Pintura
Definición
Pintar es la práctica de aplicar pintura, pigmento, color u otro medio sobre una superficie sólida (base de soporte). El medio se aplica comúnmente a la base con un cepillo, pero se pueden usar otros implementos, como cuchillos, esponjas y aerógrafos.
La pintura es un modo de expresión creativa, y se puede hacer de muchas formas. El dibujo, el gesto (como en la pintura gestual), la composición, la narración (como en el arte narrativo) o la abstracción (como en el arte abstracto), entre otros modos estéticos, pueden servir para manifestar la intención expresiva y conceptual del practicante. Las pinturas pueden ser naturalistas y representativas (como en una naturaleza muerta o paisajística), fotográficas, abstractas, narrativas, simbolistas (como en el arte simbolista), emotivas (como en el expresionismo), o de naturaleza política (como en el Artivismo).
Una parte de la historia de la pintura en el arte oriental y occidental está dominada por el arte religioso. Ejemplos de este tipo de pintura van desde obras de arte que representan figuras mitológicas en cerámica, a escenas bíblicas techo de la Capilla Sixtina, a escenas de la vida de Buda u otras imágenes de origen religioso oriental.
En el arte, el término pintura describe tanto el acto como el resultado de la acción. El soporte para pinturas incluye superficies tales como paredes, papel, lienzo, madera, vidrio, laca, cerámica, hojas, cobre y hormigón, y la pintura puede incorporar muchos otros materiales, incluyendo arena, arcilla, papel, yeso, pan de oro, así como objetos. El término pintura también se usa fuera del arte como un intercambio común entre artesanos y constructores.
Elementos de la pintura
Color y tono
El color, compuesto de matiz, saturación y valor, disperso sobre una superficie es la esencia de la pintura, así como el tono y el ritmo son la esencia de la música. El color es altamente subjetivo, pero tiene efectos psicológicos observables, aunque estos pueden diferir de una cultura a otra. El negro está asociado con el duelo en Occidente, pero en el este, el blanco es. Algunos pintores, teóricos, escritores y científicos, incluidos Goethe, Kandinsky y Newton, han escrito su propia teoría del color.
Además, el uso del lenguaje es solo una abstracción para un equivalente de color. La palabra "rojo", por ejemplo, puede cubrir una amplia gama de variaciones del rojo puro del espectro visible de la luz. No existe un registro formalizado de diferentes colores en la forma en que hay acuerdo sobre diferentes notas en la música, como F o C♯. Para un pintor, el color no se divide simplemente en colores básicos (primarios) y derivados (complementarios o mezclados) (como rojo, azul, verde, marrón, etc.).
Los pintores tratan prácticamente con los pigmentos, por lo que "azul" para un pintor puede ser cualquiera de los azules: azul de ftalocianina, azul de Prusia, índigo, azul cobalto, azul ultramar, etc. Los significados psicológicos y simbólicos del color no son, estrictamente hablando, medios de pintura. Los colores solo se agregan al contexto derivado de significados potenciales y, debido a esto, la percepción de una pintura es altamente subjetiva. La analogía con la música es bastante clara: el sonido en la música (como una nota C) es análogo a la "luz" en pintura, "matices" a la dinámica y "coloración" a la pintura como el timbre específico de los instrumentos musicales a la música. Estos elementos no necesariamente forman una melodía (en la música) de ellos mismos; más bien, pueden agregarle diferentes contextos.
Elementos no tradicionales
Los artistas modernos han ampliado considerablemente la práctica de la pintura para incluir, por ejemplo, el collage, que comenzó con el cubismo y no pinta en sentido estricto. Algunos pintores modernos incorporan diferentes materiales como arena, cemento, paja o madera para su textura. Ejemplos de esto son los trabajos de Jean Dubuffet y Anselm Kiefer. Existe una creciente comunidad de artistas que usan computadoras para "pintar" el color en un "lienzo" digital utilizando programas como Adobe Photoshop, Corel Painter y muchos otros. Estas imágenes se pueden imprimir en lienzos tradicionales si es necesario.
Ritmo
El ritmo es importante en la pintura como lo es en la música. Si uno define el ritmo como "una pausa incorporada en una secuencia", entonces puede haber ritmo en las pinturas. Estas pausas permiten que la fuerza creativa intervenga y agregue nuevas creaciones: forma, melodía y coloración. La distribución de la forma o cualquier tipo de información es de importancia crucial en la obra de arte dada, y afecta directamente el valor estético de ese trabajo. Esto se debe a que el valor estético depende de la funcionalidad, es decir, la libertad (de movimiento) de la percepción se percibe como belleza. El flujo libre de energía, en el arte y en otras formas de "techne", contribuye directamente al valor estético.
Historia
Las pinturas más antiguas que se conocen se encuentran en el Grotte Chauvet en Francia, que según algunos historiadores tienen aproximadamente 32,000 años de antigüedad. Están grabados y pintados con pigmento rojo y negro, y muestran caballos, rinocerontes, leones, búfalos, mamuts, diseños abstractos y lo que posiblemente sean figuras humanas parciales. Sin embargo, la evidencia más temprana del acto de pintar se ha descubierto en dos refugios rocosos en Arnhem Land, en el norte de Australia. En la capa más baja de material en estos sitios, se usan piezas de ocre estimadas en 60,000 años. Los arqueólogos también han encontrado un fragmento de pintura rupestre conservada en un refugio rocoso de piedra caliza en la región de Kimberley en el noroeste de Australia, que data de hace 40,000 años. Hay ejemplos de pinturas rupestres en todo el mundo: en Italia, Francia, España, Portugal, China, Australia, México, etc. En las culturas occidentales, la pintura al óleo y la acuarela tienen tradiciones ricas y complejas en estilo y tema. En Oriente, la tinta y el color de tinta históricamente predominaron en la elección de los medios, con tradiciones igualmente ricas y complejas.
La invención de la fotografía tuvo un gran impacto en la pintura. En las décadas posteriores a la producción de la primera fotografía en 1829, los procesos fotográficos mejoraron y se generalizaron, privando a la pintura de gran parte de su propósito histórico de proporcionar un registro preciso del mundo observable. Una serie de movimientos artísticos a fines del siglo XIX y principios del siglo XX -principalmente impresionismo, postimpresionismo, fauvismo, expresionismo, cubismo y dadaísmo- desafió la visión renacentista del mundo. La pintura oriental y africana, sin embargo, continuó una larga historia de estilización y no sufrió una transformación equivalente al mismo tiempo.
El arte moderno y contemporáneo se ha alejado del valor histórico de la artesanía y la documentación en favor del concepto, lo que lleva a algunos a decir, en la década de 1960, que la pintura como una forma de arte seria está muerta. Esto no ha disuadido a la mayoría de los pintores vivos de continuar practicando la pintura como un todo o parte de su trabajo. La vitalidad y versatilidad de la pintura en el siglo XXI desafía las "declaraciones" anteriores de su desaparición. En una época caracterizada por la idea de pluralismo, no hay consenso en cuanto a un estilo representativo de la época. Los artistas continúan realizando importantes obras de arte en una amplia variedad de estilos y temperamentos estéticos: sus méritos se dejan al público y al mercado para juzgarlos.
Estética y teoría
La estética es el estudio del arte y la belleza; era un tema importante para los filósofos de los siglos XVIII y XIX, como Kant y Hegel. Filósofos clásicos como Platón y Aristóteles también teorizaron sobre el arte y la pintura en particular. Platón ignoró a los pintores (así como a los escultores) en su sistema filosófico; sostuvo que la pintura no puede representar la verdad; es una copia de la realidad (una sombra del mundo de las ideas) y no es más que un oficio, similar a la fabricación de zapatos o de hierro. En tiempos de Leonardo, la pintura se había convertido en una representación más fiel de la verdad que la pintura en la Antigua Grecia. Leonardo da Vinci, por el contrario, dijo que "Italiano: La Pittura è cosa mentale " ("Inglés: la pintura es una cuestión de la mente"). Kant distinguió entre la Belleza y lo Sublime, en términos que claramente le daban prioridad a la primera. Aunque no se refirió a la pintura en particular, este concepto fue retomado por pintores como JMW Turner y Caspar David Friedrich.
Hegel reconoció el fracaso de alcanzar un concepto universal de belleza y, en su ensayo estético, escribió que la pintura es una de las tres artes "románticas", junto con la poesía y la música, por su propósito simbólico y altamente intelectual. Los pintores que han escrito obras teóricas sobre pintura incluyen Kandinsky y Paul Klee. En su ensayo, Kandinsky sostiene que la pintura tiene un valor espiritual, y atribuye colores primarios a los sentimientos o conceptos esenciales, algo que Goethe y otros escritores ya habían intentado hacer.
La iconografía es el estudio del contenido de las pinturas, más que su estilo. Erwin Panofsky y otros historiadores del arte primero buscan comprender las cosas representadas, antes de ver su significado para el espectador en ese momento, y finalmente analizar su significado cultural, religioso y social más amplio.
En 1890, el famoso pintor parisino Maurice Denis afirmó: "Recuerda que una pintura -antes de ser un caballo de guerra, una mujer desnuda o una historia u otra- es esencialmente una superficie plana cubierta de colores ensamblados en cierto orden". Por lo tanto, muchos desarrollos de la pintura en el siglo XX, como el cubismo, fueron reflexiones sobre los medios de la pintura más que sobre la naturaleza externa del mundo, que previamente había sido su tema central. El pintor y escritor Julian Bell ha contribuido recientemente a pensar sobre la pintura. En su libro ¿Qué es la pintura? Bell discute el desarrollo, a través de la historia, de la noción de que las pinturas pueden expresar sentimientos e ideas. En Mirror of the World, Bell escribe:
Medios de pintura
Los diferentes tipos de pintura suelen identificarse por el medio en el que se suspende o incrusta el pigmento, lo que determina las características generales de trabajo de la pintura, como la viscosidad, la miscibilidad, la solubilidad, el tiempo de secado, etc.
Petróleo
La pintura al óleo es el proceso de pintar con pigmentos que están unidos a un medio de secado de aceite, como el aceite de linaza, que fue ampliamente utilizado en la Europa moderna. A menudo, el aceite se hervía con una resina como resina de pino o incluso incienso; estos fueron llamados 'barnices' y fueron apreciados por su cuerpo y brillo. La pintura al óleo finalmente se convirtió en el principal medio utilizado para crear obras de arte a medida que sus ventajas se hicieron ampliamente conocidas. La transición comenzó con la pintura Early Netherlandish en el norte de Europa, y en el apogeo del Renacimiento las técnicas de pintura al óleo habían reemplazado casi por completo las pinturas al temple en la mayoría de Europa.
Pastel
Pastel es un medio de pintura en forma de un palo, que consiste en pigmento en polvo puro y un aglutinante. Los pigmentos utilizados en los pasteles son los mismos que los utilizados para producir todos los medios de arte de colores, incluyendo pinturas al óleo; la carpeta es de un tono neutro y baja saturación. El efecto de color de los pasteles se acerca más a los pigmentos secos naturales que a cualquier otro proceso. Debido a que la superficie de una pintura en pastel es frágil y fácilmente manchada, su conservación requiere medidas de protección tales como enmarcar bajo vidrio; también se puede rociar con un fijador. Sin embargo, cuando se hace con pigmentos permanentes y se cuida adecuadamente, una pintura en pastel puede durar sin cambios durante siglos. Los pasteles no son susceptibles, como lo son las pinturas hechas con un medio fluido, al agrietamiento y la decoloración que resultan de los cambios en el color, opacidad,
Acrílico
La pintura acrílica es una pintura de secado rápido que contiene una suspensión de pigmento en una emulsión de polímero acrílico. Las pinturas acrílicas se pueden diluir con agua, pero se vuelven resistentes al agua cuando están secas. Dependiendo de cuánto se diluya la pintura (con agua) o se modifique con geles acrílicos, medios o pastas, la pintura acrílica terminada puede parecerse a una acuarela o pintura al óleo, o tener sus propias características únicas no alcanzables con otros medios. La principal diferencia práctica entre la mayoría de los acrílicos y las pinturas al óleo es el tiempo de secado inherente. Los aceites permiten más tiempo para mezclar colores y aplicar esmaltes uniformes sobre pinturas inferiores. Este aspecto de secado lento del aceite puede verse como una ventaja para ciertas técnicas, pero también puede impedir la habilidad del artista para trabajar rápidamente.
Acuarela
La acuarela es un método de pintura en el que las pinturas están hechas de pigmentos suspendidos en un vehículo soluble en agua. El soporte tradicional y más común para las pinturas de acuarelas es el papel; otros soportes incluyen papiro, papeles de corteza, plásticos, vitela o cuero, tela, madera y lona. En el este de Asia, la pintura de acuarela con tintas se conoce como pincel o pintura en rollo. En la pintura china, coreana y japonesa, ha sido el medio dominante, a menudo en monocromo negro o marrón. India, Etiopía y otros países también tienen una larga tradición. Pintar con los dedos con pinturas de acuarela originadas en China. Los lápices de acuarela (lápices de colores solubles en agua) pueden usarse en húmedo o en seco.
Tinta
Las pinturas de tinta se hacen con un líquido que contiene pigmentos y / o colorantes y se utiliza para colorear una superficie para producir una imagen, texto o diseño. La tinta se usa para dibujar con un bolígrafo, pincel o pluma. La tinta puede ser un medio complejo, compuesto por solventes, pigmentos, colorantes, resinas, lubricantes, solubilizantes, surfactantes, material particulado, fluorescentes y otros materiales. Los componentes de las tintas sirven para muchos propósitos; el portador, los colorantes y otros aditivos de la tinta controlan el flujo y el grosor de la tinta y su apariencia cuando está seca.
Cera caliente o encáustica
La pintura encáustica, también conocida como pintura con cera caliente, implica el uso de cera de abejas calentada a la cual se agregan pigmentos coloreados. Luego, el líquido / pasta se aplica a una superficie, generalmente madera preparada, aunque a menudo se usan lienzos y otros materiales. La mezcla encáustica más simple se puede hacer agregando pigmentos a la cera de abejas, pero hay varias otras recetas que se pueden usar, algunas contienen otros tipos de ceras, resina damar, aceite de linaza u otros ingredientes. Los pigmentos en polvo puros se pueden comprar y usar, aunque algunas mezclas usan pinturas al aceite u otras formas de pigmentos. Se pueden usar herramientas de metal y cepillos especiales para dar forma a la pintura antes de que se enfríe, o se pueden usar herramientas de metal calentadas para manipular la cera una vez que se haya enfriado en la superficie. Otros materiales pueden ser encapsulados o encolados en la superficie, o en capas,
La técnica era la habitual para las pinturas de paneles griegos y romanos antiguos, y se mantuvo en uso en la tradición del icono de Ortodox oriental.
Fresco
Fresco es uno de varios tipos de pintura mural relacionados, hecho en yeso en paredes o techos. La palabra fresco proviene de la palabra italiana affresco [affresːko] , que deriva de la palabra latina para fresco . Frescos a menudo se hicieron durante el Renacimiento y otros períodos tempranos. La técnica de Buon fresco consiste en pintar en pigmento mezclado con agua sobre una fina capa de mortero de cal húmeda y fresca o yeso, para lo cual se usa la palabra italiana para yeso, intonaco. Una pintura secco , por el contrario, se realiza en yeso seco (el secco es "seco" en italiano). Los pigmentos requieren un medio de unión, como huevo (témpera), pegamento o aceite para unir el pigmento a la pared.
Gouache
Gouache es una pintura a base de agua que consiste en pigmento y otros materiales diseñados para ser utilizados en un método de pintura opaca. El gouache difiere de la acuarela en que las partículas son más grandes, la proporción de pigmento en agua es mucho mayor, y un pigmento blanco adicional e inerte como la tiza también está presente. Esto hace que el gouache sea más pesado y más opaco, con mayores cualidades reflectantes. Como todos los medios acuáticos, se diluye con agua.
Esmalte
Los esmaltes se hacen pintando un sustrato, típicamente de metal, con vidrio en polvo; los minerales llamados óxidos de color proporcionan coloración. Después de disparar a una temperatura de 750-850 grados Celsius (1380-1560 grados Fahrenheit), el resultado es una laminación fundida de vidrio y metal. A diferencia de la mayoría de las técnicas pintadas, la superficie puede manipularse y humedecerse. Los esmaltes se han utilizado tradicionalmente para la decoración de objetos preciosos, pero también se han utilizado para otros fines. El esmalte de Limoges fue el centro principal de la pintura de esmalte del Renacimiento, con pequeñas escenas religiosas y mitológicas en entornos decorados, en placas u objetos como sales o cofres. En el siglo XVIII, la pintura de esmalte gozaba de moda en Europa, especialmente como medio para miniaturas de retratos. A fines del siglo XX,
Pintura en aerosol
La pintura en aerosol (también llamada pintura en aerosol) es un tipo de pintura que viene en un recipiente presurizado sellado y se libera en una neblina fina al presionar un botón de la válvula. Una forma de pintura en aerosol, pintura en aerosol deja una superficie lisa, uniformemente recubierta. Las latas de tamaño estándar son portátiles, económicas y fáciles de almacenar. La imprimación en aerosol se puede aplicar directamente sobre metal desnudo y muchos plásticos.
La velocidad, la portabilidad y la permanencia también hacen que la pintura en aerosol sea un medio de graffiti común. A fines de la década de 1970, las firmas y los murales de los grafiteros callejeros se hicieron más elaborados y se desarrolló un estilo único como un factor del medio de aerosol y la velocidad requerida para el trabajo ilícito. Muchos ahora reconocen el graffiti y el arte callejero como una forma de arte única y las pinturas en aerosol fabricadas específicamente para el artista del graffiti. Una plantilla protege una superficie, excepto la forma específica que se pintará. Los esténciles se pueden comprar como letras movibles, ordenados como logotipos cortados profesionalmente o cortados a mano por artistas.
Pintura al temple
Tempera, también conocido como témpera de huevo, es un medio de pintura de secado rápido y permanente que consiste en pigmento coloreado mezclado con un medio aglutinante soluble en agua (generalmente un material glutinoso como la yema de huevo o algún otro tamaño). Tempera también se refiere a las pinturas hechas en este medio. Las pinturas de témpera son muy duraderas, y todavía existen ejemplos de los primeros siglos EC. El témpera de huevo fue un método primario de pintura hasta después de 1500 cuando fue reemplazado por la invención de la pintura al óleo. Una pintura comúnmente llamada témpera (aunque no lo es) que consiste en pigmento y pegamento de tamaño es comúnmente utilizada y algunos fabricantes en los Estados Unidos la utilizan como pintura para carteles.
Pintura al aceite miscible en agua
Las pinturas de aceite miscible en agua (también llamadas "solubles en agua" o "mezclables con agua") son una variedad moderna de pintura al óleo diseñada para ser diluida y limpiada con agua, en lugar de tener que usar productos químicos como trementina. Se puede mezclar y aplicar usando las mismas técnicas que la pintura tradicional a base de aceite, pero cuando aún está mojado, se puede quitar efectivamente de los pinceles, paletas y trapos con agua y jabón común. Su solubilidad en agua proviene del uso de un medio de aceite en el que un extremo de la molécula se ha alterado para unirse libremente a las moléculas de agua, como en una solución.
Pintura digital
La pintura digital es un método para crear un objeto artístico (pintura) digitalmente y / o una técnica para hacer arte digital en la computadora. Como método para crear un objeto de arte, adapta el medio de pintura tradicional, como pintura acrílica, aceites, tinta, acuarela, etc. y aplica el pigmento a soportes tradicionales, como tela de lona tejida, papel, poliéster, etc., mediante computadora. software de manejo de maquinaria robótica o de oficina industrial (impresoras). Como técnica, se refiere a un programa de software de gráficos por computadora que utiliza un lienzo virtual y una caja de pinceles virtuales, colores y otros suministros. La caja virtual contiene muchos instrumentos que no existen fuera de la computadora, y que le dan a una obra de arte digital una apariencia diferente de una obra de arte que se hace de la manera tradicional. Además, la pintura digital no es ' arte generado por computadora ya que la computadora no crea automáticamente imágenes en la pantalla usando algunos cálculos matemáticos. Por otro lado, el artista usa su propia técnica de pintura para crear la pieza de trabajo particular en la computadora.
Estilos de pintura
El estilo se usa en dos sentidos: puede referirse a los elementos visuales distintivos, las técnicas y los métodos que tipifican el trabajo de un artista individual . También puede referirse al movimiento o escuela con el que está asociado un artista. Esto puede provenir de un grupo real con el que el artista estuvo conscientemente involucrado o puede ser una categoría en la que los historiadores del arte han colocado al pintor. La palabra "estilo" en el último sentido ha caído en desuso en las discusiones académicas sobre la pintura contemporánea, aunque continúa usándose en contextos populares. Tales movimientos o clasificaciones incluyen lo siguiente:
occidental
Modernismo
El modernismo describe tanto un conjunto de tendencias culturales como una serie de movimientos culturales asociados, que originalmente surgieron de cambios a gran escala y de largo alcance en la sociedad occidental a fines del siglo XIX y principios del siglo XX. El modernismo fue una rebelión contra los valores conservadores del realismo. El término abarca las actividades y resultados de aquellos que sentían que las formas "tradicionales" de arte, arquitectura, literatura, fe religiosa, organización social y vida cotidiana estaban obsoletas en las nuevas condiciones económicas, sociales y políticas de un mundo emergente plenamente industrializado. Una característica sobresaliente del modernismo es la autoconciencia. Esto a menudo condujo a experimentos con la forma y el trabajo que llama la atención sobre los procesos y materiales utilizados (y hacia la tendencia adicional de la abstracción).
Impresionismo
El primer ejemplo del modernismo en la pintura fue el impresionismo, una escuela de pintura que inicialmente se centró en el trabajo realizado, no en los estudios, sino en el exterior ( en plein air ). Las pinturas impresionistas demostraron que los seres humanos no ven los objetos, sino que ven la luz misma. La escuela reunió partidarios a pesar de las divisiones internas entre sus principales practicantes, y se volvió cada vez más influyente. Inicialmente rechazados de la muestra comercial más importante de la época, el Salón de París patrocinado por el gobierno, los impresionistas organizaron exposiciones grupales anuales en locales comerciales durante los años 1870 y 1880, sincronizándolos para coincidir con el Salón oficial. Un acontecimiento significativo de 1863 fue el Salon des Refusés, creado por el emperador Napoleón III para mostrar todas las pinturas rechazadas por el Salón de París.
Estilos abstractos
La pintura abstracta utiliza un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con un grado de independencia de las referencias visuales en el mundo. El expresionismo abstracto fue un movimiento artístico estadounidense posterior a la Segunda Guerra Mundial que combinó la intensidad emocional y la abnegación de los expresionistas alemanes con la estética antifigurativa de las escuelas abstractas europeas, como el futurismo, la Bauhaus y el cubismo, y la imagen del ser rebelde, anárquico, muy idiosincrásico y, para algunos, nihilista.
La pintura de acción, a veces llamada abstracción gestual , es un estilo de pintura en el que la pintura es goteada espontáneamente, salpicada o untada sobre el lienzo, en lugar de aplicarse con cuidado. El trabajo resultante a menudo enfatiza el acto físico de pintarse a sí mismo como un aspecto esencial del trabajo terminado o la preocupación de su artista. El estilo fue generalizado desde la década de 1940 hasta principios de la década de 1960, y está estrechamente relacionado con el expresionismo abstracto (algunos críticos han usado los términos "pintura de acción" y "expresionismo abstracto" de manera intercambiable).
Otros estilos modernistas incluyen:
- Campo de color
- Abstracción lírica
- Pintura de borde duro
- Arte pop
Arte forastero
El término arte forastero fue acuñado por el crítico de arte Roger Cardinal en 1972 como sinónimo inglés de arte brut ( francés: [aʁ bʁyt] , "arte en bruto" o "arte rudo"), una etiqueta creada por el artista francés Jean Dubuffet para describir artcreated fuera de los límites de la cultura oficial; Dubuffet se centró particularmente en el arte de los internos de asilo insano. Outsider art se ha convertido en una exitosa categoría de mercadotecnia de arte (desde 1992 se celebra una feria anual de Outsider Art Fair en Nueva York). El término a veces se aplica erróneamente como una etiqueta de marketing general para el arte creado por personas ajenas al "mundo del arte" convencional, independientemente de sus circunstancias o el contenido de su trabajo.
Fotorrealismo
El fotorrealismo es el género de la pintura basado en el uso de la cámara y las fotografías para recopilar información y luego a partir de esta información, creando una pintura que parece ser muy realista como una fotografía. El término se aplica principalmente a las pinturas del movimiento artístico de los Estados Unidos que comenzó a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970. Como un movimiento artístico de pleno derecho, el fotorrealismo evolucionó a partir del Pop Art y en contra del Expresionismo Abstracto.
El hiperrealismo es un género de pintura y escultura que se asemeja a una fotografía de alta resolución. El hiperrealismo es una escuela de arte en toda regla y se puede considerar un avance del fotorrealismo por los métodos utilizados para crear las pinturas o esculturas resultantes. El término se aplica principalmente a un estilo de arte y movimiento de arte independiente en los Estados Unidos y Europa que se ha desarrollado desde principios de la década de 2000.
Surrealismo
El surrealismo es un movimiento cultural que comenzó a principios de la década de 1920 y es mejor conocido por las obras de arte visuales y los escritos de los miembros del grupo. Las obras de arte surrealistas presentan el elemento de sorpresa, yuxtaposiciones inesperadas y no sequitur; sin embargo, muchos artistas y escritores surrealistas consideran su trabajo como una expresión del movimiento filosófico en primer lugar, con las obras como un artefacto. El líder André Breton fue explícito en su afirmación de que el surrealismo era sobre todo un movimiento revolucionario.
El surrealismo se desarrolló a partir de las actividades Dada de la Primera Guerra Mundial y el centro más importante del movimiento fue París. Desde la década de 1920 en adelante, el movimiento se extendió por todo el mundo, y finalmente afectó a las artes visuales, la literatura, el cine y la música de muchos países e idiomas, así como a la práctica y el pensamiento político, la filosofía y la teoría social.
Lejano este
- chino
- dinastía Tang
- dinastia Ming
- Shan Shui
- Pintura de tinta y lavado
- Hua niao
- Escuela Sureña
- Zhe School
- Escuela Wu
- Contemporáneo
- japonés
- Yamato-e
- Rimpa escuela
- Emakimono
- Escuela Kanō
- Escuela Shijō
- Superflat
- coreano
islámico
- Miniatura persa
- Miniatura de Mughal
- Miniatura otomana
indio
- Escuela Oriya
- Escuela de Bengala
- Kangra
- Madhubani
- Mysore
- Rajput
- Mughal
- Samikshavad
- Tanjore
- Warli
- Pintura mural de Kerala
africano
- Tingatinga
Arte contemporáneo
1950
| 1960
| 1970
| Década de 1980
| Década de 1990
| 2000s
|
Tipos de pintura
Alegoría
Alegoría es un modo figurado de representación que transmite un significado distinto al literal. Alegoría comunica su mensaje mediante figuras simbólicas, acciones o representaciones simbólicas. La alegoría generalmente se trata como una figura de la retórica, pero una alegoría no tiene que expresarse en el lenguaje: puede dirigirse a la vista, y se encuentra a menudo en la pintura realista. Un ejemplo de una alegoría visual simple es la imagen de la parca. Los espectadores entienden que la imagen de la Parca es una representación simbólica de la muerte.
Bodegón
En el arte español, un bodegón es una pintura de bodegones que representa elementos de despensa, como vituallas, juegos y bebidas, a menudo dispuestos en una losa de piedra simple, y también una pintura con una o más figuras, pero elementos importantes de naturaleza muerta, generalmente en una cocina o taberna. Comenzando en el período Barroco, tales pinturas se hicieron populares en España en el segundo cuarto del siglo XVII. La tradición de la pintura de bodegones parece haber comenzado y era mucho más popular en los Países Bajos contemporáneos, hoy Bélgica y Países Bajos (entonces artistas flamencos y holandeses), que nunca en el sur de Europa. Los bodegones del norte tenían muchos subgéneros: el trompe-l'œil , el ramo de flores y las vanitas aumentaban la pieza del desayuno.. En España hubo muchos menos clientes para este tipo de cosas, pero un tipo de pieza de desayuno se hizo popular, con algunos objetos de comida y vajilla colocados sobre una mesa.
Figura pintura
Una pintura con figuras es una obra de arte en cualquiera de los medios de pintura, siendo el sujeto principal la figura humana, ya sea vestida o desnuda. La pintura de figuras también puede referirse a la actividad de crear tal trabajo. La figura humana ha sido uno de los temas de contraste del arte desde las primeras pinturas rupestres de la edad de piedra, y ha sido reinterpretada en varios estilos a lo largo de la historia. Algunos artistas conocidos por la pintura de figuras son Peter Paul Rubens, Edgar Degas y Édouard Manet.
Pintura de la ilustración
Las pinturas de ilustración son aquellas usadas como ilustraciones en libros, revistas y carteles de teatro o películas y cómics. Hoy, hay un interés creciente en coleccionar y admirar la obra de arte original. Varias exposiciones de museos, revistas y galerías de arte han dedicado espacio a los ilustradores del pasado. En el mundo del arte visual, los ilustradores a veces se han considerado menos importantes en comparación con los mejores artistas y diseñadores gráficos. Pero como resultado del crecimiento de la industria del cómic y el videojuego, las ilustraciones se están valorando como obras de arte populares y rentables que pueden adquirir un mercado más amplio que las otras dos, especialmente en Corea, Japón, Hong Kong y Estados Unidos.
Pintura de paisaje
La pintura de paisaje es un término que abarca la representación de paisajes naturales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques, y especialmente el arte, donde el sujeto principal es una vista amplia, con sus elementos dispuestos en una composición coherente. En otros trabajos, los fondos de paisaje para figuras aún pueden formar una parte importante del trabajo. El cielo casi siempre está incluido en la vista, y el clima a menudo es un elemento de la composición. Los paisajes detallados como un tema distinto no se encuentran en todas las tradiciones artísticas, y se desarrollan cuando ya existe una tradición sofisticada de representar otros temas. Las dos principales tradiciones surgen de la pintura occidental y el arte chino, y se remontan a más de mil años en ambos casos.
Retrato de pintura
Las pinturas de retrato son representaciones de una persona, en la que predomina la cara y su expresión. La intención es mostrar la semejanza, la personalidad e incluso el estado de ánimo de la persona. El arte del retrato floreció en la escultura del antiguo griego y especialmente en la romana, donde los asistentes exigían retratos individualizados y realistas, incluso los poco favorecedores. Uno de los retratos más conocidos en el mundo occidental es la pintura de Leonardo da Vinci titulada Mona Lisa , que se cree que es un retrato de Lisa Gherardini, la esposa de Francesco del Giocondo.
Naturaleza muerta
Una naturaleza muerta es una obra de arte que presenta principalmente temas inanimados, por lo general objetos comunes, que pueden ser naturales (alimentos, flores, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (vasos, libros, jarrones, joyas, monedas) , tuberías, etc.). Con orígenes en la Edad Media y en el arte griego / romano antiguo, las pinturas de naturaleza muerta le dan al artista más margen de maniobra en la disposición de los elementos de diseño dentro de una composición que las pinturas de otros tipos de temas, como el paisaje o el retrato. Las pinturas de naturalezas muertas, particularmente antes de 1700, a menudo contenían simbolismos religiosos y alegóricos relacionados con los objetos representados. Algunos bodegones modernos rompen la barrera bidimensional y emplean medios mixtos tridimensionales, y utilizan objetos encontrados, fotografías, gráficos por computadora, así como video y sonido.
Veduta
Una veduta es una pintura muy detallada, generalmente a gran escala, de un paisaje urbano o de alguna otra vista. Este género de paisaje se originó en Flandes, donde artistas como Paul Brilpainted vedute ya en el siglo XVI. A medida que el itinerario del Grand Tour se estandarizó un tanto, vedute de escenas familiares como el Foro Romano o el Gran Canal recordaba las aventuras iniciales del Continente para los aristócratas ingleses. A finales del siglo XIX, las impresiones más personales de los paisajes urbanos reemplazaron el deseo de precisión topográfica, que en cambio se satisfizo con los panoramas pintados.
Obtenido de: https://en.wikipedia.org/wiki/Painting