Orquesta
Definición
Una orquesta ( / ɔr k ɪ s t r ə / ; italiano: [orkɛstra] ) es un gran conjunto instrumental típico de la música clásica, que mezcla instrumentos de diferentes familias, incluyendo los instrumentos de cuerdas, tales como violín, viola, cello y doble bajo, así como instrumentos de percusión, instrumentos de viento y madera de latón, cada uno agrupado en secciones. Otros instrumentos, como el piano y la celesta, a veces pueden aparecer en una sección del quinto teclado o pueden estar solos, al igual que el arpa de concierto y, para actuaciones de algunas composiciones modernas, instrumentos electrónicos.
Una orquesta de tamaño completo a veces se puede llamar una orquesta sinfónica o una orquesta filarmónica . El número real de músicos empleados en una actuación determinada puede variar de setenta a más de cien músicos, dependiendo del trabajo que se esté ejecutando y del tamaño del lugar. El término orquesta de cámara (y, a veces , orquesta de conciertos) generalmente se refiere a conjuntos de menor tamaño de unos cincuenta músicos o menos. Las orquestas que se especializan en la música barroca de, por ejemplo, Johann Sebastian Bach y George Frideric Handel, o el repertorio clásico, como el de Haydn y Mozart, tienden a ser más pequeñas que las orquestas que interpretan un repertorio de música romántica, como las sinfonías de Johannes Brahms. La orquesta típica creció en tamaño a lo largo de los siglos 18 y 19, llegando a un pico con las grandes orquestas (de hasta 120 jugadores) solicitadas en las obras de Richard Wagner, y más tarde, Gustav Mahler.
Las orquestas suelen estar dirigidas por un director de orquesta que dirige la ejecución con movimientos de manos y brazos, a menudo más fácil de ver para los músicos mediante el uso de un bastón de mando. El conductor unifica la orquesta, establece el tempo y da forma al sonido del conjunto. El director también prepara a la orquesta mediante ensayos previos al concierto público, en el que el director da instrucciones a los músicos sobre su interpretación de la música que se está ejecutando.
El líder de la primera sección de violín, comúnmente llamado concertino, también desempeña un papel importante en la dirección de los músicos. En la era de la música barroca (1600-1750), las orquestas a menudo eran dirigidas por el concertino o por un músico tocando acordes tocando las partes de bajo continuo en un clavicordio o órgano de tubos, una tradición que algunos conjuntos de música antigua del siglo XX y XXI continúan . Las orquestas tocan una amplia gama de repertorios, incluyendo sinfonías, oberturas de ópera y ballet, conciertos para instrumentos solistas y como conjuntos de hoyo para óperas, ballets y algunos tipos de teatro musical (por ejemplo, operetas de Gilbert y Sullivan).
Las orquestas aficionadas incluyen aquellas compuestas por estudiantes de una escuela primaria o secundaria, orquestas juveniles y orquestas comunitarias; los dos últimos típicamente están formados por músicos aficionados de una ciudad o región en particular.
El término orquesta se deriva del griego ὀρχήστρα ( orquesta ), el nombre del área que se encuentra frente a un escenario en el teatro griego antiguo reservado para el coro griego.
Instrumentación
La típica orquesta sinfónica se compone de cuatro grupos de instrumentos musicales relacionados, llamados vientos de madera, metales, percusión y cuerdas (violín, viola, cello y contrabajo). Otros instrumentos como el piano y la celesta a veces se pueden agrupar en una quinta sección, como una sección de teclado o pueden ser independientes, como el arpa de concierto y los instrumentos eléctricos y electrónicos. La orquesta, dependiendo del tamaño, contiene casi todos los instrumentos estándar en cada grupo.
En la historia de la orquesta, su instrumentación se ha expandido a lo largo del tiempo, a menudo se ha acordado que ha sido estandarizada por el período clásico y la influencia de Ludwig van Beethoven en el modelo clásico. En el siglo XX, las nuevas demandas de repertorio expandieron la instrumentación de la orquesta, lo que resultó en un uso flexible de los instrumentos de modelo clásico y los instrumentos eléctricos y electrónicos de nuevo desarrollo en diversas combinaciones.
Los términos orquesta sinfónica y orquesta filarmónica se pueden utilizar para distinguir diferentes conjuntos de la misma localidad, como la London Symphony Orchestra y la London Philharmonic Orchestra. Una orquesta sinfónica generalmente tendrá más de ochenta músicos en su lista, en algunos casos más de cien, pero la cantidad real de músicos empleados en una actuación en particular puede variar de acuerdo con el trabajo que se está ejecutando y el tamaño del lugar.
La orquesta de cámara generalmente se refiere a conjuntos de menor tamaño; una importante orquesta de cámara podría emplear hasta cincuenta músicos; algunos son mucho más pequeños que eso. El término orquesta de conciertos también se puede utilizar, como en la Orquesta de Conciertos de la BBC y la Orquesta de Conciertos RTÉ.
La influencia de Beethoven
El llamado "complemento estándar" de vientos doblados y latón en la orquesta de la primera mitad del siglo XIX se atribuye generalmente a las fuerzas solicitadas por Beethoven. La instrumentación del compositor casi siempre incluía flautas, oboes, clarinetes, fagotes, cuernos y trompetas. Las excepciones a esto son su Sinfonía n. ° 4, el Concierto para violín y el Concierto para piano n. ° 4, que especifican una sola flauta. Beethoven calculó cuidadosamente la expansión de esta particular "paleta" tímbrica en las Sinfonías 3, 5, 6 y 9 para obtener un efecto innovador. El tercer claxon de la Sinfonía "Eroica" llega para proporcionar no solo cierta flexibilidad armónica, sino también el efecto del sonido "coral" en el movimiento Trío. Piccolo, contrabassoon y trombones se suman al final triunfal de su Sinfonía n. ° 5. Sinfonía Pastoral . La novena pregunta por un segundo par de cuernos, por razones similares a la "Eroica" (cuatro cuernos se han convertido en estándar); El uso de Beethoven de piccolo, contrabassoon, trombones y percusión sintonizada, además de coro y solistas vocales, en su final, son su primera sugerencia de que los límites tímbricos de la sinfonía podrían expandirse. Durante varias décadas después de su muerte, la instrumentación sinfónica fue fiel al modelo bien establecido de Beethoven, con algunas excepciones.
Instrumentación expandida
Además del complemento orquestal central, varios otros instrumentos son llamados ocasionalmente. Estos incluyen el fliscorno y corneta. Los saxofones y las guitarras clásicas, por ejemplo, aparecen en algunos puntajes del siglo XIX al XXI. Aunque aparece solo como instrumentos solistas en algunas obras, por ejemplo, la orquestación de Maurice Ravel de Pictures at an Exhibition de Modest Mussorgsky y Danzas sinfónicas de Sergei Rachmaninoff , el saxofón se incluye en otras obras, como Ravel's Boléro , Romeo y Juliet Suites de Sergei Prokofiev 1 y 2, las Sinfonías No.6 y 9 de Vaughan Williams y la Fiesta de Belshazzar de William Walton y muchas otras obras como miembro del conjunto orquestal. El bombardino aparece en algunas obras románticas tardías y del siglo XX, por lo general tocando partes marcadas como "tenor tuba", incluidos Los planetas , de Gustav Holst , y Ein Heldenleben , de Richard Strauss . La tuba Wagner, un miembro modificado de la familia del cuerno, aparece en el ciclo Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner y en varios otros trabajos de Strauss, Béla Bartók y otros; tiene un papel destacado en la Sinfonía n.º 7 de Anton Bruckner en mi mayor. Los cornetas aparecen en el lago de los cisnes dePyotr Ilyich Tchaikovsky , La Mer de Claude Debussy y varias obras orquestales de Hector Berlioz. A menos que estos instrumentos sean reproducidos por miembros que "doblan" en otro instrumento (por ejemplo, un trombonista que cambia a euphonium o un fagot que cambia a contrafagot para cierto pasaje), las orquestas suelen contratar músicos independientes para aumentar su conjunto regular.
La orquesta del siglo XX era mucho más flexible que sus predecesoras. En el tiempo de Beethoven y Felix Mendelssohn, la orquesta se componía de un núcleo de instrumentos bastante estándar, que rara vez era modificado por los compositores. A medida que el tiempo avanzaba, y como el período romántico vio cambios en la modificación aceptada con compositores como Berlioz y Mahler; algunos compositores usaron múltiples arpas y efectos de sonido como la máquina de viento. Durante el siglo XX, la orquesta moderna se estandarizó en general con la instrumentación moderna que se detalla a continuación. Sin embargo, de mediados a fines del siglo XX, con el desarrollo de la música clásica contemporánea, la instrumentación podría ser elegida a mano por el compositor (por ejemplo, para agregar instrumentos eléctricos como la guitarra eléctrica, instrumentos electrónicos como sintetizadores, instrumentos no occidentales). instrumentos,
Con esta historia en mente, la orquesta puede analizarse en cinco períodos: la época barroca, el período de la música clásica, la era de la música temprana / mitad romántica, la música de finales del Romanticismo / principios del siglo XX y la era del siglo XXI. La primera es una orquesta barroca (es decir, JS Bach, Handel, Vivaldi), que generalmente tiene un número menor de artistas intérpretes o ejecutantes, y en la que uno o más instrumentos de acordes, el grupo de bajo continuo (por ejemplo, clavecín o órgano de tubos y surtidos instrumentos de bajo para realizar la línea de bajo), jugó un papel importante; la segunda es una típica orquesta de época clásica (por ejemplo, Beethoven temprano junto con Mozart y Haydn), que utilizó un grupo más pequeño de artistas que una orquesta de música romántica y una instrumentación bastante estandarizada; el tercero es típico de una era temprana / mitad romántica (p. ej., Schubert, Berlioz, Schumann);
Orquesta barroca
Instrumentos de viento de madera
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Orquesta clásica
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Orquesta romántica temprana
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Orquesta romántica tardía
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Orquesta moderna
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Organización
Entre los grupos de instrumentos y dentro de cada grupo de instrumentos, hay una jerarquía generalmente aceptada. Cada grupo instrumental (o sección) tiene un director quién es generalmente responsable de dirigir el grupo y tocar solos orquestales. Los violines se dividen en dos grupos, primer violín y segundo violín, con los segundos violines tocando en registros más bajos que los primeros violines, tocando una parte de acompañamiento, o armonizando la melodía interpretada por los primeros violines. El primer violín principal se llama concertmaster (o "líder" en el Reino Unido) y no solo se lo considera el líder de la sección de cuerdas, sino el segundo al mando de toda la orquesta, solo detrás del director. El concertino dirige la sintonización previa al concierto y maneja los aspectos musicales de la gestión de la orquesta, como la determinación de las inclinaciones para los violines o para toda la sección de cuerdas. El concertino generalmente se sienta a la izquierda del conductor, más cercano a la audiencia. También hay un segundo violín principal,
El trombón principal se considera el líder de la sección de bajo latón, mientras que la trompeta principal generalmente se considera el líder de toda la sección de metales. Mientras que el oboe a menudo proporciona la nota de sintonía para la orquesta (debido a la convención de 300 años de antigüedad), ningún director es el líder de la sección de viento de madera, aunque en conjuntos de instrumentos de viento de madera, a menudo la flauta es líder. En cambio, cada director confiere con los demás como iguales en el caso de diferencias musicales de opinión. La mayoría de las secciones también tienen un subdirector (o co-director o director asociado), o en el caso de los primeros violines, un asistente de concertino, quien a menudo desempeña un papel de tutti además de reemplazar al director en su ausencia.
Un jugador de cuerdas de sección juega al unísono con el resto de la sección, excepto en el caso de dividido ( divisi) partes, donde las partes superior e inferior de la música a menudo se asignan a jugadores "fuera" (más cerca de la audiencia) e "adentro". Cuando se requiere una parte solista en una sección de cuerda, el líder de la sección juega invariablemente esa parte. El líder de sección (o principal) de una sección de cuerda también es responsable de determinar las inclinaciones, a menudo en función de las reverencias establecidas por el concertino. En algunos casos, el director de una sección de cuerda puede usar una inclinación ligeramente diferente a la del concertino, para cumplir con los requisitos de tocar su instrumento (por ejemplo, la sección de contrabajo). Los directores de una sección de cuerdas también llevarán entradas para su sección, por lo general levantando el arco antes de la entrada, para asegurar que la sección se toque. Los jugadores de viento y bronce de Tutti generalmente juegan una parte única pero no solista.
En los tiempos modernos, los músicos generalmente son dirigidos por un director de orquesta, aunque las orquestas tempranas no tenían uno, dando este papel en cambio al concertino o al clavecinista que toca el continuo. Algunas orquestas modernas también prescinden de los directores, en particular de las orquestas más pequeñas y las que se especializan en interpretaciones históricamente precisas (llamadas de "período") de música barroca y música antigua.
El repertorio más frecuentemente interpretado para una orquesta sinfónica es la música clásica occidental o la ópera. Sin embargo, las orquestas se utilizan a veces en la música popular (por ejemplo, para acompañar a una banda de rock o pop en un concierto), extensivamente en la música de cine, y cada vez más en la música de los videojuegos. Las orquestas también se utilizan en el género de metal sinfónico. El término "orquesta" también se puede aplicar a un conjunto de jazz, por ejemplo, en la interpretación de música de big-band.
Selección y nombramiento de miembros
En la década de 2000, todos los miembros titulares de una orquesta profesional normalmente audicionan para las posiciones en el conjunto. Los intérpretes típicamente tocan una o más piezas solistas de la audición, como un movimiento de un concierto, un movimiento solista de Bach y una variedad de extractos de la literatura orquestal que se anuncian en el cartel de la audición (para que los audicionistas puedan prepararse). Los extractos suelen ser las partes y solos más desafiantes desde el punto de vista técnico de la literatura orquestal. Las audiciones orquestales generalmente se llevan a cabo frente a un panel que incluye al director de orquesta, el director de la sala de conciertos, el jugador principal de la sección para la cual el audicionista está postulando y posiblemente otros miembros principales y miembros regulares de la orquesta.
Se invita a los candidatos más prometedores de la primera ronda de audiciones a regresar para una segunda o tercera ronda de audiciones, lo que permite al director y al panel comparar a los mejores candidatos. Se les puede pedir a los artistas que lean la música de la orquesta. La etapa final del proceso de audición en algunas orquestas es una semana de prueba , en la que el intérprete toca con la orquesta durante una semana o dos, lo que permite al conductor y a los actores principales ver si el individuo puede funcionar bien en un ensayo y actuación reales. ajuste.
Hay una variedad de arreglos de empleo diferentes. Los puestos más solicitados son puestos permanentes y permanentes en la orquesta. Las orquestas también contratan músicos con contratos, que van desde un solo concierto hasta una temporada completa o más. Los artistas intérpretes o ejecutantes contratados pueden ser contratados para conciertos individuales cuando la orquesta está realizando una obra orquestal de finales de la época romántica excepcionalmente grande, o para sustituir a un miembro permanente que está enfermo. Un músico profesional contratado para actuar en un solo concierto a veces se denomina "sub". Algunos músicos contratados pueden ser contratados para reemplazar a los miembros permanentes durante el período en que el miembro permanente está bajo licencia por paternidad o incapacidad.
Sexo de conjuntos
Históricamente, las principales orquestas profesionales han estado mayoritariamente o en su totalidad compuestas por músicos varones. Las primeras mujeres contratadas en orquestas profesionales han sido arpistas. La Filarmónica de Viena, por ejemplo, no aceptó a mujeres como miembros permanentes hasta 1997, mucho más tarde que las orquestas comparables (las otras orquestas clasificadas entre las cinco mejores del mundo por Gramophone en 2008). La última gran orquesta en nombrar a una mujer para un puesto permanente fue la Filarmónica de Berlín. En febrero de 1996, la flauta principal de la Filarmónica de Viena, Dieter Flury, le dijo a Westdeutscher Rundfunk que aceptar mujeres sería "jugar con la unidad emocional" ( emotionelle Geschlossenheit)) que este organismo tiene actualmente ". En abril de 1996, el secretario de prensa de la orquesta escribió que" compensar las ausencias esperadas "de la licencia de maternidad sería un problema.
En 1997, la Filarmónica de Viena estaba "enfrentando protestas durante una gira [en Estados Unidos]" por la Organización Nacional de Mujeres y la Alianza Internacional para Mujeres en la Música. Finalmente, "después de ser ridiculizados incluso en la Austria socialmente conservadora, los miembros de la orquesta se reunieron [el 28 de febrero de 1997] en una reunión extraordinaria en la víspera de su partida y aceptaron admitir a una mujer, Anna Lelkes, como arpista. " A partir de 2013, la orquesta tiene seis miembros femeninos; una de ellas, la violinista Albena Danailova, se convirtió en una de las concertistas de la orquesta en 2008, la primera mujer en ocupar ese puesto. En 2012, las mujeres todavía constituían solo el 6% de la membresía de la orquesta. El presidente de VPO, Clemens Hellsberg, dijo que la VPO ahora usa audiciones a ciegas completamente seleccionadas.
En 2013, un artículo en Mother Jones declaró que, si bien "[m] orchestrats prestigiosas tienen una importante membresía femenina -mujeres superan a los hombres en la sección de violín de la Filarmónica de Nueva York- y varios conjuntos de renombre, incluyendo la Orquesta Sinfónica Nacional, la Sinfónica de Detroit y la Sinfonía de Minnesota, dirigida por mujeres violinistas ", el contrabajo, el latón y las secciones de percusión de las principales orquestas" ... siguen siendo predominantemente masculinos ". Un artículo de la BBC de 2014 afirmó que la "... introducción de audiciones 'a ciegas', donde un posible instrumentista actúa detrás de una pantalla para que el jurado no pueda ejercer prejuicios raciales o de género, ha visto el equilibrio de género de la sinfonía tradicionalmente dominada por los hombres las orquestas cambian gradualmente ".
Conjuntos de aficionados
También hay una variedad de orquestas de aficionados:
- Orquestas escolares: estas orquestas consisten en estudiantes de una escuela primaria o secundaria. Pueden ser estudiantes de una clase o programa de música o pueden ser extraídos de todo el cuerpo escolar. Las orquestas escolares generalmente son dirigidas por un maestro de música.
- Orquestas universitarias o de conservatorio: estas orquestas están formadas por estudiantes de una universidad o conservatorio de música. En algunos casos, las orquestas universitarias están abiertas a todos los estudiantes de una universidad, de todos los programas. Las universidades más grandes pueden tener dos o más orquestas universitarias: una o más orquestas compuestas de especializaciones de música (o, para los principales programas musicales, varios niveles de orquestas musicales principales, clasificadas por nivel de habilidad) y una segunda orquesta abierta a estudiantes universitarios de todo programas (por ejemplo, ciencia, negocios, etc.) que tienen experiencia previa en música clásica en un instrumento orquestal. Las orquestas universitarias y de conservatorios están dirigidas por un director de orquesta que generalmente es profesor o instructor en la universidad o conservatorio.
- Orquestas juveniles: estas orquestas están formadas por adolescentes y adultos jóvenes de una ciudad o región entera. El rango de edad en las orquestas juveniles varía entre diferentes conjuntos. En algunos casos, las orquestas juveniles pueden consistir en adolescentes o adultos jóvenes de todo un país (p. Ej., La Orquesta Nacional de la Juventud de Canadá).
- Orquestas comunitarias: estas orquestas consisten en artistas aficionados provenientes de una ciudad o región completa. Las orquestas comunitarias generalmente consisten principalmente de músicos aficionados adultos. Las orquestas comunitarias varían en nivel desde orquestas de nivel principiante que ensayan música sin realizar presentaciones formales frente a un público hasta conjuntos de nivel intermedio y grupos de aficionados avanzados que tocan el repertorio de orquesta profesional estándar. En algunos casos, los estudiantes de música de la universidad o del conservatorio también pueden ser miembros de orquestas comunitarias. Mientras que los miembros de la orquesta de la comunidad son en su mayoría aficionados no remunerados, en algunas orquestas, se puede contratar a un pequeño número de profesionales para actuar como actores principales y líderes de sección.
Repertorio y actuaciones
Las orquestas interpretan una amplia gama de repertorios que van desde suites de baile del siglo XVII, divertimentos del siglo XVIII hasta bandas sonoras del siglo XX y sinfonías del siglo XXI. Las orquestas se han convertido en sinónimo de la sinfonía, una composición musical extendida en la música clásica occidental que típicamente contiene movimientos múltiples que proporcionan teclas y ritmos contrastantes. Las sinfonías se anotan en una partitura musical, que contiene todas las partes del instrumento. El conductor usa la partitura para estudiar la sinfonía antes de los ensayos y decidir sobre su interpretación (por ejemplo, tempos, articulación, fraseo, etc.), y para seguir la música durante los ensayos y conciertos, mientras dirige el conjunto. Los músicos de orquesta tocan desde partes que contienen solo la música anotada para su instrumento. Un pequeño número de sinfonías también contiene partes vocales (por ejemplo, Beethoven '
Las orquestas también realizan oberturas, un término originalmente aplicado a la introducción instrumental a una ópera. Durante la temprana era romántica, compositores como Beethoven y Mendelssohn comenzaron a usar el término para referirse a obras instrumentales, programáticas, independientes y autoexistentes que presagiaban géneros como el poema sinfónico, una forma ideada por Franz Liszt en varios trabajos que comenzaron como oberturas dramáticas. Estos fueron "al principio indudablemente destinados a ser jugados a la cabeza de un programa". En la década de 1850, la obertura del concierto comenzó a ser suplantada por el poema sinfónico.
Las orquestas también tocan con solistas instrumentales en conciertos. Durante los conciertos, la orquesta desempeña un papel de acompañamiento para el solista (por ejemplo, un violinista o pianista solista) y, a veces, introduce temas musicales o interludios mientras el solista no está tocando. Las orquestas también tocan durante las óperas, los ballets, algunas obras de teatro musical y algunas obras corales (tanto obras sagradas como misas y obras seculares). En óperas y ballets, la orquesta acompaña a los cantantes y bailarines, respectivamente, y juega oberturas e interludios donde las melodías interpretadas por la orquesta toman el centro del escenario.
Actuaciones
En la época del Barroco, las orquestas actuaban en una variedad de lugares, incluso en las hermosas casas de aristócratas, en salas de ópera y en iglesias. Algunos aristócratas ricos tenían una orquesta en la residencia de su propiedad, para entretenerlos a ellos y a sus invitados con actuaciones. Durante la época clásica, a medida que los compositores buscaban el apoyo financiero del público en general, los conciertos de orquesta se celebraban cada vez más en las salas de conciertos públicas, donde los amantes de la música podían comprar entradas para escuchar a la orquesta. Por supuesto, el mecenazgo aristocrático de las orquestas continuó durante la época clásica, pero esto continuó junto con los conciertos públicos. En los siglos 20 y 21, las orquestas encontraron un nuevo mecenas: los gobiernos. Muchas orquestas de América del Norte y Europa reciben parte de sus fondos de gobiernos nacionales y regionales (por ejemplo, gobiernos estatales de los EE. UU. ) o gobiernos de la ciudad. Estos subsidios del gobierno forman parte de los ingresos de la orquesta, junto con la venta de entradas, donaciones de caridad (si la orquesta está registrada como una organización benéfica) y otras actividades de recaudación de fondos. Con la invención de tecnologías sucesivas, que incluyen la grabación de sonido, la radiodifusión, la transmisión de televisión y la transmisión por Internet y la descarga de videos de conciertos, las orquestas han podido encontrar nuevas fuentes de ingresos.
Problemas en el rendimiento
Faking
Uno de los "grandes [temas] innumerables de la ejecución orquestal" es "fingir", el proceso por el cual un músico orquestal da la "... impresión de tocar cada nota como está escrita", típicamente para un pasaje muy desafiante que es muy alto o muy rápido, sin tocar las notas que están en la parte impresa de la música. Un artículo en The Strad afirma que todos los músicos de orquesta, incluso los de las mejores orquestas, ocasionalmente "falsifican" ciertos pasajes. Una razón por la que los músicos son "falsos" es porque no hay suficientes ensayos. Otro factor son los desafíos extremos en las piezas contemporáneas del siglo XX y el siglo XXI; profesionales entrevistados por la revista dijeron que "fingir" era "... necesario en cualquier cosa, desde diez hasta casi el noventa por ciento de algunas obras modernas. Los jugadores profesionales entrevistados coincidieron en que la falsificación puede ser aceptable cuando una parte no está bien escrita para el instrumento, pero fingiendo "solo porque no has practicado" la música no es aceptable.
Historia
Tecnología instrumental
La invención del pistón y la válvula rotativa de Heinrich Stölzel y Friedrich Blühmel, ambos silesianos, en 1815, fue la primera de una serie de innovaciones que afectaron a la orquesta, incluido el desarrollo de la clave moderna para la flauta de Theobald Boehm y las innovaciones de Adolphe Sax en los instrumentos de viento de madera, especialmente la invención del saxofón. Estos avances llevarían a Hector Berlioz a escribir un libro de referencia sobre instrumentación, que fue el primer tratado sistemático sobre el uso del sonido instrumental como elemento expresivo de la música.
La influencia de Wagner
La siguiente gran expansión de la práctica sinfónica provino de la orquesta Bayreuth de Richard Wagner, fundada para acompañar sus dramas musicales. Las obras de Wagner para el escenario fueron calificadas con un alcance y una complejidad sin precedentes: de hecho, su puntaje para Das Rheingold requiere seis arpas. Por lo tanto, Wagner imaginó un papel cada vez más exigente para el director de la orquesta de teatro, tal como lo explicó en su influyente obra On Conducting . Esto provocó una revolución en la composición orquestal y estableció el estilo para el rendimiento orquestal durante los próximos ochenta años. Las teorías de Wagner reexaminaron la importancia del tempo, la dinámica, la inclinación de los instrumentos de cuerda y el papel de los directores en la orquesta. Los conductores que estudiaron sus métodos seguirían siendo influyentes ellos mismos.
Orquesta del siglo XX
A comienzos del siglo XX, las orquestas sinfónicas eran más grandes, estaban mejor financiadas y mejor preparadas que nunca; en consecuencia, los compositores podrían componer obras más grandes y ambiciosas. La influencia de Gustav Mahler fue particularmente innovadora; en sus sinfonías posteriores, como la gigantesca Sinfonía n. ° 8, Mahler empuja los límites más alejados del tamaño de la orquesta, empleando enormes fuerzas. A finales de la era romántica, las orquestas podían soportar las formas más enormes de expresión sinfónica, con enormes secciones de cuerdas, secciones de bronce masivas y una gama ampliada de instrumentos de percusión. Con la era de la grabación comenzando, los estándares de rendimiento fueron empujados a un nuevo nivel, porque una sinfonía grabada podría escucharse de cerca e incluso errores menores en entonación o conjunto, que podrían no ser notables en una presentación en vivo, podría ser escuchado por los críticos. A medida que las tecnologías de grabación mejoraron durante los siglos XX y XXI, eventualmente los pequeños errores en una grabación podrían "arreglarse" mediante la edición de audio o la sobregrabación. Algunos directores y compositores más viejos podían recordar un momento en el que simplemente "superar" la música lo mejor posible era el estándar. Combinado con la audiencia más amplia posible gracias a la grabación, esto condujo a un enfoque renovado en determinados conductores estrella y en un alto nivel de ejecución orquestal.
Contrarrevolución
Con el advenimiento del movimiento de música antigua, las orquestas más pequeñas donde los jugadores trabajaron en la ejecución de obras en estilos derivados del estudio de tratados anteriores sobre el juego se hicieron comunes. Estos incluyen la Orquesta de la Era de la Ilustración, los London Classical Players bajo la dirección de Sir Roger Norrington y la Academy of Ancient Music bajo Christopher Hogwood, entre otros.
Tendencias recientes en los Estados Unidos
En los Estados Unidos, a fines del siglo XX se produjo una crisis de financiación y apoyo para las orquestas. El tamaño y el costo de una orquesta sinfónica, en comparación con el tamaño de la base de seguidores, se convirtió en un problema que golpeó en el corazón de la institución. Pocas orquestas podrían llenar los auditorios, y el sistema de suscripción de temporada consagrado por el tiempo se volvió cada vez más anacrónico, ya que cada vez más oyentes comprarían boletos de forma puntual para eventos individuales. Las dotaciones orquestales y -más centralmente a la operación diaria de las orquestas estadounidenses- a los donantes orquestales han reducido las carteras de inversión o producido rendimientos más bajos, lo que reduce la capacidad de los donantes para contribuir; Además, ha habido una tendencia a que los donantes encuentren otras causas sociales más convincentes. Además, si bien la financiación del gobierno es menos importante para las orquestas estadounidenses que para las europeas, los recortes en dichos fondos siguen siendo importantes para los conjuntos estadounidenses. Finalmente, la caída drástica de los ingresos del registro, vinculada en gran medida a los cambios en la propia industria discográfica, comenzó un período de cambio que aún no ha llegado a su conclusión.
Las orquestas estadounidenses que han entrado en la bancarrota del Capítulo 11 incluyen a la Orquesta de Filadelfia (en abril de 2011) y la Orquesta de Louisville, en diciembre de 2010; Las orquestas que han entrado en bancarrota del Capítulo 7 y han dejado de operar incluyen la Northwest Chamber Orchestra en 2006, la Honolulu Orchestra en marzo de 2011, la New Mexico Symphony Orchestra en abril de 2011 y Syracuse Symphony en junio de 2011. The Festival of Orchestras en Orlando , Florida dejó de operar a fines de marzo de 2011.
Una fuente de dificultades financieras que recibió atención y críticas fue el alto salario de los directores de música de las orquestas estadounidenses, que llevó a varios directores de alto perfil a recibir recortes salariales en los últimos años. Los administradores de música como Michael Tilson Thomas y Esa-Pekka Salonen argumentaron que la nueva música, los nuevos medios para presentarla y una relación renovada con la comunidad podrían revitalizar la orquesta sinfónica. El crítico estadounidense Greg Sandow ha argumentado en detalle que las orquestas deben revisar su acercamiento a la música, el rendimiento, la experiencia del concierto, el marketing, las relaciones públicas, la participación comunitaria, y la presentación para que estén en línea con las expectativas de las audiencias del siglo 21 inmersa en el popular cultura.
No es raro que los compositores contemporáneos usen instrumentos no convencionales, incluidos varios sintetizadores, para lograr los efectos deseados. Muchos, sin embargo, encuentran una configuración de orquesta más convencional para proporcionar mejores posibilidades de color y profundidad. Compositores como John Adams a menudo emplean orquestas de tamaño romántico, como en la ópera Nixon en China de Adams ; Philip Glass y otros pueden ser más libres, pero aún así identificar límites de tamaño. Glass, en particular, ha recurrido recientemente a orquestas convencionales en obras como el Concierto para violonchelo y orquesta y el Concierto para violín n.º 2.
Junto con una disminución en el financiamiento, algunas orquestas estadounidenses han reducido su personal en general, así como la cantidad de jugadores que aparecen en las representaciones. Los números reducidos en el rendimiento generalmente se limitan a la sección de cuerdas, ya que los números aquí han sido tradicionalmente flexibles (ya que muchos jugadores suelen tocar desde la misma parte).
Papel del conductor
La dirección es el arte de dirigir una actuación musical, como un concierto orquestal o coral. Los deberes principales del conductor son establecer el tempo, asegurar las entradas correctas por varios miembros del conjunto, y "dar forma" al fraseo donde corresponda. Para transmitir sus ideas e interpretaciones, un conductor se comunica con sus músicos principalmente a través de gestos con las manos, generalmente aunque no invariablemente con la ayuda de un bastón, y puede usar otros gestos o señales, como el contacto visual con actores relevantes. Las indicaciones de un conductor casi invariablemente se complementarán o reforzarán mediante instrucciones verbales o sugerencias a sus músicos en ensayo antes de una presentación.
El conductor generalmente se encuentra en un podio elevado con un gran atril para la partitura completa, que contiene la notación musical de todos los instrumentos y voces. Desde mediados del siglo XVIII, la mayoría de los directores no han tocado un instrumento durante la dirección, aunque en períodos anteriores de la historia de la música clásica, era común un conjunto al tocar un instrumento. En la música barroca desde el siglo XVII hasta la década de 1750, el grupo estaría dirigido por el clavecinista o el primer violinista (ver concertino), un enfoque que en la actualidad ha sido revivido por varios directores musicales para la música de este período. Dirigir mientras se toca un piano o un sintetizador también se puede hacer con orquestas de teatro musicales. La comunicación es típicamente no verbal durante una presentación (este es estrictamente el caso en la música artística, pero en las grandes bandas de jazz o grandes conjuntos pop, puede haber instrucciones orales ocasionales, como un "conteo"). Sin embargo, en los ensayos, las interrupciones frecuentes le permiten al conductor dar indicaciones verbales sobre cómo se debe tocar o cantar la música.
Los conductores actúan como guías de las orquestas o coros que dirigen. Eligen las obras que se realizarán y estudian sus puntajes, a lo que pueden hacer ciertos ajustes (por ejemplo, en cuanto a tempo, articulación, fraseo, repeticiones de secciones, etc.), resolver su interpretación y transmitir su visión a los artistas intérpretes o ejecutantes . También pueden atender asuntos organizativos, como programar ensayos, planificar una temporada de conciertos, escuchar audiciones y seleccionar miembros, y promover su conjunto en los medios. Orquestas, coros, bandas de conciertos y otros conjuntos musicales de gran tamaño, como las grandes bandas, suelen estar dirigidos por directores.
Orquestas sin conductor
En la era de la música barroca (1600-1750), la mayoría de las orquestas estaban dirigidas por uno de los músicos, por lo general el primer violín principal, llamado el concertino. El director de orquesta llevaría el ritmo de las piezas levantando su arco de forma rítmica. El liderazgo también podría ser proporcionado por uno de los instrumentistas de acordes que tocan la parte de bajo continuo, que era el núcleo de la mayoría de las piezas del conjunto instrumental barroco. Típicamente, este sería un reproductor de clavicémbalo, un organista de tubo o un jugador de luteísta o theorbo. Un teclista podría dirigir el conjunto con la cabeza o quitar una de las manos del teclado para provocar un cambio de tempo más difícil. Un laudista o un teorbo podría llevar levantando el cuello del instrumento hacia arriba y hacia abajo para indicar el tempo de una pieza, o para llevar un ritard durante una cadencia o final. En algunas obras que combinaban coros y conjuntos instrumentales, a veces se usaban dos líderes: un concertino para dirigir a los instrumentistas y un intérprete de acordes para dirigir a los cantantes. Durante el período de la música clásica (alrededor de 1720-1800), la práctica de usar instrumentos de cordal para tocar el bajo continuo se eliminó gradualmente, y desapareció por completo en 1800. En cambio, los conjuntos comenzaron a utilizar conductores para dirigir los ritmos y el estilo de la orquesta , mientras que el concertino desempeñó un papel de liderazgo adicional para los músicos, especialmente los jugadores de cuerdas, que imitan el estilo de arco y de ejecución del concertino, en la medida en que sea factible para los diferentes instrumentos de cuerda. un concertino para dirigir a los instrumentistas y un intérprete de acordes para dirigir a los cantantes. Durante el período de la música clásica (alrededor de 1720-1800), la práctica de usar instrumentos de cordal para tocar el bajo continuo se eliminó gradualmente, y desapareció por completo en 1800. En cambio, los conjuntos comenzaron a utilizar conductores para dirigir los ritmos y el estilo de la orquesta , mientras que el concertino desempeñó un papel de liderazgo adicional para los músicos, especialmente los jugadores de cuerdas, que imitan el estilo de arco y de ejecución del concertino, en la medida en que sea factible para los diferentes instrumentos de cuerda. un concertino para dirigir a los instrumentistas y un intérprete de acordes para dirigir a los cantantes. Durante el período de la música clásica (alrededor de 1720-1800), la práctica de usar instrumentos de cordal para tocar el bajo continuo se eliminó gradualmente, y desapareció por completo en 1800. En cambio, los conjuntos comenzaron a utilizar conductores para dirigir los ritmos y el estilo de la orquesta , mientras que el concertino desempeñó un papel de liderazgo adicional para los músicos, especialmente los jugadores de cuerdas, que imitan el estilo de arco y de ejecución del concertino, en la medida en que sea factible para los diferentes instrumentos de cuerda.
En 1922, la idea de una orquesta sin conductor se revivió en la Unión Soviética posrevolucionaria. La orquesta sinfónica Persimfans se formó sin un director de orquesta, porque los fundadores creían que el conjunto debería modelarse sobre el estado marxista ideal, en el que todas las personas son iguales. Como tal, sus miembros sentían que no había necesidad de ser guiados por el bastón dictatorial de un conductor; en su lugar, fueron dirigidos por un comité, que determinó tempos y estilos de juego. Aunque fue un éxito parcial dentro de la Unión Soviética, la dificultad principal con el concepto fue cambiar el ritmo durante las actuaciones, porque incluso si el comité hubiera emitido un decreto sobre dónde debería tener lugar un cambio de tempo, no había ningún líder en el conjunto. guía este cambio de tempo La orquesta sobrevivió por diez años antes de que Stalin '
En las naciones occidentales, algunos conjuntos, como Orpheus Chamber Orchestra, con sede en la ciudad de Nueva York, han tenido más éxito con las orquestas sin conductor, aunque es probable que las decisiones se difieran a algún sentido de liderazgo dentro del conjunto (por ejemplo, el viento principal y jugadores de cuerda, especialmente el concertino). Otros han regresado a la tradición de un jugador principal, por lo general un violinista, siendo el director artístico y ensayando y dirigiendo conciertos. Los ejemplos incluyen la Orquesta de Cámara australiana, Amsterdam Sinfonietta y Candida Thompson y la Orquesta de Cámara del Nuevo Siglo. Además, como parte del movimiento de la música antigua, algunas orquestas de los siglos XX y XXI han revivido la práctica barroca de no tener ningún director en el podio para piezas barrocas,
Múltiples conductores
Instrumentos fuera de escena
Algunas obras orquestales especifican que se debe usar una trompeta fuera del escenario o que otros instrumentos de la orquesta se deben ubicar fuera del escenario o detrás del escenario, para crear un efecto embrujado y místico. Para asegurar que los instrumentistas fuera del escenario toquen el tiempo, a veces un sub-conductor se ubicará fuera del escenario con una vista clara del conductor principal. Los ejemplos incluyen el final de "Neptuno" de Los planetas de Gustav Holst . El director principal dirige la gran orquesta, y el sub-conductor transmite el tempo y los gestos del director principal al músico (o músicos) que no está en el escenario. Uno de los desafíos con el uso de dos conductores es que el segundo conductor puede salir de la sincronización con el conductor principal, o puede MIS-transmitir (o entienden mal) gestos del director de conductores, que pueden conducir a los instrumentos fuera del escenario están fuera de tiempo. A finales del siglo XX y principios del siglo XXI, algunas orquestas usan una cámara de video que apunta al conductor principal y un televisor de circuito cerrado frente al ejecutante (es) fuera del escenario, en lugar de usar dos conductores.
Música contemporánea
Las técnicas de politeísmo y música politempo han llevado a algunos compositores de los siglos 20 y 21 a escribir música donde múltiples orquestas o conjuntos se realizan simultáneamente. Estas tendencias han provocado el fenómeno de la música policonductora, donde los subconductores independientes conducen cada grupo de músicos. Por lo general, un conductor principal conduce los subductores, dando forma al rendimiento general. En "The Warriors", de Percy Grainger, que incluye tres directores: el director principal de la orquesta, un director secundario que dirige un conjunto de metales fuera del escenario y un director terciario que dirige la percusión y el arpa. Un ejemplo en la música orquestal de finales de siglo es Gruppen de Karlheinz Stockhausen , para tres orquestas, que se colocan alrededor de la audiencia. De esta forma, las "masas de sonido" podrían espaciarse, como en un trabajo electroacústico. Gruppen se estrenó en Colonia, en 1958, dirigido por Stockhausen, Bruno Maderna y Pierre Boulez. Ha sido realizado por Simon Rattle, John Carewe y Daniel Harding.
Obtenido de: https://en.wikipedia.org/wiki/Orchestra