Realismo (artes)
Definición
El realismo, a veces llamado naturalismo , en las artes es generalmente el intento de representar el tema con sinceridad, sin artificialidad y evitando convenciones artísticas, o elementos inverosímiles, exóticos y sobrenaturales. El realismo ha prevalecido en las artes en muchos períodos, y puede ser en gran parte una cuestión de técnica y entrenamiento, y la evitación de la estilización.
En las artes visuales, el realismo ilusionista es la descripción precisa de las formas de vida, la perspectiva y los detalles de la luz y el color. Pero las obras de arte realistas o naturalistas pueden, tanto o en lugar del realismo ilusionista, ser "realistas" en su tema de estudio y enfatizar lo mundano, lo feo o lo sórdido. Esto es típico del movimiento realista del siglo XIX que comenzó en Francia en la década de 1850, después de la Revolución de 1848, y también del realismo social, el regionalismo o el realismo de los fregaderos de cocina. Los pintores realistas rechazaron el Romanticismo, que había llegado a dominar la literatura y el arte franceses, con raíces a fines del siglo XVIII.
Ha habido varios movimientos que invocan el realismo en las otras artes, como el estilo de ópera del verismo, el realismo literario, el realismo teatral y el cine neorrealista italiano.
Artes visuales
El realismo es la representación precisa, detallada y precisa en el arte de la apariencia visual de escenas y objetos, es decir, se dibuja con precisión fotográfica. El realismo en este sentido también se llama naturalismo, mimesis o ilusionismo. El arte realista fue creado en muchos períodos, y es en gran parte una cuestión de técnica y entrenamiento, y la evitación de la estilización. Se vuelve especialmente marcado en la pintura europea en la pintura neerlandesa temprana de Jan van Eyck y otros artistas en el siglo XV. Sin embargo, tal "realismo" se usa a menudo para representar, por ejemplo, ángeles con alas, que no eran cosas que los artistas hayan visto en la vida real. Del mismo modo, los pintores del movimiento del arte del Realismo del siglo XIX, como Gustave Courbet, no son especialmente conocidos por la descripción precisa y cuidadosa de las apariencias visuales; en Courbet ' tiempo que era más a menudo una característica de la pintura académica, que muy a menudo representaba con gran habilidad y cuidado escenas artificiales y artificiales, o escenas históricas imaginarias. Es la elección y el tratamiento de la materia que define el Realismo como un movimiento en la pintura, en lugar de la atención cuidadosa a las apariencias visuales. Otros términos como naturalismo, naturalista y "verista" no escapan a la misma ambigüedad, aunque la distinción entre "realista" (generalmente relacionado con la apariencia visual) y "realista" es a menudo útil, como lo es el término "ilusionista" para la precisión prestación de apariencias visuales. Es la elección y el tratamiento de la materia que define el Realismo como un movimiento en la pintura, en lugar de la atención cuidadosa a las apariencias visuales. Otros términos como naturalismo, naturalista y "verista" no escapan a la misma ambigüedad, aunque la distinción entre "realista" (generalmente relacionado con la apariencia visual) y "realista" es a menudo útil, como lo es el término "ilusionista" para la precisión prestación de apariencias visuales. Es la elección y el tratamiento de la materia que define el Realismo como un movimiento en la pintura, en lugar de la atención cuidadosa a las apariencias visuales. Otros términos como naturalismo, naturalista y "verista" no escapan a la misma ambigüedad, aunque la distinción entre "realista" (generalmente relacionado con la apariencia visual) y "realista" es a menudo útil, como lo es el término "ilusionista" para la precisión prestación de apariencias visuales.
Realismo ilusionista
El desarrollo de una representación cada vez más precisa de las apariencias visuales de las cosas tiene una larga historia en el arte. Incluye elementos tales como la representación precisa de la anatomía de humanos y animales, de la perspectiva y los efectos de la distancia, y de los efectos detallados de la luz y el color. El arte del paleolítico superior en Europa logró representaciones de animales notablemente reales, y el arte del antiguo Egipto desarrolló convenciones que involucraban tanto la estilización como la idealización que, sin embargo, permitieron la producción de descripciones muy efectivas de forma muy amplia y consistente. El arte griego antiguo se reconoce comúnmente como un gran avance en la representación de la anatomía, y desde entonces ha seguido siendo un modelo influyente. No hay obras originales en paneles o paredes de los grandes pintores griegos sobreviven, pero a partir de relatos literarios, y el corpus sobreviviente de obras derivadas (en su mayoría obras greco-romanas en mosaico) está claro que el ilusionismo fue muy valorado en la pintura. La famosa historia de Pliny the Elder de pájaros picoteando uvas pintadas por Zeuxis en el siglo V aC bien puede ser una leyenda, pero indica la aspiración de la pintura griega. Además de la precisión en la forma, la luz y el color, las pinturas romanas muestran un conocimiento no científico pero efectivo de la representación de objetos distantes más pequeños que los más cercanos, y representan formas geométricas regulares como el techo y las paredes de una habitación con perspectiva. Este progreso en los efectos ilusionistas de ninguna manera significaba un rechazo del idealismo; estatuas de dioses y héroes griegos intentan representar con exactitud formas idealizadas y hermosas, aunque otras obras, como las cabezas del famoso Sócrates, se les permitió caer por debajo de estos estándares ideales de belleza. El retrato romano, cuando no está bajo demasiada influencia griega, muestra un mayor compromiso con una representación veraz de sus temas.
El arte de la Antigüedad tardía rechazó al ilusionismo por la fuerza expresiva, un cambio que ya estaba en marcha cuando el cristianismo comenzó a afectar el arte de la élite. En Occidente, las normas clásicas del ilusionismo no comenzaron a alcanzarse nuevamente hasta el período tardomedieval o del Renacimiento temprano, y fueron ayudadas por el desarrollo de nuevas técnicas de pintura al óleo que permitían que los efectos muy sutiles y precisos de la luz se pintaran con luz muy pequeña. pinceles y varias capas de pintura y esmalte. Los métodos científicos para representar la perspectiva se desarrollaron en Italia y se extendieron gradualmente por Europa, y la precisión en la anatomía se redescubrió bajo la influencia del arte clásico. Como en la época clásica, el idealismo siguió siendo la norma.
La descripción exacta del paisaje en pintura también se desarrolló en la pintura neorlandesa temprana y renacentista, y luego se elevó a un nivel muy alto en la pintura holandesa del Siglo de Oro del siglo XVII, con técnicas muy sutiles para describir una gama de condiciones climáticas y grados de luz natural. Después de ser otro desarrollo de la pintura Early Netherlandish, en 1600 el retrato europeo podía dar una muy buena similitud tanto en pintura como en escultura, aunque los sujetos a menudo se idealizaban mediante rasgos suavizados o dándoles una pose artificial. Las pinturas de naturalezas muertas y los elementos de naturaleza muerta en otras obras desempeñaron un papel considerable en el desarrollo de la pintura ilusionista, aunque en la tradición holandesa de pintura de flores les faltaba mucho "realismo", ya que generalmente se usaban flores de todas las estaciones, ya sea por el hábito de ensamblar composiciones a partir de dibujos individuales, o como una convención deliberada; las grandes muestras de ramos de flores en jarrones, aunque cerca de las modernas exhibiciones de flores cortadas que han influenciado, eran completamente atípicas de los hábitos del siglo XVII, donde las flores se mostraban una a la vez. Curiosamente, habiendo dirigido el desarrollo de la pintura ilusionista, la naturaleza muerta iba a ser igualmente significativa en su abandono en el cubismo.
Realismo o naturalismo como la representación de temas comunes y cotidianos
La representación de temas cotidianos comunes en el arte también tiene una larga historia, aunque a menudo se exprimía en los bordes de las composiciones, o se mostraba en una escala más pequeña. Esto se debió en parte a que el arte era costoso y, por lo general, se lo encargaba por razones religiosas, políticas o personales específicas, lo que permitía dedicar una cantidad relativamente pequeña de espacio o esfuerzo a tales escenas. Drolleries en los márgenes de los manuscritos iluminados medievales a veces contienen pequeñas escenas de la vida cotidiana, y el desarrollo de la perspectiva creó grandes áreas de fondo en muchas escenas al aire libre que podrían hacerse más interesantes al incluir pequeñas figuras sobre su vida cotidiana. El arte medieval y del Renacimiento temprano por convención usualmente mostraba figuras no sagradas en vestimenta contemporánea,
La pintura neerlandesa temprana trajo la pintura de retratos tan abajo en la escala social como los comerciantes prósperos de Flandes, y en algunos de estos, notablemente el retrato de Arnolfini por Jan van Eyck (1434), y más a menudo en escenas religiosas como el Altarpiece de Merode incluyen representaciones muy detalladas de interiores de clase media llenos de objetos amorosamente representados. Sin embargo, estos objetos están, al menos en gran parte, allí porque tienen capas de significado complejo y simbolismo que socavan cualquier compromiso con el realismo por sí mismo. Los ciclos de los Trabajos de los meses en el arte medieval tardío, de los cuales muchos ejemplos sobreviven en libros de horas, se concentran en campesinos que trabajan en diferentes tareas a través de las estaciones, a menudo en un rico paisaje, y fueron significativos tanto en representación de personas de la clase trabajadora diaria.
En el siglo XVI había una moda para la representación en grandes cuadros de escenas de personas trabajando, especialmente en los mercados de alimentos y cocinas: en muchos los alimentos se les da tanta importancia como los trabajadores. Los artistas incluyeron a Pieter Aertsen y su sobrino Joachim Beuckelaer en los Países Bajos, trabajando en un estilo esencialmente manierista, y en Italia al joven Annibale Carracci en la década de 1580, usando un estilo muy puro, con Bartolomeo Passerotti entre los dos. Pieter Bruegel el Viejo fue pionero en grandes escenas panorámicas de la vida campesina. Esas escenas actuaron como un preludio de la popularidad de las escenas de trabajo en la pintura de género en el siglo XVII, que aparecieron en toda Europa, con la pintura holandesa de la Edad de Oro surgiendo varios subgéneros diferentes de tales escenas, los Bamboccianti (aunque en su mayoría de los Países Bajos) en Italia, y en España el género de bodegones, y la introducción de campesinos no idealizados en las pinturas de historia de Jusepe de Ribera y Velázquez. Los hermanos Le Nain en Francia y muchos artistas flamencos como Adriaen Brouwer y David Teniers el Viejo y el Joven pintaron campesinos, pero rara vez gente de la ciudad. En el siglo XVIII, las pequeñas pinturas de personas que trabajaban permanecieron populares, en su mayoría recurriendo a la tradición holandesa, y especialmente a las mujeres.
Gran parte del arte que representa a la gente común, especialmente en forma de grabados, era cómico y moralista, pero la mera pobreza de los sujetos parece haber sido relativamente rara vez parte del mensaje moral. Desde mediados del siglo XIX en adelante, esto cambió y se enfatizaron las dificultades de la vida para los pobres. A pesar de esta tendencia que coincide con la migración a gran escala del campo a las ciudades en la mayor parte de Europa, los pintores todavía tendían a pintar a la gente pobre del campo, dejando a ilustradores como Gustave Doré para mostrar los horrores de los barrios marginales de la ciudad. Las escenas callejeras llenas de gente eran populares entre los impresionistas y pintores relacionados, especialmente los que mostraban París.
A menudo se pedía a los iluminadores de manuscritos medievales que ilustraran la tecnología, pero después del Renacimiento tales imágenes continuaban en ilustraciones de libros y grabados, pero con la excepción de la pintura marina desapareció en gran parte hasta finales de la Revolución Industrial, escenas de las cuales fueron pintadas por algunos pintores. como Joseph Wright of Derby y Philip James de Loutherbourg. Tales temas probablemente no se vendieron muy bien, y hay una notable ausencia de industria, aparte de unas pocas escenas de ferrocarriles, en la pintura hasta finales del siglo 19, cuando las obras comenzaron a ser encargadas, por lo general por los industriales o por las instituciones en las ciudades industriales, a menudo a gran escala, y a veces se les da un tratamiento casi heroico.
El realismo estadounidense, un movimiento de principios del siglo XX, es uno de los muchos movimientos modernos que utilizan el realismo en este sentido.
Diego Velázquez, El almuerzo de los agricultores , c. 1620
Adriaen Brouwer, Interior de una taberna , c. 1630
Quiringh van Brekelenkam, Interior de una sastrería , 1653
Giacomo Ceruti, Mujeres que trabajan con encaje de almohada , 1720
Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Woman Cleaning Turnips , c. 1738, Alte Pinakothek.
Jean-Baptiste Greuze, La lavandera , 1761
Sir Luke Fildes, El viudo , 1876
William Bell Scott Iron and Coal, 1855-60
Movimiento realista
El movimiento realista comenzó a mediados del siglo XIX como una reacción al romanticismo y la pintura histórica. A favor de las representaciones de la vida "real", los pintores realistas utilizaron trabajadores comunes, y las personas comunes en entornos ordinarios se involucraron en actividades reales como sujetos de sus obras. Sus principales exponentes fueron Gustave Courbet, Jean-François Millet, Honoré Daumier y Jean-Baptiste-Camille Corot. Según Ross Finocchio, anteriormente del Departamento de Pinturas Europeas en el Museo Metropolitano de Arte, los realistas utilizaron detalles sin pretensiones que representan la existencia de la vida contemporánea ordinaria, coincidiendo en la literatura naturalista contemporánea de Émile Zola, Honoré de Balzac y Gustave Flaubert.
Gustave Courbet, Stone-Breakers , 1849.
Jean-François Millet, The Gleaners , 1857
Honoré Daumier, Les Joueurs d'échecs (Los jugadores de ajedrez), 1863
Jean-Baptiste-Camille Corot, niña leyendo , 1868
Jules Bastien-Lepage, octubre de 1878, Galería Nacional de Victoria
El movimiento realista francés tenía equivalentes en todos los demás países occidentales, y se desarrolló algo más tarde. En particular, el grupo Peredvizhniki o Wanderers en Rusia que se formó en la década de 1860 y organizó exposiciones desde 1871 incluía muchos realistas como Ilya Repin, Vasily Perov e Ivan Shishkin, y tuvo una gran influencia en el arte ruso. En Gran Bretaña, artistas como Hubert von Herkomer y Luke Fildes tuvieron un gran éxito con pinturas realistas que trataban temas sociales.
Vasily Perov, Los ahogados , 1867
Vladimir Makovsky, "Filántropos" , 1874
Ilya Repin, procesión religiosa en la provincia de Kursk , 1880-83
Hubert von Herkomer, Tiempos difíciles 1885
Realismo o naturalismo como resistencia a la idealización
El realismo o el naturalismo como estilo, es decir, la representación honesta y no idealizadora del tema, se puede utilizar para representar cualquier tipo de tema, sin ningún compromiso de tratar lo típico o lo cotidiano. A pesar del idealismo general del arte clásico, esto también tenía precedentes clásicos, que resultaron útiles a la hora de defender tales tratamientos en el Renacimiento y el Barroco. Demetrius de Alopece fue un escultor del siglo IV aC cuya obra (ahora perdida) prefería el realismo a la belleza ideal, y durante la Antigua República Romana incluso los políticos prefirieron una representación veraz en los retratos, aunque los primeros emperadores favorecieron el idealismo griego. Los retratos de Goya de la familia real española representan una especie de pico en el retrato honesto y francamente poco favorecedor de personas importantes.
Una tendencia recurrente en el arte cristiano fue el "realismo" que enfatizaba la humanidad de las figuras religiosas, sobre todo Cristo y sus sufrimientos físicos en su Pasión. Siguiendo las tendencias de la literatura devocional, esto se desarrolló en la Baja Edad Media, donde algunas esculturas pintadas de madera en particular se desviaron hacia lo grotesco para retratar a Cristo cubierto de heridas y sangre, con la intención de estimular al espectador a meditar sobre el sufrimiento que Cristo en su nombre. Estos fueron especialmente encontrados en Alemania y Europa Central. Después de disminuir en el Renacimiento, obras similares reaparecieron en el Barroco, especialmente en la escultura española.
Los teóricos del Renacimiento abrieron un debate, que duró varios siglos, sobre el equilibrio correcto entre el arte del dibujo y la observación de la naturaleza y de las formas idealizadas, típicamente las encontradas en los modelos clásicos, o el trabajo de otros artistas en general. Todos admitieron la importancia de lo natural, pero muchos creyeron que debería idealizarse en diversos grados para incluir solo lo bello. Leonardo da Vinci fue uno de los que defendió el estudio puro de la naturaleza, y quiso representar toda la gama de variedades individuales de formas en la figura humana y otras cosas. Leon Battista Alberti fue un idealizador temprano, haciendo hincapié en lo típico, con otros como Miguel Ángel apoyando la selección de los más bellos, se negó a hacer retratos por esa razón.
En el siglo XVII el debate continuó, en Italia usualmente se centraba en el contraste entre el relativo "idealismo clásico" de los Carracci y el estilo "naturalista" de los Caravaggisti, o seguidores de Caravaggio, quienes pintaban escenas religiosas como si estuvieran ambientadas en el calles secundarias de las ciudades italianas contemporáneas, y usó "naturalista" como una autodescripción. Bellori, escribiendo algunas décadas después de la temprana muerte de Caravaggio, y no es partidario de su estilo, se refiere a "Aquellos que se glorían en el nombre de los naturalistas" ( naturalistas ).
En el siglo XIX el "naturalismo" o la " escuela naturalista ""fue un tanto artificialmente erigido como un término que representa un submovimiento separatista del realismo, que intentó (no del todo con éxito) distinguirse de su padre por su evitación de la política y las cuestiones sociales, y le gustaba proclamar una base cuasi científica, jugando en el sentido de "naturalista" como un estudiante de la historia natural, como las ciencias biológicas eran generalmente conocidas. El autor del término fue el crítico de arte francés Jules-Antoine Castagnary, quien en 1863 anunció que: "La escuela naturalista declara que el arte es la expresión de la vida bajo todas las fases y en todos los niveles, y su único objetivo es reproducir la naturaleza llevándola a su máximo poder e intensidad: es verdad equilibrada con la ciencia ". Émile Zola adoptó el término con un científico similar énfasis para sus objetivos en la novela.La pintura mucho naturalista cubría una gama de temas similar a la del impresionismo, pero con estilos de pinceladas más cerradas y más tradicionales, y en paisajes a menudo con un clima más sombrío.
El término "continuó siendo utilizado indiscriminadamente para varios tipos de realismo" durante varias décadas, a menudo como un término general para el arte que estaba fuera del impresionismo y los movimientos posteriores del Modernismo y que tampoco era arte académico. Los últimos períodos de la escuela francesa de Barbizon y la escuela de pintura de Düsseldorf, con sus estudiantes de muchos países y en el regionalismo estadounidense del siglo XX, son movimientos que a menudo también se describen como "naturalistas", aunque el término se usa raramente en la pintura británica. . Algunos historiadores de arte recientes han profundizado la confusión al reclamar a Courbet o los impresionistas por la etiqueta.
Pietà gótica tardía de Lubiąż en la Baja Silesia, Polonia, ahora en el Museo Nacional de Varsovia
Jean-François Raffaëlli, Afueras de París , 1880
William Bliss Baker, pintor naturalista estadounidense, Fallen Monarchs , 1886
Pekka Halonen, naturalista finlandés, pioneros en Karelia , 1900
Literatura
Ampliamente definido como "la fiel representación de la realidad", el realismo como movimiento literario se basaba en la "realidad objetiva". Se centró en mostrar las actividades cotidianas y la vida, principalmente en la sociedad de clase media o baja, sin una idealización o dramatización romántica. Puede considerarse como el intento general de representar a los sujetos tal como se los considera que existen en la realidad objetiva en tercera persona, sin adornos ni interpretaciones y "de acuerdo con las reglas seculares y empíricas". Como tal, el enfoque implica inherentemente la creencia de que tal realidad es ontológicamente independiente de los esquemas conceptuales, las prácticas lingüísticas y las creencias del género humano, y por lo tanto puede ser conocida (o cognoscible) por el artista, que a su vez puede representar fielmente esta "realidad". Como dice Ian Watt, el realismo moderno "
Mientras que la era romántica precedente también fue una reacción contra los valores de la Revolución Industrial, el realismo fue a su vez una reacción al romanticismo, y por esta razón también se lo denomina de manera despectiva como el "realismo burgués" "tradicional". Algunos escritores de la literatura victoriana produjeron obras de realismo. Las rigideces, convenciones y otras limitaciones del "realismo burgués" provocaron a su vez la revuelta etiquetada más tarde como modernismo; a partir de 1900, el motivo principal de la literatura modernista fue la crítica al orden social burgués del siglo XIX y la visión del mundo, que fue contrarrestada con un programa antirracionalista, antirrealista y antiburgués.
Teatro
El logro del realismo en el teatro fue dirigir la atención a los problemas sociales y psicológicos de la vida ordinaria. En sus dramas, las personas emergen como víctimas de fuerzas más grandes que ellos mismos, como individuos enfrentados a un mundo que se acelera rápidamente. Estos dramaturgos pioneros no tenían miedo de presentar a sus personajes como ordinarios, impotentes e incapaces de llegar a respuestas a sus predicamentos. Este tipo de arte representa lo que vemos con nuestros ojos humanos.
Cine
El neorrealismo italiano fue un movimiento cinematográfico que incorporó elementos de realismo que se desarrollaron en la Italia posterior a la Segunda Guerra Mundial. Notables neorrealistas incluyen a Vittorio De Sica, Luchino Visconti y Roberto Rossellini.
Ópera
Verismo era una tradición operística post-romántica asociada con compositores italianos como Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano, Francesco Cilea y Giacomo Puccini. Intentaron llevar el naturalismo de influyentes escritores de finales del siglo XIX como Émile Zola y Henrik Ibsen a la ópera. El estilo comenzó en 1890 con la primera presentación de Cavalleria rusticana de Mascagni , que alcanzó su punto máximo a principios del siglo XX.
Obtenido de: https://en.wikipedia.org/wiki/Realism_(arts)