Akira Kurosawa
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| Akira Kurosawa | |
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 Akira Kurosawa en el set de los Siete Samuraien 1953 | |
Kurosawa ingresó a la industria cinematográfica japonesa en 1936, luego de un breve período como pintor. Después de años de trabajar en numerosas películas como asistente de dirección y guionista, debutó como director durante la Segunda Guerra Mundial con la popular película de acción Sanshiro Sugata (también conocida como Judo Saga ). Después de la guerra, el Drunken Angel (1948), aclamado por la crítica , en el que Kurosawa eligió al entonces desconocido actor Toshiro Mifune en un papel protagónico, cimentó la reputación del director como uno de los cineastas jóvenes más importantes de Japón. Los dos hombres continuarían colaborando en otras 15 películas.
Rashomon , que se estrenó en Tokio, se convirtió en el ganador sorpresa del León de Oro en el Festival de Cine de Venecia de 1952. El éxito comercial y crítico de esa película abrió mercados de películas occidentales por primera vez a los productos de la industria cinematográfica japonesa, lo que a su vez llevó al reconocimiento internacional de otros cineastas japoneses. Kurosawa dirigió aproximadamente una película por año a lo largo de la década de 1950 y principios de 1960, incluyendo una serie de películas de gran prestigio (ya menudo adaptadas), como Ikiru (1952), Seven Samurai (1954) y Yojimbo (1961). Después de la década de 1960 se hizo mucho menos prolífico; aún así, su trabajo posterior -incluyendo sus dos épicas finales, Kagemusha (1980) y Ran (1985) - continuó ganando premios, aunque más a menudo en el extranjero que en Japón.
En 1990, aceptó el Premio de la Academia por su trayectoria. Póstumamente, fue nombrado "Asiático del Siglo" en la categoría "Arte, Literatura y Cultura" por la revista AsianWeek y la CNN, citada allí como una de las cinco personas que contribuyeron más prominentemente a la mejora de Asia en el siglo XX. Su carrera ha sido honrada por muchas retrospectivas, estudios críticos y biografías tanto impresas como en video, y por lanzamientos en muchos formatos de medios de consumo.
Contenido
- Biografía
- Niñez a años de guerra (1910-1945)
- Infancia y juventud (1910-35)
- Director en entrenamiento (1935-41)
- Películas de guerra y matrimonio (1942-45)
- Primeros años de posguerra a Red Beard (1946-1965)
- Primeras obras de posguerra (1946-50)
- Reconocimiento internacional (1950-58)
- Nacimiento de una compañía y Red Beard (1959-65)
- Las ambiciones de Hollywood para la última película (1966-1998)
- Desvío de Hollywood (1966-68)
- Una década difícil (1969-77)
- Dos epopeyas (1978-86)
- Trabajos finales y últimos años (1987-98)
- Niñez a años de guerra (1910-1945)
- Estilo y temas principales
- Legado
- Legado de crítica general
- Reputación entre los cineastas
- Guiones póstumos
- Compañía de producción Kurosawa
- Estudios de cine y premios
- Documentales
Biografía
Niñez a años de guerra (1910-1945)
Infancia y juventud (1910-35)
Kurosawa (japonés: 黒 澤 明) nació el 23 de marzo de 1910, en Ōimachi en el distrito Ōmori de Tokio. Su padre Isamu (1864-1948), miembro de una familia samurai de la prefectura de Akita, trabajó como director de la escuela secundaria inferior del Instituto de Educación Física del Ejército, mientras que su madre Shima (1870-1952) provenía de una familia de mercaderes que vivía en Osaka. . Akira fue el octavo y más joven hijo de la familia moderadamente adinerada, con dos de sus hermanos ya crecidos en el momento de su nacimiento y uno fallecido, dejando que Kurosawa crezca con tres hermanas y un hermano.
Además de promover el ejercicio físico, Isamu Kurosawa estaba abierto a las tradiciones occidentales y consideraba que el teatro y las películas tenían mérito educativo. Animó a sus hijos a ver películas; el joven Akira vio sus primeras películas a la edad de seis años. Una influencia formativa importante fue su maestro de escuela primaria, Sr. Tachikawa, cuyas prácticas educativas progresivas encendieron en su joven alumno primero el amor por el dibujo y luego un interés en la educación en general. Durante este tiempo, el niño también estudió caligrafía y esgrima de Kendo.
Otra gran influencia de la infancia fue Heigo Kurosawa, el hermano mayor de Akira por cuatro años. A raíz del gran terremoto de Kantō de 1923, que devastó Tokio, Heigo tomó a Akira, de 13 años, para ver la devastación. Cuando el hermano menor quiso apartar la mirada de los cadáveres humanos y de los cadáveres de animales esparcidos por todas partes, Heigo le prohibió hacerlo, en lugar de alentar a Akira a enfrentar sus temores al confrontarlos directamente. Algunos comentaristas han sugerido que este incidente influiría en la carrera artística posterior de Kurosawa, ya que el director rara vez dudaba en confrontar verdades desagradables en su trabajo.
Heigo tenía talento académico, pero poco después de no conseguir un lugar en la escuela secundaria más importante de Tokio, comenzó a separarse del resto de la familia, prefiriendo concentrarse en su interés por la literatura extranjera. A finales de la década de 1920, Heigo se convirtió en un benshi (narrador de películas mudas) para teatros de Tokio que muestran películas extranjeras, y rápidamente se hizo un nombre. Akira, que en este momento planeaba convertirse en pintor, se mudó con él, y los dos hermanos se volvieron inseparables. Con la guía de Heigo, Akira devoró no solo películas, sino también obras de teatro y circo, mientras exhibía sus pinturas y trabajaba para la Liga de Artistas Proletarios de izquierda. Sin embargo, nunca pudo ganarse la vida con su arte, y, como comenzó a percibir la mayor parte del movimiento proletario como "
Con la creciente producción de imágenes parlantes a principios de la década de 1930, los narradores de películas como Heigo comenzaron a perder el trabajo, y Akira regresó con sus padres. En julio de 1933, Heigo se suicidó. Kurosawa ha comentado sobre la duradera sensación de pérdida que sintió por la muerte de su hermano y el capítulo de su autobiografía ( Something Like a Autobiography ) que lo describe, escrito casi medio siglo después del evento, se titula, "A Story I Do not not". Querer decir". Solo cuatro meses después, el hermano mayor de Kurosawa también murió, dejando a Akira, a la edad de 23 años, el único de los hermanos Kurosawa que todavía vive, junto con sus tres hermanas supervivientes.
Director en entrenamiento (1935-41)
En 1935, el nuevo estudio de cine Photo Chemical Laboratories, conocido como PCL (que más tarde se convirtió en el estudio principal, Toho), promocionó para directores adjuntos. Aunque no había demostrado interés previo por el cine como profesión, Kurosawa presentó el ensayo requerido, que pedía a los solicitantes que debatieran sobre las deficiencias fundamentales de las películas japonesas y encontraran formas de superarlas. Su punto de vista burlón era que si las deficiencias eran fundamentales, no había forma de corregirlas. El ensayo de Kurosawa le valió un llamado para realizar los exámenes de seguimiento, y el director Kajirō Yamamoto, que estaba entre los examinadores, le tomó cariño a Kurosawa e insistió en que el estudio lo contratara. Kurosawa, de 25 años, se unió a PCL en febrero de 1936.
Durante sus cinco años como asistente de dirección, Kurosawa trabajó bajo numerosos directores, pero por lejos la figura más importante en su desarrollo fue Yamamoto. De sus 24 películas como AD, trabajó en 17 bajo Yamamoto, muchas de ellas comedias con el popular actor Ken'ichi Enomoto, conocido como "Enoken". Yamamoto nutrió el talento de Kurosawa, promoviéndolo directamente de un tercer asistente de dirección a director asistente de dirección después de un año. Las responsabilidades de Kurosawa aumentaron, y trabajó en tareas que van desde la construcción de escenarios y el desarrollo de películas hasta la localización, el pulido de guiones, los ensayos, la iluminación, el doblaje, la edición y la dirección de la segunda unidad. En la última película de Kurosawa como asistente de dirección de Yamamoto, Horse ( Uma, 1941), Kurosawa se hizo cargo de la mayor parte de la producción, ya que su mentor estaba ocupado con el rodaje de otra película.
Un consejo importante que Yamamoto le dio a Kurosawa fue que un buen director necesitaba dominar la escritura de guiones. Kurosawa pronto se dio cuenta de que las ganancias potenciales de sus guiones eran mucho más altas de lo que le pagaban como asistente de dirección. Kurosawa luego escribiría o co-escribiría todas sus propias películas. También con frecuencia escribió guiones para otros directores, como para la película del director de la película contra la guerra Satsuo Yamamoto, A Triumph of Wings ( Tsubasa no gaika , 1942). Este guión externo serviría a Kurosawa como una línea lateral lucrativa que duraría hasta la década de 1960, mucho después de que se hiciera mundialmente famoso.
Películas de guerra y matrimonio (1942-45)
En los dos años posteriores al lanzamiento de Horse en 1941, Kurosawa buscó una historia que pudiera usar para iniciar su carrera como director. Hacia fines de 1942, aproximadamente un año después del ataque japonés a Pearl Harbor, el novelista Tsuneo Tomita publicó su novela de judo inspirada en Musashi Miyamoto, Sanshiro Sugata , cuyos anuncios intrigaron a Kurosawa. Compró el libro el día de su publicación, lo devoró de una sentada e inmediatamente le pidió a Toho que asegurara los derechos de la película. El instinto inicial de Kurosawa resultó correcto ya que, en pocos días, otros tres estudios japoneses importantes también ofrecieron comprar los derechos. Toho prevaleció, y Kurosawa comenzó la preproducción en su trabajo debut como director.
El rodaje de Sanshiro Sugata comenzó en Yokohama en diciembre de 1942. La producción transcurrió sin problemas, pero lograr que la película terminara pasando a los censores era un asunto completamente diferente. La oficina de censura consideró que el trabajo era objetadamente "británico-americano" según los estándares del tiempo de guerra de Japón, y fue solo mediante la intervención del director Yasujiro Ozu, quien defendió la película, que Sanshiro Sugata finalmente fue aceptado para su lanzamiento el 25 de marzo. 1943. (Kurosawa acababa de cumplir 33 años). La película se convirtió en un éxito tanto crítico como comercial. Sin embargo, la oficina de censura luego decidiría recortar unos 18 minutos de filmación, gran parte de la cual ahora se considera perdida.
Luego pasó al tema de las trabajadoras de una época de guerra en The Most Beautiful , una película de propaganda que filmó en un estilo semi-documental a principios de 1944. Para lograr actuaciones realistas de sus actrices, el director las hizo vivir en un real fábrica durante el rodaje, comer los alimentos de fábrica y llamar a los demás por sus nombres de personajes. Utilizaría métodos similares con sus artistas a lo largo de su carrera.
Durante la producción, la actriz que interpreta al líder de los trabajadores de la fábrica, Yōko Yaguchi, fue elegida por sus colegas para presentar sus demandas al director. Ella y Kurosawa estaban constantemente en desacuerdo, y fue a través de estos argumentos que los dos, paradójicamente, se hicieron cercanos. Se casaron el 21 de mayo de 1945, con dos meses de embarazo Yaguchi (nunca reanudó su carrera de actriz), y la pareja permanecerían juntos hasta su muerte en 1985. Ellos tienen dos hijos, ambos Kurosawa sobrevivir a partir de 2018: un hijo, Hisao, nacido el 20 de diciembre de 1945, que serviría como productor de algunos de los últimos proyectos de su padre, y Kazuko, una hija, nacido el 29 de abril de 1954 que se convirtió en un diseñador de vestuario.
Poco antes de su matrimonio, Kurosawa fue presionado por el estudio contra su voluntad de dirigir una secuela de su película debut. El, a menudo descaradamente propagandístico, Sanshiro Sugata Parte II , que se estrenó en mayo de 1945, generalmente se considera una de sus imágenes más débiles.
Kurosawa decidió escribir el guión para una película que sería tanto censurable como menos costosa de producir. Los hombres que pisan la cola del tigre , basados en la obra de Kabuki Kanjinchō y protagonizada por el comediante Enoken, con quien Kurosawa había trabajado durante sus días de asistente de dirección, se completó en septiembre de 1945. En ese momento, Japón se había rendido y la ocupación de Japón había comenzado. Los nuevos censores estadounidenses interpretaron los valores supuestamente promovidos en la imagen como excesivamente "feudales" y prohibieron el trabajo. (No sería lanzado hasta 1952, el año de otra película de Kurosawa, Ikiru, también fue lanzado.) Irónicamente, durante la producción, la película ya había sido atacada por los censores japoneses de la guerra como demasiado occidental y "democrática" (en particular, no le gustaba el portero cómico interpretado por Enoken), por lo que la película probablemente no se hubiera visto la luz del día, incluso si la guerra había continuado más allá de su finalización.
Primeros años de posguerra a Red Beard (1946-1965)
Primeras obras de posguerra (1946-50)
Después de la guerra, Kurosawa, influenciado por los ideales democráticos de la Ocupación, buscó hacer películas que establecieran un nuevo respeto hacia el individuo y el yo. La primera película de este tipo, No arrepentimientos para nuestra juventud(1946), inspirado por el incidente de Takigawa en 1933 y el caso de espionaje de guerra de Hotsumi Ozaki, criticó al régimen de preguerra de Japón por su opresión política. Atípicamente para el director, el heroico personaje central es una mujer, Yukie (Setsuko Hara), quien nació en el privilegio de la clase media alta, cuestiona sus valores en tiempos de crisis política. El guión original tuvo que ser ampliamente reescrito y, debido a su tema controvertido (y porque la protagonista era una mujer), el trabajo completado dividió a los críticos, pero logró ganar la aprobación de las audiencias, que cambiaron las variaciones del título de la película en un eslogan de posguerra.
Su siguiente película, One Wonderful Sunday, se estrenó en julio de 1947 con reseñas mixtas. Es una historia de amor relativamente simple y sentimental que trata con una pareja de posguerra empobrecida que trata de disfrutar, dentro de la devastación de la posguerra de Tokio, su único día de descanso semanal. La película tiene la influencia de Frank Capra, DW Griffith y FW Murnau, cada uno de los cuales fue uno de los directores favoritos de Kurosawa. Otra película estrenada en 1947 con la participación de Kurosawa fue el thriller de acción y aventura Snow Trail., dirigida por Senkichi Taniguchi del guión de Kurosawa. Marcó el debut del joven actor intenso Toshiro Mifune. Fue Kurosawa quien, con su mentor Yamamoto, intervino para persuadir a Toho para que firmara a Mifune, durante una audición en la que el joven impresionó enormemente a Kurosawa, pero logró alejar a la mayoría de los otros jueces.
Drunken Angel a menudo es considerado el primer trabajo importante del director. Aunque el guión, como todas las obras de la era de ocupación de Kurosawa, tuvo que someterse a reescrituras forzadas debido a la censura estadounidense, Kurosawa sintió que esta era la primera película en la que podía expresarse libremente. Una historia muy realista de un médico que trata de salvar a un gángster (yakuza) con tuberculosis, también fue la primera película del director con Toshiro Mifune, que pasaría a interpretar el personaje principal o principal en todos menos uno ( Ikiru ) de las próximas 16 películas del director. Mientras que Mifune no fue elegido como protagonista en Drunken Angel, su explosiva actuación como gángster domina el drama de modo que cambió el enfoque del personaje principal, el médico alcohólico interpretado por Takashi Shimura, quien ya había aparecido en varias películas de Kurosawa. Sin embargo, Kurosawa no quería sofocar la vitalidad inmensa del joven actor, y el carácter rebelde de Mifune electrizó al público de la misma manera en que la actitud desafiante de Marlon Brando asustaría a la audiencia cinematográfica estadounidense unos años más tarde. La película se estrenó en Tokio en abril de 1948 con excelentes críticas y fue elegida por la prestigiosa encuesta de críticos de Kinema Junpo como la mejor película de su año, la primera de tres películas de Kurosawa en ser honrada.
Kurosawa, con el productor Sōjirō Motoki y sus colegas directores y amigos Kajiro Yamamoto, Mikio Naruse y Senkichi Taniguchi, formaron una nueva unidad de producción independiente llamada Film Art Association (Eiga Geijutsu Kyōkai). Para el trabajo debut de esta organización, y la primera película para los estudios Daiei, Kurosawa recurrió a una obra contemporánea de Kazuo Kikuta y, junto con Taniguchi, la adaptó para la pantalla. The Quiet Duel protagonizó a Toshiro Mifune como un joven doctor idealista que lucha contra la sífilis, un intento deliberado de Kurosawa de romper al actor para que no sea encasillado como gángsters. Lanzado en marzo de 1949, fue un éxito de taquilla, pero generalmente se considera uno de los logros menores del director.
Su segunda película de 1949, también producida por Film Art Association y lanzada por Shintoho, fue Stray Dog.. Es una película de detectives (quizás la primera película japonesa importante en ese género) que explora el estado de ánimo de Japón durante su dolorosa recuperación de posguerra a través de la historia de un joven detective, interpretado por Mifune, y su fijación en la recuperación de su arma de mano, que fue robado por un veterano de guerra sin un centavo que procede a usarlo para robar y asesinar. Adaptado de una novela inédita de Kurosawa al estilo de uno de sus escritores favoritos, Georges Simenon, fue la primera colaboración del director con el guionista Ryuzo Kikushima, quien luego ayudó a guionar otras ocho películas de Kurosawa. Una secuencia famosa, prácticamente sin palabras, que dura más de ocho minutos, muestra al detective, disfrazado de veterano empobrecido, deambulando por las calles en busca del ladrón de armas;Godzilla . La película se considera un precursor de los géneros policiales contemporáneos de películas policiales y de procedimiento.
Scandal , lanzado por Shochiku en abril de 1950, se inspiró en las experiencias personales del director con, y la ira hacia, el periodismo amarillo japonés. El trabajo es una ambiciosa mezcla de drama judicial y película de problemas sociales sobre la libertad de expresión y la responsabilidad personal, pero incluso Kurosawa consideraba el producto final como dramáticamente desenfocado e insatisfactorio, y casi todos los críticos están de acuerdo. Sin embargo, sería la segunda película de Kurosawa de 1950, Rashomon , lo que finalmente lo ganaría, y el cine japonés, una audiencia internacional completamente nueva.
Reconocimiento internacional (1950-58)
Después de terminar Scandal , Kurosawa se acercó a los estudios Daiei, que le pidieron al director que les hiciera otra película. Kurosawa eligió un guión de un aspirante a guionista joven, Shinobu Hashimoto, con quien eventualmente trabajaría en nueve de sus películas. Su primer esfuerzo conjunto se basó en el cuento experimental de Ryūnosuke Akutagawa "In a Grove", que relata el asesinato de un samurai y la violación de su esposa desde varios puntos de vista diferentes y conflictivos. Kurosawa vio potencial en el guión, y con la ayuda de Hashimoto, lo pulió y lo expandió y luego se lo lanzó a Daiei, quienes estaban felices de aceptar el proyecto debido a su bajo presupuesto.
El rodaje de Rashomon comenzó el 7 de julio de 1950 y, después de un extenso trabajo de localización en el bosque primitivo de Nara, concluyó el 17 de agosto. Solo una semana se pasó en apresurada postproducción, obstaculizada por un incendio en el estudio, y se estrenó la película final en el Teatro Imperial de Tokio el 25 de agosto, expandiéndose a nivel nacional al día siguiente. La película se encontró con críticas tibias, con muchos críticos desconcertados por su tema y tratamiento únicos, pero sin embargo fue un éxito financiero moderado para Daiei.
La siguiente película de Kurosawa, para Shochiku, fue The Idiot, una adaptación de la novela del escritor favorito del director, Fyodor Dostoyevsky. El cineasta reubicó la historia de Rusia a Hokkaido, pero por lo demás es muy fiel al original, un hecho visto por muchos críticos como perjudicial para el trabajo. Una edición obligatoria del estudio lo acortó del corte original de Kurosawa de 265 minutos (casi cuatro horas y media) a solo 166 minutos, lo que hace que la narración resultante sea extremadamente difícil de seguir. La versión cinematográfica severamente editada es ampliamente considerada hoy como uno de los trabajos menos exitosos del director y la versión original ya no existe. Las revisiones contemporáneas de la versión editada, muy abreviada, fueron muy negativas, pero la película tuvo un éxito moderado en la taquilla, en gran parte debido a la popularidad de una de sus estrellas, Setsuko Hara.
Mientras tanto, sin el conocimiento de Kurosawa, Rashomon había ingresado en el prestigioso Festival de Cine de Venecia, debido a los esfuerzos de Giuliana Stramigioli, una representante de una compañía de cine italiana radicada en Japón, que había visto y admirado la película y convencido a Daiei para que la presentara. El 10 de septiembre de 1951, Rashomon fue galardonado con el premio más importante del festival, el León de Oro, impactando no solo a Daiei sino al mundo cinematográfico internacional, que en ese momento desconocía en gran medida la tradición cinematográfica japonesa de décadas de antigüedad.
Después de que Daiei exhibió muy brevemente una copia subtitulada de la película en Los Ángeles, RKO compró los derechos de distribución a Rashomon en los Estados Unidos. La compañía estaba tomando una apuesta considerable. Acababa de publicar solo una película subtitulada en el mercado estadounidense, y el único talkie japonés anterior comercializado en Nueva York había sido la comedia de Mikio Naruse, ¡Esposa! Be Like a Rose , en 1937: un fracaso crítico y de taquilla. Sin embargo, Rashomon ' s carrera comercial, en gran medida gracias a la solidez comentarios de la prensa e incluso el columnista de Ed Sullivan, fue muy exitosa. (Ganó $ 35,000 en sus primeras tres semanas en un solo teatro de Nueva York, una suma casi inaudita en ese momento).
Este éxito a su vez llevó a una moda en América y Occidente para las películas japonesas durante la década de 1950, reemplazando el entusiasmo por el cine neorrealista italiano. Por ejemplo, a fines de 1952, Rashomon fue lanzado en Japón, Estados Unidos y la mayor parte de Europa. Entre los cineastas japoneses cuyo trabajo, como resultado, comenzó a ganar premios de festivales y lanzamientos comerciales en el oeste fueron Kenji Mizoguchi ( La vida de Oharu , Ugetsu , Sansho el alguacil ) y, algo más tarde, Yasujiro Ozu ( Historia de Tokio , Un otoño Tarde) -artistas muy respetados en Japón pero, antes de este período, casi desconocidos en Occidente. La creciente reputación de Kurosawa entre el público occidental en la década de 1950 haría que el público occidental simpatizara más con la recepción de generaciones posteriores de cineastas japoneses que iban desde Kon Ichikawa, Masaki Kobayashi, Nagisa Oshima y Shohei Imamura hasta Juzo Itami, Takeshi Kitano y Takashi Miike.
Su carrera impulsada por su repentina fama internacional, Kurosawa, ahora se reunió con su estudio original de cine, Toho (que continuaría produciendo sus próximas 11 películas), se puso a trabajar en su próximo proyecto, Ikiru. La película está protagonizada por Takashi Shimura como un burócrata de Tokio plagado de cáncer, Watanabe, en una búsqueda final de significado antes de su muerte. Para el guión, Kurosawa trajo a Hashimoto y al escritor Hideo Oguni, quien luego co-escribiría 12 películas de Kurosawa. A pesar del sombrío tema de la obra, los guionistas adoptaron un enfoque satírico, que algunos han comparado con el trabajo de Brecht, tanto con el mundo burocrático de su héroe como con la colonización cultural de Japón en los Estados Unidos. (Las canciones pop estadounidenses ocupan un lugar destacado en la película.) Debido a esta estrategia, a los realizadores generalmente se les atribuye haber salvado la imagen del tipo de sentimentalismo común a los dramas sobre personajes con enfermedades terminales. Ikiruse inauguró en octubre de 1952 con críticas entusiastas: le ganó a Kurosawa su segundo premio Kinema Junpo a la "Mejor película" y obtuvo un enorme éxito de taquilla. Sigue siendo la más aclamada de todas las películas del artista ambientadas en la era moderna.
En diciembre de 1952, Kurosawa llevó a sus guionistas de Ikiru , Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni, a una residencia aislada de cuarenta y cinco días en una posada para crear el guión de su próxima película, Seven Samurai . El trabajo de conjunto fue la primera película samurai propia de Kurosawa, el género por el que se haría más famoso. La historia simple, sobre una aldea agrícola pobre en el período Sengoku en Japón que contrata a un grupo de samuráis para defenderla de un inminente ataque de bandidos, recibió un tratamiento épico completo, con un elenco enorme (en gran parte formado por veteranos de producciones anteriores de Kurosawa) y una acción meticulosamente detallada, que se extiende a casi tres horas y media de tiempo de pantalla.
Se pasaron tres meses en preproducción y un mes en ensayos. El rodaje demoró 148 días en casi un año, interrumpido por problemas de producción y financiación y por los problemas de salud de Kurosawa. La película finalmente se estrenó en abril de 1954, medio año después de su fecha de lanzamiento original y aproximadamente tres veces superior al presupuesto, lo que la convirtió en la película japonesa más cara jamás realizada. (Sin embargo, para los estándares de Hollywood, era una producción bastante modestamente presupuestada, incluso para esa época). La película recibió una reacción crítica positiva y se convirtió en un gran éxito, recuperando rápidamente el dinero invertido en ella y proporcionando al estudio un producto que podría, y lo hizo, comercializar internacionalmente, aunque con ediciones extensas. Con el tiempo -y con los lanzamientos de video en el cine y en el hogar de la versión sin cortes- su reputación ha crecido constantemente. Ahora es considerado por algunos comentaristas como la mejor película japonesa jamás realizada, y en 1979, una encuesta de críticos cinematográficos japoneses también la votó como la mejor película japonesa jamás realizada. En la versión más reciente (2012) del ampliamente respetado British Film Institute (BFI)Sight & Sound La encuesta de "Greatest Films of All Time", Seven Samurai se colocó en el puesto 17 entre todas las películas de todos los países, tanto en las encuestas de críticos como en las de directores, recibiendo un lugar en las listas Top Ten de 48 críticos y 22 directores.
En 1954, las pruebas nucleares en el Pacífico estaban causando tormentas radiactivas en Japón y un incidente particular en marzo había expuesto a un barco de pesca japonés a la lluvia nuclear, con resultados desastrosos. Es en esta atmósfera ansiosa que la siguiente película de Kurosawa, Record of a Living Being, fue concebido La historia se refería a un anciano dueño de una fábrica (Toshiro Mifune) tan aterrorizado ante la perspectiva de un ataque nuclear que decide mover a toda su familia extendida (tanto legal como extramarital) a lo que él imagina es la seguridad de una granja en Brasil . La producción fue mucho más fluida que la anterior, pero unos días antes de que finalizara el rodaje, el compositor, colaborador y amigo cercano de Kurosawa, Fumio Hayasaka, murió (de tuberculosis) a la edad de 41 años. El alumno de Hayasaka, Masaru Sato , quién anotaría todas las próximas ocho películas de Kurosawa. Registro de un ser vivoabrió en noviembre de 1955 a críticas mixtas y silenciar la reacción de la audiencia, convirtiéndose en la primera película de Kurosawa en perder dinero durante su carrera teatral original. Hoy en día, muchos lo consideran una de las mejores películas sobre los efectos psicológicos del estancamiento nuclear mundial.
El siguiente proyecto de Kurosawa, Throne of Blood , una adaptación de Macbeth -set de William Shakespeare , como Seven Samurai , en la Era Sengoku- representó una ambiciosa transposición del trabajo inglés al contexto japonés. Kurosawa dio instrucciones a su actriz principal, Isuzu Yamada, para considerar el trabajo como si fuera una versión cinematográfica de un clásico literario japonés en lugar de europeo. Dada la apreciación de Kurosawa de la actuación teatral tradicional japonesa, la actuación de los actores, particularmente Yamada, se basa en gran medida en las técnicas estilizadas del teatro Noh. Fue filmado en 1956 y lanzado en enero de 1957 a una respuesta nacional algo menos negativa que en el caso anterior de la película del director. En el extranjero,Throne of Blood , independientemente de las libertades que tome con su material de origen, rápidamente se ganó un lugar entre las adaptaciones de Shakespeare más celebradas.
Otra adaptación de una clásica obra teatral europea siguió casi de inmediato, con la producción de The Lower Depths , basada en una obra de Maxim Gorky, que tuvo lugar en mayo y junio de 1957. En contraste con el barrido de Shakespeare de Throne of Blood , The Lower Depths era filmado en solo dos sets confinados, para enfatizar la naturaleza restringida de las vidas de los personajes. Aunque fiel a la obra, esta adaptación del material ruso a un ambiente completamente japonés-en este caso, el último período Edo-a diferencia de su anterior The Idiot , fue considerado como un éxito artístico. La película se estrenó en septiembre de 1957, recibiendo una respuesta mixta similar a la de Trono de sangre. Sin embargo, algunos críticos lo clasifican entre las obras más infravaloradas del director.
Las tres películas consecutivas de Kurosawa después de Seven Samurai no habían logrado capturar a las audiencias japonesas de la manera en que lo hizo esa película. El humor del trabajo del director se había vuelto cada vez más pesimista y oscuro, con la posibilidad de la redención a través de la responsabilidad personal ahora muy cuestionada, particularmente en Trono de sangre y Las profundidades más bajas . Reconoció esto, y deliberadamente tuvo como objetivo una película más alegre y entretenida para su próxima producción, mientras cambiaba al nuevo formato de pantalla ancha que había ido ganando popularidad en Japón. La película resultante, The Hidden Fortress, es una comedia dramática de acción y aventura sobre una princesa medieval, su leal general y dos campesinos que necesitan viajar a través de las líneas enemigas para llegar a su región de origen. Lanzado en diciembre de 1958, The Hidden Fortress se convirtió en un enorme éxito de taquilla en Japón y fue muy bien recibida por los críticos tanto en Japón como en el extranjero. Hoy en día, la película es considerada uno de los esfuerzos más ligeros de Kurosawa, aunque sigue siendo popular, sobre todo porque es una de las principales influencias en la ópera espacial de 1977 de Star Wars , Star Wars .
Nacimiento de una compañía y Red Beard (1959-65)
Comenzando con Rashomon , las producciones de Kurosawa se habían vuelto cada vez más grandes en alcance y también lo tenían los presupuestos del director. Toho, preocupado por este desarrollo, sugirió que podría ayudar a financiar sus propios trabajos, por lo tanto reduciendo las pérdidas potenciales del estudio, mientras que a su vez se permite más libertad artística como coproductor. Kurosawa estuvo de acuerdo, y la Compañía de producción Kurosawa se estableció en abril de 1959, con Toho como accionista mayoritario.
A pesar de arriesgar su propio dinero, Kurosawa eligió una historia que era más directamente crítica de las élites empresariales y políticas japonesas que cualquier trabajo anterior. El mal sueño bien, basado en un guión del sobrino de Kurosawa, Mike Inoue, es un drama de venganza sobre un joven que es capaz de infiltrarse en la jerarquía de una compañía japonesa corrupta con la intención de exponer a los hombres responsables de la muerte de su padre. Su tema fue tópico: mientras la película estaba en producción, se realizaron manifestaciones masivas contra el nuevo tratado de seguridad entre Estados Unidos y Japón, que muchos japoneses, especialmente los jóvenes, consideraban una amenaza para la democracia del país al otorgar demasiado poder a corporaciones y políticos. . La película se estrenó en septiembre de 1960 con una reacción crítica positiva y un modesto éxito de taquilla. La secuencia de apertura de 25 minutos que representa una recepción de bodas corporativa es ampliamente considerada como una de las piezas más hábilmente ejecutadas de Kurosawa, pero el resto de la película a menudo se percibe como decepcionante en comparación. La película también ha sido criticada por emplear al héroe convencional Kurosawan para combatir un mal social que no puede ser resuelto a través de las acciones de individuos, por valientes o astutos que sean.
Yojimbo ( El guardaespaldas ), la segunda película de Kurosawa Production, se centra en un samurai sin amo, Sanjuro, que camina hacia una ciudad del siglo XIX gobernada por dos facciones violentas opuestas y los provoca para destruirse mutuamente. El director usó este trabajo para tocar con muchas convenciones de género, particularmente el western, mientras que al mismo tiempo ofrece una representación gráfica de la violencia sin precedentes (para la pantalla japonesa). Algunos comentaristas han visto al personaje de Sanjuro en esta película como una figura de fantasía que mágicamente revierte el triunfo histórico de la clase mercantil corrupta sobre la clase samurái. Presentando a Tatsuya Nakadai en su primer papel importante en una película de Kurosawa, y con una fotografía innovadora de Kazuo Miyagawa (quien le disparó a Rashomon) y Takao Saito, la película se estrenó en abril de 1961 y fue una aventura crítica y comercialmente exitosa, ganando más que cualquier película anterior de Kurosawa. La película y su tono negro y cómico también fueron ampliamente imitados en el extranjero. A Fistful of Dollars de Sergio Leone fue un remake virtual (no autorizado) escena por escena con Toho presentando una demanda en nombre de Kurosawa y prevaleciendo.
Tras el éxito de Yojimbo , Kurosawa se encontró bajo la presión de Toho para crear una secuela. Kurosawa recurrió a un guión que había escrito antes de Yojimbo , reformulándolo para incluir al héroe de su película anterior. Sanjuro fue la primera de tres películas de Kurosawa adaptadas de la obra del escritor Shūgorō Yamamoto (las otras serían Red Beard y Dodeskaden ). Es más claro en tono y más parecido a una película de época convencional que Yojimbo , aunque su historia de una lucha de poder dentro de un clan samurai está retratada con matices fuertemente cómicos. La película se estrenó el 1 de enero de 1962, superando rápidamente a Yojimbo 's éxito de taquilla y obteniendo críticas positivas.
Mientras tanto, Kurosawa le había ordenado a Toho que comprara los derechos cinematográficos de King's Ransom , una novela sobre un secuestro escrito por el autor y guionista estadounidense Evan Hunter, bajo el seudónimo de Ed McBain, como una de sus series de delincuentes número 87 del precinto. El director tenía la intención de crear una obra condenando el secuestro, que él consideraba uno de los peores crímenes. La película de suspense, titulada Alto y Bajo, se rodó durante la segunda mitad de 1962 y se lanzó en marzo de 1963. Rompió el récord de taquilla de Kurosawa (la tercera película en una fila para hacerlo), se convirtió en la película japonesa más taquillera del año y ganó críticas entusiastas. Sin embargo, su triunfo fue algo empañado cuando, irónicamente, la película fue culpada por una ola de secuestros ocurridos en Japón en esta época (él mismo recibió amenazas de secuestro dirigidas contra su hija Kazuko). Alto y bajo es considerado por muchos comentaristas como uno de los trabajos más fuertes del director.
Kurosawa pasó rápidamente a su siguiente proyecto, Red Beard . Basada en una colección de cuentos de Shūgorō Yamamoto e incorporando elementos de la novela de Dostoievsky The Insulted and Injured , se trata de una película de época, ambientada en una clínica para los pobres de mediados del siglo XIX, en la que los temas humanistas de Kurosawa quizás tengan su máxima expresión. Un joven médico engreído y materialista, formado en el extranjero, Yasumoto, se ve obligado a convertirse en un interno en la clínica bajo la estricta tutela del Doctor Niide, conocido como "Akahige" ("Barba Roja"), interpretado por Mifune. Aunque se resiste inicialmente a Red Barba, Yasumoto llega a admirar su sabiduría y coraje, y para percibir a los pacientes en la clínica, a quienes despreció al principio, como dignos de compasión y dignidad.
Yūzō Kayama, que interpreta a Yasumoto, era una estrella de cine y música extremadamente popular en ese momento, particularmente para su serie de comedias musicales "Young Guy" ( Wakadaishō ), por lo que firmarlo para aparecer en la película virtualmente garantizaba la fuerte taquilla de Kurosawa. El rodaje, el más largo del cineasta, duró más de un año (después de cinco meses de preproducción) y se envolvió en la primavera de 1965, dejando exhausto al director, a su equipo y a sus actores. Barba rojase estrenó en abril de 1965, convirtiéndose en la producción japonesa más taquillera del año y la tercera (y última) película de Kurosawa en la prestigiosa encuesta anual de críticos de Kinema Jumpo. Sigue siendo una de las obras más conocidas y amadas de Kurosawa en su país natal. Fuera de Japón, los críticos han estado mucho más divididos. La mayoría de los comentaristas reconocen sus méritos técnicos y algunos lo alaban entre los mejores de Kurosawa, mientras que otros insisten en que carece de complejidad y poder narrativo genuino, y otros afirman que representa un retroceso del compromiso previo del artista con el cambio social y político.
La película marcó el fin de una era para su creador. El mismo director reconoció esto en el momento de su lanzamiento, diciéndole al crítico Donald Richie que un ciclo de algún tipo acababa de llegar a su fin y que sus futuras películas y métodos de producción serían diferentes. Su predicción resultó bastante precisa. A partir de finales de la década de 1950, la televisión comenzó a dominar cada vez más el tiempo de ocio de la antigua y leal audiencia cinematográfica japonesa. Y a medida que los ingresos de las compañías cinematográficas cayeron, también lo hizo su apetito por el riesgo, particularmente el riesgo representado por los costosos métodos de producción de Kurosawa.
Red Beard también marcó el punto intermedio, cronológicamente, en la carrera del artista. Durante sus veintinueve años previos en la industria del cine (que incluye sus cinco años como asistente de dirección), dirigió veintitrés películas, mientras que durante los veintiocho años restantes, por muchas y complejas razones, solo completaría siete Más. Además, por razones nunca explicadas adecuadamente, Red Beard sería su película final protagonizada por Toshiro Mifune. Yu Fujiki, un actor que trabajó en The Lower Depths , observó, con respecto a la cercanía de los dos hombres en el set, "el corazón del Sr. Kurosawa estaba en el cuerpo del Sr. Mifune". Donald Richie describió la relación entre ellos como única ". simbiosis".
Las ambiciones de Hollywood para la última película (1966-1998)
Desvío de Hollywood (1966-68)
Cuando el contrato exclusivo de Kurosawa con Toho llegó a su fin en 1966, el director de 56 años estaba considerando seriamente el cambio. Observando el turbulento estado de la industria cinematográfica nacional y habiendo recibido docenas de ofertas del extranjero, la idea de trabajar fuera de Japón le atraía como nunca antes.
Para su primer proyecto en el extranjero, Kurosawa eligió una historia basada en un artículo de la revista Life . El thriller de acción de Embassy Pictures, para ser filmado en inglés y llamado simplemente Runaway Train , habría sido el primero en color. Pero la barrera del idioma resultó ser un problema importante, y la versión en inglés del guión ni siquiera se terminó cuando el rodaje comenzara en otoño de 1966. El rodaje, que requería nieve, se movió al otoño de 1967 y luego se canceló en 1968. Casi veinte años después, otro extranjero que trabajaba en Hollywood, Andrei Konchalovsky, finalmente formaría Runaway Train , aunque con un guión totalmente diferente al de Kurosawa.
Mientras tanto, el director se había involucrado en un proyecto de Hollywood mucho más ambicioso. Tora! Tora! Tora!, producido por 20th Century Fox y Kurosawa Production, sería una representación del ataque japonés a Pearl Harbor tanto desde el punto de vista estadounidense como japonés, con Kurosawa a la cabeza de la mitad japonesa y un cineasta de habla inglesa dirigiendo la mitad estadounidense . Pasó varios meses trabajando en el guión con Ryuzo Kikushima y Hideo Oguni, pero muy pronto el proyecto comenzó a desmoronarse. El director elegido para filmar las secuencias americanas resultó no ser el prestigioso cineasta inglés David Lean, como los productores habían llevado a Kurosawa a creer, sino el mucho menos celebrado experto en efectos especiales, Richard Fleischer. El presupuesto también se redujo, y el tiempo de pantalla asignado para el segmento japonés ahora no superaría los 90 minutos, un problema importante, teniendo en cuenta que el guión de Kurosawa duró más de cuatro horas.
El rodaje comenzó a principios de diciembre, pero Kurosawa duraría poco más de tres semanas como director. Luchó para trabajar con un equipo desconocido y los requisitos de una producción de Hollywood, mientras que sus métodos de trabajo desconcertaron a sus productores estadounidenses, quienes finalmente concluyeron que el director debe estar mentalmente enfermo. Kurosawa fue examinado en el Hospital Universitario de Kioto por un neuropsicólogo, el Dr. Murakami, cuyo diagnóstico fue remitido a Darryl Zanuck y Richard Zanuck en los estudios Fox, indicando un diagnóstico de neurastenia afirmando que "sufre de trastornos del sueño, agitados por sentimientos de ansiedad". y en la excitación maníaca causada por la enfermedad mencionada. Es necesario que él tenga descanso y tratamiento médico por más de dos meses ". En la víspera de Navidad de 1968, los estadounidenses anunciaron que Kurosawa había dejado la producción debido a la "fatiga" y lo habían despedido efectivamente. Finalmente fue reemplazado, para las secuencias japonesas de la película, con dos directores, Kinji Fukasaku y Toshio Masuda.
Tora! Tora! Tora! , finalmente lanzado a críticas poco entusiastas en septiembre de 1970, fue, como lo expresó Donald Richie, una "tragedia casi absoluta" en la carrera de Kurosawa. Había pasado años de su vida en un proyecto logístico de pesadilla al que finalmente no contribuyó con un pie de película filmado por él mismo. (Le quitaron su nombre de los créditos, aunque el guión utilizado para la mitad japonesa todavía era suyo y de sus co-escritores). Se separó de su antiguo colaborador, el escritor Ryuzo Kikushima, y nunca volvió a trabajar con él. El proyecto había expuesto inadvertidamente la corrupción en su propia compañía de producción (una situación que recuerda a su propia película, The Bad Sleep Well).) Su misma cordura había sido cuestionada. Lo peor de todo es que la industria cinematográfica japonesa -y quizás el mismo hombre- comenzó a sospechar que nunca haría otra película.
Una década difícil (1969-77)
¡Sabiendo que su reputación estaba en juego después de la muy publicitada Tora! Tora! Tora! debacle, Kurosawa se movió rápidamente a un nuevo proyecto para demostrar que todavía era viable. En su ayuda vinieron amigos y afamados directores Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi y Kon Ichikawa, quienes junto con Kurosawa establecieron en julio de 1969 una productora llamada Club de los Cuatro Caballeros (Yonki no kai). Aunque el plan era que los cuatro directores crearan una película cada uno, se sugirió que la motivación real para los otros tres directores era facilitarle a Kurosawa completar con éxito una película y, por lo tanto, encontrar su camino de regreso al negocio.
El primer proyecto propuesto y trabajado fue una película de época que se llamaría Dora-Heita , pero cuando esto se consideró demasiado caro, la atención se desplazó a Dodesukaden., una adaptación de otra obra de Shūgorō Yamamoto, una vez más sobre los pobres e indigentes. La película fue filmada rápidamente (según los estándares de Kurosawa) en aproximadamente nueve semanas, con Kurosawa decidido a demostrar que todavía era capaz de trabajar de manera rápida y eficiente dentro de un presupuesto limitado. Para su primer trabajo en color, la edición dinámica y las composiciones complejas de sus imágenes anteriores se dejaron de lado, con el artista centrándose en la creación de una paleta audaz, casi surrealista de colores primarios, con el fin de revelar el ambiente tóxico en el que los personajes vivir. Fue lanzado en Japón en octubre de 1970, pero aunque fue un éxito menor, fue recibido con indiferencia de la audiencia. La imagen perdió dinero e hizo que el Club de los Cuatro Caballeros se disolviera. La recepción inicial en el extranjero fue algo más favorable, pero Dodesukaden Desde entonces, se ha considerado típicamente un experimento interesante, no comparable al mejor trabajo del director.
Incapaz de asegurar fondos para seguir trabajando y supuestamente sufriendo problemas de salud, Kurosawa aparentemente llegó al punto de quiebre: el 22 de diciembre de 1971, se cortó las muñecas y la garganta varias veces. El intento de suicidio no tuvo éxito y la salud del director se recuperó bastante rápido, con Kurosawa ahora refugiándose en la vida doméstica, sin saber si alguna vez dirigiría otra película.
A principios de 1973, el estudio soviético Mosfilm se acercó al realizador para preguntarle si estaría interesado en trabajar con ellos. Kurosawa propuso una adaptación del trabajo autobiográfico del explorador ruso Vladimir Arsenyev, Dersu Uzala . El libro, sobre un cazador Goldi que vive en armonía con la naturaleza hasta que fue destruido por la invasión de la civilización, fue uno que había querido hacer desde la década de 1930. En diciembre de 1973, Kurosawa, de 63 años, partió para la Unión Soviética con cuatro de sus colaboradores más cercanos, comenzando una estancia de un año y medio en el país. El rodaje comenzó en mayo de 1974 en Siberia, con filmaciones en condiciones naturales extremadamente duras que demostraron ser muy difíciles y exigentes. La película concluyó en abril de 1975, con un Kurosawa completamente exhausto y nostálgico que regresa a Japón y su familia en junio.Dersu Uzala tuvo su estreno mundial en Japón el 2 de agosto de 1975 y tuvo un buen desempeño en taquilla. Mientras que la recepción crítica en Japón fue silenciada, la película fue mejor revisada en el extranjero, ganando el Premio de Oro en el 9 ° Festival Internacional de Cine de Moscú, así como un Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera. Hoy, los críticos siguen divididos sobre la película: algunos lo ven como un ejemplo del supuesto declive artístico de Kurosawa, mientras que otros lo cuentan entre sus mejores obras.
Aunque le presentaron propuestas para proyectos de televisión, no tenía interés en trabajar fuera del mundo de la película. Sin embargo, el director de bebidas alcohólicas aceptó aparecer en una serie de anuncios de televisión para el whisky Suntory, que salió al aire en 1976. Aunque temía que nunca sería capaz de hacer otra película, el director continuó trabajando en varios proyectos, escribiendo guiones. y crear ilustraciones detalladas, con la intención de dejar atrás un registro visual de sus planes en caso de que nunca pueda filmar sus historias.
Dos epopeyas (1978-86)
En 1977, el director estadounidense George Lucas lanzó Star Wars , una película de ciencia ficción de gran éxito influenciada por The Hidden Fortress de Kurosawa , entre otras obras. Lucas, como muchos otros directores de New Hollywood, veneraba a Kurosawa y lo consideraba un modelo a seguir, y se sorprendió al descubrir que el cineasta japonés no podía asegurar el financiamiento de ningún trabajo nuevo. Los dos se reunieron en San Francisco en julio de 1978 para discutir el proyecto que Kurosawa consideraba más viable desde el punto de vista financiero: Kagemusha, la historia épica de un ladrón contratado como el doble de un señor japonés medieval de un gran clan. Lucas, cautivado por el guión y las ilustraciones de Kurosawa, aprovechó su influencia sobre 20th Century Fox para coaccionar al estudio que había despedido a Kurosawa solo diez años antes para producir Kagemusha , y luego reclutó a su colega Fan Ford Coppola como coproductor.
La producción comenzó el siguiente abril, con Kurosawa de buen humor. El rodaje duró desde junio de 1979 hasta marzo de 1980 y estuvo plagado de problemas, entre ellos el despido del actor principal original, Shintaro Katsu, creador del muy popular personaje Zatoichi, debido a un incidente en el que el actor insistió, en contra los deseos del director al grabar su propia actuación. (Fue reemplazado por Tatsuya Nakadai, en su primero de los dos papeles principales consecutivos en una película de Kurosawa.) La película se completó con unas pocas semanas de retraso y se inauguró en Tokio en abril de 1980. Rápidamente se convirtió en un éxito masivo en Japón. La película también fue un éxito de taquilla y crítica en el extranjero, ganando la codiciada Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1980 en mayo, aunque algunas críticas, en ese entonces y ahora, han criticado la película por su supuesta frialdad.Kagemusha , recogiendo premios y elogios, y exhibiendo como arte los dibujos que había hecho para servir como guiones gráficos para la película.
El éxito internacional de Kagemusha permitió a Kurosawa continuar con su próximo proyecto, Ran , otra épica en una línea similar. El guión, basado en parte en el Rey Lear de William Shakespeare , representaba a un daimyō despiadado y sediento de sangre(Señor de la Guerra), interpretado por Tatsuya Nakadai, quien, después de desterrar tontamente a su único hijo leal, entrega su reino a sus otros dos hijos, que luego lo traicionan, hundiendo así todo el reino en la guerra. Como los estudios japoneses aún se sentían recelosos de producir otra película que se ubicaría entre las más caras jamás hechas en el país, nuevamente se necesitaba ayuda internacional. Esta vez vino del productor francés Serge Silberman, que había producido las últimas películas de Luis Buñuel. El rodaje no comenzó hasta diciembre de 1983 y duró más de un año.
En enero de 1985, la producción de Ran se detuvo cuando Yoko, la esposa de Kurosawa, de 64 años, enfermó. Murió el 1 de febrero. Kurosawa volvió para terminar su película y Ran seestrenó en el Festival de Cine de Tokio el 31 de mayo, con un gran lanzamiento al día siguiente. La película fue un éxito financiero moderado en Japón, pero más grande en el exterior y, como lo había hecho con Kagemusha , Kurosawa se embarcó en un viaje a Europa y América, donde asistió a los estrenos de la película en septiembre y octubre.
Ran ganó varios premios en Japón, pero no fue tan honrado allí como lo habían sido muchas de las mejores películas del director de los años 1950 y 1960. El mundo del cine se sorprendió, sin embargo, cuando Japón pasó por alto la selección de Ran en favor de otra película como entrada oficial para competir por una nominación al Oscar en la categoría de Mejor Película Extranjera, que finalmente fue rechazada para la competencia en los 57 Premios de la Academia. Tanto el productor como el mismo Kurosawa atribuyeron la falla de incluso presentar a Ran por competencia a un malentendido: debido a las reglas arcanas de la Academia, nadie estaba seguro de si Ran calificaba como una película japonesa , una francesa.película (debido a su financiación), o ambas, por lo que no se presentó en absoluto. En respuesta a lo que al menos parecía ser un evidente desaire por parte de sus propios compatriotas, el director Sidney Lumet dirigió una exitosa campaña para que Kurosawa recibiera una nominación al Oscar como Mejor Director ese año (Sydney Pollack finalmente ganó el premio por dirigir Out of Africa ). . Ran ' s diseñador de vestuario, Emi Wada, sólo ganó Oscar de la película.
Kagemusha y Ran , particularmente este último, a menudo se consideran entre las mejores obras de Kurosawa. Después de Ran ' versión s, Kurosawa apuntaría a ella como su mejor película, un cambio importante de actitud para el director que, cuando se le preguntó cuál de sus obras fue su mejor, siempre había respondido previamente 'mi próxima'.
Trabajos finales y últimos años (1987-98)
Para su próxima película, Kurosawa eligió un tema muy diferente de cualquiera que haya filmado antes. Mientras que algunas de sus imágenes anteriores (por ejemplo, Drunken Angel y Kagemusha) habían incluido secuencias de sueños breves, Dreamsse basaría completamente en los propios sueños del director. Significativamente, por primera vez en más de cuarenta años, Kurosawa, para este proyecto profundamente personal, escribió el guión solo. Aunque su presupuesto estimado era inferior al de las películas inmediatamente anteriores, los estudios japoneses aún no estaban dispuestos a respaldar una de sus producciones, por lo que Kurosawa recurrió a otro famoso fanático estadounidense, Steven Spielberg, quien convenció a Warner Bros. de comprar los derechos internacionales de la obra completa. película. Esto facilitó que el hijo de Kurosawa, Hisao, como coproductor y pronto jefe de Kurosawa Production, negociara un préstamo en Japón que cubriría los costos de producción de la película. El rodaje tardó más de ocho meses en completarse, y Dreamsse estrenó en Cannes en mayo de 1990 en una recepción educada pero silenciada, similar a la reacción que la imagen generaría en el resto del mundo. En 1990, aceptó el Premio de la Academia por su trayectoria.
Kurosawa ahora recurre a una historia más convencional con Rhapsody en agosto , la primera película del director producida en Japón desde Dodeskaden.más de veinte años antes, que exploró las cicatrices del bombardeo nuclear que destruyó Nagasaki al final de la Segunda Guerra Mundial. Fue adaptado de una novela de Kiyoko Murata, pero las referencias de la película al bombardeo de Nagasaki provinieron del director y no del libro. Esta fue su única película que incluyó un papel para una estrella de cine estadounidense: Richard Gere, quien desempeña un pequeño papel como sobrino de la heroína anciana. El rodaje tuvo lugar a principios de 1991, con la apertura de la película el 25 de mayo de ese año a una reacción crítica en gran parte negativa, especialmente en los Estados Unidos, donde el director fue acusado de promulgar sentimientos ingenuamente antiamericanos, aunque Kurosawa rechazó estas acusaciones.
Kurosawa no perdió tiempo en pasar a su siguiente proyecto: Madadayo , o aún no . Basado en ensayos autobiográficos de Hyakken Uchida, la película sigue la vida de un profesor japonés de alemán durante la Segunda Guerra Mundial y más allá. La narración se centra en las celebraciones anuales de cumpleaños con sus antiguos alumnos, durante los cuales el protagonista declara su falta de voluntad para morir por el momento, un tema que se estaba volviendo cada vez más relevante para el creador de 81 años de la película. La filmación comenzó en febrero de 1992 y concluyó a fines de septiembre. Su lanzamiento el 17 de abril de 1993 fue recibido por una reacción aún más desilusionada de lo que había sido el caso con sus dos trabajos anteriores.
Kurosawa, sin embargo, continuó trabajando. Escribió los guiones originales The Sea is Watchingen 1993 y After the Rain en 1995. Mientras daba los toques finales al último trabajo en 1995, Kurosawa se resbaló y le rompió la base de la espina dorsal. Después del accidente, usaría una silla de ruedas por el resto de su vida, poniendo fin a cualquier esperanza de que dirija otra película. Su antiguo deseo de morir en el set mientras rodaba una película nunca se cumplió.
Después de su accidente, la salud de Kurosawa comenzó a deteriorarse. Mientras su mente permanecía aguda y viva, su cuerpo se daba por vencido, y durante el último medio año de su vida, el director estuvo mayormente confinado a la cama, escuchando música y mirando televisión en casa. El 6 de septiembre de 1998, Kurosawa murió de un derrame cerebral en Setagaya, Tokio, a los 88 años. En el momento de su muerte, Kurosawa tuvo dos hijos, su hijo Hisao Kurosawa que se casó con Hiroko Hayashi y su hija Kazuko Kurosawa que se casó con Harayuki. Kato, junto con varios nietos. Uno de sus nietos, el actor Takayuki Kato y su nieto por Kazuko, se convirtió en actor de reparto en dos películas póstumamente desarrolladas a partir de guiones escritos por Kurosawa que no se habían reproducido durante su vida, After the Rain de Takashi Koizumi.(1999) y The Sea is Watching (2002) de Kei Kumai .
Estilo y temas principales
Desde el comienzo, Kurosawa mostró un estilo audaz y dinámico, fuertemente influenciado por el cine occidental pero bastante distinto de él. Kurosawa participó activamente en todos los aspectos de la producción cinematográfica. También fue un guionista dotado, y solía trabajar en estrecha colaboración con sus coguionistas desde el comienzo del desarrollo de una película para garantizar un guión de alta calidad, que insistió. fue la base absoluta de una buena película. Con frecuencia se desempeñó como editor de sus propias películas y fue considerado por su equipo de producción como "el mejor editor del mundo". Aunque era común en la industria cinematográfica japonesa de la época para los directores establecidos montar un equipo a su alrededor, o "-gumi", con personas del mismo grupo de técnicos creativos, miembros de la tripulación y actores que trabajaban de película en película (para ejemplo,
El estilo de Kurosawa está marcado por una serie de dispositivos y técnicas que Kurosawa introdujo en sus películas a lo largo de las décadas. En sus películas de los años 1940 y 1950, Kurosawa emplea con frecuencia el "corte axial", en el cual la cámara se acerca o aleja del sujeto, no mediante el uso de trazos de seguimiento o disolviendo, sino a través de una serie de coincidencias cortes de salto. Otro rasgo estilístico que los estudiosos han señalado es la tendencia de Kurosawa a "cortar el movimiento": es decir, editar una secuencia de un personaje o personajes en movimiento para que se represente una acción en dos o más tomas separadas, en lugar de una toma ininterrumpida .
Una forma de puntuación cinematográfica muy identificada con Kurosawa es la limpieza. Este es un efecto creado a través de una impresora óptica, en la que, cuando termina una escena, aparece una línea o barra que se mueve a través de la pantalla, "borrando" la imagen y al mismo tiempo revela la primera imagen de la escena siguiente. Como dispositivo de transición, se usa como sustituto del corte recto o la disolución (aunque Kurosawa también usó con frecuencia ambos dispositivos). En su trabajo maduro, Kurosawa empleó la toallita con tanta frecuencia que se convirtió en una especie de firma. Por ejemplo, un bloguero ha contado no menos de 12 instancias de la limpieza en Drunken Angel. Kurosawa siempre prestó gran atención a las bandas sonoras de sus películas, especialmente con énfasis en el contrapunto de la imagen sonora, en el cual la música o los efectos de sonido irónicamente comentarían la imagen en lugar de simplemente reforzarla. (Las memorias de Teruyo Nogami dan varios de esos ejemplos de Drunken Angel y Stray Dog .) También estuvo involucrado con varios de los compositores contemporáneos más destacados de Japón, entre ellos Fumio Hayasaka (quien murió en 1955) y el internacionalmente famoso Tōru Takemitsu.
Kurosawa empleó una serie de temas principales recurrentes en sus películas. Estos incluyen: (a) la relación maestro-discípulo entre un mentor usualmente más viejo y uno o más novicios, que a menudo involucra el dominio y el dominio propio tanto espiritual como técnico; (b) el campeón heroico, el individuo excepcional que emerge de la masa de personas para producir algo o enmendar alguna injusticia; (c) la representación de los extremos del clima como dispositivos dramáticos y símbolos de la pasión humana; y (d) la recurrencia de ciclos de violencia salvaje inexorable dentro de la historia. Según Stephen Prince, el último tema comenzó con Throne of Blood (1957) y se repitió en las películas de Kurosawa de los años ochenta. El Sr. Prince llama a este tema "la contratradición al modo heroico y comprometido del cine de Kurosawa".
Legado
Legado de crítica general
Las críticas a Kurosawa en su legado han seguido significativamente una estrecha paridad entre las principales corrientes de crítica doméstica que sus películas recibieron cuando fueron estrenadas en Japón con la recepción internacional que recibieron sus películas individuales cuando fueron lanzadas al extranjero durante su vida. Desde principios hasta mediados de la década de 1950, varios críticos de la New Wave francesa defendieron las películas del antiguo maestro japonés, Kenji Mizoguchi, a expensas del trabajo de Kurosawa. El crítico-cineasta de New Wave, Jacques Rivette, dijo: "Solo se puede comparar lo que es comparable y lo que apunta lo suficientemente alto ... [Mizoguchi] parece ser el único director japonés que es completamente japonés y, sin embargo, el único que logra una verdadera universalidad, la de un individuo ". Según dichos comentaristas franceses, Mizoguchi parecía, de los dos artistas, el más auténticamente japonés. Pero al menos un estudioso de cine ha cuestionado la validez de esta dicotomía entre el "japonés" Mizoguchi y el "occidental" Kurosawa al señalar que "Mizo" había sido influenciado por el cine occidental y la cultura occidental en general como Kurosawa, y que esto se refleja en su trabajo.
En Japón, ha habido críticos y otros cineastas que han acusado su trabajo de elitismo, debido a su enfoque en individuos y grupos de hombres excepcionales y heroicos. En su comentario en DVD sobre Seven Samurai, Joan Mellen sostiene que ciertas tomas de los personajes samurai Kambei y Kyuzo, que para ella revelan que Kurosawa "privilegia" a estos samuráis, "respaldan el argumento expresado por varios críticos japoneses de que Kurosawa era elitista ... Kurosawa no era un director progresista, argumentaron, ya que sus campesinos no podían descubrir entre sus filas a los líderes que podrían rescatar a la aldea ... Kurosawa se defendió de esta acusación en su entrevista conmigo. "Quería decir que después de todo, los campesinos eran más fuertes, se aferraban mucho a la tierra ... era el samurai que eran débiles porque estaban siendo arrastradas por los vientos del tiempo. ' "
Debido a la popularidad de Kurosawa con el público europeo y estadounidense desde principios de la década de 1950 en adelante, no escapó a la tarea de satisfacer deliberadamente los gustos de los occidentales para lograr o mantener esa popularidad. Joan Mellen, grabando la reacción violentamente negativa (en la década de 1970) del director izquierdista Nagisa Oshima a Kurosawa y su obra, afirma: "Que Kurosawa haya traído la película japonesa a un público occidental significaba para Oshima que debe estar complaciendo a los valores y la política occidentales ". Kurosawa siempre negó enérgicamente complacer a los gustos occidentales: "Nunca atendió a una audiencia extranjera", escribe Audie Bock, "y ha condenado a los que sí saben".
Reputación entre los cineastas
Muchos directores célebres han sido influenciados por Kurosawa y han expresado admiración por su trabajo. Los cineastas citados a continuación pueden presentarse de acuerdo con cuatro categorías: (a) aquellos que, como el propio Kurosawa, establecieron reputaciones críticas internacionales en los años cincuenta y principios de los sesenta; (b) los llamados directores de "Nuevo Hollywood", es decir, cineastas estadounidenses que, en su mayoría, establecieron su reputación a principios o mediados de los años setenta; (c) otros directores asiáticos; y (d) directores modernos.
El director sueco Ingmar Bergman tituló su propia película The Virgin Spring "turístico, una pésima imitación de Kurosawa", y agregó: "En ese momento mi admiración por el cine japonés estaba en su apogeo. ¡Era casi un samurai!" En Italia, Federico Fellini declaró en una entrevista al director "el mejor ejemplo viviente de todo lo que un autor de cine debería ser", a pesar de admitir haber visto solo una de sus películas, Seven Samurai . En Francia, Roman Polanski en 1965 citó a Kurosawa como uno de sus tres cineastas favoritos (con Fellini y Orson Welles), destacando Seven Samurai , Throne of Blood y The Hidden Fortress.para la alabanza El director italiano Bernardo Bertolucci consideró que la influencia del maestro japonés es fundamental: "Las películas de Kurosawa y La Dolce Vita de Fellini son las cosas que me empujaron, me dejaron como director de cine". El director alemán de New Wave, Werner Herzog, ha citado a Kurosawa como una de sus mayores influencias: "De los cineastas con los que siento algo de parentesco, Griffith ... Buñuel, Kurosawa y Eisenstein, Ivan the Terrible, todos vienen a la mente". Cuando se le pidió que incluyera a sus directores favoritos, el director ruso Andrei Tarkovsky citó a Kurosawa como uno de sus favoritos y nombró a Seven Samurai como una de sus diez películas favoritas.
Los nuevos admiradores de Kurosawa en Hollywood han incluido a Robert Altman, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, Martin Scorsese, George Lucas y John Milius. En sus primeros años cuando aún era director de televisión, Robert Altman afirmó que cuando vio por primera vez a Rashomonquedó tan impresionado por el logro de su director de fotografía de disparar varias veces con la cámara apuntando directamente al sol, supuestamente era la primera película en la que esto era hecho con éxito, que él dice que se inspiró al día siguiente para comenzar a incorporar tomas del sol en su trabajo de televisión. Fue Coppola quien dijo de Kurosawa: "Una cosa que lo distingue es que no hizo una obra maestra o dos obras maestras. Hizo, ya sabes, ochoobras maestras ". Tanto Spielberg como Scorsese han elogiado el papel del anciano como maestro y modelo a seguir, y Scorsese lo llamó su sensei , utilizando el término japonés. Spielberg ha declarado:" He aprendido más de él que de cualquier otro cineasta sobre el face of the earth ", mientras que Scorsese comentó:" Permítanme decirlo simplemente: Akira Kurosawa era mi maestro, y ... el maestro de tantos otros cineastas a lo largo de los años ". Varios de estos cineastas también fueron fundamentales para ayudar a Kurosawa a obtener financiación para sus últimas películas: Lucas y Coppola se desempeñaron como coproductores en Kagemusha , mientras que el nombre de Spielberg, prestado a la producción de 1990, Dreams , ayudó a llevar a buen término esa imagen.
Como el primer cineasta asiático en alcanzar prominencia internacional, Kurosawa ha servido de inspiración para otros autores asiáticos . De Rashomon , el director más famoso de India, Satyajit Ray, dijo: "El efecto de la película sobre mí [al verlo por primera vez en Calcuta en 1952] fue eléctrico. Lo vi tres veces en días consecutivos, y me preguntaba si hubo otra película en cualquier lugar que dio una prueba tan sostenida y deslumbrante del dominio de un director sobre todos los aspectos de la realización cinematográfica ". Otros admiradores asiáticos incluyen al actor y director japonés Takeshi Kitano, el cineasta de Hong Kong John Woo, el director de anime japonés Hayao Miyazaki y el director de China continental Zhang Yimou, que llamaron a Kurosawa "el director asiático por excelencia".
Incluso hoy, Kurosawa continúa inspirando e influenciando a los cineastas contemporáneos. Alexander Payne pasó la primera parte de su carrera viendo películas de Kurosawa, más notablemente siete samuráis y Ikiru .Guillermo del Toro hace referencia a Kurosawa "uno de los maestros esenciales", citando Trono de sangre , alta y baja y Ran como entre sus películas favoritas. Kathryn Bigelow elogió a Kurosawa como uno de los "cineastas de alto impacto" que puede crear personajes emocionalmente invertidos. JJ Abrams dice que sacó de Kurosawa mientras creaba Star Wars: the Force Awakens . A la edad de 19 años, Alejandro González Iñárritu recuerda haberse quedado hechizado cuando vio por primera vez a Ikiru.y elogia a Kurosawa como "uno de los primeros genios de la narración de cuentos que comenzó a cambiar la estructura narrativa de las películas". Cuando Spike Lee publicó una lista de 87 películas que todos los directores aspirantes deberían ver, incluyó tres películas de Kurosawa: Rashomon , Yojimbo y Ran .
Guiones póstumos
Tras la muerte de Kurosawa, se han producido varias obras póstumas basadas en sus guiones sin filmar. After the Rain , dirigida por Takashi Koizumi, se estrenó en 1999, y The Sea is Watching , dirigida por Kei Kumai, se estrenó en 2002. Un guión creado por Yonki no Kai ("Club de los Cuatro Caballeros") (Kurosawa, Keisuke). Kinoshita, Masaki Kobayashi y Kon Ichikawa), alrededor del tiempo en que se hizo Dodeskaden , finalmente fue filmada y lanzada (en 2000) como Dora-Heita , por el único miembro fundador sobreviviente del club, Kon Ichikawa. Huayi Brothers Media y CKF Pictures en China anunciaron en 2017 sus planes de producir una película del guión póstumo de Kurosawa de La máscara de la peste negrapor Edgar Allan Poe para 2020. Patrick Frater, que escribió para la revista Variety en mayo de 2017, declaró que se planeaban otras dos películas inacabadas de Kurosawa, con Silvering Spear para comenzar a rodar en 2018.
Compañía de producción Kurosawa
En septiembre de 2011, se informó que el proyecto Akira Kurosawa 100 asignó los derechos de remake a la mayoría de las películas y los guiones no producidos de Kurosawa a la compañía con sede en Los Ángeles Splendent. El jefe de Splendent, Sakiko Yamada, declaró que su objetivo era "ayudar a los cineastas contemporáneos a presentar una nueva generación de cinéfilos a estas historias inolvidables".
Kurosawa Production Co., establecida en 1959, continúa supervisando muchos de los aspectos del legado de Kurosawa. El hijo del director, Hisao Kurosawa, es el actual jefe de la compañía. Su filial estadounidense, Kurosawa Enterprises, se encuentra en Los Ángeles. Los derechos sobre las obras de Kurosawa fueron conservados por Kurosawa Production y los estudios cinematográficos bajo los que trabajó, sobre todo Toho. Estos derechos fueron asignados al Proyecto Akira Kurosawa 100 antes de ser reasignados en 2011 a la empresa con sede en Los Ángeles Splendent. Kurosawa Production trabaja en estrecha colaboración con la Fundación Akira Kurosawa, establecida en diciembre de 2003 y también dirigida por Hisao Kurosawa. La fundación organiza una competencia anual de cortometrajes y encabeza los proyectos relacionados con Kurosawa, incluyendo uno recientemente archivado para construir un museo conmemorativo para el director.
Estudios de cine y premios
En 1981, se abrió el Kurosawa Film Studio en Yokohama; desde entonces se han lanzado dos ubicaciones adicionales en Japón. Se ha puesto a disposición una gran colección de material de archivo, incluyendo guiones, fotos y artículos de noticias escaneados, a través del Archivo Digital Akira Kurosawa, un sitio web japonés propiedad del Centro de Investigación de Archivos Digitales de la Universidad Ryukoku en colaboración con Kurosawa Production. La Escuela de Cine Akira Kurosawa de la Universidad de Anaheim se lanzó en la primavera de 2009 con el respaldo de Kurosawa Production. Ofrece programas en línea en la fabricación de películas digitales, con sede en Anaheim y un centro de aprendizaje en Tokio.
Dos premios de cine también han sido nombrados en honor de Kurosawa. El Premio Akira Kurosawa a los Logros de toda la vida en Dirección de Cine se otorga durante el Festival Internacional de Cine de San Francisco, mientras que el Premio Akira Kurosawa se otorga durante el Festival Internacional de Cine de Tokio. En 1999 fue nombrado "Asiático del Siglo" en la categoría "Arte, Literatura y Cultura" por Asian Weekla revista y CNN, citada como "una de las [cinco] personas que más contribuyeron al mejoramiento de Asia en los últimos 100 años". En conmemoración del centésimo aniversario del nacimiento de Kurosawa en 2010, se lanzó un proyecto llamado AK100 en 2008. El proyecto AK100 tiene como objetivo "exponer a los jóvenes que son los representantes de la próxima generación y todas las personas en todas partes, a la luz y el espíritu de Akira Kurosawa y el maravilloso mundo que creó ".
La Universidad de Anaheim en cooperación con la Familia Kurosawa estableció la Escuela de Cine Akira Kurosawa de la Universidad de Anaheim para ofrecer programas de aprendizaje en línea y semipresencial sobre Akira Kurosawa y cine. La película animada de Wes Anderson, Isle of Dogs,está parcialmente inspirada en las técnicas de filmación de Kurosawa. En el 64º Festival de Cine de Sydney, hubo una retrospectiva de Akira Kurosawa donde se proyectaron películas suyas para recordar el gran legado que ha creado a partir de su trabajo.
Documentales
Una cantidad significativa de documentales de larga duración y cortos sobre la vida y las películas de Kurosawa se hicieron durante su vida y después de su muerte. AK fue filmado en 1985 y es un documental francés dirigido por Chris Marker. Aunque se filmó mientras Kurosawa estaba trabajando en Ran , la película se centra más en la personalidad remota pero educada de Kurosawa que en la realización de la película. El documental a veces se ve como un reflejo de la fascinación de Marker por la cultura japonesa, que también utilizó para una de sus películas más conocidas, Sans Soleil . La película se proyectó en la sección Un Certain Regard en el Festival de Cine de Cannes de 1985. Otros documentales sobre la vida de Kurosawa y obras producidas póstumamente incluyen:
- Kurosawa: El último emperador (Alex Cox, 1999)
- Un mensaje de Akira Kurosawa: Para bellas películas (Hisao Kurosawa, 2000)
- Kurosawa (Adam Low, 2001)
- Akira Kurosawa: es maravilloso de crear (Toho Masterworks, 2002)
- Akira Kurosawa: lo épico y lo íntimo (2010)
- Camino de Kurosawa (Catherine Cadou, 2011)
Obtenido de: https://en.wikipedia.org/wiki/Akira_Kurosawa