Música folclórica
Definición
La música folclórica incluye tanto la música tradicional como el género que evolucionó a partir de ella durante el renacimiento popular del siglo XX. El término se originó en el siglo XIX, pero a menudo se aplica a música más antigua que esa. Algunos tipos de música popular también se llaman música mundial. La música folclórica tradicional se ha definido de varias maneras: como música transmitida oralmente, música con compositores desconocidos o música interpretada por encargo durante un largo período de tiempo. Ha sido contrastado con estilos comerciales y clásicos.A partir de mediados del siglo XX, se desarrolló una nueva forma de música folclórica popular a partir de la música folclórica tradicional. Este proceso y período se llama el (segundo) renacimiento popular y alcanzó un apogeo en la década de 1960. Esta forma de música a veces se llama música folclórica contemporánea o música popular para distinguirla de las formas populares anteriores. Otros avivamientos similares y similares han ocurrido en otras partes del mundo en otros tiempos, pero el término música folk no se ha aplicado típicamente a la nueva música. creado durante esos avivamientos. Este tipo de música popular también incluye géneros de fusión como folk rock, folk metal y otros. Si bien la música folclórica contemporánea es un género generalmente distinto de la música folclórica tradicional, en inglés estadounidense comparte el mismo nombre y, a menudo, comparte los mismos intérpretes y lugares que la música folclórica tradicional.
Música folclórica tradicional
| Música folclórica tradicional | |
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| Orígenes estilísticos | Música tradicional |
| Orígenes culturales | Naciones o regiones individuales |
| Instrumentos típicos | Ver instrumentos folclóricos |
| Formas derivadas |
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(lista completa) | |
| Géneros de fusión | |
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| Otros temas | |
| Renacimiento de las raíces | |
Definiciones
Una definición consistente de la música folclórica tradicional es esquiva. Los términos música popular , canción popular y danza popular son expresiones comparativamente recientes. Son extensiones del término folklore , que fue acuñado en 1846 por el anticuario inglés William Thoms para describir "las tradiciones, costumbres y supersticiones de las clases incultas". El término deriva además de la expresión alemana Volk , en el sentido de " la gente como un todo "tal como se aplica a la música popular y nacional por Johann Gottfried Herder y los románticos alemanes más de medio siglo antes. La música folclórica tradicional también incluye la mayoría de la música indígena.
Sin embargo, a pesar del montaje de un enorme cuerpo de trabajo durante unos dos siglos, todavía no hay una definición clara de lo que es la música folclórica (o folklore, o el folk). Algunos ni siquiera están de acuerdo con que se use el término Música Folk. La música popular puede tender a tener ciertas características, pero no se puede diferenciar claramente en términos puramente musicales. Un significado que a menudo se da es el de "canciones antiguas, sin compositores conocidos", otro es el de la música que ha sido sometida a un "proceso evolutivo de transmisión oral ... la moda y la remodelación de la música por parte de la comunidad". que le dan su carácter popular ".
Tales definiciones dependen de "procesos (culturales) en lugar de tipos musicales abstractos ...", sobre " continuidad y transmisión oral ... vistos como caracterizadores de un lado de una dicotomía cultural, el otro lado del cual se encuentra no solo en el inferior capas de sociedades feudales, capitalistas y algunas orientales, pero también en sociedades "primitivas" y en partes de "culturas populares". Una definición ampliamente utilizada es simplemente "La música popular es lo que la gente canta".
Para Scholes, así como para Cecil Sharp y Béla Bartók, había un sentido de la música del país diferente del de la ciudad. La música folclórica ya era, "... vista como la expresión auténtica de una forma de vida ahora pasada o próxima a desaparecer (o en algunos casos, para preservarse o de alguna manera revivir)", particularmente en "una comunidad no influenciada por la música de arte" y por canción comercial e impresa. Lloyd rechazó esto en favor de una simple distinción de clase económica, pero para él la verdadera música folk estaba, en palabras de Charles Seeger, "asociada a una clase inferior" en sociedades cultural y socialmente estratificadas. En estos términos, la música folclórica puede verse como parte de un "esquema que comprende cuatro tipos musicales: 'primitivo' o 'tribal', 'élite' o 'arte', 'folk' y 'popular'".
La música en este género también a menudo se llama música tradicional. Aunque el término suele ser solo descriptivo, en algunos casos las personas lo utilizan como el nombre de un género. Por ejemplo, el Grammy Award utilizó anteriormente los términos "música tradicional" y "folk tradicional" para la música folclórica que no es música folclórica contemporánea.
Características
Desde una perspectiva histórica, la música folclórica tradicional tenía estas características:
- Fue transmitido a través de una tradición oral. Antes del siglo 20, los trabajadores agrícolas ordinarios y los trabajadores de las fábricas generalmente eran analfabetos. Adquirieron canciones memorizándolas. Principalmente, esto no fue mediado por libros, medios grabados o transmitidos. Los cantantes pueden extender su repertorio utilizando hojas sueltas, o libros de canciones, pero estas mejoras secundarias son del mismo carácter que las canciones principales experimentadas en la carne.
- La música a menudo estaba relacionada con la cultura nacional. Era culturalmente particular; de una región o cultura en particular. En el contexto de un grupo de inmigrantes, la música folclórica adquiere una dimensión extra para la cohesión social. Es especialmente notorio en las sociedades de inmigrantes, donde los australianos griegos, los somalíes, los canadienses de Punjabi y otros se esfuerzan por enfatizar sus diferencias con respecto a la corriente principal. Aprenden canciones y danzas que se originan en los países de donde provienen sus abuelos.
- Conmemoran eventos históricos y personales. En ciertos días del año, como Semana Santa, Primero de Mayo y Navidad, canciones particulares celebran el ciclo anual. Bodas, cumpleaños y funerales también se pueden notar con canciones, bailes y disfraces especiales. Los festivales religiosos a menudo tienen un componente de música popular. La música coral en estos eventos lleva a los niños y cantantes no profesionales a participar en un escenario público, dando un vínculo emocional que no está relacionado con las cualidades estéticas de la música.
- Las canciones se han realizado, por costumbre, durante un largo período de tiempo, generalmente varias generaciones.
Como efecto secundario, las siguientes características a veces están presentes:
- No hay derechos de autor sobre las canciones. Cientos de canciones populares del siglo XIX han conocido autores, pero han continuado en la tradición oral hasta el punto en que se consideran tradicionales para fines de publicación musical. Esto se ha vuelto mucho menos frecuente desde la década de 1940. Hoy, casi todas las canciones populares que se graban se acreditan con un arreglista.
- Fusión de culturas: debido a que las culturas interactúan y cambian con el tiempo, las canciones tradicionales que evolucionan con el tiempo pueden incorporar y reflejar influencias de culturas dispares. Los factores relevantes pueden incluir instrumentación, afinaciones, voicings, fraseo, tema e incluso métodos de producción.
Terminología
Melodía
En la música folclórica, una melodía es una pieza corta, instrumental, una melodía, a menudo con secciones repetitivas, y generalmente se toca varias veces. Una colección de canciones con similitudes estructurales se conoce como una melodía de la familia. America's Musical Landscape dice que "la forma más común de melodías en la música folk es AABB, también conocida como forma binaria".
En algunas tradiciones, las melodías pueden combinarse en medleys o "conjuntos".
Orígenes
Durante la mayor parte de la prehistoria y la historia humana, no fue posible escuchar música grabada. La música fue hecha por personas comunes tanto durante su trabajo y ocio, como durante las actividades religiosas. El trabajo de producción económica era a menudo manual y comunal. El trabajo manual a menudo incluía el canto de los trabajadores, lo que sirvió para varios propósitos prácticos. Redujo el aburrimiento de las tareas repetitivas, mantuvo el ritmo durante los empujes y jalones sincronizados, y estableció el ritmo de muchas actividades como plantar, desherbar, cosechar, trillar, tejer y fresar. En el tiempo libre, cantar y tocar instrumentos musicales eran formas comunes de entretenimiento e historia, incluso más comunes que en la actualidad, cuando las tecnologías habilitadas eléctricamente y la alfabetización generalizada hacen competitivas otras formas de entretenimiento e intercambio de información.
Algunos creen que la música folclórica se originó como música de arte que fue cambiada y probablemente degradada por la transmisión oral, al tiempo que reflejaba el carácter de la sociedad que la producía. En muchas sociedades, especialmente las preliterarias, la transmisión cultural de la música folclórica requiere aprender de oído, aunque la notación ha evolucionado en algunas culturas. Diferentes culturas pueden tener nociones diferentes sobre una división entre la música "folk" por un lado y la música "art" y "court" por el otro. En la proliferación de géneros de música popular, parte de la música popular tradicional también se refirió a "World music" o "Roots music".
El término inglés "folklore", para describir la música tradicional y la danza tradicional, entró en el vocabulario de muchas naciones europeas continentales, cada una de las cuales tenía coleccionistas de canciones populares y revivalistas. La distinción entre folk "auténtico" y canción nacional y popular en general siempre ha sido poco común, particularmente en Estados Unidos y Alemania; por ejemplo, los compositores populares como Stephen Foster podrían denominarse "folk" en Estados Unidos. La definición del Consejo Internacional de Música Folklórica permite que el término también se aplique a la música que, "... se originó con un compositor individual y posteriormente fue absorbida por la tradición no escrita y viva de una comunidad. Pero el término no abarca una canción , baile o melodía que ha sido tomada confeccionada y permanece inalterable ".
El renacimiento popular posterior a la Segunda Guerra Mundial en América y en Gran Bretaña comenzó un nuevo género, la música folclórica contemporánea, y trajo un significado adicional al término "música folclórica": canciones recién compuestas, arregladas en forma y por autores conocidos, que imitaban algunas forma de música tradicional. La popularidad de las grabaciones de "folk contemporáneo" causó la aparición de la categoría "Folk" en los premios Grammy de 1959: en 1970 el término se abandonó a favor de "Mejor grabación étnica o tradicional (incluidos los blues tradicionales)", mientras que 1987 trajo una distinción entre "Best Traditional Folk Recording" y "Best Contemporary Folk Recording". Después de eso, tenían una categoría de "Música tradicional" que posteriormente evolucionó a otras. El término "folk", a comienzos del siglo XXI, podría cubrir cantantes compositores, como Donovan de Escocia y el estadounidense Bob Dylan, que surgió en la década de 1960 y mucho más. Esto completó un proceso en el que la "música folclórica" ya no significaba solo música folclórica tradicional.
Tema
Traditional folk music often includes sung words, although folk instrumental music occurs commonly in dance music traditions. Narrative verse looms large in the traditional folk music of many cultures. This encompasses such forms as traditional epic poetry, much of which was meant originally for oral performance, sometimes accompanied by instruments. Many epic poems of various cultures were pieced together from shorter pieces of traditional narrative verse, which explains their episodic structure, repetitive elements, and their frequent in medias res plot developments. Other forms of traditional narrative verse relate the outcomes of battles or describe tragedies or natural disasters.
Sometimes, as in the triumphant Song of Deborah found in the Biblical Book of Judges, these songs celebrate victory. Laments for lost battles and wars, and the lives lost in them, are equally prominent in many traditions; these laments keep alive the cause for which the battle was fought. The narratives of traditional songs often also remember folk heroes such as John Henry or Robin Hood. Some traditional song narratives recall supernatural events or mysterious deaths.
Hymns and other forms of religious music are often of traditional and unknown origin. Western musical notation was originally created to preserve the lines of Gregorian chant, which before its invention was taught as an oral tradition in monastic communities. Traditional songs such as Green grow the rushes, O present religious lore in a mnemonic form, as do Western Christmas carols and similar traditional songs.
Las canciones de trabajo con frecuencia tienen estructuras de llamada y respuesta y están diseñadas para permitir a los trabajadores que las cantan coordinar sus esfuerzos de acuerdo con los ritmos de las canciones. Con frecuencia, pero no invariablemente, están compuestos. En las fuerzas armadas de los Estados Unidos, una viva tradición oral preserva las llamadas jodidas ("cantos de Duckworth") que se cantan mientras los soldados están en marcha. Los marineros profesionales hicieron un uso similar de un gran cuerpo de mar chabolas. La poesía amorosa, a menudo de naturaleza trágica o arrepentida, figura prominentemente en muchas tradiciones populares. Las canciones de cuna y el verso sin sentido que se usan para entretener o callar a los niños también son temas frecuentes de las canciones tradicionales.
Transformaciones y variaciones de canciones populares
Music transmitted by word of mouth through a community, in time, develops many variants, because this kind of transmission cannot produce word-for-word and note-for-note accuracy. Indeed, many traditional singers are quite creative and deliberately modify the material they learn.
Por ejemplo, las palabras "Soy un hombre que no conoces todos los días" (Roud 975) se conocen de una andanada en la Biblioteca Bodleian. La fecha es casi segura antes de 1900, y parece ser irlandesa. En 1958 la canción fue grabada en Canadá (Mi nombre es Pat y estoy orgulloso de eso). La viajera escocesa Jeannie Robertson de Aberdeen, hizo la siguiente versión grabada en 1961. Lo ha cambiado para hacer referencia a "Jock Stewart", uno de sus parientes, y no hay referencias irlandesas. En 1976, el artista escocés Archie Fisher modificó deliberadamente la canción para eliminar la referencia a un perro que se estaba disparando. En 1985 The Pogues tomó el círculo completo restaurando todas las referencias irlandesas.
Debido a que las variantes proliferan de forma natural, es ingenuo creer que exista una versión "auténtica" de una balada como "Barbara Allen". Los investigadores de campo en la canción tradicional (ver más abajo) han encontrado innumerables versiones de esta balada en todo el mundo de habla inglesa, y estas versiones a menudo difieren mucho entre sí. Ninguno puede afirmar con certeza que es el original, y es posible que la versión "original" haya dejado de cantarse hace siglos. Muchas versiones pueden reclamar igual a la autenticidad.
El influyente folklorista Cecil Sharp sintió que estas variantes competitivas de una canción tradicional pasarían por un proceso de mejoramiento similar a la selección natural biológica: solo aquellas nuevas variantes que eran las más atractivas para los cantantes comunes serían recogidas por otros y transmitidas en el tiempo. Por lo tanto, con el tiempo esperaríamos que cada canción tradicional se volviera estéticamente más atractiva: colectivamente sería compuesta a la perfección, por así decirlo, por la comunidad.
El interés literario en la forma de balada popular se remonta al menos a Thomas Percy y William Wordsworth. Los compositores ingleses isabelinos y de Stuart a menudo habían desarrollado su música a partir de temas populares, la suite clásica se basaba en danzas folclóricas estilizadas, y se nota el uso de Joseph Haydn de las melodías populares. Pero el surgimiento del término "folk" coincidió con un "estallido de sentimiento nacional en toda Europa" que fue particularmente fuerte en los bordes de Europa, donde la identidad nacional fue más afirmada. Los compositores nacionalistas surgieron en Europa Central, Rusia, Escandinavia, España y Gran Bretaña: la música de Dvořák, Smetana, Grieg, Rimsky-Korsakov, Brahms, Liszt, de Falla, Wagner, Sibelius, Vaughan Williams, Bartók y muchos otros recurrieron a la gente melodias
Formas regionales
Si bien la pérdida de la música folclórica tradicional frente al auge de la música popular es un fenómeno mundial, no se está produciendo a un ritmo uniforme en todo el mundo. El proceso es más avanzado "donde la industrialización y la comercialización de la cultura están más avanzadas", pero también ocurre de manera más gradual, incluso en entornos de menor avance tecnológico. Sin embargo, la pérdida de la música tradicional se ralentiza en naciones o regiones donde la música folclórica tradicional es una insignia de identidad cultural o nacional, por ejemplo en el caso de Bangladesh, Hungría, India, Irlanda, Pakistán, Escocia, Letonia, Turquía, Portugal, Bretaña, Galicia, Grecia y Creta. Los ingresos del turismo pueden proporcionar un incentivo potente para preservar los distintivos culturales locales. El gobierno local a menudo patrocina y promueve actuaciones durante las temporadas turísticas,
Música folclórica temprana, trabajo de campo y becas
Mucho de lo que se sabe sobre la música folklórica antes del desarrollo de la tecnología de grabación de audio en el siglo XIX proviene del trabajo de campo y de escritos de eruditos, coleccionistas y proponentes.
Europa del siglo XIX
A partir del siglo XIX, académicos y académicos aficionados, tomando nota de la pérdida de tradiciones musicales, iniciaron varios esfuerzos para preservar la música de la gente. Uno de esos esfuerzos fue la colección de Francis James Child, de finales del siglo XIX, de los textos de más de trescientas baladas de las tradiciones inglesa y escocesa (llamadas Baladas infantiles), algunas de las cuales son anteriores al siglo XVI.
Contemporáneamente con Child, la reverenda Sabine Baring-Gould y más tarde Cecil Sharp trabajaron para preservar un gran cuerpo de canciones, música y bailes tradicionales rurales ingleses, bajo la égida de lo que se convirtió y sigue siendo la Sociedad de Danza y Canto Folclórico Inglés (EFDSS). Sharp hizo campaña con cierto éxito para tener canciones tradicionales en inglés (en sus propias versiones muy editadas y expurgadas) que se enseñarán a los escolares con la esperanza de revivir y prolongar la popularidad de esas canciones. A lo largo de la década de 1960 y principios de la década de 1970, el estudioso estadounidense Bertrand Harris Bronson publicó una exhaustiva colección de cuatro volúmenes de las variaciones conocidas tanto de los textos como de las melodías asociadas con lo que se conoció como el canon infantil. También avanzó algunas teorías significativas sobre el funcionamiento de la tradición oral-aural.
Actividad similar también estaba en marcha en otros países. Uno de los más extensos fue tal vez el trabajo realizado en Riga por Krisjanis Barons, quien entre los años 1894 y 1915 publicó seis volúmenes que incluían los textos de 217.996 canciones populares de Letonia, Latvju dainas . En Noruega, el trabajo de coleccionistas como Ludvig Mathias Lindeman fue ampliamente utilizado por Edvard Grieg en sus Lyric Pieces para piano y en otras obras, que se hicieron inmensamente populares.
Alrededor de este tiempo, los compositores de música clásica desarrollaron un gran interés en la recolección de canciones tradicionales, y una serie de destacados compositores llevaron a cabo su propio trabajo de campo en la música tradicional. Estos incluyen Percy Grainger y Ralph Vaughan Williams en Inglaterra y Béla Bartók en Hungría. Estos compositores, como muchos de sus predecesores, hicieron arreglos de canciones populares e incorporaron material tradicional en composiciones clásicas originales. Las Latviju dainas se usan ampliamente en los trabajos corales clásicos de Andrejs Jurāns, Jānis Cimze y Emilis Melngailis.
Norteamérica
The advent of audio recording technology provided folklorists with a revolutionary tool to preserve vanishing musical forms. The earliest American folk music scholars were with the American Folklore Society (AFS), which emerged in the late 1800s. Their studies expanded to include Native American music, but still treated folk music as a historical item preserved in isolated societies as well. In North America, during the 1930s and 1940s, the Library of Congress worked through the offices of traditional music collectors Robert Winslow Gordon, Alan Lomax and others to capture as much North American field material as possible. Lomax was the first prominent scholar to study distinctly American folk music such as that of cowboys and southern blacks. His first major published work was in 1911, Cowboy Songs and Other Frontier Ballads. and was arguably the most prominent US folk music scholar of his time, notably during the beginnings of the folk music revival in the 1930s and early 1940s. Cecil Sharp also worked in America, recording the traditional songs of the Appalachian Mountains in 1916–1918 in collaboration with Maud Karpeles and Olive Dame Campbell and is considered the first major scholar covering American folk music. Campbell and Sharp are represented under other names by actors in the modern movie Songcatcher.
One strong theme amongst folk scholars in the early decades of the 20th century was regionalism, the analysis of the diversity of folk music (and related cultures) based on regions of the US rather than based on a given song's historical roots. Later, a dynamic of class and circumstances was added to this. The most prominent regionalists were literary figures with a particular interest in folklore. Carl Sandburg often traveled the U.S. as a writer and a poet. He also collected songs in his travels and, in 1927, published them in the book The American Songbag. "In his collections of folk songs, Sandburg added a class dynamic to popular understandings of American folk music. This was the final element of the foundation upon which the early folk music revivalists constructed their own view of Americanism. Sandburg's working class Americans joined with the ethnically, racially, and regionally diverse citizens that other scholars, public intellectuals, and folklorists celebrated their own definitions of the American folk, definitions that the folk revivalists used in constructing their own understanding of American folk music, and an overarching American identity".
Prior to the 1930s, the study of folk music was primarily the province of scholars and collectors. The 1930s saw the beginnings of larger scale themes, commonalities, themes and linkages in folk music developing in the populace and practitioners as well, often related to the Great Depression. Regionalism and cultural pluralism grew as influences and themes. During this time folk music began to become enmeshed with political and social activism themes and movements. Two related developments were the U.S. Communist Party's interest in folk music as a way to reach and influence Americans, and politically active prominent folk musicians and scholars seeing communism as a possible better system, through the lens of the Great Depression. Woody Guthrie exemplifies songwriters and artists with such an outlook.
Folk music festivals proliferated during the 1930s. President Franklin Roosevelt was a fan of folk music, hosted folk concerts at the White House, and often patronized folk festivals. One prominent festival was Sarah Gertrude Knott's National Folk Festival, established in St. Louis, Missouri in 1934. Under the sponsorship of the Washington Post, the festival was held in Washington, DC at Constitution Hall from 1937–1942. The folk music movement, festivals, and the wartime effort were seen as forces for social goods such as democracy, cultural pluralism, and the removal of culture and race-based barriers.
The American folk music revivalists of the 1930s approached folk music in different ways. Three primary schools of thought emerged: "Traditionalists" (e.g. Sarah Gertrude Knott and John Lomax) emphasized the preservation of songs as artifacts of deceased cultures. "Functional" folklorists (e.g. Botkin and Alan Lomax) maintained that songs only retain relevance when utilized by those cultures which retain the traditions which birthed those songs. "Left-wing" folk revivalists (e.g. Charles Seeger and Lawrence Gellert) emphasized music's role "in 'people's' struggles for social and political rights". By the end of the 1930s these and others had turned American folk music into a social movement.
Sometimes folk musicians became scholars and advocates themselves. For example, Jean Ritchie (born in 1922) was the youngest child of a large family from Viper, Kentucky that had preserved many of the old Appalachian traditional songs. Ritchie, living in a time when the Appalachians had opened up to outside influence, was university educated and ultimately moved to New York City, where she made a number of classic recordings of the family repertoire and published an important compilation of these songs. (See also Hedy West)
In January 2012, the American Folklife Center at the Library of Congress, with the Association for Cultural Equity, announced that they would release Lomax's vast archive of 1946 and later recording in digital form. Lomax spent the last 20 years of his life working on an interactive multimedia educational computer project he called the Global Jukebox, which included 5,000 hours of sound recordings, 400,000 feet of film, 3,000 videotapes, and 5,000 photographs. As of March 2012, this has been accomplished. Approximately 17,400 of Lomax's recordings from 1946 and later have been made available free online.This material from Alan Lomax’s independent archive, begun in 1946, which has been digitized and offered by the Association for Cultural Equity, is "distinct from the thousands of earlier recordings on acetate and aluminum discs he made from 1933 to 1942 under the auspices of the Library of Congress. This earlier collection—which includes the famous Jelly Roll Morton, Woody Guthrie, Lead Belly, and Muddy Waters sessions, as well as Lomax’s prodigious collections made in Haiti and Eastern Kentucky (1937) — is the provenance of the American Folklife Center" at the library of Congress.
Formas nacionales y regionales
África
África es un vasto continente y sus regiones y naciones tienen tradiciones musicales distintas. La música del norte de África en su mayor parte tiene una historia diferente de las tradiciones musicales del África subsahariana.
Las formas de música y danza de la diáspora africana, incluida la música afroamericana y muchos géneros caribeños como soca, calypso y Zouk; y géneros musicales latinoamericanos como la samba, la rumba cubana, la salsa; y otros géneros basados en clave (ritmo), se fundaron en diversos grados en la música de los esclavos africanos, lo que a su vez ha influido en la música popular africana.
Asia
Muchas civilizaciones asiáticas distinguen entre arte / corte / estilos clásicos y música "folk", aunque las culturas que no dependen en gran medida de la notación y tienen mucha música artística anónima deben distinguirlas de maneras diferentes a las sugeridas por los eruditos occidentales. Por ejemplo, el fallecido Alam Lohar es un buen ejemplo de un cantante folklórico del sur de Asia clásico de gran reputación. Khunung Eshei / Khuland Eshei es una antigua canción popular de Meiteis de Manipur que lo ha mantenido durante miles de años.
La música popular de China
Los descubrimientos arqueológicos datan de la música folclórica china hace 7000 años atrás; se basa en gran medida en la escala pentatónica.
Las bodas y los funerales tradicionales de Han generalmente incluyen una forma de oboe llamada conjuntos suona y apercussive llamados chuigushou. Las agrupaciones que consisten en órganos de la boca (sheng), shawms (suona), flautas (dizi) e instrumentos de percusión (especialmente yunluo gongs) son populares en las aldeas del norte; su música desciende de la música imperial del templo de Beijing, Xi'an, Wutai shan y Tianjin. La música de batería de Xian, que consiste en instrumentos de viento e instrumentos de percusión, es popular en todo Xi'an, y ha recibido cierta popularidad comercial fuera de China. Otro instrumento importante es el sheng, pipes, un antiguo instrumento que es el antecesor de todos los instrumentos de instrumentos occidentales, como el acordeón. Los desfiles dirigidos por bandas de música de tipo occidental son comunes, a menudo compiten en volumen con una banda de shawm / chuigushou.
En el sur de Fujian y Taiwán, Nanyin o Nanguan es un género de baladas tradicionales. Son cantados por una mujer acompañada de un xiao y un pipa, así como de otros instrumentos tradicionales. La música en general es triste y generalmente se trata de una mujer enamorada. Más al sur, en Shantou, Hakka y Chaozhou, los conjuntos erxian y zheng son populares. Los ensambles de Sizhu usan flautas e instrumentos de cuerda curvados o punteados para hacer música armoniosa y melodiosa que se ha vuelto popular en Occidente entre algunos oyentes. Estos son populares en Nanjing y Hangzhou, así como en otros lugares a lo largo del área sur del Yangtze. Sizhu ha sido secularizado en las ciudades pero sigue siendo espiritual en las áreas rurales. Jiangnan Sizhu (música de seda y bambú de Jiangnan) es un estilo de música instrumental, a menudo interpretada por músicos aficionados en casas de té en Shanghai; se ha vuelto ampliamente conocido fuera de su lugar de origen. Guangdong Music o Cantonese Music es música instrumental de Guangzhou y sus alrededores. Se basa en la música de Yueju (ópera cantonesa), junto con nuevas composiciones de la década de 1920 en adelante. Muchas piezas tienen influencias del jazz y la música occidental, utilizando la síncopa y el triple tiempo. Esta música cuenta historias, mitos y leyendas.
Traditional folk music of Sri Lanka
The genre of Sri Lankan music is known as Oriental music. The art, music and dances of Sri Lanka derives from the elements of nature, and have been enjoyed and developed in the Buddhist environment.The music is of several types and uses only a few types of instruments. The folk songs and poems were used in social gatherings to work together. The Indian influenced classical music has grown to be unique. The traditional drama, music and songs are typically Sri Lankan. The temple paintings and carvings used birds, elephants, wild animals, flowers and trees, and the Traditional 18 Dancesdisplay the dancing of birds and animals. For example:
- Mayura Wannama – The dance of the peacock
- Hanuma Wannama – The dance of the monkey
- Gajaga Wannama – The dance of the elephant
Musical types include:
- Local drama music includes Kolam, Nadagam and Noorthy types. Kolam music is based on low country tunes primarily to accompany mask dance in exorcism rituals. It is considered less developed/evolved, true to the folk tradition and a preserving of a more ancient artform. It is limited to approximately 3–4 notes and is used by the ordinary people for pleasure and entertainment.
- Nadagam music is a more developed form of drama influenced from South Indian street drama which was introduced by some south Indian Artists. Phillippu Singho from Negombo in 1824 Performed “Harishchandra Nadagama” in Hnguranketha which was originally written in Telingu language. Later “Maname”, “Sanda kinduru” and few others were introduced. Don Bastian of Dehiwala introduced Noorthy firstly by looking at Indian dramas and then John De Silva developed it as did Ramayanaya in 1886.
- Sinhala light music is currently the most popular type of music in Sri Lanka and enriched with the influence of folk music, kolam music, nadagam music, noorthy music, film music, classical music, western music, and others. Some artists visited India to learn music and later started introducing light music. Ananda Samarakone was the pioneer of this and also composed the national anthem.
The classical Sinhalese Orchestra consists of five categories of instruments, but among the percussion instruments, the drum is essential for dance. The vibrant beat of the rhythm of the drums form the basic of the dance. The dancers feet bounce off the floor and they leap and swirl in patterns that reflect the complex rhythms of the drum beat. This drum beat may seem simple on the first hearing but it takes a long time to master the intricate rhythms and variations, which the drummer sometimes can bring to a crescendo of intensity. There are six common types of drums falling within 3 styles (one-faced, two-faced, and flat-faced):
- The typical Sinhala Dance is identified as the Kandyan dance and the Gatabera drum is indispensable to this dance.
- Yak-bera is the demon drum or the, drum used in low country dance in which the dancers wear masks and perform devil dancing, which has become a highly developed form of art.
- The Dawula is a barrel-shaped drum, and it was used as a companion drum in the past, to keep strict time with the beat.
- The Thammattama is flat, two-faced drum. The drummer strikes the drum on the two surfaces on top with sticks, unlike the others where you drum on the sides. This is a companion drum to the afore mentioned Dawula.
- A small double headed hand drum, used to accompany songs. It is mostly heard in the poetry dances (vannam).
- The Rabana is a flat faced circular drum and comes in several sizes. The large Rabana has to be placed on the floor like a circular short-legged table and several people (especially the womenfolk) can sit around it and beat on it with both hands. This is used in festivals such as the Sinhalese New Year and ceremonies such as weddings. The resounding beat of the Rabana symbolizes the joyous moods of the occasion. The small Rabana is a form of mobile drum beat, since the player carries it wherever he goes.
Other instruments include:
- The "Thalampata" – 2 small cymbals joined together by a string.
- The wind section, is dominated by an instrument akin to the clarinet. This is not normally used for the dances. This is important to note because the Sinhalese dance is not set to music as the western world knows it; rhythm is king.
- The flutes of metal such as silver & brass produce shrill music to accompany Kandyan Dances, while the plaintive strains of music of the reed flute may pierce the air in devil-dancing. The conch-shell(Hakgediya) is another form of a natural instrument, and the player blows it to announce the opening of ceremonies of grandeur.
- The Ravanahatha (ravanhatta, rawanhattha, ravanastron or ravana hasta veena) is a bowed fiddle popular in Western India. It is believed to have originated among the Hela civilisation of Sri Lanka in the time of King Ravana. The bowl is made of cut coconut shell, the mouth of which is covered with goat hide. A dandi, made of bamboo, is attached to this shell. The principal strings are two: one of steel and the other of a set of horsehair. The long bow has jingle bells
Australia
Folk song traditions were taken to Australia by early settlers from England, Scotland and Ireland and gained particular foothold in the rural outback. The rhyming songs, poems and tales written in the form of bush ballads often relate to the itinerant and rebellious spirit of Australia in The Bush, and the authors and performers are often referred to as bush bards. The 19th century was the golden age of bush ballads. Several collectors have catalogued the songs including John Meredith whose recording in the 1950s became the basis of the collection in the National Library of Australia.
The songs tell personal stories of life in the wide open country of Australia. Typical subjects include mining, raising and droving cattle, sheep shearing, wanderings, war stories, the 1891 Australian shearers' strike, class conflicts between the landless working class and the squatters (landowners), and outlaws such as Ned Kelly, as well as love interests and more modern fare such as trucking. The most famous bush ballad is "Waltzing Matilda", which has been called "the unofficial national anthem of Australia".
Indigenous Australian music includes the music of Australian Aborigines and Torres Strait Islanders, who are collectively called Indigenous Australians; it incorporates a variety of distinctive traditional musicstyles practiced by Indigenous Australian peoples, as well as a range of contemporary musical styles of and fusion with European traditions as interpreted and performed by indigenous Australian artists. Music has formed an integral part of the social, cultural and ceremonial observances of these peoples, down through the millennia of their individual and collective histories to the present day. The traditional forms include many aspects of performance and musical instrumentation unique to particular regions or Indigenous Australian groups. Equal elements of musical tradition are common through much of the Australiancontinent, and even beyond. The culture of the Torres Strait Islanders is related to that of adjacent parts of New Guinea and so their music is also related. Music is a vital part of Indigenous Australians' cultural maintenance.
Europa
Música tradicional celta
La música celta es un término usado por artistas, compañías discográficas, tiendas de música y revistas de música para describir una amplia agrupación de géneros musicales que evolucionaron a partir de las tradiciones musicales populares de los pueblos celtas. Estas tradiciones incluyen las tradiciones irlandesa, escocesa, manchega, de Cornualles, Galesa y bretona. La música asturiana y gallega a menudo se incluye, aunque no hay investigaciones significativas que demuestren que tenga una relación musical cercana. Brittany's Folk revival comenzó en la década de 1950 con el "bagadoù" y el "kan-ha-diskan" antes de crecer a la fama mundial a través del trabajo de Alan Stivell desde mediados de la década de 1960.
En Irlanda, The Clancy Brothers y Tommy Makem (aunque sus miembros fueron todos nacidos en Irlanda, el grupo se hizo famoso mientras estaban basados en Greenwich Village de Nueva York), The Dubliners, Clannad, Planxty, The Chieftains, The Pogues, The Corrs, The Irish Rovers, y una variedad de otras bandas populares han hecho mucho durante las últimas décadas para revitalizar y popularizar la música tradicional irlandesa. Estas bandas estaban enraizadas, en mayor o menor medida, en una tradición de música irlandesa y se beneficiaron de los esfuerzos de artistas como Seamus Ennis y Peter Kennedy.
En Escocia, The Corries, Silly Wizard, Capercaillie, Runrig, Jackie Leven, Julie Fowlis, Karine Polwart, Alasdair Roberts, Dick Gaughan, Wolfstone, Boys of the Lough y The Silencers han mantenido al pueblo escocés vibrante y fresco mezclando el tradicional escocés y Canciones populares gaélicas con géneros más contemporáneos. Estos artistas también han tenido éxito comercial en Europa continental y América del Norte. Hay una riqueza emergente de talento en la escena musical tradicional escocesa, con bandas como Mànran, Skipinnish, Barluath y Breabach y artistas solistas como Patsy Reid, Robyn Stapleton y Mischa MacPherson que han obtenido muchos éxitos en los últimos años.
Europa central y oriental
Durante la era comunista, el estado promovió activamente el baile popular nacional en el Bloque del Este. Grupos de danza de Rusia y Polonia recorrieron la Europa no comunista desde aproximadamente 1937 hasta 1990. El Coro del Ejército Rojo grabó muchos álbumes. Europa del Este es también el origen de la tradición judía Klezmer.
Ľubomír Párička tocando la gaita, República Checa
La polka es una danza centroeuropea y también un género de música de baile familiar en toda Europa y América. Se originó a mediados del siglo XIX en Bohemia. Polka sigue siendo un género popular de música popular en muchos países europeos y es interpretado por artistas populares en Polonia, Letonia, Lituania, República Checa, Holanda, Croacia, Eslovenia, Alemania, Hungría, Austria, Suiza, Italia, Ucrania, Bielorrusia, Rusia. y Eslovaquia. Las variedades locales de esta danza también se encuentran en los países nórdicos, Reino Unido, República de Irlanda, América Latina (especialmente México) y en los Estados Unidos.
Volkslieder alemán perpetuado por Liederhandschriften manuscritos como Carmina Burana se remontan a las tradiciones medievales de Minnesang y Meistersinger. Esas canciones populares revivieron a fines del siglo XVIII en el período del Romanticismo alemán, primero promovido por Johann Gottfried Herder y otros defensores de la Ilustración, compilado más tarde por Achim von Arnim y Clemens Brentano ( Des Knaben Wunderhorn ) y por Ludwig Uhland.
El género Volksmusik y las danzas folclóricas, especialmente en las regiones alpinas de Baviera, Austria, Suiza ( Kuhreihen ) y Tirol del Sur, hasta la actualidad se ha nutrido de comunidades rústicas en el contexto de la industrialización. Destacan las chabolas bajas alemanas o el Wienerlied ( Schrammelmusik ). excepciones La música popular eslovena en la Alta Carniola y Estiria también se originó a partir de las tradiciones alpinas. El Volksmusik tradicional no debe confundirse con las variaciones comerciales de Volkstümliche Musik , muy relacionadas con la música alemana de Schlager.
El grupo húngaro Muzsikás realizó numerosas giras por Estados Unidos y participó en la película de Hollywood The English Patient, mientras que la cantante Márta Sebestyén trabajó con la banda Deep Forest. El movimiento táncház húngaro , iniciado en la década de 1970, implica una fuerte cooperación entre expertos en musicología y entusiastas aficionados. Sin embargo, la música tradicional húngara y la cultura popular apenas sobrevivieron en algunas zonas rurales de Hungría, y también ha comenzado a desaparecer entre los húngaros étnicos en Transilvania. El movimiento táncház revivió las tradiciones populares más amplias de la música, la danza y el vestuario en conjunto y creó un nuevo tipo de club de música. El movimiento se extendió a comunidades étnicas húngaras en otras partes del mundo.
Música balcánica
The Balkan folk music was influenced by the mingling of Balkan ethnic groups in the period of Ottoman Empire. It comprises the music of Bosnia and Herzegovina, Bulgaria, Greece, Montenegro, Serbia, Romania, Republic of Macedonia, Albania, Turkey, some of the historical states of Yugoslavia or the State Union of Serbia and Montenegro and geographical regions such as Thrace. Some music is characterised by complex rhythm.
A notable act is The Mystery Of The Bulgarian Voices, which won a Grammy Award in 1989.
An important part of the whole Balkan folk music is the music of the local Romani ethnic minority.
Nordic folk music
La música folclórica nórdica incluye una serie de tradiciones en el norte de Europa, especialmente en los países escandinavos. En general, se considera que los países nórdicos incluyen a Islandia, Noruega, Finlandia, Suecia y Dinamarca. A veces se toma para incluir Groenlandia e históricamente los países bálticos de Estonia, Letonia y Lituania.
Las muchas regiones de los países nórdicos comparten ciertas tradiciones, muchas de las cuales divergieron significativamente. Es posible agrupar a los estados bálticos (o, a veces, solo a Estonia) y partes del noroeste de Rusia como partícipes de similitudes culturales, en contraste con Noruega, Suecia, Dinamarca y las islas atlánticas de Islandia y las Islas Faroe. La cultura inuit de Groenlandia tiene sus propias tradiciones musicales, influenciadas por la cultura escandinava. Finlandia comparte muchas similitudes culturales con las naciones bálticas y las naciones escandinavas. Los saami de Suecia, Noruega, Finlandia y Rusia tienen su propia cultura única, con vínculos con las culturas vecinas.
La música popular sueca es un género de música basado en gran parte en el trabajo de colección folklórica que comenzó a principios del siglo XIX en Suecia. El instrumento principal de la música folclórica sueca es el violín. Otro instrumento común, único en las tradiciones suecas, es el nyckelharpa. La mayoría de la música instrumental folk sueca es música de baile; la música de la firma y la forma de baile dentro de la música popular sueca es la polska. Las tradiciones vocales e instrumentales en Suecia han tendido a compartir melodías históricamente, aunque se han realizado por separado. Comenzando con el renacimiento de la música popular de la década de 1970, los vocalistas e instrumentistas también han comenzado a tocar juntos en conjuntos de música folclórica.
América Latina y América del Sur
La música folklórica en las Américas consiste en el encuentro y unión de tres tipos musicales principales: música tradicional europea, música tradicional de los nativos americanos y música tribal africana que llegó entre los esclavos, las principales diferencias consisten en el tipo particular de cada una de estas pendientes principales .
Un caso particular de música latina y sudamericana apunta a la música andina, entre otros estilos musicales nativos (como caribeño, pampeano y selvático), la música ibérica (España y Portugal) y la música tribal africana en general, que se fusionaron evolucionando en formas musicales diferenciadas a lo largo de América del Sur y Central.
La música andina proviene del área general habitada por los quechuas, aymaras y otros pueblos que aproximadamente en el área del Imperio Inca antes del contacto europeo. Incluye música folclórica de partes de Argentina, Bolivia, Ecuador, Chile, Colombia, Perú y Venezuela. La música andina es popular en diferentes grados en América Latina, teniendo su público principal en las áreas rurales y entre las poblaciones indígenas. El movimiento Nueva Canción de la década de 1970 revivió el género en América Latina y lo compró en lugares desconocidos u olvidados.
Nueva canción es un movimiento y género dentro de la música latinoamericana e ibérica de la música folclórica, la música de inspiración popular y la música socialmente comprometida. En algunos aspectos, su desarrollo y su papel es similar al segundo renacimiento de la música popular. Esto incluye la evolución de este nuevo género de la música folclórica tradicional, la música folclórica esencialmente contemporánea, excepto que ese término de género inglés no se aplica comúnmente. Se reconoce que Nueva cancion jugó un papel poderoso en las convulsiones sociales en Portugal, España y América Latina durante los años setenta y ochenta.
Nueva cancion surgió por primera vez durante la década de 1960 como "The Chilean New Song" en Chile. El estilo musical surgió poco después en España y otras áreas de América Latina, donde se llegó a conocer con nombres similares. Nueva canción renovó la música folclórica tradicional latinoamericana, y pronto se asoció con movimientos revolucionarios, la Nueva Izquierda latinoamericana, la Teología de la Liberación, movimientos hippies y de derechos humanos debido a las letras políticas. Ganaría gran popularidad en toda América Latina, y es considerado como un precursor de Rock en español.
Cueca es una familia de estilos musicales y bailes asociados de Chile, Bolivia, Perú y Argentina.
Trova e hijo son estilos de música tradicional cubana originarios de la provincia de Oriente que incluyen influencias de la canción y el baile españoles como Bolero y contradanza, así como ritmos afrocubanos y elementos de percusión.
Moda de viola es el nombre diseñado para la música folclórica brasileña. A menudo se realiza con una guitarra acústica de nylon de 6 cuerdas, pero el instrumento más tradicional es la viola caipira. Las canciones básicamente detallaban la dureza de la vida de quienes trabajan en el país. Los temas generalmente están asociados con la tierra, los animales, el folclore, el amor imposible y la separación. Aunque hay algunas canciones alegres, la mayoría son nostálgicas y melancólicas.
Norteamérica
Canadá
Canada's traditional folk music is particularly diverse. Even prior to liberalizing its immigration laws in the 1960s, Canada was ethnically diverse with dozens of different Indigenous and European groups present. In terms of music, academics do not speak of a Canadian tradition, but rather ethnic traditions (Acadian music, Irish-Canadian music, Blackfoot music, Innu music, Inuit music, Métis fiddle, etc.) and later in Eastern Canada regional traditions (Newfoundland music, Cape Breton fiddling, Quebecois music, etc.)
"Knowledge of the history of Canada", wrote Isabelle Mills in 1974, "is essential in understanding the mosaic of Canadian folk song. Part of this mosaic is supplied by the folk songs of Canada brought by European and Anglo-Saxon settlers to the new land." She describes how the French colony at Québec brought French immigrants, followed before long by waves of immigrants from Great Britain, Germany, and other European countries, all bringing music from their homelands, some of which survives into the present day. Ethnographer and folklorist Marius Barbeau estimated that well over ten thousand French folk songs and their variants had been collected in Canada. Many of the older ones had by then died out in France.
La música como entretenimiento pagado profesionalizado creció de forma relativamente lenta en Canadá, especialmente en áreas rurales remotas, hasta el siglo XIX y principios del XX. Mientras que en la música urbana los clubes de la sala de baile / vaudevillevariety se hicieron populares, seguidos por el jazz, la zona rural de Canadá se mantuvo principalmente como una tierra de música tradicional. Sin embargo, cuando las cadenas de radio estadounidenses comenzaron a transmitir en Canadá en los años 1920 y 1930, la audiencia de la música tradicional canadiense disminuyó progresivamente a favor de la música country y los estilos urbanos al estilo de Nashville, como el jazz. La americanización de la música canadiense llevó a la Canadian Radio League a cabildear para una emisora pública nacional en la década de 1930, lo que finalmente condujo a la creación de Canadian Broadcasting Corporation (CBC) en 1936. La CBC promovió la música canadiense, incluida la música tradicional. en su radio y más tarde en los servicios de televisión, pero la locura de mediados de siglo por todo lo "moderno" condujo al declive de la música popular en relación con el rock y el pop. Sin embargo, Canadá fue influenciado por el renacimiento de la música popular de la década de 1960, cuando locales como el Montreal Folk Workshop y otros clubes populares y cafeterías de todo el país se convirtieron en crisoles para compositores e intérpretes emergentes, así como para el intercambio con artistas que visitaban en el extranjero.
Estados Unidos
La música tradicional estadounidense también se llama música roots. La música de Roots es una categoría amplia de música que incluye bluegrass, música country, gospel, música antigua, bandas de jarras, folk de los Apalaches, blues, cajún y música de nativos americanos. La música se considera estadounidense ya sea porque es originaria de los Estados Unidos o porque se desarrolló allí, fuera de orígenes extranjeros, hasta el punto de que llamó a los musicólogos como algo claramente nuevo. Se considera "música de raíces" porque sirvió como la base de la música desarrollada más tarde en los Estados Unidos, incluido el rock and roll, la música folk contemporánea, el rhythm and blues y el jazz. Algunos de estos géneros se consideran música folclórica tradicional.
- La música cajún, una música emblemática de Louisiana, tiene sus raíces en las baladas de los acadios de Canadá de habla francesa. La música cajún a menudo se menciona en tándem con la forma zydeco influenciada por Cajun y criolla, ambas de origen Acadiana. Estos sonidos franceses de Louisiana han influido en la música popular estadounidense durante muchas décadas, especialmente en la música country, y han influido en la cultura pop a través de los medios de comunicación, como los comerciales de televisión.
- La música apalache es la música tradicional de la región de los Apalaches en el este de los Estados Unidos. Se deriva de varias influencias europeas y africanas, incluidas las baladas inglesas, la música tradicional irlandesa y escocesa (especialmente la música de violín), los himnos y el blues afroamericano. Grabados por primera vez en la década de 1920, los músicos de los Apalaches fueron una influencia clave en el desarrollo temprano de la música de antaño, la música country y el bluegrass, y fueron una parte importante del resurgimiento de la música folk estadounidense. Los instrumentos típicamente utilizados para tocar música apalache incluyen el banjo, el violín americano, el dulcimer con trastes y la guitarra. Los primeros músicos apalaches registrados incluyen a Fiddlin 'John Carson, Henry Whitter, Bascom Lamar Lunsford, la familia Carter, Clarence Ashley, Frank Proffitt y Dock Boggs, todos los cuales se grabaron inicialmente en los años 1920 y 1930. Varios músicos apalaches obtuvieron renombre durante el renacimiento popular de los años 1950 y 1960, incluyendo a Jean Ritchie, Roscoe Holcomb, Ola Belle Reed, Lily May Ledford y Doc Watson. Artistas de country y bluegrass como Loretta Lynn, Roy Acuff, Dolly Parton, Earl Scruggs, Chet Atkins y Don Reno fueron fuertemente influenciados por la música tradicional de los Apalaches. Artistas como Bob Dylan, Dave Van Ronk, Jerry Garcia y Bruce Springsteen han interpretado canciones apalaches o versiones reescritas de canciones apalaches. y Don Reno estuvo muy influenciado por la música tradicional de los Apalaches. Artistas como Bob Dylan, Dave Van Ronk, Jerry Garcia y Bruce Springsteen han interpretado canciones apalaches o versiones reescritas de canciones apalaches. y Don Reno estuvo muy influenciado por la música tradicional de los Apalaches. Artistas como Bob Dylan, Dave Van Ronk, Jerry Garcia y Bruce Springsteen han interpretado canciones apalaches o versiones reescritas de canciones apalaches.
- La familia Carter fue un grupo de música folclórica estadounidense tradicional que grabó entre 1927 y 1956. Su música tuvo un profundo impacto en los músicos de bluegrass, country, gospel del sur, pop y rock. Fueron el primer grupo vocal en convertirse en estrellas de la música country; un comienzo de la divergencia de la música country de la música folclórica tradicional. Sus grabaciones de canciones como "Wabash Cannonball" (1932), "Will the Circle Be Unbroken" (1935), "Wildwood Flower" (1928) y "Keep On the Sunny Side" (1928) las convirtieron en estándares nacionales.
- Oklahoma y las llanuras del sur de los Estados Unidos: antes de la historia registrada, los indios estadounidenses en esta área usaban canciones e instrumentos; la música y la danza siguen siendo el núcleo de las actividades ceremoniales y sociales. "Stomp dance" permanece en su núcleo, una forma de llamada y respuesta; la instrumentación es proporcionada por cascabeles o grilletes que se usan en las piernas de las mujeres. "Otras naciones del sureste tienen sus propios complejos de canciones sagradas y sociales, incluidas las danzas de animales y bailes de amistad, y canciones que acompañan a los juegos de stickball. Central de la música de los indios del sur de las llanuras es el tambor, que se ha llamado latido del corazón La música india de Plains. La mayor parte de ese género se remonta a actividades de caza y guerra, en las que se basó la cultura de las llanuras ". El tambor es fundamental para la música de los indios de las llanuras del sur. Durante el período de reserva, usaron música para aliviar el aburrimiento. Los vecinos se reunieron, intercambiaron y crearon canciones y danzas; esto es parte de las raíces del powwow intertribal moderno. Otro instrumento común es la flauta de cortejo.
- African American folk music in the area has roots in slavery and emancipation. Sacred music—a capella and instrumentally-accompanied—is at the heart of the tradition. Early spirituals framed Christian beliefs within native practices and were heavily influenced by the music and rhythms of Africa." Spirituals are prominent, and often use a call and response pattern. "Gospel developed after the Civil War (1861–65). It relied on biblical text for much of its direction, and the use of metaphors and imagery was common. Gospel is a "joyful noise", sometimes accompanied by instrumentation and almost always punctuated by hand clapping, toe tapping, and body movement." "Shape-note or sacred harp singing developed in the early 19th century as a way for itinerant singing instructors to teach church songs in rural communities. They taught using song books in which musical notations of tones were represented by geometric shapes that were designed to associate a shape with its pitch. Sacred harp singing became popular in many Oklahoma rural communities, regardless of ethnicity." Later the blues tradition developed, with roots in and parallels to sacred music. Then jazz developed, born from a blend of "blend of ragtime, gospel, and blues"
- Anglo-Scots-Irish music traditions gained a place in Oklahoma after the Land Run of 1889. Because of its size and portability, the fiddle was the core of early Oklahoma Anglo music, but other instruments such as the guitar, mandolin, banjo, and steel guitar were added later. Various Oklahoma music traditions trace their roots to the British Isles, including cowboy ballads, western swing, and contemporary country and western." Mexican immigrants began to reach Oklahoma in the 1870s, bringing beautiful canciones and corridos love songs, waltzes, and ballads along with them. Like American Indian communities, each rite of passage in Hispanic communities is accompanied by traditional music. The acoustic guitar, string bass, and violin provide the basic instrumentation for Mexican music, with maracas, flute, horns, or sometimes accordion filling out the sound. Other Europeans (such as Bohemians and Germans) settled in the late 19th century. Their social activities centered on community halls, "where local musicians played polkas and waltzes on the accordion, piano, and brass instruments". Later, Asians contributed to the musical mix. "Ancient music and dance traditions from the temples and courts of China, India, and Indonesia are preserved in Asian communities throughout the state, and popular song genres are continually layered on to these classical music forms"
Revivals de música folclórica
"Se autoperpetúa, es regenerativo. Es lo que llamarías una perenne canción estadounidense. No creo que necesite un renacimiento, una reanimación. Vive y florece. Realmente solo necesita personas que tengan 18 años para estar expuestas a Pero la continuará con o sin ellos. La canción popular es más poderosa que cualquier cosa en la radio, que cualquier cosa que se lance ... Es esa destilación de voces que dura mucho, mucho tiempo, y eso es los hace fuertes ".
Ketch Secor
El "renacimiento de la música popular" se refiere a un período de renovado interés en la música folclórica tradicional, o a un evento o período que la transforma; este último generalmente incluye un componente de activismo social. Un ejemplo prominente del primero es el renacimiento popular británico de aproximadamente 1890-1920. El ejemplo más prominente e influyente de este último (en la medida en que generalmente se llama " el renacimiento de la música popular") es el renacimiento popular de mediados del siglo XX, centrado en el mundo de habla inglesa que dio origen a la música folclórica contemporánea. Vea el artículo "Música folk contemporánea" para una descripción de este avivamiento.
Un renacimiento anterior influyó en la música clásica occidental. Algunos compositores como Percy Grainger, Ralph Vaughan Williams y Béla Bartók hicieron grabaciones de campo o transcripciones de cantantes y músicos populares.
En España, Isaac Albéniz (1860-1909) produjo obras para piano que reflejan su herencia española, incluida la Suite Iberia (1906-1909). Enrique Granados (1867-1918) compuso zarzuela , ópera ligera española, y Danzas Españolas - Danzas españolas. Manuel de Falla (1876-1946) se interesó por el cante jondo del flamenco andaluz, cuya influencia puede sentirse fuertemente en muchas de sus obras, que incluyen Noches en los jardines de España y Siete canciones populares españolas. ("Seven Spanish Folksongs", para voz y piano). Compositores como Fernando Sor y Francisco Tarrega establecieron la guitarra como el instrumento nacional de España. Abundan los artistas populares españoles modernos (Mil i Maria, Russian Red, et al.) Que se modernizan respetando las tradiciones de sus antepasados.
El flamenco creció en popularidad durante el siglo XX, al igual que los estilos del norte, como la música celta de Galicia. Los compositores clásicos franceses, desde Bizet hasta Ravel, también se inspiraron en temas españoles, y los géneros españoles distintivos se hicieron universalmente reconocidos.
Los avivamientos de música folclórica o los avivamientos de raíces también abarcan una serie de fenómenos en todo el mundo en los que hay un renovado interés por la música tradicional. Esto es a menudo por los jóvenes, a menudo en la música tradicional de su propio país, y a menudo incluye una nueva incorporación de la conciencia social, las causas y las evoluciones de la nueva música en el mismo estilo. Nueva canción, una evolución similar de una nueva forma de música comprometida socialmente ocurrió en varios países de habla hispana.
Primer renacimiento popular británico
El "primer" renacimiento popular británico fue un renacimiento de las raíces que se produjo aproximadamente entre 1890 y 1920 y estuvo marcado por un mayor interés en la música tradicional y su preservación. Surgió de desarrollos anteriores, tal vez combinados con cambios en la naturaleza de la identidad británica, condujo a un intento mucho más intensivo y académico de registrar lo que se consideraba una tradición desaparecida, y ahora se lo conoce como el primer renacimiento popular inglés o británico. .
Música folclórica contemporánea
Festivales
- Estados Unidos
A veces se afirma que el festival folclórico más antiguo fue el Festival de Danza de Montaña y Folk, 1928, en Asheville, Carolina del Norte, fundado por Bascom Lamar Lunsford. El National Folk Festival (EE. UU.) Es un festival folclórico itinerante en los Estados Unidos. Desde 1934, ha sido administrado por el Consejo Nacional para las Artes Tradicionales (NCTA) y ha sido presentado en 26 comunidades de todo el país. Después de dejar algunas de estas comunidades, el National Folk Festival se ha dividido en varios festivales folklóricos locales, incluyendo el Lowell Folk Festival, el Richmond Folk Festival, el American Folk Festival y, más recientemente, el Montana Folk Festival.
El Newport Folk Festival es un festival folclórico anual que se celebra cerca de Newport, Rhode Island. Corrió la mayor parte del año desde 1959 hasta 1970, y desde 1985 hasta el presente, con una asistencia de aproximadamente 10,000 personas.
El Festival Folclórico de Filadelfia, de cuatro días de duración, comenzó en 1962. Está patrocinado por la organización sin fines de lucro Philadelphia Folksong Society. El evento alberga artistas contemporáneos y tradicionales en géneros como World / Fusion, Celtic, Cantante / Compositor, Folk Rock, Country, Klezmer y Dance. Se celebra anualmente el tercer fin de semana de agosto. El evento ahora alberga aproximadamente 12,000 visitantes, presentando bandas en 6 etapas.
La Fiesta de la Luna de los Cazadores en Indiana atrae aproximadamente 60,000 visitantes por año.
- Reino Unido
El Festival de Sidmouth comenzó en 1954, y el Festival de Folk de Cambridge comenzó en 1965. El Festival de Folk de Cambridge en Cambridge, Inglaterra se caracteriza por tener una definición muy amplia de quiénes pueden ser invitados como músicos folklóricos. Las "carpas de club" permiten a los asistentes descubrir un gran número de artistas desconocidos, quienes, durante diez o 15 minutos cada uno, presentan su trabajo a la audiencia del festival.
- Australia
El National Folk Festival es el principal festival de folk de Australia y cuenta con la asistencia de más de 50,000 personas. el Woodford Folk Festival, el National Folk Festival y el Port Fairy Folk Festival se encuentran entre los mayores eventos anuales más importantes de Australia, y atraen a los mejores artistas folklóricos internacionales, así como a muchos artistas locales.
- Canadá
Stan Rogers es un accesorio duradero del festival folklórico canadiense Summerfolk, que se celebra anualmente en Owen Sound, Ontario, donde el escenario principal y el anfiteatro están dedicados como el "Canopy Memorial de Stan Rogers". El festival está firmemente arraigado en la tradición, con la canción de Rogers "The Mary Ellen Carter" cantada por todos los involucrados, incluida la audiencia y una mezcla de actos en el festival. El Canmore Folk Music Festival es el festival de música folclórica más antiguo de Alberta.
- Otro
Urkult Näsåker, Ångermanland, celebrada en agosto de cada año, es supuestamente el festival de música mundial más grande de Suecia.
Obtenido de: https://en.wikipedia.org/wiki/Folk_music