Igor Stravinsky
Igor Stravinsky » Compositores y músicos
Igor Fyodorovich Stravinsky (/ strəvɪnski /; Ruso: Игорь Фёдорович Стравинский, IPA: [iɡərʲ fədərʲɪvʲɪtɕ strɕvʲinskʲɪj]; 17 de junio [OS 5 de junio] 1882 - 6 de abril de 1971) fue un compositor, pianista y director de orquesta nacido en Rusia. Es ampliamente considerado como uno de los compositores más importantes e influyentes del siglo XX.
La carrera compositiva de Stravinsky fue notable por su diversidad estilística. Primero alcanzó la fama internacional con tres ballets encargados por el empresario Serge Diaghilev y actuó por primera vez en París por los Ballets Russes: The Firebird (1910), Petrushka (1911) y The Rite of Spring (1913) de Diaghilev . El último de ellos transformó la forma en que los compositores posteriores pensaron en la estructura rítmica y fue en gran parte responsable de la perdurable reputación de Stravinsky como revolucionario musical que traspasó los límites del diseño musical. Su "fase rusa" que continuó con obras como Renard , Soldier's Tale y Les Noces, fue seguido en la década de 1920 por un período en el que recurrió a la música neoclásica. Las obras de este período tendían a hacer uso de formas musicales tradicionales (concerto grosso, fuga y sinfonía), basándose en estilos anteriores, especialmente a partir del siglo XVIII. En la década de 1950, Stravinsky adoptó procedimientos en serie. Sus composiciones de este período compartieron rasgos con ejemplos de su producción anterior: la energía rítmica, la construcción de ideas melódicas extendidas a partir de unas pocas células de dos o tres notas y la claridad de la forma, y de la instrumentación.
Contenido
- Biografía
- Los primeros años de vida en el Imperio ruso
- Stravinsky y Ucrania
- La vida en Suiza
- La vida en Francia
- La vida en los Estados Unidos
- Música
- Periodo ruso (hacia 1907-1919)
- Período neoclásico (hacia 1920-1954)
- Período serial (1954-1968)
- Innovación e influencia
- Personalidad
- Religión
- Recepción
- Premios
- Grabaciones y publicaciones
- Información general
- Grabaciones y videos
Biografía
Los primeros años de vida en el Imperio ruso
Stravinsky nació el 17 de junio de 1882 en Oranienbaum, un suburbio de San Petersburgo, la capital imperial rusa, y se crió en San Petersburgo. Sus padres fueron Fyodor Stravinsky (1843-1902), un bajo muy conocido en la ópera de Kiev y el Teatro Mariinsky en San Petersburgo, y Anna (née Kholodovsky; 1854-1939), originaria de Kiev, una de las cuatro hijas de un funcionario de alto rango en el Ministerio de Estado de Kiev. Fyodor "descendía de una larga línea de grandes, senadores y terratenientes polacos". Se cree que los ancestros de Stravinsky se remontan a los siglos XVII y XVIII, a los portadores del Escudo de armas Soulima y Strawinski. La rama familiar de Stravinsky probablemente provenía de Stravinskas, polonizados lituanos (o bielorrusos) propietarios de tierras y nobles del Gran Ducado de Lituania.Aún no está claro exactamente cuándo se eliminó la parte Soulima del apellido.
Stravinsky recordó sus días de escuela por ser solitaria, más tarde diciendo que "Nunca me encontré con nadie que tuviera ningún atractivo real para mí". Stravinsky comenzó sus clases de piano cuando era niño, estudiando teoría musical e intentando la composición. En 1890, vio una actuación del ballet de Tchaikovsky The Sleeping Beauty en el Teatro Mariinsky. Por quince años de edad, que había dominado concierto para piano de Mendelssohn en sol menor y terminar una reducción para piano de un cuarteto de cuerdas por Glazunov, que al parecer considera poco musical de Stravinsky y pensó poco de sus habilidades.
A pesar de su entusiasmo por la música, sus padres esperaban que estudiara derecho. Stravinsky se matriculó en la Universidad de San Petersburgo en 1901, pero asistió a menos de cincuenta sesiones de clase durante sus cuatro años de estudio. En el verano de 1902, Stravinsky se quedó con el compositor Nikolai Rimsky-Korsakov y su familia en la ciudad alemana de Heidelberg, donde Rimsky-Korsakov, podría decirse que el principal compositor ruso en ese momento, le sugirió a Stravinsky que no debe entrar en el San Petersburgo Conservatorio pero en lugar de eso, estudia componiendo tomando lecciones privadas, en gran parte debido a su edad. El padre de Stravinsky murió de cáncer ese año, cuando su hijo ya había comenzado a dedicar más tiempo a sus estudios musicales que a la ley. La universidad estuvo cerrada durante dos meses en 1905 a raíz de Bloody Sunday: Stravinsky fue impedido de tomar sus exámenes finales de abogados y más tarde recibió un diploma de medio curso en abril de 1906. A partir de entonces, se concentró en el estudio de la música. En 1905, comenzó a tomar lecciones privadas dos veces a la semana de Rimsky-Korsakov, a quien llegó a considerar como un segundo padre. Estas lecciones continuaron hasta la muerte de Rimsky-Korsakov en 1908.
En 1905, Stravinsky estaba comprometido con su prima Katherine Gavrylivna Nosenko (llamada "Katya"), a quien conocía desde la primera infancia. A pesar de la oposición de la Iglesia Ortodoxa al matrimonio entre primos hermanos, la pareja se casó el 23 de enero de 1906: sus dos primeros hijos, Fyodor (Theodore) y Ludmila, nacieron en 1907 y 1908, respectivamente.
En febrero de 1909, dos de las obras orquestales de Stravinsky, Scherzo fantastique y Feu d'artifice ( Fuegos artificiales ) se presentaron en un concierto en San Petersburgo, donde fueron escuchadas por Serge Diaghilev, que en ese momento estaba involucrado en la planificación de la presentación de la ópera rusa. y ballet en Paris. Diaghilev quedó suficientemente impresionado por Fireworkspara encargar a Stravinsky que llevara a cabo algunas orquestaciones y luego componer una partitura de ballet de larga duración, The Firebird .
Stravinsky y Ucrania
Desde aproximadamente 1890 hasta 1914, el compositor visitó con frecuencia Ustilug, una ciudad en el moderno Oblast de Volyn, Ucrania. Pasó la mayor parte de sus veranos allí, donde también conoció a su prima, Katherine Nosenko (hija de la hermana de su madre), con quien se casó en 1906. En 1907, Stravinsky diseñó y construyó su propia casa en Ustilug, a la que llamó "mi celestial". lugar". En esta casa, Stravinsky trabajó en diecisiete de sus primeras composiciones, entre ellas Feu d'artifice , The Firebird , Petrushka y The Rite of Spring . Recientemente renovada, esta es la única casa museo de Stravinsky que está abierta al público. Muchos documentos, cartas y fotografías se exhiben allí, y anualmente se lleva a cabo un Festival Stravinsky en la ciudad cercana de Lutsk.
La vida en Suiza
Stravinski se convirtió en una sensación tras el éxito del pájaro de fuego' premier s en París el 25 de junio de 1910. El compositor había viajado desde su finca en Ustilug a París a principios de junio para asistir a los ensayos finales y el estreno de El pájaro de fuego . Su familia se unió a él antes del final de la temporada de ballet y decidieron permanecer en el Oeste por un tiempo, ya que su esposa estaba esperando su tercer hijo. Después de pasar el verano en La Baule, Bretaña, se mudaron a Suiza a principios de septiembre. El 23 de septiembre, nació su segundo hijo Sviatoslav Soulima en una clínica de maternidad en Lausana; a fin de mes, se instalaron en Clarens.
Durante los siguientes cuatro años, Stravinsky y su familia vivieron en Rusia durante los meses de verano y pasaron cada invierno en Suiza. Durante este período, Stravinsky compuso dos obras más para los Ballets Russes: Petrushka (1911) y The Rite of Spring (1913). Poco después del estreno de The Rite of Spring el 29 de mayo de 1913, Stravinsky contrajo la fiebre tifoidea por comer ostras malas, y fue confinado a un asilo de ancianos en París, sin poder partir hacia Ustilug hasta el 11 de julio.
Durante el resto del verano, Stravinsky centró su atención en completar su primera ópera, el Nightingale (generalmente conocido por su título en francés Le Rossignol ), que había comenzado en 1908 (es decir, antes de su asociación con los Ballets Russes). La obra había sido encargada por el Teatro Libre de Moscú por la atractiva tarifa de 10.000 rublos.
La familia Stravinsky regresó a Suiza (como de costumbre) en el otoño de 1913. El 15 de enero de 1914, nació en Lausana un cuarto hijo, Marie Milène (o Maria Milena). Después de su parto, se descubrió que Katya tenía tuberculosis y fue confinada al sanatorio en Leysin, en lo alto de los Alpes. Igor y la familia se instalaron cerca, y él completó Le Rossignol allí el 28 de marzo.
En abril, finalmente pudieron regresar a Clarens. Para entonces, el Teatro Libre de Moscú había quebrado. Como resultado, Le Rossignol se representó por primera vez bajo los auspicios de Diaghilev en la Opéra de París el 26 de mayo de 1914, con decorados y vestuario diseñados por Alexandre Benois. Le Rossignol disfrutó de un tibio éxito entre el público y los críticos, aparentemente porque su delicadeza no satisfacía las expectativas del compositor de The Rite of Spring. Sin embargo, los compositores como Maurice Ravel, Béla Bartók y Reynaldo Hahn encontraron mucho que admirar en la artesanía de la partitura, incluso alegando detectar la influencia de Arnold Schoenberg.
En julio, con la guerra amenazante, Stravinsky hizo un viaje rápido a Ustilug para recuperar efectos personales, incluyendo sus obras de referencia sobre la música folclórica rusa. Regresó a Suiza justo antes de que las fronteras nacionales se cerraran tras el estallido de la Primera Guerra Mundial. La guerra y la posterior Revolución Rusa hicieron imposible para Stravinsky regresar a su tierra natal, y no volvió a pisar suelo ruso hasta octubre de 1962.
En junio de 1915, Stravinsky y su familia se mudaron de Clarens a Morges, una ciudad situada a seis millas al sudoeste de Lausana, a orillas del lago Lemán. La familia vivió allí (en tres direcciones diferentes) hasta 1920.
Stravinsky luchó financieramente durante este período. Rusia (y su sucesora, la URSS) no se adhirieron al Convenio de Berna y esto crea problemas de Stravinsky en la recogida de regalías por las actuaciones de todas sus composiciones ballets rusos. Stravinsky culpó a Diaghilev por sus problemas financieros, acusándolo de no cumplir con los términos de un contrato que habían firmado. Se acercó al filántropo suizo Werner Reinhart en busca de asistencia financiera mientras escribía L'Histoire du soldat ( El cuento del soldado).) Reinhart patrocinó y en gran parte financió su primera actuación, dirigida por Ernest Ansermet el 28 de septiembre de 1918 en el Théâtre Municipal de Lausanne. En agradecimiento, Stravinsky dedicó el trabajo a Reinhart y le entregó el manuscrito original. Reinhart apoyado Stravinsky aún más cuando él financió una serie de conciertos de música de cámara en 1919: incluido era una suite de Historia del soldado arreglado para violín, piano y clarinete, que se realizó por primera vez el 8 de noviembre de 1919, en Lausana. En agradecimiento a su benefactor, Stravinsky también dedicó sus Tres piezas para clarinete(octubre-noviembre de 1918) a Reinhart, que era un excelente clarinetista amateur.
La vida en Francia
Tras el estreno de Pulcinella por los Ballets Russes en París el 15 de mayo de 1920, Stravinsky regresó a Suiza. El 8 de junio, toda la familia dejó Morges por última vez, y se mudó al pueblo pesquero de Carantec en Bretaña durante el verano mientras también buscaba un nuevo hogar en París. Al enterarse de su dilema, la couturière Coco Chanelinvitó a Stravinsky y su familia a residir en su nueva mansión "Bel Respiro" en el suburbio parisino de Garches hasta que pudieran encontrar una residencia más adecuada; llegaron durante la segunda semana de septiembre. Al mismo tiempo, Chanel también garantizó la nueva (diciembre de 1920) la producción de Ballets Russes de The Rite of Spring de Stravinsky con un regalo anónimo a Diaghilev, que se dice que fue de 300,000 francos.
Stravinsky formó una relación comercial y musical con la compañía francesa de fabricación de pianos Pleyel. Pleyel esencialmente actuó como su agente en la recaudación de regalías mecánicas para sus obras y le proporcionó un ingreso mensual y un espacio de estudio en su sede en la que podía trabajar y entretener a amigos y conocidos de negocios. Bajo los términos de su contrato con la compañía, Stravinsky acordó arreglar (y hasta cierto punto volver a componer) muchos de sus primeros trabajos para Pleyela, la marca de piano de Pleyel. Lo hizo de una manera que hizo un uso completo de todas las ochenta y ocho notas del piano, sin tener en cuenta los dedos humanos o las manos. Los rollos no fueron grabados, sino que fueron marcados a partir de una combinación de fragmentos manuscritos y notas escritas a mano por Jacques Larmanjat, director musical del departamento de rollo de Pleyel.El rito de la primavera, Petrushka , el pájaro de fuego y la canción del ruiseñor . Durante la década de 1920, Stravinsky grabó rollos de Duo-Art para la Compañía Aeolian en Londres y Nueva York, y no todos sobrevivieron.
El patrocinio nunca estuvo muy lejos. A principios de la década de 1920, Leopold Stokowski dio apoyo regular a Stravinsky a través de un "benefactor" pseudónimo.
Stravinsky conoció a Vera de Bosset en París en febrero de 1921, mientras estaba casada con el pintor y escenógrafo Serge Sudeikin, y comenzaron un romance que llevó a Vera a dejar a su marido.
En mayo de 1921, Stravinsky y su familia se mudaron a Anglet, cerca de Biarritz, en el suroeste de Francia. Desde entonces hasta la muerte de su esposa en 1939, Stravinsky llevó una doble vida, dividiendo su tiempo entre su familia en Anglet, y Vera en París y de gira. Se dice que Katya soportó la infidelidad de su esposo "con una mezcla de magnanimidad, amargura y compasión".
En septiembre de 1924, Stravinsky compró "una casa cara" en Niza: la Villa des Roses.
De 1931 a 1933, los Stravinskys vivieron en Voreppe, cerca de Grenoble, en el sureste de Francia.
Los Stravinskys se convirtieron en ciudadanos franceses en 1934 y se mudaron a la rue du Faubourg Saint-Honoré en París. Stravinsky recordaba más adelante esta última dirección europea como su infeliz, como la tuberculosis de su mujer infectada a sí mismo ya su hija mayor Ludmila, que murió en 1938. Katya, a la que había estado casado durante 33 años, murió de tuberculosis tres meses después, en marzo 1939. Stravinsky pasó cinco meses en el hospital, tiempo durante el cual su madre murió. Durante sus últimos años en París, Stravinski había desarrollado relaciones profesionales con personas clave en los Estados Unidos: él ya estaba trabajando en su Sinfonía en C para la Chicago Symphony Orchestraand que había acordado entregar los prestigiosos Charles Eliot Norton Lectures en la Universidad de Harvard durante el 1939-40 año académico.
La vida en los Estados Unidos
A pesar del estallido de la Segunda Guerra Mundial el 1 de septiembre de 1939, el viuda Stravinsky navegó (solo) hacia Estados Unidos a fines de mes, llegando a Nueva York y luego a Cambridge, Massachusetts, para cumplir su compromiso en Harvard. Vera lo siguió en enero, y se casaron en Bedford, Massachusetts, el 9 de marzo de 1940.
Stravinsky se instaló en West Hollywood. Pasó más tiempo viviendo en Los Angeles que en cualquier otra ciudad. Se convirtió en ciudadano estadounidense naturalizado en 1945.
Stravinsky se había adaptado a la vida en Francia, pero mudarse a Estados Unidos a la edad de 57 años era una perspectiva muy diferente. Por un tiempo, mantuvo un círculo de contactos y amigos emigrados de Rusia, pero eventualmente descubrió que esto no sostenía su vida intelectual y profesional. Se sintió atraído por la creciente vida cultural de Los Ángeles, especialmente durante la Segunda Guerra Mundial, cuando tantos escritores, músicos, compositores y directores se establecieron en la zona: entre ellos Otto Klemperer, Thomas Mann, Franz Werfel, George Balanchine y Arthur Rubinstein. Bernard Holland afirmó que Stravinsky era especialmente aficionado a los escritores británicos, que lo visitaron en Beverly Hills, "como WH Auden, Christopher Isherwood, Dylan Thomas. Compartieron el gusto del compositor por los espíritus fuertes, especialmente Aldous Huxley, con quien Stravinsky habló en francés".
El acorde séptimo dominante no convencional de Stravinsky en su arreglo del "Star-Spangled Banner" provocó un incidente con la policía de Boston el 15 de enero de 1944, y se le advirtió que las autoridades podrían imponer una multa de $ 100 sobre cualquier "redistribución del himno en todo o en parte ". La policía, como se vio después, estaba equivocada. La ley en cuestión simplemente prohíbe utilizar el himno nacional "como música de baile, como una marcha de salida, o como parte de una mezcla de cualquier tipo", pero el incidente pronto se estableció como un mito, en el que supuestamente se detuvo a Stravinsky, se celebró bajo custodia durante varias noches, y fotografiado para los registros policiales.
La vida profesional de Stravinsky abarcó la mayor parte del siglo XX, incluidos muchos de sus estilos modernos de música clásica, e influyó en los compositores tanto durante como después de su vida. Incluido entre sus estudiantes en la década de 1940 fue el compositor y educador de música estadounidense Robert Strassburg. En 1959, fue galardonado con el Premio Sonning, el honor musical más alto de Dinamarca. En 1962, aceptó una invitación para regresar a Leningrado para una serie de conciertos. Durante su estancia en la URSS, visitó Moscú y se reunió con varios compositores soviéticos destacados, entre ellos Dmitri Shostakovich y Aram Khachaturian.
En 1969, Stravinsky se mudó a Essex House en Nueva York, donde vivió hasta su muerte en 1971 a los 88 años de insuficiencia cardíaca. Fue enterrado en San Michele, cerca de la tumba de Sergei Diaghilev.
Él tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en 1987 fue póstumamente galardonado con el Premio Grammy por el Logro de toda la vida. Fue incluido póstumamente en el Salón de la Fama del Sr. y la Sra. Cornelius Vanderbilt Whitney del Museo Nacional de Danza en 2004.
Música
La producción de Stravinsky se divide típicamente en tres períodos de estilo general: un período ruso, un período neoclásico y un período serial.
Periodo ruso (hacia 1907-1919)
Aparte de unas pocas obras anteriores supervivientes, el período ruso de Stravinsky, a veces llamado período primitivo, comenzó con composiciones realizadas bajo la tutela de Nikolai Rimsky-Korsakov, con quien estudió desde 1905 hasta la muerte de Rimsky en 1908, incluidas las obras orquestales Sinfonía en E
♭ major (1907), Faun y Shepherdess (para mezzo soprano y orquesta, 1907), Scherzo fantastique (1908) y Feu d'artifice (1908/9). Estos trabajos revelan claramente la influencia de Rimsky-Korsakov, pero como ha demostrado Richard Taruskin, también revelan el conocimiento de la música de Stravinsky por Glazunov, Taneyev, Tchaikovsky, Wagner, Dvořák y Debussy, entre otros.
♭ major (1907), Faun y Shepherdess (para mezzo soprano y orquesta, 1907), Scherzo fantastique (1908) y Feu d'artifice (1908/9). Estos trabajos revelan claramente la influencia de Rimsky-Korsakov, pero como ha demostrado Richard Taruskin, también revelan el conocimiento de la música de Stravinsky por Glazunov, Taneyev, Tchaikovsky, Wagner, Dvořák y Debussy, entre otros.
En 1908, Stravinsky compuso Funeral Song (Погребальная песня), op. 5 para conmemorar la muerte de Nikolai Rimsky-Korsakov. La pieza se estrenó el 17 de enero de 1909 en el Gran Salón del Conservatorio de San Petersburgo, pero luego se perdió hasta septiembre de 2015, cuando resurgió en un cuarto trasero del Conservatorio de la ciudad. Se reprodujo por primera vez en más de un siglo el 2 de diciembre de 2016. El redescubrimiento generó mucho entusiasmo y, como resultado, se programaron más de 25 actuaciones en 2017 y más allá.
Actuaciones en San Petersburgo de Scherzo fantástico y fuego artificial atrajeron la atención de Serge Diaghilev, Stravinsky que encargó para orquestar dos obras para piano de Chopin para el ballet Las sílfides que se presentará en el debut de 1909 "Saison Russe" de su nuevo ballet empresa.
El Firebird se presentó por primera vez en la Opéra de París el 25 de junio de 1910 por los Ballets Russes de Diaghilev. Al igual que las primeras obras estudiantiles de Stravinsky, The Firebird siguió mirando hacia atrás a Rimsky-Korsakov no solo en su orquestación, sino también en su estructura general, organización armónica y contenido melódico.
Según Taruskin, el segundo ballet de Stravinsky para el Ballet Russes, Petrushka , es donde "Stravinsky finalmente se convirtió en Stravinsky".
La música en sí misma hace un uso significativo de varias melodías populares rusas, además de dos valses del compositor vienés Joseph Lanner y una melodía del music hall francés ( La Jambe en boiso The Wooden Leg ).
En abril de 1915, Stravinsky recibió una comisión de Winnaretta Singer (Princesse Edmond de Polignac) para una obra de teatro a pequeña escala que se representará en su salón de París. El resultado fue Renard (1916), al que llamó "Un burlesque en el canto y la danza". Renard fue la primera incursión de Stravinsky en el teatro experimental: el prefacio del compositor a la partitura especifica una etapa de caballete en la que todos los intérpretes (incluidos los instrumentistas) debían aparecer simultáneamente y continuamente.
Período neoclásico (hacia 1920-1954)
Apollon musagète (1928), Perséphone (1933) y Orpheus (1947) ejemplifican no solo el regreso de Stravinsky a la música del período clásico, sino también su exploración de temas del antiguo mundo clásico, como la mitología griega. Obras importantes en este período incluyen el Octeto (1923), el Concierto para piano y vientos (1924), la Serenata en A (1925) y la Sinfonía de los Salmos.(1930). En 1951, completó su última obra neoclásica, la ópera "Rake's Progress", con un libreto de WH Audenand Chester Kallman basado en los grabados de William Hogarth. Se estrenó en Venecia ese año y se produjo en Europa el año siguiente, antes de representarse en la Ópera Metropolitana de Nueva York en 1953. Fue escenificado por la Ópera de Santa Fe en un Festival Stravinsky de 1962 en honor del 80º cumpleaños del compositor y fue revivido por la Metropolitan Opera en 1997.
Período serial (1954-1968)
En la década de 1950, Stravinsky comenzó a utilizar técnicas de composición en serie, como la dodecafonía, la técnica de doce tonos ideada originalmente por Arnold Schoenberg. Primero experimentó con técnicas seriales no dodecafónicas en obras vocales y de cámara de pequeña escala como Cantata (1952), Septeto (1953) y Tres canciones de Shakespeare (1953). La primera de sus composiciones basada completamente en tales técnicas fue In Memoriam Dylan Thomas (1954). Agon (1954-57) fue la primera de sus obras en incluir una serie de doce tonos y Canticum Sacrum(1955) fue la primera pieza en contener un movimiento basado por completo en una fila de tonos. Stravinsky amplió su uso de la dodecafonía en obras como Threni(1958) y A Sermon, Narrative and a Prayer (1961), que se basan en textos bíblicos, y The Flood (1962), que mezcla breves textos bíblicos del libro del Génesis con pasajes de las obras de misterio de York y Chester.
Innovación e influencia
Stravinsky ha sido llamado "uno de los innovadores de la época verdaderamente de la música". El aspecto más importante del trabajo de Stravinsky, además de sus innovaciones técnicas (incluido el ritmo y la armonía), es la "cara cambiante" de su estilo compositivo, mientras que "conserva una identidad distintiva y esencial".
El uso de Stravinsky del desarrollo motivic (el uso de figuras musicales que se repiten en diferentes formas a lo largo de una composición o sección de una composición) incluyó el desarrollo motivic aditivo. Aquí es donde se restan o agregan notas a un motivo sin tener en cuenta los cambios consiguientes en el medidor. Una técnica similar se puede encontrar ya en el siglo XVI, por ejemplo, en la música de Cipriano de Rore, Orlandus Lassus, Carlo Gesualdo y Giovanni de Macque, música con la que Stravinsky exhibió considerable familiaridad.
El Rite of Spring es notable por su uso implacable de ostinati, por ejemplo en el ostinato de corcheas en cuerdas acentuadas por ocho cuernos en la sección "Augurs of Spring (Dances of the Young Girls)". El trabajo también contiene pasajes donde varios ostinati chocan entre sí. Stravinsky se destacó por su uso distintivo del ritmo, especialmente en el Rito de la Primavera(1913) Según el compositor Philip Glass, "la idea de empujar los ritmos a lo largo de las líneas del compás [...] abrió el camino [...]. La estructura rítmica de la música se volvió mucho más fluida y, de alguna manera, espontánea". Glass menciona la "unidad rítmica primitiva, poco convencional" de Stravinsky. Según Andrew J. Browne, "Stravinsky es quizás el único compositor que ha elevado el ritmo en sí mismo a la dignidad del arte". El ritmo y la vitalidad de Stravinsky influyeron mucho en el compositor Aaron Copland.
A lo largo de su carrera, Stravinsky reclamó una gran variedad de fuerzas orquestales, instrumentales y vocales, desde instrumentos individuales en obras como Three Pieces for Clarinet(1918) o Elegy for Solo Viola (1944) hasta la enorme orquesta de The Rite of Spring (1913), que Aaron Copland caracterizó como "el logro orquestal más destacado del siglo XX".
La creación de Stravinsky de conjuntos únicos e idiosincrásicos que surgen de la naturaleza musical específica de las obras individuales es un elemento básico de su estilo.
Siguiendo el modelo de su maestro, Nikolai Rimsky-Korsakov, el estudiante de Stravinsky trabaja como la Sinfonía en E
♭ , op. 1 (1907), Scherzo fantastique , op. 3 (1908), y fuegos artificiales ( Feu d'artifice ), op. 4 (1908), pide grandes fuerzas orquestales. Esto no es sorprendente, ya que las obras fueron tanto ejercicios de orquestación como de composición. La Sinfonía, por ejemplo, requiere 3 flautas (3 ° dobles piccolo); 2 oboes; 3 clarinetes en B ♭ ; 2 fagots; 4 cuernos en F; 3 trompetas en B ♭ ; 3 trombones, tuba, timbales, bombo, triángulo, platillos y cuerdas. El Scherzo fantastique pide una orquesta un poco más grande, pero omite por completo los trombones: esta fue la respuesta de Stravinsky a la crítica de Rimsky sobre su uso excesivo en la Sinfonía.
♭ , op. 1 (1907), Scherzo fantastique , op. 3 (1908), y fuegos artificiales ( Feu d'artifice ), op. 4 (1908), pide grandes fuerzas orquestales. Esto no es sorprendente, ya que las obras fueron tanto ejercicios de orquestación como de composición. La Sinfonía, por ejemplo, requiere 3 flautas (3 ° dobles piccolo); 2 oboes; 3 clarinetes en B ♭ ; 2 fagots; 4 cuernos en F; 3 trompetas en B ♭ ; 3 trombones, tuba, timbales, bombo, triángulo, platillos y cuerdas. El Scherzo fantastique pide una orquesta un poco más grande, pero omite por completo los trombones: esta fue la respuesta de Stravinsky a la crítica de Rimsky sobre su uso excesivo en la Sinfonía.
Los tres ballets compuestos para los Ballets Russes de Diaghilev piden orquestas particularmente grandes:
- El Firebird (1910) requiere vientos en fours, 4 cuernos, 3 trompetas (en A), 3 trombones, tuba, celesta, 3 arpas, piano y cuerdas. La sección de percusión incluye timbales, bombo, platillos, triángulo, pandereta, tamtam, campanas tubulares, glockenspiel y xilófono. Además, la versión original requiere 3 trompetas en el escenario y 4 tubas Wagner en el escenario (2 tenores y 2 bajos).
- La versión original de Petrushka (1911) requiere una orquesta similar (sin metal en el escenario, pero con la incorporación de una caja de batería en el escenario). El papel particularmente destacado del piano es el resultado del origen de la música como Konzertstück para piano y orquesta.
- The Rite of Spring (1913) pide la orquesta más grande que Stravinsky haya utilizado: flautín, 3 flautas (3 ° dobles 2 ° piccolo), flauta travesera, 4 oboes (4 ° dobles 2 ° coro inglés), corno inglés, clarinete piccolo en D / E ♭ , 3 clarinetes (3 ° dobles 2 ° clarinete bajo), clarinete bajo, clarinete piccolo, 4 fagots (4 ° dobles 2 ° contrafagot), contrafagot, 8 cuernos (7 ° y 8 ° tenor Wagner tubas), trompeta piccolo en D, 4 trompetas en C ( 4ª trompeta de bajo en E ♭ ), 3 trombones (2 tenores, 1 bajo), 2 tubas. La percusión incluye 5 timbales (2 jugadores), bombo, tamtam, triángulo, pandereta, platillos, címbalos antiguos, güiro y cuerdas. (Piano, celesta y arpa no están incluidos).
Personalidad
Stravinsky mostró un gusto por la literatura que era amplio y reflejaba su constante deseo de nuevos descubrimientos. Los textos y las fuentes literarias para su trabajo comenzaron con un período de interés en el folclore ruso, que progresó a autores clásicos y la liturgia latina y se trasladó a la Francia contemporánea (André Gide, en Perséfone ) y finalmente a la literatura inglesa, incluyendo WH Auden, TS Eliot y el verso inglés medieval.
También tenía un deseo inagotable de explorar y aprender sobre el arte, que se manifestó en varias de sus colaboraciones en París. No solo fue el compositor principal de los Ballets Russes de Diaghilev, sino que también colaboró con Pablo Picasso ( Pulcinella , 1920), Jean Cocteau ( Edipo Rex , 1927) y George Balanchine ( Apollon musagète)., 1928). Su interés en el arte lo impulsó a desarrollar una fuerte relación con Picasso, a quien conoció en 1917, anunciando que en "un torbellino de entusiasmo artístico y emoción finalmente me encontré con Picasso". De 1917 a 1920, los dos entablaron un diálogo artístico en el que intercambiaron obras de arte en pequeña escala como un signo de intimidad, que incluía el famoso retrato de Stravinsky de Picasso y el "Bosquejo de la música para el clarinete" de Stravinsky. ". Este intercambio fue esencial para establecer cómo los artistas abordarían su espacio de colaboración en Pulcinella .
El joven Stravinsky simpatizaba con el liberalismo burgués y los objetivos del Partido Democrático Constitucional, incluso componiendo un himno para el Gobierno Provisional ruso, antes de girar fuertemente hacia la derecha después de la Revolución de Octubre. En 1930, comentó: "No creo que nadie venere más a Mussolini que yo ... Conozco a muchos personajes exaltados, y la mente de mi artista no se aparta de las cuestiones políticas y sociales. Bueno, después de haber visto tantos eventos y tantos hombres más o menos representativos, tengo un impulso abrumador de rendir homenaje a su Duce. Él es el salvador de Italia y, esperemos, de Europa ". Más tarde, después de una audiencia privada con Mussolini, agregó: "A menos que mis oídos me engañen, la voz de Roma es la voz de Il Duce".. Le dije que me sentía como un fascista ... A pesar de estar muy ocupado, Mussolini me hizo el gran honor de conversar conmigo durante tres cuartos de hora. Hablamos de música, arte y política "Cuando los nazis colocaron las obras de Stravinsky en la lista de 'Entartete Musik', presentó una apelación formal para establecer su genealogía de Rusia y declaró:" Aborrezco todo el comunismo, el marxismo, el monstruo soviético execrable , y también todo el liberalismo, el democratismo, el ateísmo, etc. "
Tras la reubicación en los Estados Unidos en la década de 1940, Stravinsky volvió a abrazar el liberalismo de su juventud y comentó que los europeos "pueden tener sus generalísimos y Führers. Déjenme Sr. Truman y estoy satisfecho". Hacia el final de su vida, a instancias de Craft, Stravinsky hizo una visita de regreso a su país natal y compuso una cantata en hebreo, viajando a Israel para su actuación.
Stravinsky demostró ser un experto en interpretar el papel de un "hombre del mundo", adquirió un agudo instinto para los negocios y parecía relajado y cómodo en público. Su exitosa carrera como pianista y director lo llevó a muchas de las ciudades más importantes del mundo, como París, Venecia, Berlín, Londres, Amsterdam y Nueva York, y fue conocido por su amabilidad, cortés y servicial. Stravinsky tenía fama de haber sido mujeriego y se rumoreaba que había tenido relaciones con socios de alto perfil, como Coco Chanel. Él nunca se refirió a él mismo, pero Chanel habló sobre el presunto romance con su biógrafo Paul Morand en 1946; la conversación fue publicada treinta años después. La veracidad de las afirmaciones de Chanel ha sido cuestionada tanto por la viuda de Stravinsky, Vera, como por Craft. Chanel ' La casa de moda dice que no hay evidencia de que haya ocurrido alguna aventura entre Chanel y Stravinsky. Una ficción del supuesto asunto formó la base de la novelaCoco e Igor (2002) y una película, Coco Chanel e Igor Stravinsky (2009). A pesar de estos supuestos enlaces, Stravinsky era considerado un hombre de familia y dedicado a sus hijos.
Religión
Stravinsky fue un devoto miembro de la Iglesia Ortodoxa Rusa durante la mayor parte de su vida, comentando que "la música alaba a Dios. La música es más o menos capaz de alabarlo que la construcción de la iglesia y toda su decoración; El mayor adorno de la iglesia ".
Aunque Stravinsky no habló abiertamente sobre su fe, fue un hombre profundamente religioso durante algunos períodos de su vida. De niño, fue criado por sus padres en la Iglesia Ortodoxa Rusa. Bautizado al nacer, más tarde se rebeló contra la Iglesia y la abandonó cuando tenía catorce o quince años. A lo largo del ascenso de su carrera, se separó del cristianismo y no fue hasta llegar a los cuarenta años cuando experimentó una crisis espiritual. Después de hacerse amigo de un sacerdote ortodoxo ruso, el padre Nicholas, después de su traslado a Niza en 1924, se volvió a conectar con su fe. Se reincorporó a la Iglesia Ortodoxa Rusa y luego se mantuvo como un cristiano comprometido. Robert Craft observó que Stravinsky rezaba todos los días, antes y después de componer, y también rezaba cuando enfrentaba dificultades. Hacia el final de su vida, ya no pudo asistir a los servicios de la iglesia. En sus últimos años setenta, Stravinsky dijo:
Recepción
Si la intención declarada de Stravinsky era "enviarlos al infierno", entonces puede haber calificado el estreno de 1913 de The Rite of Spring como un éxito: es un famoso disturbio de la música clásica y Stravinsky se refirió a él en varias ocasiones en su autobiografía como un scandale . Hubo informes de peleas a puñetazos en la audiencia y la necesidad de una presencia policial durante el segundo acto. El verdadero alcance del tumulto está abierto al debate y los informes pueden ser apócrifos.
En 1998, la revista Time nombró a Stavinsky como una de las 100 personas más influyentes del siglo. Además del reconocimiento que recibió por sus composiciones, alcanzó fama como pianista y director de orquesta, a menudo en los estrenos de sus obras. En 1923, Erik Satie escribió un artículo sobre Igor Stravinsky en Vanity Fair . Satie conoció a Stravinsky por primera vez en 1910. En el artículo publicado, Satie argumentó que medir la "grandeza" de un artista comparándolo con otros artistas, como si se tratara de una "verdad", es ilusorio y que cada pieza de la música debe juzgarse por sus propios méritos y no comparándola con los estándares de otros compositores. Eso fue exactamente lo que hizo Jean Cocteau cuando comentó desaprobadoramente sobre Stravinsky en su libro de 1918,Le Coq et l'Arlequin .
De acuerdo con The Musical Times en 1923:
En 1935, el compositor estadounidense Marc Blitzstein comparó a Stravinsky con Jacopo Peri y CPE Bach, admitiendo que "no se puede negar la grandeza de Stravinsky. Es solo que no es lo suficientemente grande". La posición marxista de Blitzstein era que el deseo de Stravinsky de "divorciar la música de otras corrientes de la vida", que es "sintomático de un escape de la realidad", resultó en una "pérdida de resistencia", nombrando específicamente a Apolo , el Capriccio y Le Baiser de la fée .
El compositor Constant Lambert describió piezas como L'Histoire du soldat que contienen "abstracción esencialmente de sangre fría". Lambert continuó, "fragmentos melódicos en Histoire du Soldat"son completamente sin sentido ellos mismos. Son meras sucesiones de notas que pueden dividirse convenientemente en grupos de tres, cinco y siete y establecerse frente a otros grupos matemáticos "y describió la cadencia de los tambores como" pureza musical ... lograda por una especie de castración musical ". Comparó la elección de Stravinsky de "frases drásticas y menos significativas" con "Todos los días eran homosexuales, eran homosexuales todos los días" de Gertrude Stein ("Helen Furr y Georgine Skeene", 1922), "cuyo efecto sería igualmente apreciado". por alguien sin ningún conocimiento de inglés ".
En su libro de 1949 Filosofía de la música moderna , Theodor W. Adorno describió a Stravinsky como un acróbata y habló de rasgos hebefrénicos y psicóticos en varias de las obras de Stravinsky. Contrariamente a una idea errónea común, Adorno no creía que las imitaciones hebefrénicas y psicóticas que se suponía que la música debía contener fueran su principal error, como señaló en una posdata que añadió más tarde a su libro. La crítica de Adorno a Stravinsky está más relacionada con la "transición a la positividad" que Adorno encontró en sus obras neoclásicas. Parte del error del compositor, según el punto de vista de Adorno, era su neoclasicismo, pero de mayor importancia era el "pseudomorfismo de la pintura" de su música, que jugaba fuera de las temps espace (tiempo-espacio) en lugar de le temps durée(duración del tiempo) de Henri Bergson. Según Adorno, "un truco caracteriza todos los esfuerzos formales de Stravinsky: el esfuerzo de su música por retratar el tiempo como en un cuadro de circo y presentar complejos temporales como si fueran espaciales. Sin embargo, este truco pronto se agota". Adorno sostuvo que los "procedimientos rítmicos se parecen mucho al esquema de las condiciones catatónicas. En ciertos esquizofrénicos, el proceso por el cual el aparato motor se independiza conduce a una repetición infinita de gestos o palabras, siguiendo la decadencia del ego".
La reputación de Stravinsky en Rusia y la URSS aumentó y disminuyó. Las interpretaciones de su música fueron prohibidas desde alrededor de 1933 hasta 1962, el año en que Nikita Khrushchev lo invitó a la URSS para una visita oficial de estado. En 1972, una proclamación oficial de la Ministra de Cultura soviética, Yekaterina Furtseva, ordenó a los músicos soviéticos "estudiar y admirar" la música de Stravinsky y ella hizo de la hostilidad hacia ella una potencial ofensa. Mientras que la música de Stravinsky ha sido criticada por su variedad de estilos, los académicos habían "comenzado gradualmente a percibir elementos unificadores en la música de Stravinsky" en la década de 1980. Los escritores anteriores, como Aaron Copland, Elliott Carter y Boris de Schloezer tenían puntos de vista algo desfavorables sobre las obras de Stravinsky, y Virgil Thomson, escribiendo en Modern Music. (Una revisión trimestral publicada entre 1925 y 1946), sólo pudo encontrar un campo común " 'seriedad' de 'tono' o de 'uso', 'la correlación exacta entre el objetivo y los medios', o un 'pulcritud como hormigas seca '".
Stravinsky fue honrado en 1982 por el Servicio Postal de los Estados Unidos con un sello de 2 ¢ en la serie Great Americans.
Premios
- 1954: Medalla de oro de la Royal Philharmonic Society
- 1959: Premio de Música Léonie Sonning
- 1963: Premio Wihuri Sibelius
- premios Grammy
- 1962: Mejor composición clásica por compositor contemporáneo ( The Flood )
- 1962: Mejor actuación clásica - Orquesta ( El pájaro de fuego , Igor Stravinsky dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Columbia)
- 1962: Mejor interpretación clásica - Solista instrumental (con orquesta) (Concierto para violín en D, Isaac Stern; Igor Stravinsky, director de la Orquesta Sinfónica de Columbia)
- 1987: Logro de toda una vida (póstumo)
Grabaciones y publicaciones
Igor Stravinsky encontró que las grabaciones son una herramienta práctica y útil para preservar sus pensamientos sobre la interpretación de su música. Como director de su propia música, grabó principalmente para Columbia Records, comenzando en 1928 con una representación de la suite original de The Firebird y concluyendo en 1967 con la suite de 1945 del mismo ballet. A fines de la década de 1940 hizo varias grabaciones para RCA Victor en Republic Studios en Los Angeles. Aunque la mayoría de sus grabaciones fueron hechas con músicos de estudio, también trabajó con la Chicago Symphony Orchestra, la Cleveland Orchestra, la CBC Symphony Orchestra, la New York Philharmonic Orchestra, la Royal Philharmonic Orchestra y la Bavarian Broadcasting Symphony Orchestra.
Durante su vida, Stravinsky apareció en varias transmisiones, incluido el estreno mundial de 1962 de The Flood en CBS Television. A pesar de que hizo una aparición, la actuación real fue realizada por Robert Craft. Numerosas películas y videos del compositor han sido preservados.
Stravinsky publicó varios libros a lo largo de su carrera, casi siempre con la ayuda de un colaborador (a veces no acreditado). En su autobiografía de 1936, Crónica de mi vida , que fue escrita con la ayuda de Walter Nouvel, Stravinsky incluyó su bien conocida declaración de que "la música es, por su propia naturaleza, esencialmente impotente para expresar cualquier cosa". Con Alexis Roland-Manuel y Pierre Souvtchinsky, escribió su 1939-40 Harvard University Charles Eliot Norton Lectures, que se pronunciaron en francés y se recopilaron por primera vez bajo el título Poétique musicale en 1942 y luego se tradujeron en 1947 como Poetics of Music . En 1959, varias entrevistas entre el compositor y Robert Craft fueron publicadas como Conversaciones con Igor Stravinsky, que fue seguido por otros cinco volúmenes durante la década siguiente. Una colección de escritos y entrevistas de Stravinsky aparece bajo el título Confidences sur la musique (Actes Sud, 2013).
Obtenido de: https://en.wikipedia.org/wiki/Igor_Stravinsky