del cuerno, aparece en el ciclo Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner y en varios otros trabajos de Strauss, Béla Bartók y otros; tiene un papel destacado en la Sinfonía n.º 7 de Anton Bruckner en mi mayor. Cornetas aparecen en el ballet de Piotr Ilich Tchaikovsky lago de los cisnes , de Claude Debussy La mer , y varias obras orquestales de Hector Berlioz. A menos que estos instrumentos sean reproducidos por miembros que se doblan en otro instrumento (por ejemplo, un trombonista cambia a euphonium para un cierto pasaje), las orquestas usarán músicos independientes para aumentar sus listas regulares.
Música modernista
El modernismo en la música es una postura filosófica y estética subyacente al período de cambio y desarrollo en el lenguaje musical que ocurrió entre 1890 y 1930, un período de reacciones diversas en desafiantes y reinterpretaciones de categorías anteriores de música, innovaciones que conducen a nuevas formas de organización y acercamiento aspectos armónicos, melódicos, sónicos y rítmicos de la música, y cambios en las cosmovisiones estéticas en estrecha relación con el período identificador más amplio del modernismo en las artes de la época. La palabra operativa más asociada a ella es "innovación". Su característica principal es una "pluralidad lingüística", lo que quiere decir que ningún género musical asumió una posición dominante.
Música clásica contemporánea
La música clásica contemporánea es el período que adquirió importancia a mediados de la década de 1970. Incluye diferentes variaciones de la música modernista, posmoderna, neorromántica y pluralista. Sin embargo, el término también se puede emplear en un sentido más amplio para referirse a todas las formas musicales posteriores a 1945.
Música posmoderna
La música posmoderna es un período de la música que comenzó alrededor de 1930. Comparte características con el arte posmoderno, es decir, el arte que viene después y reacciona contra el modernismo.
Instrumentación post-posmoderna
Muchos instrumentos que en los años 2010 están asociados con la música popular desempeñaron papeles importantes en la música antigua, como gaitas, theorbos, vihuelas, hurdy-gurdies (instrumentos de cuerda con manivela), acordeones, alphorns, hydraulises, calliopes, sistrums, y algunos instrumentos de viento de madera instrumentos como silbatos de hojalata, panpipes, shawms y crumhorns. Por otro lado, instrumentos como la guitarra acústica, una vez asociados principalmente con la música popular, ganaron prominencia en la música clásica en los siglos XIX y XX en la forma de la guitarra clásica y el banjo. Mientras que el temperamento igual fue gradualmente aceptado como el temperamento musical dominante durante el siglo XIX, los diferentes temperamentos históricos se usan a menudo para la música de periodos anteriores. Por ejemplo, la música del Renacimiento inglés a menudo se interpreta con el temperamento de un medio. También,
Actuación
Se dice que los artistas intérpretes o ejecutantes que han estudiado música clásica extensivamente están "entrenados de manera clásica". Esta capacitación puede provenir de lecciones privadas de maestros de instrumento o voz o de la finalización de un programa formal ofrecido por un Conservatorio, colegio o universidad, como un Bachelor of Music o Master of Musicdegree (que incluye lecciones individuales de profesores). En la música clásica, "... se requiere una educación y formación musical formal extensiva, a menudo para el nivel de postgrado [Máster]".
El rendimiento del repertorio de música clásica requiere un dominio de la lectura a la vista y la ejecución de conjuntos, principios armónicos, entrenamiento fuerte del oído (para corregir y ajustar los tonos de oído), conocimiento de la práctica de ejecución (por ejemplo, ornamentación barroca) y familiaridad con el estilo / lenguaje musical esperado para un compositor dado o trabajo musical (por ejemplo, una sinfonía de Brahms o un concierto de Mozart).
Algunos músicos de géneros "populares" han tenido una importante formación clásica, como Billy Joel, Elton John, los hermanos Van Halen, Randy Rhoads, Ritchie Blackmore y los miembros de Dream Theater. Además, el entrenamiento formal no es exclusivo del género clásico. Muchos músicos de rock y pop han completado grados en programas de música comercial como los ofrecidos por el Berklee College of Music y muchos músicos de jazz han completado grados en música de universidades con programas de jazz, como Manhattan School of Music y McGill University.
Género de los artistas intérpretes
Históricamente, las principales orquestas profesionales se han compuesto, en su mayoría o en su totalidad, de músicos que son hombres. Algunos de los primeros casos de mujeres contratadas en orquestas profesionales estaban en la posición de arpista. La Filarmónica de Viena, por ejemplo, no aceptó a mujeres como miembros permanentes hasta 1997, mucho más tarde que las otras orquestas clasificadas entre las cinco mejores del mundo por Gramophone en 2008. La última gran orquesta en nombrar a una mujer para un puesto permanente fue la Filarmónica de Berlín . Todavía en febrero de 1996, la flauta principal de la Filarmónica de Viena, Dieter Flury, le dijo a Westdeutscher Rundfunk que aceptar mujeres sería "jugar con la unidad emocional" ( emotionelle Geschlossenheit)) que este organismo tiene actualmente ". En abril de 1996, el secretario de prensa de la orquesta escribió que" compensar las ausencias esperadas "de la licencia de maternidad sería un problema.
En 1997, la Filarmónica de Viena estaba "enfrentando protestas durante una gira [en Estados Unidos]" por la Organización Nacional de Mujeres y la Alianza Internacional para Mujeres en la Música. Finalmente, "después de ser ridiculizados incluso en la Austria socialmente conservadora, los miembros de la orquesta se reunieron [el 28 de febrero de 1997] en una reunión extraordinaria en la víspera de su partida y aceptaron admitir a una mujer, Anna Lelkes, como arpista. " A partir de 2013, la orquesta tiene seis miembros femeninos; una de ellas, la violinista Albena Danailova se convirtió en una de las concertistas de la orquesta en 2008, la primera mujer en ocupar ese puesto. En 2012, las mujeres todavía constituían solo el 6% de la membresía de la orquesta. El presidente de VPO, Clemens Hellsberg, dijo que la VPO ahora usa audiciones a ciegas completamente seleccionadas.
En 2013, un artículo en Mother Jones declaró que, si bien "[m] orchestrats prestigiosas tienen una importante membresía femenina -mujeres superan a los hombres en la sección de violín de la Filarmónica de Nueva York- y varios conjuntos de renombre, incluyendo la Orquesta Sinfónica Nacional, la Sinfónica de Detroit y la Sinfonía de Minnesota, dirigida por mujeres violinistas ", el contrabajo, el latón y las secciones de percusión de las principales orquestas" ... siguen siendo predominantemente masculinos ". Un artículo de la BBC de 2014 afirmó que la "... introducción de audiciones 'a ciegas', donde un posible instrumentista actúa detrás de una pantalla para que el jurado no pueda ejercer prejuicios raciales o de género, ha visto el equilibrio de género de la sinfonía tradicionalmente dominada por los hombres las orquestas cambian gradualmente ".
Complejidad
Las obras de repertorio clásico a menudo presentan complejidad en el uso de orquestación, contrapunto, armonía, desarrollo musical, ritmo, fraseo, textura y forma. Mientras que los estilos más populares generalmente se escriben en forma de canción, la música clásica se caracteriza por el desarrollo de formas musicales instrumentales altamente sofisticadas, como el concierto, la sinfonía y la sonata. La música clásica también se destaca por el uso de formas vocales / instrumentales sofisticadas, como la ópera. En ópera, solistas vocales y coros realizan obras dramáticas escenificadas con una orquesta que brinda acompañamiento. Las obras instrumentales más largas a menudo se dividen en piezas independientes, llamadas movimientos, a menudo con caracteres o estados de ánimo contrastantes. Por ejemplo, las sinfonías escritas durante el período clásico generalmente se dividen en cuatro movimientos: (1) un Allegro de apertura en forma de sonata, (2) un movimiento lento, (3) un minueto o scherzo (en un compás triple, como 3/4) y (4) un Allegro final. Estos movimientos pueden dividirse en una jerarquía de unidades más pequeñas: primeras secciones, luego períodos y finalmente frases.
Historia
Las principales divisiones temporales de la música clásica hasta 1900 son el período de la música antigua, que incluye épocas medievales (500-1400) y renacentistas (1400-1600), y el período de práctica común, que incluye el Barroco (1600-1750), el clásico (1750-1820) y romántico (1810-1910) eras. Desde 1900, los períodos clásicos se han contado más por el siglo civil que por movimientos estilísticos particulares que se han fragmentado y son difíciles de definir. El período del calendario del siglo XX (1901-2000) incluye la mayor parte de la era musical moderna temprana (1890-1930), toda la alta moderna (mediados del siglo XX) y los primeros 25 años de la contemporánea (1945 o 1975-actual) o la era musical posmoderna (1930-actual). El siglo XXI se ha caracterizado hasta ahora por la continuación de la era musical contemporánea / posmoderna.
Las fechas son generalizaciones, ya que los períodos y las eras se superponen y las categorías son algo arbitrarias, hasta el punto de que algunas autoridades invierten terminologías y se refieren a una práctica común "era" que comprende "períodos" barrocos, clásicos y románticos. Por ejemplo, el uso de contrapunto y fuga, que se considera característico de la época (o período) del Barroco, fue continuado por Haydn, que se clasifica como típico de la época clásica. Beethoven, quien a menudo se describe como un fundador de la era Romántica, y Brahms, que se clasifica como Romántico, también usaron el contrapunto y la fuga, pero otras características de su música definen su era.
El prefijo neo- se usa para describir una composición de los siglos XIX, XX o XXI escrita al estilo de una época anterior, como la clásica o la romántica. La Pulcinella de Stravinsky , por ejemplo, es una composición neoclásica porque es estilísticamente similar a las obras de la época barroca.
Roots
Burgh (2006), sugiere que las raíces de la música clásica occidental en última instancia, se encuentran en la música de arte egipcia antigua a través de la quironomía y la antigua orquesta egipcia, que data del 2695 aC. El desarrollo de tonos y escalas individuales fue realizado por griegos antiguos como Aristoxeno y Pitágoras. Pitágoras creó un sistema de afinación y ayudó a codificar la notación musical. Los instrumentos griegos antiguos como los aulos (un instrumento de caña) y la lira (un instrumento de cuerda similar a un arpa pequeña) finalmente condujeron a los instrumentos modernos de una orquesta clásica. El antecedente del período inicial fue la era de la música antigua antes de la caída del Imperio Romano (476 dC).
Período temprano
El período Medieval incluye música desde después de la caída de Roma hasta alrededor de 1400. El canto monofónico, también llamado canto gregoriano o canto llano, fue la forma dominante hasta alrededor de 1100. Los monjes católicos desarrollaron las primeras formas de notación musical europea moderna para estandarizar la liturgia a lo largo de la Iglesia mundial La música polifónica (de múltiples voces) se desarrolló a partir del canto monofónico a lo largo de la Baja Edad Media y en el Renacimiento, incluyendo las voces más complejas de los motetes. La era del Renacimiento fue de 1400 a 1600. Se caracterizó por un mayor uso de la instrumentación, múltiples líneas melódicas entrelazadas y el uso de los primeros instrumentos de bajo. El baile social se generalizó, por lo que las formas musicales apropiadas para acompañar la danza comenzaron a estandarizarse. Es en este momento que la notación de la música en un pentagrama y otros elementos de la notación musical comenzaron a tomar forma. Esta invención hizo posible la separación de la composición de una pieza de música de su transmisión ; sin música escrita, la transmisión era oral y estaba sujeta a cambios cada vez que se transmitía. Con una partitura musical, una obra de música podría realizarse sin la presencia del compositor. La invención de la imprenta de tipo móvil en el siglo XV tuvo consecuencias de gran alcance en la preservación y transmisión de la música.
Los instrumentos de cuerda típicos del primer período incluyen el arpa, laúd, vielle y salterio, mientras que los instrumentos de viento incluían la familia de la flauta (incluida la grabadora), el shawm (un miembro primitivo de la familia del oboe), la trompeta y la gaita. Existían simples órganos tubulares, pero en su mayoría se limitaban a las iglesias, aunque existían variedades portátiles. Más adelante en el período, comenzaron a aparecer versiones tempranas de instrumentos de teclado como el clavicordio y el clavecín. Instrumentos de cuerda como la viola surgieron en el siglo XVI, al igual que una variedad más amplia de instrumentos de cobre y bronce. La impresión permitió la estandarización de las descripciones y especificaciones de los instrumentos, así como la instrucción en su uso.
Los compositores medievales notables incluyen a Hildegard de Bingen, Guillaume de Machaut, Léonin, Pérotin, Philippe de Vitry, Francesco Landini y Johannes Ciconia.
Entre los compositores renacentistas notables se encuentran Josquin des Prez, Giovanni Pierluigi da Palestrina, John Dunstaple, Johannes Ockeghem, Orlande de Lassus, Guillaume Du Fay, Gilles Binchois, Thomas Tallis, William Byrd, Giovanni Gabrieli, Carlo Gesualdo, John Dowland, Jacob Obrecht, Adrian Willaert. , Jacques Arcadelt y Cipriano de Rore.
Período de práctica común
El período de práctica común generalmente se define como la era entre la formación y la disolución de la hegemonía de la tonalidad de práctica común. El término generalmente abarca aproximadamente dos siglos y medio, abarcando los periodos Barroco, Clásico y Romántico.
Música barroca
La música barroca se caracteriza por el uso de contrapunto tonal complejo y el uso de un bajo continuo, una línea continua de bajo. La música se volvió más compleja en comparación con las canciones simples de todos los períodos anteriores. Los comienzos de la forma sonata tomaron forma en la canzona, al igual que una noción más formalizada de tema y variaciones. Las tonalidades de mayor y menor como medios para manejar la disonancia y el cromatismo en la música tomaron forma.
Durante la época del Barroco, la música del teclado tocada en el clavicémbalo y el órgano de tubos se hizo cada vez más popular, y la familia de instrumentos de cuerda del violín tomó la forma que se ve en la actualidad. La ópera como drama musical en escena comenzó a diferenciarse de las formas musicales y dramáticas anteriores, y las formas vocales como la cantata y el oratorio se hicieron más comunes. Vocales por primera vez comenzó a agregar notas extra a la música. Los conjuntos instrumentales comenzaron a distinguir y estandarizar por tamaño, dando lugar a la orquesta temprana para conjuntos más grandes, con música de cámara escrita para grupos más pequeños de instrumentos donde las partes se tocan por instrumentos individuales (en lugar de formados). El concierto como vehículo para la interpretación en solitario acompañado de una orquesta se generalizó.
Las teorías que rodean el temperamento igual comenzaron a ponerse en práctica, especialmente porque permitía una gama más amplia de posibilidades cromáticas en instrumentos de teclado difíciles de sintonizar. Aunque Bach no usó el mismo temperamento, ya que el piano moderno generalmente está afinado, los cambios en los temperamentos del sistema de meanone, común en ese momento, a varios temperamentos que hicieron que la modulación entre todas las teclas fuera musicalmente aceptable, hicieron posible el Clave bien templado de Bach .
Los compositores importantes de esta era incluyen a Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel, Henry Purcell, Claudio Monteverdi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Arcangelo Corelli, Alessandro Scarlatti, Jean-Philippe Rameau, Jean-Baptiste Lully y Heinrich Schütz.
Música de la era clásica (o -período)
La era clásica, desde aproximadamente 1750 hasta 1820, estableció muchas de las normas de composición, presentación y estilo, y también fue cuando el piano se convirtió en el instrumento predominante del teclado. Las fuerzas básicas requeridas para una orquesta se estandarizaron un poco (aunque crecerían a medida que se desarrollara el potencial de una gama más amplia de instrumentos en los siglos siguientes). La música de cámara creció para incluir conjuntos con hasta 8 a 10 artistas para serenatas. Opera continuó desarrollándose, con estilos regionales en Italia, Francia y tierras de habla alemana. La ópera buffa, una forma de ópera cómica, se levantó en popularidad. La sinfonía se hizo propia como una forma musical, y el concierto se desarrolló como un vehículo para exhibir la habilidad de juego virtuoso. Las orquestas ya no requerían un clavicémbalo (que había sido parte del continuo tradicional en el estilo barroco), y a menudo eran dirigidas por el violinista principal (ahora llamado el concertino).
Los instrumentos de viento se volvieron más refinados en la época clásica. Mientras que los instrumentos de doble lengüeta como el oboe y el fagot se estandarizaron en cierta medida en el Barroco, la familia de clarinet de cañas individuales no fue ampliamente utilizada hasta que Mozart amplió su papel en los escenarios de orquesta, cámara y concierto.
Los principales compositores de este período incluyen a Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Luigi Boccherini, Carl Philipp Emanuel Bach, Muzio Clementi, Antonio Salieri y Johann Nepomuk Hummel.
Música de la era romántica
La música de la época romántica, desde aproximadamente la primera década del siglo XIX hasta principios del siglo XX, se caracterizó por una mayor atención a una línea melódica extendida, así como a elementos expresivos y emocionales, paralelos al romanticismo en otras formas de arte. Las formas musicales comenzaron a romperse con las formas de la época clásica (incluso cuando se codificaban), y se escribieron piezas de forma libre como nocturnos, fantasías y preludios donde se ignoraban o minimizaban las ideas aceptadas sobre la exposición y el desarrollo de temas. La música se volvió más cromática, disonante y tonalmente colorida, con tensiones (con respecto a las normas aceptadas de las formas más antiguas) sobre el aumento de las firmas clave. La canción de arte (o Lied)) llegó a la madurez en esta época, al igual que las escalas épicas de la gran ópera, en última instancia trascendidos por el ciclo del anillo de Richard Wagner.
En el siglo XIX, las instituciones musicales emergieron del control de los patrones adinerados, ya que los compositores y los músicos podían construir vidas independientes de la nobleza. El creciente interés en la música por parte de las crecientes clases medias en toda Europa occidental estimuló la creación de organizaciones para la enseñanza, el rendimiento y la preservación de la música. El piano, que logró su construcción moderna en esta época (en parte debido a los avances industriales en metalurgia) se hizo ampliamente popular entre la clase media, cuyas demandas por el instrumento espolearon a un gran número de constructores de piano. Muchas orquestas sinfónicas datan de su fundación en esta época. Algunos músicos y compositores fueron las estrellas del día; algunos, como Franz Liszt y Niccolò Paganini, cumplieron ambos roles.
La familia de instrumentos utilizados, especialmente en orquestas, creció. Una gama más amplia de instrumentos de percusión comenzó a aparecer. Los instrumentos de latón tomaron papeles más grandes, ya que la introducción de válvulas rotatorias les permitió tocar una gama más amplia de notas. El tamaño de la orquesta (normalmente alrededor de 40 en la época clásica) creció a más de 100. La Sinfonía n.º 8 de Gustav Mahler, por ejemplo, se ha representado con más de 150 instrumentistas y coros de más de 400.
Las ideas y las instituciones culturales europeas comenzaron a seguir la expansión colonial en otras partes del mundo. También hubo un aumento, especialmente hacia el final de la era, del nacionalismo en la música (haciéndose eco, en algunos casos, de los sentimientos políticos de la época), como compositores como Edvard Grieg, Nikolai Rimsky-Korsakov y Antonín Dvořák se hicieron eco de la música tradicional. de sus patrias en sus composiciones.
Destacados compositores de esta época incluyen a Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Frédéric Chopin, Héctor Berlioz, Franz Schubert, Robert Schumann, Félix Mendelssohn, Franz Liszt, Giuseppe Verdi, Richard Wagner, Johannes Brahms y Johann Strauss II.
Destacados compositores de principios del siglo XX incluyen a Igor Stravinsky, Claude Debussy, Dmitri Shostakovich, Sergei Rachmaninoff, Sergei Prokofiev, Arnold Schoenberg, Anton Webern, Alban Berg, Aram Khachaturian, George Gershwin, Edvard Grieg y Béla Bartók. Aunque los compositores de esta época pueden considerarse románticos, por lo general sus obras no están en el estilo de la época.
Siglos XX y XXI
Música moderna, moderna, posmoderna, posmoderna o contemporánea
Abarcando una amplia variedad de estilos post-románticos compuestos hasta el año 2000, la música clásica del siglo XX incluye estilos de composición románticos tardíos, impresionistas, neoclásicos, neorrománticos, neomedievales y posmodernos. El Modernismo (1890-1930) marcó una época en la que muchos compositores rechazaron ciertos valores del período de práctica común, como la tonalidad tradicional, la melodía, la instrumentación y la estructura. La era altamente moderna vio la aparición de la música neoclásica y serial. Algunas autoridades han afirmado que la alta modernidad es el comienzo de la música posmoderna desde alrededor de 1930. Otros han equiparado más o menos la música posmoderna con la "música contemporánea" compuesta desde finales del siglo XX hasta principios del siglo XXI.
Mujeres en la música clásica
Casi todos los compositores que se describen en los libros de texto musicales sobre música clásica y cuyas obras se interpretan ampliamente como parte del repertorio de conciertos estándar son compositores masculinos, a pesar de que ha habido un gran número de compositoras en todo el período de la música clásica. La musicóloga Marcia Citron ha preguntado "¿por qué la música compuesta por mujeres es tan marginal al repertorio clásico estándar?" Citron "examina las prácticas y actitudes que han llevado a la exclusión de las mujeres compositoras del 'canon' recibido de las obras musicales realizadas". Ella argumenta que en la década de 1800, las mujeres compositoras solían escribir canciones de arte para actuaciones en pequeños recitales en lugar de sinfonías destinadas a tocar con una orquesta en un gran salón, siendo estas últimas obras el género más importante para los compositores; dado que las compositoras no escribieron muchas sinfonías, se consideró que no eran notables como compositoras. En el "...Concise Oxford History of Music , Clara S [c] Humann es una de las pocas [ sic ] compositoras femeninas mencionadas. "Abbey Philips afirma que" [d] urante el siglo XX las mujeres que componían / tocaban obtuvieron mucha menos atención que sus contrapartes masculinas ".
Línea de tiempo de compositores
Importancia de la notación escrita
Visión literalista del significado del puntaje
Si bien existen diferencias entre las actuaciones particulares de una obra clásica, generalmente se considera que una pieza de música clásica trasciende cualquier interpretación de la misma. El uso de la notación musical es un método efectivo para transmitir música clásica, ya que la música escrita contiene las instrucciones técnicas para realizar el trabajo.
Sin embargo, el puntaje escrito generalmente no contiene instrucciones explícitas sobre cómo interpretar la pieza en términos de producción o desempeño, aparte de las instrucciones para la dinámica, el tempo y la expresión (hasta cierto punto). Esto se deja a la discreción de los artistas intérpretes o ejecutantes, que se guían por su experiencia personal y educación musical, su conocimiento del idioma del trabajo, sus gustos artísticos personales y el conjunto acumulado de prácticas históricas de rendimiento.
Crítica de la visión literalista
Todos los críticos expresan la opinión de que solo a partir de mediados del siglo XIX, y especialmente en el siglo XX, el puntaje comenzó a tener un significado tan elevado. Anteriormente, la improvisación (en preludios, cadencias y adornos), la flexibilidad rítmica (por ejemplo, tempo rubato), la desviación improvisatoria de la partitura y la tradición oral del juego formaban parte integral del estilo. Los músicos clásicos tienden a usar partituras y las partes extraídas de ellos para tocar música. Sin embargo, incluso con la notación que proporciona los elementos clave de la música, hay una gran flexibilidad en la ejecución de las obras. Parte de esta latitud resulta de las limitaciones inherentes de la notación musical, aunque los intentos de complementar la notación tradicional con signos y anotaciones que indican matices más sutiles tienden a abrumar y paralizar al intérprete.
Algunas citas que destacan una crítica a la sobrevaloración del puntaje:
- "... uno de los conceptos erróneos modernos más obstinados con respecto a la música barroca es que se pretendía una regularidad metronómica" (Interpretación Barroca en la quinta edición de Grove por Robert Donington)
- "Demasiados profesores, condicionados a las ideas del siglo XX, enseñan Bach y otra música barroca exactamente de la manera incorrecta. Esto lleva a lo que el musicólogo Sol Babitz llama 'máquina de coser Bach'".
- "... tendencia a parecerse, sonar igual y pensar igual. Los conservatorios tienen la culpa y han tenido la culpa durante muchos años. Cualquier músico sensible que dé la vuelta al mundo ha notado lo mismo. Los conservatorios, de Moscú y Leningrado a Juilliard, Curtis e Indiana, están produciendo un producto estandarizado:
[...] claridad, ritmo ininterrumpido, técnica fácil, 'musicalidad'. Puse la palabra musicalidad entre comillas, porque la mayoría de las veces es un tipo falso. de musicalidad, una musicalidad que ve el árbol y no el bosque, que cuida el detalle pero ignora el panorama general, una musicalidad que está ligada a la nota impresa más que al significado emocional de una pieza.
El hecho es que hoy en día existe una espantosa uniformidad y una pésima falta de conocimiento sobre la cultura y las tradiciones interpretativas del pasado "(" Music Schools Turning Out Robots? ", De Harold C. Schonberg)
Improvisación
La improvisación una vez jugó un papel importante en la música clásica. Un vestigio de esta tradición de improvisación en la música clásica se puede escuchar en la cadenza, un pasaje que se encuentra principalmente en conciertos y obras en solitario, diseñado para permitir a los intérpretes expertos exhibir sus habilidades virtuosas en el instrumento. Tradicionalmente esto fue improvisado por el artista intérprete o ejecutante; sin embargo, a menudo es escrito para (u ocasionalmente) por el ejecutante de antemano. La improvisación es también un aspecto importante en las representaciones auténticas de las óperas de la época barroca y del bel canto (especialmente las óperas de Vincenzo Bellini), y se ejemplifica mejor con el da capo aria., una forma por la cual los cantantes famosos típicamente realizan variaciones de la materia temática del aria en la sección de recapitulación (parte 'B sección' / 'da capo'). Un ejemplo es la variación compleja, aunque escrita, de Beverly Sills de "Da tempeste il legno infranto" de Giulio Cesare de Händel .
Su transmisión escrita, junto con la veneración otorgada a ciertas obras clásicas, ha llevado a la expectativa de que los intérpretes interpretarán una obra de manera que se den cuenta en detalle de las intenciones originales del compositor. Durante el siglo XIX, los detalles que los compositores ponían en sus puntajes generalmente aumentaban. Sin embargo, se puede ver la tendencia opuesta: la admiración de los intérpretes por las nuevas "interpretaciones" del trabajo del compositor, y no es desconocido que un compositor elogie a un artista por lograr una mejor realización original de la que el compositor pudo imaginar . Por lo tanto, los intérpretes clásicos a menudo logran una gran reputación por su maestría musical, incluso si no se componen ellos mismos. En general, sin embargo, son los compositores quienes son más recordados que los intérpretes.
La primacía de la partitura escrita del compositor también ha llevado, hoy, a un papel relativamente menor desempeñado por la improvisación en la música clásica, en agudo contraste con la práctica de los músicos que vivieron durante las épocas medieval, renacentista, barroca y romántica temprana. La improvisación en la interpretación de la música clásica fue común durante el barroco y las épocas románticas tempranas, pero disminuyó fuertemente durante la segunda mitad del siglo XX. Durante la era clásica, Mozart y Beethoven a menudo improvisaban las cadencias para sus conciertos de piano (y por lo tanto animaban a otros a hacerlo), pero para conciertos de violín ofrecían cadencias escritas para el uso de otros solistas. En la ópera, la práctica de cantar estrictamente por el puntaje, es decir, venir scritto, fue propagado por la soprano Maria Callas, quien llamó a esta práctica 'camisa de fuerza' e implicó que permite que la intención del compositor se entienda mejor, especialmente durante el estudio de la música por primera vez.
Relación con otras tradiciones musicales
Musica Popular
La música clásica a menudo ha incorporado elementos o material de la música popular de la época del compositor. Los ejemplos incluyen música ocasional como el uso de Brahms de canciones para estudiantes en Academic Festival Overture , géneros ejemplificados por The Threepenny Opera deKurt Weill y la influencia del jazz en compositores de principios y mediados del siglo XX, incluido Maurice Ravel, ejemplificado por el movimiento titulado "Blues" en su sonata para violín y piano. Algunos compositores clásicos postmodernos, minimalistas y postminimalistas reconocen una deuda con la música popular.
Numerosos ejemplos muestran influencia en sentido opuesto, incluyendo canciones populares basadas en la música clásica, el uso que se le da al Canon de Pachelbel desde la década de 1970 y el fenómeno del cruce musical, donde los músicos clásicos han alcanzado el éxito en la arena de la música popular. En heavy metal, varios guitarristas principales (tocando la guitarra eléctrica), incluidos Ritchie Blackmore y Randy Rhoads, modelaron sus estilos de interpretación en música instrumental barroca o clásica.
Música folk
Los compositores de música clásica a menudo han hecho uso de la música folclórica (música creada por músicos que comúnmente no están entrenados de manera clásica, a menudo de una tradición puramente oral). Algunos compositores, como Dvořák y Smetana, han utilizado temas folclóricos para impartir un sabor nacionalista a su trabajo, mientras que otros como Bartók han utilizado temas específicos que se han extraído de sus orígenes de la música popular.
Comercialización
Ciertos elementos básicos de la música clásica a menudo se usan comercialmente (ya sea en publicidad o en bandas sonoras de películas). En los comerciales de televisión, varios pasajes se han convertido en cliché, particularmente la apertura de Zarathustra (hecha famosa por Richard Strauss en la película 2001: A Space Odyssey ) y la sección de apertura "O Fortuna" de Carmina Burana , de Carl Orff ; otros ejemplos incluyen "Dies irae" del Réquiem de Verdi, "En la sala del rey de la montaña" de Edvard Grieg de Peer Gynt , los primeros compases de la Sinfonía n. ° 5 de Beethoven, "Ride of the Valkyries" de Wagner de Die Walküre , Rimsky "El Vuelo del Abejorro" de Korsakov, . Varias obras de la Edad de Oro de la Animación igualaron la acción a la música clásica. Ejemplos notables son Fantasia de Walt Disney , Johann Mouse de Tom y Jerry y Warner Bros. ' Conejo de Sevilla y What's Opera, Doc?
Del mismo modo, las películas y la televisión a menudo recurren a clichés clásicos de la música clásica para transmitir refinamiento u opulencia: algunas de las piezas más escuchadas en esta categoría incluyen la suite de violonchelo número 1 de Bach, Eine kleine Nachtmusik de Mozart , las cuatro estaciones de Vivaldi , La Noche de Mussorgsky en la montaña calva (según la orquesta de Rimsky-Korsakov) y la " Obertura de Guillermo Tell " de Rossini . Los mismos pasajes son utilizados a menudo por los centros de llamadas telefónicas para inducir una sensación de calma en los clientes que esperan en una cola. Shawn Vancour argumenta que la comercialización de la música clásica a principios del siglo XX puede haber perjudicado a la industria de la música a través de una representación inadecuada.
Dominio publico
Dado que el rango de producción de la música clásica es desde el siglo XIV hasta el siglo XXI, la mayoría de esta música (del siglo XIV al comienzo del XX) pertenece al dominio público, principalmente partituras y tablaturas. Algunos proyectos como Musopen y Open Goldberg Variations fueron creados para producir archivos de audio musicales de alta calidad y publicarlos en el dominio público, la mayoría de ellos están disponibles en el sitio web Internet Archive.
El proyecto Open Goldberg Variations lanzó un formato braille en el dominio público que puede usarse para producir partituras en papel o electrónicas, libros electrónicos en Braille, para personas ciegas.
Educación
Durante la década de 1990, varios trabajos de investigación y libros populares escribieron sobre lo que se llamó el "efecto Mozart": una pequeña elevación temporal observada de puntajes en ciertas pruebas como resultado de escuchar las obras de Mozart. El enfoque se ha popularizado en un libro de Don Campbell, y se basa en un experimento publicado en Nature que sugiere que escuchar a Mozart impulsó temporalmente el coeficiente de inteligencia de los estudiantes de 8 a 9 puntos. Esta versión popularizada de la teoría fue expresada sucintamente por el New York Times el columnista de música Alex Ross: "los investigadores ... han determinado que escuchar a Mozart en realidad te hace más inteligente". Los promotores comercializaron CDs para inducir el efecto. La Florida aprobó una ley que exige que los niños pequeños en las escuelas estatales escuchen música clásica todos los días, y en 1998 el gobernador de Georgia presupuestó $ 105,000 por año para proporcionar a cada niño nacido en Georgia una cinta o CD de música clásica. Uno de los coautores de los estudios originales sobre el efecto Mozart comentó: "No creo que pueda doler. Estoy dispuesto a exponer a los niños a experiencias culturales maravillosas. Pero creo que el dinero podría gastarse mejor en educación musical". programas ".
En 1996/97, se realizó un estudio de investigación sobre una población de preescolares hasta estudiantes universitarios en el distrito escolar de Cherry Creek en Denver, Colorado, EE. UU. El estudio mostró que los estudiantes que escuchan activamente música clásica antes de estudiar obtuvieron puntajes académicos más altos. La investigación indicó además que los estudiantes que escucharon la música antes de un examen también tuvieron puntajes de logro positivamente elevados. Los estudiantes que escucharon rock and roll o música Country tuvieron puntuaciones moderadamente más bajas. El estudio indicó además que los estudiantes que usaron música clásica durante el curso de estudio tuvieron un salto significativo en su rendimiento académico; mientras que aquellos que escucharon otros tipos de música habían bajado significativamente los puntajes académicos. La investigación se llevó a cabo en varias escuelas dentro del Distrito Escolar de Cherry Creek y se llevó a cabo a través de la Universidad de Colorado. Este estudio es un reflejo de varios estudios recientes (es decir, Mike Manthei y Steve N. Kelly de la Universidad de Nebraska en Omaha, Donald A. Hodges y Debra S. O'Connell de la Universidad de Carolina del Norte en Greensboro, etc.) y otros que tuvo resultados significativos a través del discurso de su trabajo.
Obtenido de: https://en.wikipedia.org/wiki/Classical_music